jueves, 22 de agosto de 2019

Divididos - Vengo Del Placard De Otro (2002)


"Vengo del Placard de otro", el séptimo disco de estudio la banda "paisana" de Hurlingham, Divididos, tuvo la difícil tarea de esbozar una caótica época en la Argentina, infundada por una creciente crisis económica y política. Fue así que en gran parte de los 14 temas que componen el trabajo se abordan las diferentes problemáticas de entonces, todo visto desde el particular cristal de Mollo y de Arnedo, principales cabezas compositivas de la banda. Ricardo Mollo, guitarrista y cantante,  había definido al álbum como el sucesor directo de "Narigon del Siglo" (2000), dándonos a entender que sería una continuación del mismo. Lo cierto es que si bien por la época de "Narigón del siglo" ya el país estaba sumergido en diversas problemáticas, en este álbum terminan de asentarse muchisimo mas, dándole un gusto particular a las composiciones. Sin olvidarnos del plus de que este es mucho mas ecléctico que su antecesor. Hay momentos de un pesado y/o denso hard rock ("Cajita Musical", "Miente el After Hour", "Despiertate Nena" o "Libre el jabalí"),  lindas baladas "setenteras" y muy bien logradas ("Pepe Lui, "Vengo del placard de otro") y por supuesto su habitual y exquisita dosis de "Rock folklórico" que tan bien les sienta ("Casitas inundadas, a votar", "Guanuqueando").

Los comienzos de Divididos remiten al año 1988, año posterior a la disolución de Sumo quedando atrás la muerte del legendario Luca Prodan, el 22 de diciembre de 1987. Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto "Superman" Troglio y Germán Daffunchio comienzan a plantearse sus futuros, no sin antes dar un concierto final con el nombre Sumo, el 5 de marzo de 1988 en el Chateau Rock en Córdoba. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Prodan), uniendoseles luego Troglio y estando en las sierras cordobesas, forman Las Pelotas. Al poco tiempo Pettinato se va a España y forma una banda llamada Pachuco Cadáver. Mollo Y Arnedo unen sus fuerzas con el baterista de la banda La Sobrecarga, Gustavo Collado, para formar La División, que al poco tiempo se transformaría en Divididos. El primer manager de la banda fue Poppy Macedo, logra un contrato para la CBS, iniciando las gestiones del álbum debut "40 dibujos ahi en el piso" (1989). Mediando el año 1988, Divididos ya contaba con un serio repertorio para salir al ruedo. Una gran parte del publico que seguía a Sumo asistió a El Rouge Pub de Flores siendo testigo de la primera presentación en vivo del trío. Ademas de tocar, obviamente canciones de Sumo (como "Divididos por la felicidad", "Mañana en el abasto" o "Mejor no hablar de ciertas cosas"), en estos primeros shows darían a conocer canciones como "Haciendo Cosas Raras", "Los hombres huecos" o "Camarón Bombay". Temas que luego aparecerán en el álbum debut "40 dibujos ahi en el piso". El trabajo seguía la linea de álbumes de Sumo, con dosis de reggae, funk, hard rock y algo de punk. El power trio comienza también a alimentar la clara influencia de Hendrix. "40 dibujos ahi en el piso" dejaría canciones memorables en el repertorio de la banda como "Haciendo cosas raras", "Camaron Bombay, "Che, que esperas", "Gárgara larga" o el muy bien logrado clásico de los californianos The Doors: "Light My Fire". Seria el debut y despedida de Collado. La presentación de "40 dibujos ahí en el piso" se llevó a cabo en Cemento, el reducto porteño del empresario Omar Chabán, donde compartieron escenario con Germán Daffunchio y Alejandro Sokol (Las Pelotas), demostrando que la paz entre los dos grupos hermanos estaba sellada. "40 dibujos ahi en el piso" no gozo de un alto nivel de ventas pero quedo en la memoria de los fans de la banda como un gran puntapié para lo que luego vendría . En 1990 se encontraron perpetrando lo que seria su segundo disco "Acariciando Lo Áspero" con cambio de bateria , ingresaría Federico Gil Solá. Corriendo ya el año 1991 bajo la discográfica EMI, Divididos saca del horno "Acariciando lo aspero". "El 38", "Ala delta", "Qué tal?", "Sisters" "Sábado" y "Azulejo" son temas que van conformando el mosaico creativo de la banda de Hurlingham. La influencia "hendrixiana" comienza a emanar mas fluida y directa que nunca con el cover de The Experience, "Voodoo Child (Slight Return)". Y el "folk rock" marca registrada de Divididos comienza dar destellos de gran creatividad con "El Burrito", "Haciendo Cola Para Nacer" y por que no "Cielito lindo". Las presentaciones en vivo comenzaban a dar que hablar. Mollo comienza a homenajear a Jimi Hendrix en "Voodoo Child" , tocando la guitarra con los dientes, y por su particular forma de tocar influenciada por el mismo, con un plus de funk,  hard rock , blues rock , punk y reggae, sumado al solido trabajo rítmico de la destreza de los dedos de Arnedo, siempre predispuesto a abarcar cualquier variedad de estilos que se le presente, esto comienza a labrar la personalidad arrolladora de la banda. Para promocionarlo el grupo ya se había presentado meses antes en el "Festival por los Seis Años de la Rock & Pop", el 6 y 7 de abril de 1991 en el estadio Obras. Divididos se presenta en la segunda fecha junto a Rata Blanca, Illya Kuryaki and The Valderramas y Attaque 77. Poco después siguen con la gira de este disco, llegando a tocar nuevamente en el estadio Obras como teloneros de Faith No More en su visita a la Argentina. La gira en cuestión fue denominada "Tour áspero" con una serie de 13 conciertos durante todo 1992 finalizando a principios de 1993, en el Estadio Obras y en Cemento. Fue durante gran parte de estos shows que Federico Gil Solá se había quemado todo su cuerpo, y  fue reemplazado por Andrea Álvarez (quien había sido percusionista de Soda Stereo), participando durante casi toda la gira. El 18 de enero, después de dos años, la banda vuelve al Teatro Arpegios. En ese recital estrenaron material de lo que sería el álbum consagratorio "La era de la boludez", con Gil Solá nuevamente en las baquetas. Sostenido por los hiper populares cortes "¿Qué ves?" y "El Arriero", de Atahualpa Yupanqui, el tercer trabajo "La era de la boludez" consolida definitivamente la popularidad de la banda  masivamente en Argentina y ademas lo abre de cara al mercado latinoamericano y al mundo. Mezclado en EE. UU y con el excluyente aporte como productor y director artístico de el "Rey Midas" de la música latina, Gustavo Santaolalla. Con "La era de la boludez" la banda llega a un nivel consagratorio con un sonido redondo, compacto y propio, alejando los fantasmas de Sumo definitivamente. En retrospectiva el disco hace un sondeo exhaustivo de las problemáticas de la Argentina "menemista" con cierta jocosidad en ocasiones y seriedad en otras, sin olvidarse tampoco de defender las raíces, que que se extienden no solo en Argentina, sino que también de punta a punta, en todos los pueblos originarios de latinoamérica. Semejante producción y aceptación del publico llevo a el tour a hacer una cantidad de 41 shows entre 1993 y 1995 en varias provincias del pais, llenado una vez mas 13 Obras entre abril y diciembre de 1993 y en 1994 ante 20.000 personas en el estadio de Vélez Sarsfield. Es aquí donde la banda realmente se gana el nombre de "Aplanadora del Rock". El 18 de febrero tocan en la Plaza de las Américas en Buenos Aires, siendo este el último recital con Federico Gil Solá en la batería. Se percibía cierta tensión en general, entre Arnedo y Mollo para con este ultimo, pero mas particularmente en este recital cuando momento de tocar "Roadhouse Blues", Ricardo Mollo se encargó de la voz negándole la participación al baterista, quien lo hacia habitualmente en el tema. Monos con navajas era la banda que despidió al baterista Jorge Araujo, quien reemplazaría a Gil Solá para los shows pendientes y para la grabación de "Otroletravaladna" el siguiente trabajo en estudio de 1995. Un disco raro hasta para la banda misma, por una impronta adrede "anticomercial", debido a el síntoma que muchos artistas padecen luego de un desbordante éxito, y sobretodo en respuesta a las sofocantes demandas de las discográficas. El mismo Mollo dijo sobre este que era "horrible por dentro". Aun así es uno de los mejores álbumes de Divididos, mas variado aun que los anteriores. Se le animan a un tango con "Volver ni a palos", a un "hard rock hendrixiano" que a esta altura llega a una exquisita complejidad única en su estilo, como lo es en "Basta Fuerte", baladas simples y deliciosas en "15-5", extractos caóticos, jocosos  y  hasta experimentales en "Bolero coya/Por el aire como un tiburón" y "Por el aire como un tiburón/Pachanga coya" y una cuota bizarra con folclore en "Anda a lavartelos", entre otras perlas mas. Una vez mas el estadio Obras fue testigo de la presentación del nuevo material el 15 de diciembre de 1995. Llegando a tocar en Puerto Rico y Chile y haciendo un "enchufado" (contrariando los acústicos Unplugged) para la MTV en Miami. El tour de "Otroletravaladna" se extendió hasta principios de 1998, donde ya se comenzaban a presentar temas de su siguiente disco "Gol de mujer" (1998). Este album se presento el 25 de julio de 1998 en el Parque Sarmiento. "Gol de mujer" ahonda mas aun en la diversificación de estilos que siempre nos trae la banda. Expone mas cantidad de climas folclóricos (a veces son muy bien logradas parodias) con, "El gordo legüero", "Clavador de Querubín", "Niño hereje" y "Vientito del Tucumán", esta ultima es un poema inédito de Atahualpa Yupanqui. Los temas potentes dan mucho que hablar, basta con escuchar "Nene de antes", "Cabeza de maceta", "Sobrio a las piñas / Quién se ha tomado todo el vino?", "Cosas de Baboon" o la critica religiosa "Zombie" y por supuesto el bien logrado cover  Billy Bond y la pesada del rock and roll "Salgan al sol". La gira del álbum culminaría triunfalmente en Obras en 1999. Rebosantes de éxito en el verano de 2000 se presentan en la costa atlántica (Mar del Plata, Necochea y Mar de Ajó) con nuevo material, el cual partiría pronto hacia Inglaterra, para documentarlo en Abbey Road Studios con "Narigon del siglo". "Par Mil" y "Spaghetti del rock" impulsaron notablemente uno de los mejores y mas maduros trabajos de Divididos. La gira que los llevo a recorrer buena parte del territorio Argentino y varios paises de sudamerica y europa también (Reino Unido, España y Francia) se extendió hasta 2002 con la particularidad de participar de festivales con muchas bandas y solistas y de contar con varios invitados a saber: León Gieco, Illya Kuryaki and The Valderramas, Jaime Torres, Víctor Heredia, Verónica Condomí, Chango Spasiuk, Manu Chao, Los Pericos, Gillespi, Alambre González, Tito Fargo, Pappo, Machi Rufino, Juan Rodríguez, Mimi Maura, Kapanga, Pez, El Otro Yo y Bersuit Vergarabat, Catupecu Machu, Riff, Los Piojos, La Renga, Callejeros, Pappo's Blues, MAM (la banda de el hermano de Mollo, Omar) y La Mississippi, entre otros.

La banda venia aceitada de conciertos en europa. Habían participado en el Festival Latinoamericano de Toulouse, que tuvo lugar en la Ribera Río Garonne, el 25 de junio de 2002. Tres días después se presentan en Madrid, para regresar a Argentina a comenzar a grabar su séptimo trabajo. Grabado en los estudios "Del Abasto al Pasto" fue producido por Divididos, con el experimentado aporte del ingeniero Alvaro Villagra en la grabacion, masterizacion y mezcla. Un comienzo enérgico acusa "Cajita Musical" con un solido trabajo en la linea de bajo de Arnedo, siendo una mirada del artista sobre la crisis del momento. Un gran aliciente para el músico alentandolo a ser positivo a pesar de la crisis: " Con pedales sulfatados, la bronca linda arranco, hiervo cuerdas para siempre..." o "...con docencia y sadismo, cultura de lo nacional esta guerra de los sueños el artista del engrudo la pinto...".  "Ay que dios boludo!" y "Brillo triste de un canchero", se enganchan convenientemente, el segundo va sumergido en una tranquilidad que va dilatándose de a poco. Ambos van de la mano exhibiendo un hard rock y una prosa bien Divididos que en sus temáticas no dejan de ser la crónica de las problemáticas sociales y de las pequeñas parcas personales y colectivas del momento en el país.

Cierto aire de burla a las canciones de fin de año con la parodia "Villancico del Horror", con clima acústico cercano a la baguala, adornado por excelentes toques de psicodelia, gracias a los aportes de sintetizadores al mando de Juan "Pollo" Raffo, a la vez que se va haciendo eléctrico poco a poco. De inmediato "Pepe Lui", un tema destinado a ser un clásico de fogón , año tras año. Trata de un personaje que podría catalizar en su personalidad a muchos fans y/o aficionados del rock de los 70´s , pero puntualmente del "rock nacional". La velocidad arrolladora de "Miente el After Hour " perfecta demostración de lo que un power trío puede generar y es la exacta definición del "calavera" contemporáneo. Con la visceral "Despiertate Nena", Divididos buscó desempolvar el viejo tema de Pescado Rabioso, para darle un enfoque hacia estos tiempos y animar la llama Hendrix que destila esta canción. Mollo comentaria sobre la versión: "Es devolver un poco de lo que tomamos, es como darle una ventilación a eso para que no quede en el olvido".

La ambición musical de Divididos en contar con gran variedad de instrumentos se vé en el hecho de implementar una amplia sección de cuerdas con doce violines y cuatro cellos, así también vientos como fagot, clarinetes y flautas. La balada desnuda de tapujos que le da nombre al disco, "Vengo del placard de otro", es una clara muestra de la inclusión de estos instrumentos, bajo arreglos y dirección de Juan "Pollo" Raffo. También es notable el rango de la voz de Mollo, como trabaja las notas bajas hacia las altas, de los mejores trabajos vocales del álbum. Con una intro hindú con Jorge Araujo implementando percusiones como el udú y el tambor marroquí, "Casitas inundadas, a votar", refleja otra triste realidad lamentablemente vigente al día de hoy, las inundaciones. Expresa ese contraste entre el avance de la naturaleza y la ausencia de políticas eficientes (y sobre todo de las riquezas "mal distribuidas") ante estas problemáticas: "Desde arriba ya, sabe su lugar lentamente va llegando acá. No es venganza, es sólo natural Madre agua busca su lugar. Por el bendito afán de una moneda más, aguas danzantes sobre la ciudad montes chaqueños hoy como canchas de golf..." . "Es el disco de las ganas, si bien estamos viviendo una crisis social muy fuerte, esto fue hecho por el entusiasmo de personas que quieren seguir haciendo las cosas con ganas.", esto había comentado Mollo sobre el álbum y nada mejor para sintetizar lo dicho que la abominable "Un alegre en este infierno". Rock orquestado en su maximo esplendor , una vez mas con violines y cellos y sobretodo la potencia y el brillo del corno.

"Libre el jabalí" compacta y potente refleja varias problemáticas y nos invita a alimentar el amor a la cultura: "La Argentina y su tatuaje del error. Mentí, mentí, mentí que es verdad. Hoy me duele la cultura. Si no sueño quedo sin estribillo. En esta canción de amor." . Un coro de niños para el apropiado reggae "Aburridos peligrosos" una especie de crítica a las generaciones nuevas, a las "generaciones de la internet " quizás. Sobre el final un enfoque existencial con "Puertas"  una suerte de "stoner rock" que va derivando en exquisitos arreglos orquestales que sorpresivamente van tornándose experimentales con un final desconcertante. A las preguntas que Mollo se hacia con la directa letra de "Puertas" ("Que puertas abrir ??, Que puertas cerrar??") se le puede atribuir como una epifanía o por que no un regalo, en el final del disco marcado por la breve introducción de el clásico "El Reloj" del compositor mexicano Roberto Cantora, marcando la apertura de una puerta hacia la cautivante "Guanuqueando". Canción de el ya fallecido compositor, músico y maestro rural jujeño, Ricardo Vilca. "Guanuqueando" fue grabado en vivo en el Pucará de Tilcara en agosto de 2002, con el mismo Vilca en guitarra y sus músicos, añadiendo quena, charango, bombo, y zampoñas. Canción norteña por excelencia. Alude al paisaje, flora, fauna e instrumentos musicales autóctonos. "Zampoña" es un instrumento de viento, rústico, compuesto por varias quenas y "Airampo" es una planta andina. Por eso dice "Siento quenas que en el viento huyen" o "Entre airampos de luna, zampoñas que en el viento huyen". Como es una zona seca la gente que vive ahí tiene los labios quebrajeados por el viento seco y la tierra, a eso se refiere con "verteros de labios quebrados" o "Besos de mi raza". El cóndor es un animal característico del norte, por eso dice "En viaje, buscando el cielo un cóndor va, como mi ser resucitará, buscando la luz" (haciendo referencia al sol). El termino "guanuqueando" refiere a un amigo de Vilca, también músico, Carlos Guanuco. En la época en que Vilca compuso el tema se hallaba también tocando con un grupo llamado Raza, que era un encuentro de todos los músicos idóneos de la quebrada donde actuaban con Raúl Torre, Bicho Díaz, y otros más. Para Vilca fue una dedicación de corazón para Carlos. Ademas la canción alberga una anécdota colorida. Cuando Ricardo Vilca se iba a lo que comúnmente llamamos "de gira" o "de parranda", su esposa lo interrogaba : - "donde estuviste??" y el respondía: "guanuqueando", se refería a que había salido con Guanuco. Al finalizar la canción se oye un fragmento de la canción "Ue Paisano" del italiano Nicola Paone.

El primer corte de difusión fué "Cajita Musical" y el segundo "Pepe Lui", ambos con un correspondiente videoclip de gran popularidad. "Vengo del placard de otro" se presento en la inauguración del estadio Orfeo Superdomo de la ciudad de Córdoba. La banda vuelve a Obras los días 27 y 28 de septiembre para la presentación oficial del disco en Buenos Aires. La gira no estaría finalizada sino hasta el 13 de marzo de 2010, ya que no solo se presento este trabajo sino que también su segundo disco oficial en vivo "Vivo Acá" (2003) (el primero había sido "Viveza criolla" (2000)), que fue grabado en formato acústico en el Teatro Gran Rex, los días 16, 17 y 18 de julio del año 2003 para los festejos de los 15 años de la banda. El arte de tapa a cargo de Alejandro Ros, muestra una morcilla en el frente que abarca hasta la parte trasera que según Ricardo Mollo "Es un poco como el moretón argentino. La morcilla es un argentino, cagado a palo. ¿Hay algo más argentino que una morcilla? Representa el machucón de los que vivimos acá". Seria el ultimo trabajo con Jorge Araujo quien abandonaría Divididos en 2004, para ser reemplazado por el actual baterista Catriel Ciavarella. Tras 8 años de parate en lo que refiere a la actividad en estudio, el 17 de marzo de 2010 y por parte de la discográfica propia de la banda "La calandria" y  la Distribuidora Belgrano Norte (DBN), lanzan el octavo álbum de estudio "Amapola del '66". Un disco que demuestra aun mas la madurez compositiva de Mollo y Arnedo. Momentos de folklore habitual , funk y rock aplanador veremos en "Hombre en U", "La Flor Azul" , "Amapola del '66", "Jujuy" , "El perro funk" y "Todos", esta ultima dedicada a las victimas y a los familiares de accidentes de transito. La gira de presentación comenzó el 27 de marzo de 2010 en el Cerro Pucará de Provincia de Jujuy. El 2 y 3 de junio del mismo año se presentan en el Luna Park su primer y único DVD oficial en vivo, "Audio y agua". Poco después anuncian una segunda edición del disco en formato de vinilo. Son dos LP  con un orden de canciones distinto a la versión CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker del tema de Los Beatles, "With a Little Help from My Friends" con invitados de lujo como Ciro Fogliatta en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es la inédita "Pereta Voyeur". Sorpresivamente en 2015 Divididos anuncia una tercera edición de "Amapola del '66" que incluye ademas de los 13 temas originales, los dos bonus del vinilo y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película "Infancia Clandestina", del director Benjamín Ávila. "Haciendo cosas raras" (2018) acusa ser el noveno álbum de estudio de la banda. En realidad es la regrabación  y homenaje a "40 dibujos ahí en el piso" (1989), álbum debut de la banda que conmemora sus 30 años de vida con esta regrabación. Tiene la peculiaridad de añadirle letra al anteultimo track del álbum "La Foca" rebautizándolo como "Caballos de la noche". La presentación fue el 15 de septiembre de 2018 en el Hipódromo de Palermo, siendo este el show más grande de la banda, como el que hicieron el 10 de septiembre de 1994 en el estadio de Vélez. Actualmente Divididos se encuentra trabajando en nuevas composiciones para un futuro álbum de estudio, una de ellas titulada "Mundo ganado" puede disfrutarse en la pagina oficial de la banda.




Lista de Temas:

1. Cajita Musical
2. Ay, que Dios boludo
3. Brillo triste de un canchero
4. Villancico del horror
5. Pepe Lui
6. Miente el After Hour
7. Despiértate Nena
8. Vengo del placard de otro
9. Casitas inundadas, a votar
10. Un alegre en este infierno
11. Libre el jabalí
12. Aburridos peligrosos
13. Puertas
14. Guanuqueando (en vivo en Tilcara) (Incluye fragmentos de "El Reloj" de Roberto Cantoral y "Ue Paisano" de Nicola Paone)


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jueves, 18 de julio de 2019

Carlos Gardel - Tango Argentino (Su Obra Integral Vol. 16)


"Marca registrada", eso es lo primero que se nos ocurre al adentrarnos en este vol. 16 de la obra integral del zorzal criollo. Una selección de tangos que bien funcionaron y pueden funcionar como una excelente vidriera para las masas foráneas que quieran empaparse del género más popular de la Argentina. Por sus pasarelas desfilan grandes hitos como "Yira yira", "Me Da pena confesarlo", "Clavel del aire" o "De todo te olvidas".

El botánico tango que nació en 1929 y fue grabado por Gardel en 1930, "Clavel del aire" arranca esta selección. Particular version, con coros y acompañamiento de guitarras, que no solo hace un paralelismo entre la amada y esta flor, sino que también se le atribuye connotaciones de la naturaleza a el mismo narrador: ..." en esta región, igual que un ombú solito y sin flor así era yo... Y mi ramazón secándose iba, cuando ella una tarde mi sombra buscó. Un ave cantó en mi ramazón, y el árbol sin flores tuvo su flor." El tango pertenece a la bien llamada corriente "nativista", donde la prosa gauchesca nos presenta temas campesinos y si bien esta poesía nativista no progreso en el tango, "Clavel del aire" es uno de los pocos ejemplos de esta corriente dejando su legado. La letra pertenece al poeta uruguayo Fernán Silva Valdés y la música es de Juan de Dios Filiberto. Su estreno fue en el Teatro Argentino en 1929 por la cantante española Tania, en la famosa temporada de Armando y Enrique Santos Discépolo. De Juan José Guichandut y Armando Tagini, "Misa de Once", un tango rebosante de nostalgias. Remite a historias de amoríos juveniles y marcan toda una época del país: "Entonces tu tenías diez y ocho primaveras, yo veinte y el tesoro preciado de cantar... En un colegio adusto vivías prisionera y sólo los domingos salías a pasear. Del brazo de la abuela llegabas a la misa, airosa y deslumbrante de gracia juvenil y yo te saludaba con mi mejor sonrisa, que tu correspondías, con ademán gentil...". La autentica "alma del arrabal" se ve reflejada en el tango que da titulo a este volumen "Tango Argentino". La letra de Alfredo Bigeschi esboza con el aire arrabalero, recuerdos de como se fue forjando el estilo, remitiendo al alma misma de la propia miseria del arrabal: "¡Tango argentino!, Sos el himno del suburbio y en jaranas o disturbios siempre supiste tallar. Y que en los patios con querosén alumbrados los taitas te han proclamado el alma del Arrabal.". Y luego enaltece al estilo idolatrando viejos éxitos: "De tus buenos tiempos aún hoy palpitan "El choclo", "Pelele", "El taita", "El caburé", "La morocha", "El catre" y "La cumparsita", aquel "Entrerriano" y el "Sábado inglés". Una curiosidad es que la letra de este tango fue modificada en una de sus estrofas, donde se resalta el inevitable disfraz que le tocó vestir: "Inútil que quieran cambiarte de rango y en la aristocracia te mezclen con jazz, en tu inconfundible rareza de tango, se pinta la historia del viejo arrabal...". Pero singularmente, la version aqui nos dice lo mismo, escapando de la aristócrata obviedad:  "¡Qué quieren aquellos jaileifes del Centro que te han disfrazao y te han hecho un bacán; serás siempre extraño en la aristocracia, en cambio sos hijo acá en tu Arrabal!!!!".

De su autoría musical, "Me da pena confesarlo". Un tangazo de 1932. Alfredo Le Pera y Mario Battistella arriban con una una letra de costado existencial, reavivando nostalgias inextirpables y sobretodo enfocados en el paso del tiempo. Se canto en la pelicula "Esperame" de 1933 filmada en Saint-Maurice, Francia, acompañado por la orquesta dirigida por Juan Cruz Mateo. Por supuesto que el tango tuvo muchas versiones, pero la mas recordada por el público más joven o de rock, es la versión que de la banda Almafuerte en la voz de Ricardo Iorio y arreglos de guitarra de Claudio "El Tano" Marciello, para el álbum "Profeta en su tierra" (1998). Otros sentimientos de antaño con gusto a despedida se entonan en "Barra querida": "Me voy, compadre, sin rumbo fijo, mas no sin antes visitar el bodegón, que ayer nos viera siempre reunidos contando hazañas entre copas de pernod. Venga compadre, bebamos juntos, que a mi barrio, tal vez, ya no vuelva nunca, y antes quiero brindar por mi barra de ayer que jamás he de ver.". César Vedani, el responsable de la letra, había escrito un año antes, en 1927, la famosa "Adios Muchachos", tango donde encontraremos paralelismos, y justamente de allí se extrajo el título: "Adiós, muchachos, compañeros de mi vida, barra querida de aquellos tiempos.". Otra con música de su autoría es "Desdén" con letra de Mario Battistella. Fue el primer tango en el cual trabajaron juntos. Gardel lo estrenaría en 1933 en Radio Nacional, coincidiendo con el regreso del poeta a Buenos Aires. Y lo grabó el 17 de junio de ese año, con las guitarras de Pettorossi, Barbieri, Riverol y Vivas. La trágica letra, pone al narrador relatando sus penurias ante un supuesto "juzgado divino" y ante posibles hechos aberrantes: " El día que comparezca ante el tribunal de Dios, a dar cuenta de mi vida, que me complicaste vos; el día que francamente tenga yo que declarar,la verdad clara y culpable que a Dios no puede escapar y le diga que he faltado a su ley, de mala fe, al hacer de vos un culto, ¡al amarte más que a él! ¡que robé por tu cariño! ¡que maté ciego de amor!...".

Otro de los grandes poetas que dio el tango, fue Enrique Cadícamo y una de sus mas recordadas letras aparece en este vol.16 : "De Todo te Olvidas (Cabeza de novia)". La letra no hace mas que referencia a una persona, en este caso a una muchachita, que no está concentrada, que esta "ida" o que está pasando por una etapa de distracción. En los tiempos previos a una boda, resulta muy común observar que la novia sólo tiene cabeza para pensar en su enamorado y en los incontables detalles que supone la producción de tan esperado acontecimiento. Esta situación provoca que la novia incurra en numerosas distracciones antes del gran momento. Pero es obvia la influencia de Don Enrique a partir del poema del entrerriano Evaristo Carriego, "Tu secreto". De hecho el tango invita a revisar el poema en cuestión:  ¿Qué es lo que te pasa? Cuéntame; te ruego que me confidencias tu preocupación... Acaso tu pena es la que Carriego, rimando cuartetas, a todos contó. `De todo te olvidas, cabeza de novia´...". El sufrido hasta hasta la enfermedad vals, "Rosa de Otoño", con letra de José Rial (hijo) y música de Guillermo Barbieri, fue un vals que sirvió para la realización del cortometraje "Rosas de otoño" (1931) dirigido por Eduardo Morera, con producción de Federico Valle. Fue filmado en 1930 en Buenos Aires pero estrenado al año siguiente. Forma parte del grupo de quince cortometrajes (todos sobre una canción cada uno) pioneros del cine sonoro con sonido óptico, marcando así el inicio de los primeros "videoclips". Se lo puede ver a Gardel cantando el vals luego de un pequeño dialogo con Francisco Canaro. Sin embargo durante la interpretación no se ve en ningún momento a Canaro y a su orquesta.

Del mismo grupo de cortometrajes el archifamoso tango de 1929 con letra y música de ni mas ni menos que Enrique Santos Discépolo, "Yira yira". Un tango repleto de lunfardos, ya desde su sugestivo titulo, que es una castellanización del italiano "girare", que puede ser traducido como andar, callejear,vagar, en el sentido de buscar algo en vano. Un tango que pese a este concepto que sugiere su titulo, y que a lo largo del tango ubica a la irrevocable y abominable naturaleza del hombre, como resultado del mundo en que vive, nos confía una inmensa enseñanza. Y maravillosamente la moraleja que nos deja es de carácter atemporal. Según algunos pasajes del libro "Escritos inéditos de Enrique Santos Discépolo", el poeta, compositor y actor venia de una gira con "mala racha" en 1927 y volvía a Bs As luego de trabajos, fatigas, luchas y contratiempos y ademas sin un centavo. En medio de las dificultades diarias, del trabajo amargo, de la injusticia, del esfuerzo que no rinde, de la sensación de que se nublan todos los horizontes, de que están cerrados todos los caminos. Pero en aquel momento, el tango no salió. No se produce en medio de un gran dolor, sino con el recuerdo de ese dolor. Agrega Discépolo que "Yira… yira… nació en la calle. Me la inspiraron las calles de Buenos Aires, el hombre de Buenos Aires, la rabia de Buenos Aires… La soledad internacional del hombre frente a sus problemas…Yo viví la letra de esa canción. Más de una vez. La padecí, mejor dicho, más de una vez. Pero nunca tanto como en la época en que la escribí. Hay un hambre que es tan grande como el hambre del pan. Y es el hambre de la injusticia, de la incomprensión. Y la producen siempre las grandes ciudades donde uno lucha, solo, entre millones de hombres indiferentes al dolor que uno grita y ellos no oyen. Londres gris, Nueva York gris, Buenos Aires…, todas deben ser iguales… Y no por crueldad preconcebida sino porque en el fárrago ruidoso de su destino gigante, los hombres de las grandes ciudades no pueden detenerse para atender las lágrimas de un desengaño. Las ciudades grandes no tienen tiempo para mirar el cielo… El hombre de las ciudades se hace cruel. Caza mariposas de chico. De grande, no. Las pisa… No las ve… No lo conmueven…Yo no escribí “Yira… yira…” con la mano. La padecí con el cuerpo. Quizás hoy no la hubiera escrito porque los golpes y los años serenan. Pero entonces tenía veinte años menos y mil esperanzas más. Tenía un contrato importante con una casa filmadora que equivocadamente se empeñaba en hacerme hacer cosas que me desagradaban como artista… Como hombre digno. Y me jugué. Rompí el contrato y me quedé en la calle. En la más honda de las pobrezas y en la más honrada soledad… “Yira… yira…” fue una canción de la calle, nacida en la calle cuando le mordía el talón a los pasos de los hombres. Grité el dolor de muchos, no porque el dolor de los demás me haga feliz, sino porque de esa manera estoy más cerca de ellos. Y traduzco ese silencio de angustia que adivino. Usé un lenguaje poco académico porque los pueblos son siempre anteriores a las academias. Los pueblos claman, gritan, ríen y lloran sin moldes. Y una canción popular debe ser siempre el problema de uno padecido por muchos…". ¿Que es entonces lo que realmente quiere trasmitirnos Discépolo , con tanto lunfardo, por otra parte?. El primero en aparecer es "grela" como adjetivo de la suerte, que es la que falla y falla. En lunfardo "grela" se le atribuye a la Mujer perteneciente a un rufián. La suerte aqui, sustantivo femenino, es mujer. Por eso falla, y larga al hombre "duro" o "parao", esta expresión significa que lo deja excitado y frustrado, sin darle lo que deseaba. Luego "cuando estes bien en la via" con un modismo a estar "en Pampa y la vía", significa quedar en bancarrota, "seco", como los linyeras que iban vagando entre las vías del tren. Por eso mismo el cuero de los zapatos los "tamangos" se va a rajar buscando "ese mango (dinero) que te haga morfar". Entonces el poeta se encuentra en y ante un mundo que le es indiferente, a nadie le importa nada del otro y no debe esperar nada de nadie, pues: "...la indiferencia del mundo, que es sordo y es mudo, recién sentirás. Verás que todo es mentira, verás que nada es amor, que al mundo nada le importa, yira...!! yira...!!. Aunque te quiebre la vida, aunque te muerda un dolor, no esperes nunca una ayuda, ni una mano, ni un favor.". A las casas de buen nivel económico no se llamaba golpeando las manos, ni con los nudillos sobre la puerta, sino apretando el botón de un timbre que andaba con dos pilas muy grandes, Eveready Nº6, que todavía se venden. El "esperanzado" busca respuesta en los demás, el afecto de alguien en quien abandonarse confiado y no morir solo. Algún día no va a poder siquiera pedir ayuda: las pilas van a estar gastadas "secas" y no se va a oír su llamado. El cantor dice todo esto con fundamento, sin pedantería, reconociendo con humildad que a él ya le pasó: "cuando te dejen tirado, lo mismo que a mí". Cuando comprendas "manyés" ("mangiare" en italiano es "comer", en este caso "meterse algo adentro" o "comprender") que los demás están esperando tu derrota para ocupar tu lugar ("se prueban la ropa que vas a dejar"), te vas a acordar de mí, dice el cantor, de este tonto u "otario" que, harto de todo, renegó de su condición humana y "se puso a ladrar", sintiéndose un perro abandonado. Así como otros tantos tangos "Yira yira" sufrió parte de la censura, supresion y posterior sustitución de su lenguaje "inequívoco", "inmoral", "antinacionalista" y/o "lunfardista" por parte del gobierno militar de 1943 en Argentina, por lo que "Yira Yira", paso a llamase "Camina, camina". En 1949, y felizmente, durante la presidencia del Gral. Juan Domingo Perón, se anularon las restricciones hechas a este tango. Por otro lado el cortometraje de 1931, que luego veremos mas abajo, comienza con un histórico dialogo entre Gardel y Discépolo para luego interpretar el tango acompañado por los guitarristas Ángel Domingo Riverol, Guillermo Barbieri y José María Aguilar, aunque este último no aparece en escena. Por supuesto que contó con numerosas versiones, de las mas cercanas a la de Carlitos, fueron las versiones de Tania, la de Ignacio Corscini, mas adelante la de las otras dos voces pilares del genero: Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche. Pero sin ninguna duda la mas recordada para las generaciones mas jóvenes fue la versión de la banda de rock Los Piojos en su álbum debut "Chactuchac" (1992) , en la particular voz de Andrés Ciro Martinez.

Co-compuesta con Razzano y letra de Battistella, Gardel canta con la calida candidez que le remiten objetos tan preciados del pasado (incluso de un pasado inmemorial, desde la misma cuna) en "Medallita de la suerte". Y el típico y cruel desengaño amoroso que se da en nuestro tan querido tango argentino, (ya es otra "marca registrada" entre sus lineas) lo encontraremos en el tango final de este volumen : "Tras cartón". Un tango grabado por Gardel en 1929 con música de Anselmo Aieta y letra de Santiago Adamini. A este último se lo involucra en una anécdota con un gran gesto de camaradería y amistad, con este tango. Era sabido que Adamini ademas de poeta, cantor y guitarrero, era milonguero. Durante un tiempo fue compañero de un sinnúmero de milongas junto al famoso bailarín de tango Benito Bianquet (Ovidio José Bianquet) mas conocido como "El Cachafaz". En una oportunidad, estando con él en una milonga, éste lo anoticio que le "venían mal los borrados" y estaba "fallo al oro". Adamini, que creó tangos exitosos (como "Trasnochando", "A las 7 en el Café", "Señores yo soy del centro", "El cocherito" y "Para mí lo mismo da") le prometió tirarle un cable. Justo acababa de componer con Anselmo Aieta este tango: "Tras cartón". Hablaron con Anselmo y decidieron agregarlo como compositor de la música de dicho tango, para que se llevara unos pesos. Como Adamini era amigo de Gardel, fueron a verlo con el Cacha y Aieta,  le llevaron el tema y le explicaron la historia. El morocho del abasto se lo grabó sin dudarlo. Luego Canaro supo de tal maniobra y también lo registró. Gardel lo hizo en 1929 con las guitarras de Aguilar y Barbieri y Canaro el 2 de Abril de 1930. Pirincho (Canaro), incluso lo grabó en versión instrumental para mayor beneficio del Cacha.

Mas abajo vemos los dos cortometrajes de 1931 que se incluyen en este volumen. Donde se podrán apreciar los legendarios y clásicos diálogos que Gardel mantenía con sus colegas antes de cada interpretación . Primero "Rosa de Otoño" con Francisco Canaro y luego "Yira Yira" con Enrique Santos Discépolo.


Lista de Temas:

1. Clavel del aire
2. Alma en pena
3. Misa de once
4. Tango argentino
5. Palomita blanca
6. Una tarde
7. Me da pena confesarlo
8. Barra querida
9. Desdén
10. No te engañes corazón
11. Farolito de papel
12. De todo te olvidas
13. Rosa de otoño
14. Yira yira
15. Senda florida
16. Dicha pasada
17. Medallita de la suerte
18. Tras cartón


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Volumen XVI: "Tango Argentino"

viernes, 24 de mayo de 2019

Bob Dylan - Bringing It All Back Home (1965)


Siendo su quinto trabajo en estudio, Bob Dylan decide inyectarle rock a su habitual repertorio de canciones folk. Esto no es otra cosa mas que el resultado de la influencia de los grupos británicos como los Beatles que comenzaban a abrirse paso. Aquí comienza su escalada de consagración pasando por revolucionarios álbumes como este,HIGHWAY 61 REVISITED (1965), hasta llegar al gran BLONDE ON BLONDE (1966), atenuando las temáticas de sus líricas a un costado mas simbolista, surrealista y no tan de protesta. Canciones que dan fe de su nuevo romance con el rock serian por supuesto "Subterranean Homesick Blues", "Maggie's Farm" o "Outlaw Blues". El disco fue uno de los mas influyentes de su época y su titulo ineludible ("Trayéndolo todo a casa") planta a Bob como el caballito de batalla de este lado del gran charco, que por aquel momento era el héroe de la música country, para hacerle frente a la creciente invasión de musica inglesa de los "sixties"."Es muy complicado tocar con electricidad," dijo en el verano de 1965. "Te relacionas con otras personas… La mayoría de personas que no gustan del rock and roll no se pueden relacionar con otras personas". Producido por Tom Wilson, "Bringing It All Back Home" fue grabado en solo tres días, en los Columbia Recording Studios de Nueva York , sirviendo para comenzar a proyectar la nueva obsesión de Dylan por el sonido eléctrico y largar toda su vorágine literaria y sus nuevas formas poéticas.

Si vamos a la realidad del marco histórico Dyliano, su anterior larga duración "Another Side of Bob Dylan" (1964), no había logrado el éxito de sus anteriores trabajos, es así que el cantautor opta por profundizar sus letras y por supuesto comenzar a electrificar su sonido. Aquí también comienza su largo idilio con esa famosa localidad llamada Woodstock, pasando gran parte del verano de 1964 allí. Albert Grossman, representante de Dylan, también tenía una casa en Woodstock, y cuando Joan Báez visitó al músico en agosto, se hospedaron en su casa. Báez comento sobre aquella época: "gran parte del mes o así estuvimos ahí, Bob estaba en la máquina de escribir en la esquina de su habitación, bebiendo vino y fumando y tecleando sin descanso durante horas. Y en la oscuridad de la noche, se despertaba, ronco, fumaba un cigarrillo y tropezaba de nuevo con la máquina de escribir". "Mr. Tambourine Man" ya la tenia lista (había sido descartada de "Another Side of Bob Dylan") como así también "Gates of Eden". De esa estancia en Woodstock se vio el nacimiento de canciones como "If You Gotta Go, Go Now" e "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding), esta ultima incluida en "Bringing It All Back Home" y la primera descartada. Las canciones de Dylan comenzaron a arrimarse a el surrealismo. Además, su prosa se hizo más estilística, y a menudo utilizó el monólogo, quizás producto de su acercamiento al poeta Allen Ginsberg, de quien se hizo amigo. Realmente lo que desencadena la electricidad en este nuevo sonido de las canciones de Bob, es su famoso encuentro con Los Beatles (ocasión en la que Dylan les dio de probar por primera vez la marihuana), el 28 de agosto cuando regresa a Nueva York en un hotel. Este trascendental encuentro es la transformación radical en los métodos compositivos del grupo, que evolucionó hacia un estilo más introspectivo, especialmente en John Lennon. Así se gesta la grabación de "Bringing It All Back Home" , disco en su primera mitad eléctrico (la cara A) y la segunda mitad acústico (la cara B). El primer dia de grabacion estaba acompañado por una banda integrada por los guitarristas Al Gorgoni y Kenny Rankin, el pianista Paul Griffin, los bajistas Joseph Macho, Jr. y William E. Lee y el batería Bobby Gregg en los Columbia 30th Street Studios en diciembre de 1964. El día anterior había estado con algunos de los integrantes de la banda The Hawks, (que luego se convertirían en The Band, banda con la cual Dylan realizaría varios discos en vivo, mas adelante) con quienes grabo diez temas y varios bosquejos de canciones que fueron finalmente descartados. Pero volviendo a la grabación definitiva, ese primer día, después de tres horas y media, el grupo grabó cinco canciones: "Love Minus Zero/No Limit", "Subterranean Homesick Blues", "Outlaw Blues", "She Belongs to Me" y "Bob Dylan's 115th Dream". Horas después continuó grabando con otros músicos, entre los cuales figuraban John Hammond Jr., y el cantautor country  y John Sebastian, pero ninguna de esas canciones fueron incluidas en el trabajo. La ultima sesion, donde se testimoniaron la mayoria de los temas acusticos de la cara B, se realizo con los mismos musicos a exepcion del tecladista Griffin y se completo con los temas "Maggie's Farm", "On the Road Again", "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)", "Gates of Eden", "Mr. Tambourine Man" e "It's All Over Now, Baby Blue".

Con el "punch" inicial necesario que abren casi todos sus álbumes de esta era, "Subterranean Homesick Blues" irrumpe en el comienzo como el primer rap de los tiempos modernos y el primer videoclip de la música rock, donde Dylan expone y desecha de tarjetas con distintas palabras y frases de la canción. Mete en la coctelera la poesía rockanrollera del "Too Much Monkey Business", de Chuck Berry, las influencias del poeta Jack Kerouac y la canción de Woody Guthrie y Pete Seeger "Taking It Easy" creando una ametralladora verbal que apunta a varios sectores de la política de la época, frente a la creciente contracultura de los 60´s, entre otras cosas. También hace alusión a el uso generalizado de drogas recreativas y la confusión que rodeaba a la guerra de Vietnam, también se refiere a las luchas que rodean al movimiento de derechos civiles en Estados Unidos ("Mejor no te acerques a aquellos que llevan una manguera de bomberos": durante el movimiento de derechos civiles, los manifestantes pacíficos fueron golpeados y rociados con mangueras de bomberos de alta presión). "She Belongs to Me" de las primeras letras simbolistas de Dylan, que comienza a romper ese esquema en que no solo habla de alguien puntualmente, si no que hay alguien o "algo" mas detrás: "...ella tiene todo lo que necesita es una artista, no mira atrás, puede quitar la oscuridad a la noche y pintar de negro el día... Lleva un anillo egipcio que brilla antes de que hable... Inclínate ante ella el Domingo, salúdale cuando llegue su cumpleaños, cómprale una trompeta por Halloween y por Navidad regálale un tambor.". Y una dosis de ironía queda plasmada: ."... no es la niña de nadie, la ley no puede ni tocarla.".  Por lo enigmático de la canción se piensa que las letras  pueden referirse a Suze Rotolo, la novia de Dylan hasta 1964 o al ex amante de Dylan, la cantante folk Joan Baez, en particular por la línea sobre la mujer que lleva un "anillo egipcio", ya que Dylan le había regalado a Báez tal anillo. Aunque John Cale, de The Velvet Underground, ha declarado que cree que la canción es sobre la legendaria Nico, cantante de ese grupo, con quien Dylan pasó algún tiempo en la época de la composición de la canción. Lo cierto es que también podemos asignarla a una musa anónima de Dylan, alguien inasible y/o algo que lo domina.

Este nuevo sonido eléctrico de Dylan ejerce su rebelión entre afiladas armónicas con "Maggie's Farm". Aquí se atreve a criticar a cualquier institución donde se ejerce racismo, explotación , trabajo esclavo y otras formas de maltrato: "No, no voy a trabajar más en la granja de Maggie. Bueno, despierto en la mañana, doblo mis manos y rezo para que llueva... Es una vergüenza la manera en que me hace fregar el piso. No voy a trabajar más en la granja de Maggie...". No solo es Maggie la apuntada sino que también el resto de su alienante familia: "No, no voy a trabajar más para el hermano de Maggie. Bueno, te da una moneda de cinco, te da una moneda de diez... te pregunta con una mueca si la estás pasando bien, luego te castiga cada vez que tocas la puerta. No, no voy a trabajar más para el papá de Maggie. Bueno, él pone su cigarro en tu cara por pura diversión. La ventana de su dormitorio está hecha de ladrillos. La Guardia Nacional vigila su puerta...". Otras campanas, como la del critico Tim Riley, afirman: "es la queja de una estrella de rock a su compañía discográfica, la queja de un compositor a su editor, y la queja de un cantante como mercancía, a su audiencia como mercado ". La verdad es que  ha calado hondo como grito de guerra de la contracultura, llegando en los años 80´s a adoptarse como un himno de los opositores de Margaret (Maggie) Tatcher, primer ministra británica. La canción es protagonista de otro hecho memorable que merece la pena recordar. Represento un gran revuelo tanto para los fans como para el entorno del músico, después de su montaje eléctrico en el "Festival Folk de Newport" de 1965; fue la interpretación en ese set, mucho más rápida y agresiva que en la grabación del disco, sin poderse escuchar la voz de Bob y destacándose la guitarra eléctrica de Mike Bloomfield, lo que causó la mayor controversia. El gerente de producción del festival, Joe Boyd, argumentó que: "esa primera nota de 'Maggie's Farm' fue la cosa más ruidosa que alguien haya escuchado". Todavía se desconoce si fue a proposito o no, pero muchos informes sugieren que el problema se debió a inconvenientes de sonido. Dedicada a la que pronto se convertiría en su esposa, Sara Lownds "Love Minus Zero / No Limit", refleja un apego contradictorio: "Mi amor, ella habla como el silencio. Sin ideales de violencia. No tiene que decir que es fiel. Si embargo es sincera como el hielo,  como el fuego". Algunas de las imágenes confirman el surrealismo naciente en Bob: "El viento aúlla como un martillo. El viento de la noche sopla frío y lluvioso".  Y la imagen final en que la amante es como un cuervo en la ventana del músico, con un ala rota, es un símbolo de vulnerabilidad en contraste a su fuerza: "Mi amor, ella es como algún cuervo En mi ventana, con una ala rota". El titulo de la canción , "Love Minus Zero / No Limit" (que se puede interpretar como "amor absolutamente ilimitado") habla de la aceptación del escritor a asumir que todo amor implica un riesgo. Concentrado en el deseo de abandonar la "cancioncita folk de protesta", y darle su flama eléctrica, a la grata influencia que obtuvo de el blues rock de Chicago, aparece "Outlaw blues". La letra  habla de viajeros, tal vez una canción acerca del estilo de vida del bandido, el cual poseían, en algún grado, los cantantes originales de blues. Es quizás una expresión de deseo a que su propio estilo de vida cambie y se torne mas bohemio, mas "fuera de la ley". La poesía psicodélica gana terreno en "On the road again", donde con una especie de rebelión ante lo establecido, (y quizás al consumo de ácido) al estilo "Maggie´s Farm", el narrador describe un dia comun, por la mañana: "Desperté en la mañana. Habían sapos en mis calcetines. Tu mamá se escondía dentro de la heladera. Tu papá entra usando una máscara de Napoleón Bonaparte... El bastón de tu abuelo se convierte en una espada. Tu abuela reza a imágenes que están pegadas en un tablero. Todo lo que tengo en los bolsillos lo roba tu tío. Luego me preguntas por qué no vivo aquí... Querida, no puedo creer que eres de verdad.".

Nada parece escapársele a la narrativa de "Bringing It All Back Home". "Bob Dylan's 115th Dream" que cierra el eléctrico lado A, es una parodia burlona de otro tema del propio Dylan, "Bob Dylan's Dream", de "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963) y se traslada satíricamente a los tiempos del descubrimiento de América, creando una linea temporal paralela a la historia de "Moby-Dick" y otra linea (de presente) con la actualidad de entonces. De hecho, gran parte de la narrativa de la canción parece estar relatada por un tripulante de el  legendario "Mayflower", que estaba al mando de el Capitán Ahab, uno de los protagonistas de la historia de la ballena. El narrador, que se hace llamar "Capitán Kidd" sortea un sinnúmero de dificultades y aventuras luego de desembarcar en tierra firme, para luego volver a la embarcación. La sátira, sin perder el humor, contiene una de las partes mas graciosas que se da sobre el final. Nada es lo que parece, el pasado está disponible para reinventarse, solo porque es nuevo no significa que sea bueno: "Pero lo más gracioso fue Cuando salí de la bahía... Vi tres barcos a vela. Todos se dirigían hacia mí. Le pregunté al capitán cuál era su nombre. ¿Y por qué no manejó un camión?. Dijo que su nombre era Colón. Yo solo le dije: `buena suerte´". Comienza con Dylan tocando la canción solo (a su vieja usanza de cantante folk) después de que el resto del grupo entrase a destiempo, antes de romper a reír y volver a comenzar con toda la banda, reivindicando su nuevo sonido eléctrico.

Y el acústico lado B, se inicia con la canción mas popular del LP, nos referimos por supuesto a la exquisita "Mr. Tambourine Man". Canción importantísima si las hay, ya que se le atribuye la creación del llamado "folk rock", pero paradójicamente no gracias Bob Dylan su padre biológico, sino que a The Byrds. Si bien Dylan ya la había interpretado en 1964, fue el sencillo de la banda californiana el real hit. Lanzado el 12 de abril de 1965 por Columbia Records, daría título al álbum debut de la banda, "Mr. Tambourine Man", de 1965. Disco y sencillo que fueron un impulso importantísimo para ese genero durante la década de los 60´s. De la composición de "Mr. Tambourine Man" se dice que surgió a raíz del primer viaje de LSD de Dylan y de la fuertisima inspiración que le bajó al leer a Rimbaud. Ademas fue toda una innovacion en la estructura de las canciones folks de hasta entonces. Fue una de las primeras canciones que pasó a conjugar los verbos y la música de la tercera a la primera persona. Quizás de las letras mas surreales y comprometedoras del trabajo, "Gates Of  Eden". Las imágenes de ensueño, los personajes tétricos e irreales, en contraposición al titulo, hacen pensar mas en un infierno que en un paraíso, como si fuera la versión del libro del "Apocalipsis" de Dylan. La estrofa final: "Al amanecer mi amante acude a mi y me cuenta sus sueños, sin intentar enterrar la mirada en la zanja de lo que cada uno quiere decir. A veces pienso en que no hay palabras aparte de éstas, para decir lo que es verdad... Y no hay verdades fuera de las puertas del Edén.". Da la impresión de que en realidad el Edén no existe, apuntandonos a buscar la verdad del espíritu. Cuando la interpreto por primera vez en el Halloween de 1964 en el Philharmonic Hall de Nueva York, bromeó a su audiencia: "Esto se llama 'una canción de cuna sacrílega en Re menor". Ademas de su primera salida en "Bringing It All Back Home" (y grabada en una toma), "Gates Of Eden" tuvo el honor de ser el lado B (y acústico), de ni mas ni menos que la monumental "Like a Rolling Stone", unos meses después. Con "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)" llegamos al olimpo del disco. 7 minutos y medio del mejor "folk-blues" catártico que se le haya ocurrido a Dylan hasta entonces. La tocó por primera vez en vivo el 10 de octubre de 1964 en el ayuntamiento de Filadelfia. La versión incluida en "Bringing It All Back Home" se grabó el 15 de enero de 1965, el mismo día que las otras tres canciones de la segunda cara del álbum ("Mr. Tambourine Man", "Gates of Eden" y "It's All Over Now , Baby Blue"). Entre acordes en progresión y un extenso juego de rimas, con Bob a punto de perder el aliento, la letra de "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" expresa la ira y su propio desangramiento por lo que ve como la hipocresía, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra inherentes a la cultura estadounidense contemporánea. A diferencia de las canciones de protesta que venia ofreciendo, aqui Bob no deja ninguna luz de esperanza al final del túnel, ninguna solución, ni política. Por supuesto que el surrealismo sigue latente, ya desde el comienzo: "Oscuridad al caer el mediodía. Las sombras opacan la cuchara de plata. La cuchilla hecha a mano, el globo del niño, eclipsan tanto al sol como a la luna. Para entendernos: sabes que muy pronto no tendrá sentido enfrentarlo.". El panorama es espantoso, es oscuro, es un caos... pero hay un camino. Todo lo  que hay que hacer es ver el mundo a tu manera, no a su manera: "Y aunque las reglas del camino han sido interpuestas. Solo tienes que esquivar los juegos de la gente... Aunque los amos hacen las reglas para los sabios y los tontos. No tengo nada, Mamá, que cumplir.".  Deleita observar, también como en pocas lineas Dylan desliza el apego a su nueva etapa eléctrica confundiendola dentro de la reinante ira de la canción: "Entonces no temas si escuchas un sonido extraño en tu oído. Todo está bien, Mamá, solo estoy suspirando". "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una obra maestra de Dylan y de la poesía primal en el rock. Una de las versiones mas recordadas fue la que hizo Roger McGuinn de The Byrds, para la banda sonora de la película de 1969, "Easy Rider" ("En Busca de Mi Destino"). Una despedida acongojada con la abrumadora desolación de "It´s All Over Now Baby Blue", esta mas que a la altura de la calidad del álbum. La ultima grabada ese magico dia que grabo el lado B, con Dylan en la guitarra acústica y armónica y William Lee en bajo. El mismo Dylan cita la "Baby Blue" de Gene Vincent como fuente de inspiración. Es inevitable pensar a quien apunta esta despedida de Dylan, hay versiones que involucran una vez mas a Joan Baez, y otras insisten en una especie de despedida de la gente como que se esta yendo al rock. Igualmente en el caso de referirse a la despedida de alguien en particular, es extraño el acompañamiento tan arrullador, suave y que hasta llega a ser alegre. Porque su mensaje es claro y fuerte: "Debes irte ahora, lleva lo que necesites, lo que creas que durará... El pintor con las manos vacías de tus calles está dibujando locas figuras en tus pliegos... El amante que acaba de salir por tu puerta, se ha llevado todas sus sábanas del piso... La vagabunda que está golpeando a tu puerta lleva puestos las vestidos que alguna vez usaste..." Es así como Dylan apunta al final, al final de todo, el final de la esperanza, o a el final, por que no, de su vida como trovador folk de protesta. Muchas de estas canciones de despedidas, tienen un punto en común, el salir adelante a pesar de todo. "No, eso no sucederá", dice Dylan. No lo hará en mi vida, no lo hará en tu vida, simplemente no lo hará y punto. Quiere que nos hagamos responsables de nuestras propias vidas. Aquel vagabundo que golpea la puerta debe ser despreciado tanto como que la "nena triste" necesita seguir adelante. Quiere que tomemos el control, sin culpar al destino: "La ruta es para los apostadores, mejor usa la lógica. Lleva todo lo que has aprendido de las casualidades" o "Enciende otro fósforo, anda y empieza desde cero y ya todo ha terminado, Nena Triste...". 

"Bringing It All Back Home" seria el primer escalón de los tres discos "revolucionarios" del duluteño, que por entonces tenia solo 26 años. Su portada  fue diseñada por Daniel Kramer y muestra a la mujer de Albert Grossman, el manager de Dylan, Sally Grossman en segundo plano en una habitación con un fondo lleno de mensajes y/o significados. Vemos discos de The Impressions ("Keep on Pushing"), Robert Johnson ("King of the Delta Blues Singers"), Ravi Shankar ("India's Master Musician"), Lotte Lenya ("Sings Berlin Theatre Songs by Kurt Weill") y Eric Von Schmidt ("The Folk Blues of Eric Von Schmidt"). Considerándose a la altura de estos, se puede apreciar que incluyo, parte de la portada de su "Another Side of Bob Dylan". Debajo del brazo derecho de Sally hay una revista Time con la foto del presidente Lyndon B. Johnson. Sobre el hogar hay un cuadro con el retrato de Lord Buckley, una copia de la revista GNAOUA, dedicada al exorcismo y a la poesía del escritor de la generación Beat, Ira Cohen. Sobre la mesa se aprecia una armónica, con un cartel de "Fallout Shelter" ("Refugio Nuclear") apoyado en ella.  Dylan está sentado con su gato, llamado "Rolling Stone", sobre su regazo, y tiene sobre una pierna una revista abierta que incluye un anuncio de Jean Harlow con la columnista Louella Parsons. Los gemelos que Dylan lleva en la imagen fueron un regalo de Joan Baez, tal y como recalcó la cantante en su canción "Diamonds & Rust". A la idea que el propio Dylan tuvo de las tarjetas de las palabras de "Subterranean Homesick Blues", se la decidió materializar en el famoso video clip. La versión original del mismo, precursor de lo que más tarde se conoció como el video musical, fue el segmento de apertura de la película de D. A. Pennebaker "Don't Look Back", un documental sobre la gira de Dylan en Inglaterra en 1965. Las tarjetas de referencia fueron escritas por Donovan, Allen Ginsberg, Bob Neuwirth y el mismo Dylan. El video fue filmado en un callejón cerca del Hotel Savoy en Londres. Allen Ginsberg (la nueva amistad poética de Dylan) y Neuwirth aparecen brevemente en el fondo. Mas abajo compartimos el video y la memorable versión de "Maggie's Farm" en el "Newport Folk Festival 1965" que sin duda marca un antes y un después en la historia del rock and roll. En su cumpleaños número 78 brindamos con el tío Bob recordando el legado que imprimió "Bringing It All Back Home" que fue implacable. Considerado uno de los mejores álbumes de la historia del rock, básicamente por comenzar a llevar la poesía de alto vuelo en el genero y demostrar el feedback de influencias que ni mas ni menos mantuvo con sus grandes amigos, los Beatles.



Lista de Temas:

1. Subterranean Homesick Blues
2. She Belongs to Me
3. Maggie's Farm
4. Love Minus Zero/No Limit
5. Outlaw Blues
6. On the Road Again
7. Bob Dylan's 115th Dream
8. Mr. Tambourine Man
9. Gates of Eden
10. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)
11. It's All Over Now, Baby Blue


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Más de Bob Dylan:

1965 - Bringing It All Back Home
1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
1989 - Oh Mercy
2006 - Modern Times

domingo, 14 de abril de 2019

Sui Generis - Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones (1974) (calidad flac.)



Suavizado por el, irónico e inequívoco, pero superfluo (en el día de hoy) titulo "Pequeñas anecdotas sobre las instituciones", esta joya del rock argentino, es otro claro ejemplo del esfuerzo del grandísimo Mr. Charly Garcia (Carlos Alberto García Moreno Lange) por expresar el grueso de sus emociones y su potencial compositivo para evadir pomposa, satirica, soberbia y genialmente al gobierno de turno ante el panorama dictatorial reinante en la Argentina del momento. A la formación clásica de dúo de Sui Generis que venía de grabar dos exitosos trabajos ("Vida" de 1972  y "Confesiones de Invierno" de 1973), Nito Mestre: Voz, Guitarra acústica y flauta traversa y Charly Garcia: Piano,Guitarra acústica, sintetizador y voz, deciden incorporar dos nuevos integrantes estables: Rinaldo Rafanelli en bajo y Juan Rodríguez en batería . Esporádicamente aparecería el ya conocido y demandado en el medio, David Lebón, en la guitarra eléctrica. Colaboran varios allegados a la banda que ya venían apareciendo en los anteriores trabajos de Sui: Oscar Moro, Carlos Cutaia, Jorge Pinchevsky (el hombre que murió dos veces), León Gieco, María Rosa Yorio y Billy Bond. Sui Generis pasó de ser un dúo con músicos acompañantes y formaciones sumamente cambiantes a ser un grupo estable, requisito elemental para tocar temas de mayor complejidad, que persistiría hasta el último recital de la banda. En un principio bautizado como "Instituciones", es una magistral obra de arte, que logra satirizar a las instituciones de ese aspero momento del país, en un formato de álbum de concepto. El resultado es el claro enamoramiento del joven Garcia por el rock progresivo sinfonico y el "folk rock" de protesta de los 70´s. Charly quiso "electrificar" a Sui Generis y coquetear con el rock sinfónico, es por eso que viaja a Estados Unidos y compra varios teclados, entre ellos un piano eléctrico Fender Rhodes, un sintetizador de cuerdas ARP String ensemble y un Mini Moog. El y Hugo González Neira de Aquelarre fueron los primeros que tuvieron estos magníficos instrumentos en Argentina. La chocante obra apunta por supuesto a las instituciones como  el matrimonio, el ejército,  la justicia, la TV. Varias canciones fueron modificadas, como "Instituciones", "Las increíbles aventuras del Señor Tijeras", "Música de fondo para cualquier fiesta animada" y "Para quién canto yo entonces?". Jorge Álvarez, productor del disco para el sello Mandioca, los obligó a que modifiquen los pasajes más fuertes y a que saquen dos canciones del LP, "Botas Locas" y "Juan Represión", que debieron ser eliminadas y cambiadas por otras.

Charly García y Carlos Alberto "Nito" Mestre se conocieron en 1969, mientras cursaban sus estudios secundarios en el Instituto Social Militar "Dr. Dámaso Centeno", ubicado en el barrio porteño de Caballito, próximo a los domicilios de ambos. De la unión de sus respectivas bandas juveniles: To Walk Spanish de Charly junto al bajista Alejandro "Pipi" Correa y The Century Indignation de Nito con Mario Carlos Piegari, nació Sui Generis (el nombre lo encontró Charly al revisar uno de sus libros de secundaria sobre una montaña Sui Generis único en su tipo). En sus orígenes la banda tenía un estilo eléctrico y psicodélico inspirado en Vanilla Fudge y Procol Harum, dos grupos que García admiraba. Los sonidos de las dos bandas eran disímiles entre si , pero encontraban un punto en común en que a ambas (aparte de los Beatles) les gustaban mucho el sonido de The Byrds y de Bob Dylan. La formación de Sui Generis en este período anterior al álbum "Vida" tuvo variantes. La primera más o menos estable incluía a Charly en teclados y voz, Nito en flauta y voz, Juan Belia en guitarra, Rolando Fortich en bajo y Alberto Rodríguez en batería. Pronto cambiaron varios integrantes, sumándolo a la importante cuota lirca de Mario Carlos Piegari (co-autor con Charly de varios temas de esa etapa, tales como "Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris"), y luego finalmente, lo hicieron Alejandro Correa en bajo, Francisco Pratti en batería y Hugo Alfredo Negri en bajo. Como el proyecto no progresaba, García y Mestre terminaron quedándose solos, en vista de lo cual decidieron seguir adelante como dúo. Fue entonces que Sui Generis realizo su primer gran hito en vivo como dúo en el teatro De La Comedia en Mar del Plata. No con mucho amor Mestre recuerda de aquella presentación: "Pensamos que era el final de un sueño, pero estábamos obligados a subir al escenario. Ya nos habíamos gastado la plata en cerveza y no podíamos devolver el cachet a quien nos contrató. Juntamos coraje y salimos, Charly con la guitarra criolla y yo con mi flautita. Yo estaba muerto de miedo, pero Charly me daba ánimo. No sé cómo, pero a la gente le encantó." Tocaron dos veranos seguidos, haciendo cuarenta y cinco shows, sobreviviendo como podían. Cuando regresan a Buenos Aires se dá su segundo gran batacazo en vivo, el espectaculo "Tres trips" organizado por Pedro Simón Bayona "El gordo Pierre" (si! el mismo de la canción de Los Redondos) en el Tearto ABC, ubicado en Esmeralda y Lavalle, un show acústico junto a Expreso Zambomba (de Horacio Fontova) y La Cofradía de La Flor Solar. Estos shows, tienen la particularidad de que los sábados terminaban con una gran "zapada" hasta la madrugada, lo que termino por confirmar su asentamiento en la Capital. Sin embargo este pequeño gran paso de Sui, no consiguió el miramiento de ni siquiera un sello discográfico.En el año1972 El Gordo Pierre, entonces, les presenta a un mítico productor uno de los fundadores de el sello independiente Mandioca, Jorge Álvarez que en ese momento dirigía el sello Talent sello dedicado al rock, dependiente de la discográfica nacional Microfón. Era un momento de inflexión para el llamado "rock nacional" del momento. Fue justo luego de la explosión que desintegra a las tres bandas pilares de este movimiento: Los Gatos, Almendra y Manal. Se vienen cambios grandes y un recambio vital en el aire. Spinetta estaba fundando Pescado Rabioso; Pappo empezaba a ensayar con Pappo's Blues y Billy Bond organizaba con ex integrantes de Manal y otras bandas y músicos, un nuevo proyecto bajo el nombre de La Pesada del Rock and Roll. Es por eso que este, que oportunamente se encontraba trabajando como productor junto a Álvarez, contratan al prometedor dúo. Tras una audición exitosa ante ambos interpretando a dos guitarras "Canción para mi muerte", logran un contrato para grabar su primer larga duración "Vida", con Billy como productor artístico. Ya estando el LP recién salido del horno, se realiza el festival "BA Rock III", en el que participaron casi todas las bandas y solistas más importantes del rock argentino de ese momento. Dicho festival desembocó en la famosísima película "Rock hasta que se ponga el sol" de Aníbal Uset. La "historia oficial" cuenta que en una hábil estratagema Jorge Alvarez  pidió al director Aníbal Uset, que incorporara un tema de este nuevo grupo que acababa de grabar para Talent. Pese que el rodaje de la misma ya estaba sobre el final, Uset aceptó, y aunque Sui Generis no actuó oficialmente en "BA Rock III", fue incluido en el casting final del film. En la película se ve a Nito Mestre en el centro del escenario tocando la guitarra acústica y cantando, y a Charly García de espaldas a su compañero, tocando un piano vertical y cantando. En segundo plano, se ve la base rítmica, compuesta por Francisco Pratti en batería y Alejandro Correa en bajo. El tema interpretado fue por supuesto, "Canción para mi muerte", precisamente el lado A del sencillo con el que fueron presentados en sociedad. Sin embargo existe otra "voz" que reclama el merito de esa primer aparicion de Sui: El Gordo Pierre. Según sus propias palabras, el fue el responsable de la aparición del dúo en la película entre otras cosas: "De hecho como yo conocía su poder de convocatoria, cuando un año después sale su primer disco, le aposté al dueño de la discográfica, que venderían 10 mil placas. Y vendieron de movida 36 mil. ¡Como no les iba a ir bien si hasta los lleve por todo el interior del país acompañado de artistas como Marilina y Gianfranco Pagliaro!. Los metí por todos lados y luego lo volví loco al director Aníbal Uset para que los incluyera en su película del festival B.A. Rock, Hasta que se ponga el sol. Después tanto Jorge Alvarez como Billy Bond quisieron quedarse con el mérito, pero yo sé como fué. Lo demás es anecdótico.". Ahora si Sui Generis comenzaba su escalada a la popularidad, de la mano la peli y de su flamante primer trabajo de estudio "Vida" (1972) . Disco que en la perpetración encontraba al dúo por demás acústico, desnudo de electricidad. Por eso debemos darle a Alvarez ahora si el merito de "rockear" el sonido de Sui. El productor convocó a los integrantes de La Pesada. De esa forma, los aportes artísticos de figuras históricas del rock argentino como el guitarrista Claudio Gabis y el bajista Alejandro Medina (ex miembros de Manal), y el violinista Jorge Pinchevsky, pueden apreciarse en los arreglos de los temas de "Vida". Fue muy constructivo para los inexpertos Sui relacionarse con estos músicos experimentados, que pese a considerar estos últimos, que el dúo hacia música "suave y dulce" en comparación con la crudeza que tenía en esos días el estilo de La Pesada, García les impresionó mucho. Tiempo más tarde, Charly fue convocado para participar en la versión orquestal que grabó la banda de "La Biblia", obra original de Vox Dei como así también para el proyecto de Raúl Porchetto "Cristo Rock" (1972). En "Vida" ademas de los musicos mencionados de La Pesada, estaban Lito Lareu (guitarra) y Paco Prati (batería) este ultimo era parte antes del primer Sui Generis. Es indudable como el álbum caló hondo en la juventud argentina, reflejando con sus letras el verdadero sentir de los adolescentes de la época. Varios temas se convirtieron en clásicos "de fogón" del rock argentino, como "Canción para mi muerte", "Quizás porqué" y "Dime quién me lo robó". "Canción para mi muerte" fue compuesto por Garcia mientras cumplía el servicio militar. La misma linea acustica continuaría en el LP siguiente "Confesiones De Invierno" de 1973 pero con un sonido mas cuidado y arreglos mas comprometidos. Otra vez contó con importantes invitados como David Lebón y Juan Rodríguez. El trabajo brindo mas himnos al cancionero del rock argentino y mas vivencias en donde reconocerse el joven y creciente publico de la banda, como por ejemplo: "Rasguña las piedras",  "Bienvenidos al tren" o la cruda "Confesiones de invierno". Y apuestas interesantes como la rockera "Mr. Jones o pequeña semblanza de una familia tipo americana" y preludios a lo que vendría con canciones con aroma a mini suites: como "Un Hada, Un Cisne" o "Tribulaciones, lamentos y ocasos de un tonto rey imaginario o no", donde aparece una orquestación importante y también apuntes de tipo político. Fue un éxito comercial y aumento el publico del duo que ya comenzaba a sentir el reconocimiento masivo (luego seria la primer banda masiva en Argentina). Al momento de los tiempos de "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones", Charly ya comenzaba a mostrar señales de madurez en sus composiciones, ya estaba saliendo de la adolescencia. Se deja la barba y cambia unas letras de su nombre "Charlie" por "Charly". Por otro lado el país comenzaba a pasar por sus etapas mas oscuras, durante el gobierno de Isabel Perón y López Rega. Había censura y los asesinatos y enfrentamientos del grupo parapolicial "Triple A" (Alianza Anticomunista Argentina) y los grupos guerrilleros de izquierda, estaban a la orden del día. Se sentía cierta claustrofobia, pero también cierto empuje por algo por que luchar. Sus composiciones cambiaron notablemente. Garcia comenzó a ver el mundo de distinta manera, y gracias a los nuevos teclados que había adquirido, convirtió a Sui Generis en un super grupo progresivo. El mismo Charly comentó al poeta y periodista Pipo Lernoud  sobre ese especial momento: "Fuimos a meternos directamente en una nueva, y nos engolosinamos demasiado con los efectos. Por que siempre me preocupó mucho la canción, osea la melodía y la letra, y lo lindo es encontrarle un lenguaje nuevo a todos esos aparatos. Pero en ese momento yo estaba podrido de la guitarrita y la flautita. Aparecieron los sintetizadores y melotrones, que me venian perfectos porque eran teclados muy versátiles. Comencé a creer que era un gran músico. Ya no me conformaba tocando el pianito; queria mas sonido. y Sui Generis con Rinaldo, Juan y David era una banda buenisima. Los conciertos del Coliseo y del Gran Rex fueron impresionantes. Para mí, fue el final perfecto. cuando la gente empezó a aceptar la onda eléctrica, ya era tarde, porque nosotros no queríamos seguir con el grupo. El grueso de la gente tarda en asimilar los cambios. Además de que nosotros no hicimos nada para vender el disco, ya no nos interesaba. Fijate que en ese long-play no hay un solo hit. No aceptaba consejos de los que me pedían que siga ordeñando la vaca lechera de Sui. Estaba decidido a desafiar a los pesados y hacer música fuerte y de choque. Era un disco que salía contra todas las instituciones, incluso las del rock. En ese álbum no hay estribillos para que se peguen en el oído de la gente. Llegué incluso a pensar en ponerle acompañamiento sinfónico al Manifiesto Comunista de Marx. ¿Te imaginás, "Proletarios del mundo uníos" sonando tipo Yes?". Alimentado por la censura, que en realidad fue auto censura, Charly se encontraba ante un gran desafío de disfrazar las letras con un máximo plus poético. Sobre esto Rinaldo Rafanelli recuerda: "Vino Jorge Álvarez y nos contó lo que pasaba. Nos dijo que no convenía poner esas letras porque por menos se habían llevado en cana a varios. A Charly no le gustó nada y quiso tirar el proyecto abajo. Con Nito le dimos manija y le propusimos que cambie todo, pero para que quede igual. Y así fue. Charly se encontró con un desafío poético: enmascarar la cosa para decir lo mismo. No cedió ni un milímetro".

No hay mejor introducción para un álbum de concepto como los sonidos que comienzan a emanar de los teclados de Charly en "Instituciones". La bella melodía cantada por Nito nos llega hasta los huesos "Yo miro por el día que vendrá hermoso como un sol en la ciudad..." , hasta que Charly se abre paso con teclados diversos y uniendo su voz con la de Nito, logrando esa química armónica en sus voces tan preciada que tan bien les sentaba. "Los magos, los acróbatas, los clowns...mueven los hilos con habilidad" en referencia a la situación que vivía el país, a quienes tenían el poder. La canción cambia de tiempo con un pasaje donde se emula en este segmento a un padre de familia regañando a su hijo, lo que nos hace pensar en la fuerte critica que le hace la cancion a la institución de la familia. Sobre el final vuelven al tiempo inicial con mas teclados y la excluyente guitarra de David Lebón. Tango, rock progresivo, psicodelia, space rock y una pizca de fatalismo (estilo Sabbath) se dan la mano en la mística "Tango en segunda". En la parte instrumental que desemboca en el gran clímax final del tema, veremos que se destaca el Minimoog, nuevo juguete de Charly. Este leitmotiv, lo reutilizaria dos veces mas, años mas tarde con Seru Giran en  "La Grasa de las capitales" del disco del mismo nombre y en el instrumental "La Ciudad Se Está Apagando"" de la banda de sonido de la película "Lo que Vendrá" donde el mismo Garcia actúa de enfermero. Al haber tanta censura en varios temas del álbum, la letra de "Tango en Segunda" con esas fuertes metáforas de gran despiste, tiene características de improvisación por estar concebida estudio. En realidad Jorge Alvarez hizo que la incluyeran en lugar de "Juan Represión", por eso encontramos líneas que se pueden pensar como referencias a la propia circunstancia de preproducción y de censura del álbum:  "Alguna gente que conozco vive metida en un baúl". Incluso hay quienes advierten que parte de las lineas están dedicadas directamente a Alvarez: "A mí no me gusta tu cara y no me gusta tu olor... Hay tres o cuatro mamarrachos con los que yo estoy mejor". El gancho del final de "Tango en Segunda" y el principio de "El Show de los muertos" con una sirena policial a lo lejos, es un vestigio de la censura que deja “Juan Represión”, por que en realidad iba a ser la que le antecedia. Mestre contarìa años mas tarde: "El show de los muertos, puesto después de Tango en segunda, perdió buena parte de su sentido, porque en realidad antes tenía que estar "Juan Represión", el que tuvimos que dejar afuera. El relator en El show de los muertos es Juan, el de "Juan Represión". Es el tipo que dice: 'Tengo todos los muertos aquí, quién quiere que se los muestre?'. La canción en cuestión en plan melancólico, es directamente una fuerte critica a la institución policial. Esta melancolía construye plenamente el perfil del represor de la forma mas humillante posible: "Juan Represión viste, un saco azul triste , vive como pidiendo perdón y se esconde a la luz del sol. Juan Represión sabe no hay nadie que lo ame no hay, las balas que la gente tiene lo asesinaron de pie". Sin embargo el tema va subiendo la intensidad hasta volverse alegre y pese a ser tan apuntado, tiene una suerte de pequeña aceptación al personaje, sobre el final: "Pobre Juan qué lástima me da, Todos los reprimidos seremos tus amigos... cuando tires al suelo tu disfraz". El ambiente psicodélico de "El show de los muertos" satiriza con un programa de TV, los terribles asesinatos que se ejecutaban como si no ocurriera nada en absoluto. De la ironía todo se vuelve siniestro con solo escuchar las fuertes imágenes que describe Charly: "Tengo los muertos todos aquí. ¿Quién quiere que se los muestre?. Unos hincados, otros de pie. Todos muertos para siempre. Elija usted en cuál, de todas ellas se puso a pensar". Contiene una de las mas emotivas letras de toda la carrera del músico en disco: "Yo crecí con sonrisas de casa, cielos claros y verde el jardín ¿Y que estoy haciendo ,aca en esta calle con hambre? ¿Cuántas veces tendré que morir para ser siempre Yo?".

Paradójicamente al nivel de censura que recibió el LP, es extraño encontrar una canción que habla justamente de eso: "Las increíbles aventuras del señor tijeras". Una canción con un sinnúmero de cambios de ritmos. Comienza con solo unos simples acordes de guitarra acústica y progresivamente, "in crescendo" llega a terrenos insospechados y perturbadores. Hace alusión a Miguel Paulino Tato quien dictaba el contenido que debía ir en las películas, cortando la escenas que creía inmorales para la sociedad cristiana y occidental aquellas que por ejemplo muestren sexo y opiniones políticas disidentes. También la canción marcaría el enamoramiento de Charly con las temáticas cinematográficas en sus canciones. En el final la letra remata: "te vere en 20 años en televisión... cortada y aburrida, a todo colooor...". Algo que paso en la realidad con una película en particular: "El Último Tango En París" (1972). Y como no podía ser de otra manera Charly apunta a la institución del matrimonio con "Pequeñas delicias de la vida conyugal" y también al dinero: "Estoy en busca de algo naranja y verde". Sin duda una buena muestra del buen gusto, confeso, de Garcia por los italianos Premiata Forneria Marconi y por Emerson, Lake & Palmer. Se destacan el ARP String Esemble, el sólido bajo de Rino que lo imita, la excelente combinación de voces y sobretodo la bateria de Juan Rodríguez que se luce con una intro que remite a "Generale" de los italianos PFM, mencionados antes y que pone la cereza del postre con su esplendido solo en el final, para culminar esta especie de salsa progresiva. La secuencia inicial de el album ingeniado por Charly, hubiese proseguido con "Botas Locas", que finalmente fué reemplazada por "El tuerto y los ciegos". Un "country rock" redondo censurado al 100% por apuntar al ejercito nacional Argentino. La canción obtuvo su popularidad gracias a sus interpretaciones en vivo (fue en numero 4 en el podio de "Tema del año" de 1975 por una encuesta realizada por la revista Pelo) . La letra relata las desagradables experiencias que vivió el propio Charly al hacer la "colimba" (servicio militar). Hecho anecdótico si los hay, después de un recital en Montevideo la banda fue arrestada por haber cantado este tema. Uruguay estaba gobernado por una dictadura cívico militar desde 1973. Les vendaron los ojos, y recibieron golpes y amenazas de muerte. "Cuando nos sacaron la venda había un collage de fotos de desaparecidos, de tupamaros", "Y decían ‘a este lo maté yo’, ‘y a este yo’…" cuenta Charly. Tenían de evidencia una grabación que no se escuchaba nada, y pidieron que explicaran parte por parte la letra. Entonces Charly narró la letra cambiando las partes comprometidas. Por ejemplo, en la parte que originalmente decía "Si ellos son la patria yo soy extranjero", escribió "Si ellos son la patria yo me juego entero". Gracias a la rapidez de Charly, zafaron.

"La mediocridad para algunos es normal, la locura es poder ver mas allá" otra de las frases inmortales de García incluida en la campirana "El tuerto y los ciegos", que quedará grabada en el inconsciente colectivo por toda la eternidad. Aquí Charly utiliza a un personaje de la mitología griega, Cassandra, diosa condenada a anticipar siempre la verdad y a no ser creída, fue ella la que predijo la caída de Troya y de inmediato tomada por loca. Cuando presentó el tema en el Teatro Coliseo dijo: "La gente que piensa un poco más es loca, entonces estamos de nuevo en Troya". Es innegable la fuerte crítica , esta vez, a los 3 poderes del estados en la visceral "Música de fondo para cualquier fiesta animada". Con su impronta salvaje, fue una manera de pararse frente a aquella vieja rivalidad entre "blandos" y "pesados" que experimentó el Sui Generis inicial. A pesar de los cambios que sufre, la letra respeta la idea inicial de Charly de describir una fiesta y/o orgía impresionante, en un casa donde participaban el presidente y el juez. Una gran sátira de la fiesta que tienen los poderosos con lo del pueblo, que nunca está invitado. La versión inicial decía en un principio: "Había una vez en la casa de un juez una fiesta impresionante vino y caviar, y mujeres sin bailar y marihuana en los cuartos y un presidente hablando,  sobre un pueblo en paz y la manera de tranquilizar a las bocas que pedían libertad" y "Había una vez  una casa con tres personas en una mesa  un leñador con su hijo menor y su mujer blanca y gruesa. Sus vidas eran miserables bajo el sol  y el que levantó el brazo con dolor está muerto, alguien dijo, por error". Otra frase cambiada que alude a esa alocada fiesta era: "Y en la noche la fiesta pasa amablemente y hasta el juez se acuesta con el presidente, baila y se ríe". El característico riff de guitarras es decorado con destellos violentos de sintetizadores y los punteos de Davies que suenan como nunca. Las voces de Nito y Charly no se escucharon con tanta rabia hasta entonces, sentían que la injusticia debe gritarse con ese ímpetu, rematando sobre el final: "Había una vez, un país al revés y todo era diferente. Todo el dolor, el oro y el sol pertenecían a la gente, en esa casa dividieron el pastel y no dejaron nada sin comer, la bandeja se la llevó la sirvienta". Una frase  lamentablemente atemporal que sin duda alguna continúa siendo vigente en el presente. En aquel show del Teatro Coliseo, Charly presenta a este tema con una lucidez excepcional: "esta canción la compuse pensando que cualquier quinceañera pudiera llevar el disco a su casa […] y quedar bien con sus amigos. También habla de la justicia, pero eso no importa… Para que haya muchas chicas que puedan tener su disquito hay mucha gente que se muere también, ¿visssste?". De Rafanelli y Charly el instrumental "Tema de Natalio" una demostración en palabras mayores de la nueva estética progresiva de la banda y una suerte de representación de las reflexiones de Natalio Ruiz (el hombrecito del sombrero gris). Lleno de improvisaciones y pasajes interesantísimos con el excluyente violín La Pesada, Jorge Pinchevsky. La colorida armónica del gran León Gieco cierra el trabajo original en "Para quién canto yo entonces". Una canción folk que sirve como una conclusión final para entender todo el sentido de "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" y nos invita a reflexionar a futuro. Charly anuncia el tema en el Teatro Coliseo como "el último tema del disco y del recital, un tema acústico que explica todo lo que hicimos". Por suerte veremos un mensaje alentador sobre un futuro del cual nos invita a creer Charly con su arte: "Yo canto para la gente porque también soy uno de ellos. Ellos escriben las cosas y yo les pongo melodía y verso". Es evidente que Charly no solo le canta esa gente sino que también a los que tienen el poder. El final original decía: "Y yo canto para usted, señor del reloj de oro. Sé que a usted nada lo hará cambiar. Pero quiero que se entere que su hijo no lo quiere". La sugerente ilustración de la portada a cargo de Juan Oreste Gatti, hace alusión a varios personajes protagonistas de las canciones del trabajo y es en blanco y negro por el costado de sus temáticas.

Asi estaba el ambiente, caldeado, había una sensación de claustrofobia , y fue aquí en "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones" que Charly comienza a ser un reflejo de la realidad del país a lo largo de toda su carrera. No es extraño entonces que esa sensación de encierro la sintiera dentro de la misma banda. Comenzó a haber cortocircuitos con Nito por el rumbo que Charly anhelaba. Quería seguir la linea progresiva, con temas mas extensos, tan en boga por esos tiempos, con un cuarto disco que nunca vio la luz que se llamaría "Ha sido" (pronunciado ácido). Alguno de los temas que iban a incluirse iban a ser las que luego se conocería como "Bubulina" (el apodo de María Rosa Yorio, mujer de Charly entonces) y "Eiti Leda". En contraposición Mestre quería seguir con el estilo folk acusticazo del primer Sui Generis. Las presentaciones de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones" comenzaron a salirse del habitual circuito de "rock porteño". De la mano del manager Melgarejo comienzan a recorrer no solo clubes miserables en condiciones difíciles, por el conurbano, como también por el interior del país. Los públicos de estos lugares, compuesto por adolescentes, no entendían mucho las metáforas sobre "jueces" y señores de "tijeras", en medio de un García sacudiendo el sintetizador con sonidos extraños y complejos. Este publico quiere "Canción para mi muerte" o "Rasguña las piedras". Por otro lado, Sui no era aceptado por los rockeros de la época como Pappo´s Blues o La Pesada. Para ellos los primeros discos eran muy suaves y los temas nuevos son demasiado "sinfónicos". Todos estos factores influyeron a que Charly se cansara y disolviera a Sui Generis, a punto de perder a su publico adolescente, pero aun asi en la cumbre de su carrera. En septiembre de 1975 Sui Géneris dio los dos conciertos de despedida de "Adiós Sui Géneris". La primera presentación fue el 5 de septiembre de 1975, en el estadio Luna Park, con capacidad para 9290 personas. Sin embargo, las entradas se agotaron rápidamente y se tuvo que programar una segunda función. Finalmente se vendieron 25 600 entradas en total, una cifra que sorprendió hasta al mismo grupo. Fueron editados en CD como "Adiós Sui Géneris, parte I & parte II" y en película. Parte del material incluido en ese LP doble pertenece a la segunda presentación oficial de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones"  en abril de 1975, que había batido récords hasta entonces, llenado el Teatro Gran Rex de 3300 localidades y en horario de trasnoche (poco antes lo había hecho en el Teatro Coliseo, también con sala completa). En 1994, se publicó "Adiós Sui Géneris volumen III", con temas descartados en la edición original. Como proyectos siguientes, Charly Garcia formaria La Maquina de Hacer Pajaros profundizando aun mas el estilo de rock progresivo con pasajes instrumentales extensos y cantándole a un clima mas espeso y mas oscuro aun. Nito Mestre formó Los Desconocidos de Siempre, haciendo lo debido con canciones folk , llevando a adelante el movimiento dado a conocerse com "El Acusticazo". Otro de los proyectos que los involucra a los dos seria "PorSuiGieco" grabando un álbum junto a  León Gieco, Raúl Porchetto y María Rosa Yorio, una especie de Crosby, Still, Nash & Young criollo. La primera y fugaz reunión que tuvo Sui Generis fue en Montevideo, Uruguay en 1981 ante 16.000 personas, cada uno con su banda. En 1993 Mestre saca "Canta Sui Generis" unas reversiones de los temas de Sui aggiornados a los 90´s con producción de Daniel Grinbank y sin el consentimiento de Charly. Pero sin duda el regreso mas recordado fue el de el año 2000 hasta 2001 con el trabajo "Sinfonías para adolescentes". Marcado por la canción "El día que apagaron la luz". Este acercamiento de ambos se produce tras un accidente automovilístico que sufrió Nito. El álbum incluye canciones inéditas de la primera época de Sui Generis como "Cuando te vayas", "Espejos", "Monoblock", "Afuera de la ciudad" y "Juan Represión". Como así también particulares versiones de conjuntos, músicos y productores, admirados por Charly  en su juventud como: Los Shakers , The Byrds, Vanilla Fudge, Phil Spector, Todd Rundgren, entre otros. El nuevo disco fue presentado en un multitudinario show en el estadio de Boca Juniors con invitados de la talla de Gustavo Cerati, Fito Páez, León Gieco, Mercedes Sosa y Pedro Aznar. Cuando la prensa acusó al dúo de editar este disco solamente por ambiciones económicas, Sui Generis realizó un show gratuito en el Parque Sarmiento. Ambos recitales quedaron registrados en el CD doble "Si - Detrás de las paredes".


Personal:

Charly García: Piano, Yamaha Strings, Piano Rhodes, Mini Moog, Clavinet Hohner, ARP Strings, Ensamble de cuerdas, guitarra y voz
Nito Mestre: Voz, guitarra acústica y flauta traversa
Rinaldo Rafanelli: Bajo, guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros
Juan Rodríguez: batería
Alejandro Correa: Bajo
Carlos Cutaia: Órgano Hammond en "Tema de Natalio".
León Gieco: Armónica en "Para quien canto yo entonces".
María Rosa Yorio: Coros
David Lebón: Guitarra eléctrica
Oscar Moro: Batería
Jorge Pinchevsky: Violín en "El tuerto y los ciegos" y "Tema de Natalio".
Billy Bond: Coros


Lista de temas:

1. Instituciones
2. Tango en segunda
3. El show de los muertos
4. Las increíbles aventuras del Sr. Tijeras
5. Pequeñas delicias de la vida conyugal
6. El tuerto y los ciegos
7. Música de fondo para cualquier fiesta animada
8. Tema de Natalio
9. ¿Para quién canto yo entonces?
10. Juan Represión
11. Botas locas


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