La Guitarra en La Ventana

Genesis - Selling England By The Pound (1973)

2012-01-09T20:32:00.009+01:00

"Vendiendo Inglaterra por su peso" o tambièn conocido como "Vendiendo Inglaterra por una libra" de Genesis. Esta placa es una gema del rock sinfònico/progresivo y del rock clàsico de todos los tiempos.Un rock sinfónico que iba a marcar caminos y que iba a hacer escuela, influenciando al llamado "neosinfònico" en los años 80`s y 90`s.

Es el quinto trabajo de estudio de la banda grabado en el año 1973. Su elenco fuè el màs glorioso y destacado sin duda alguna: Peter Gabriel voz y vientos, Tony Banks teclados y guitarra de 12 cuerdas, Steve Hackett guitarras, Mike Rutherford bajo, guitarras y coros

y Phil Collins batería, percusión y voz. Asimismo fuè su mayor èxito comercial (sobre todo en Italia), llegando a ser disco de oro en EE. UU. en 1990.

1973 encuentra al conjunto en la quintaescencia de su carrera, al igual que en su siguiente doble Lp: THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY (1974), que marcarìa el fin de la era Peter Gabriel.

"Can you tell me when my country lies..." (puedes decirme cuando mi paìs miente...) reza el comeinzo de "Dancing With The Moonlit Knight", cantada dulcemente y a capella por Peter.

Esta suite inicial comienza con unos pasajes de un panfleto de el Partido Laborista Britànico, el cual se le fuè entregado un dìa casual por un joven a Gabriel que caminaba por la calle en plena epoca electoral. Estas lineas cuestionan la posiciòn conservadurista del gobierno de turno

de por aquel entonces, todo esto aprovechado por Peter y llevado hacia un terreno fantasioso y hasta con un gran sentido del humor. En medio de semejante concepto , la riqueza musical del esta canciòn es exquisita. Se compuso a partir de un teclado de Peter y de un potente riff de Hackett, añadiéndole otra composición acústica. Este tema es uno de lo temas màs memorables de la banda. Al interpretarla en vivo Peter se disfrazaba de "Britania", una especie de guerrero griego o romano con yelmo , capa y lanza.

Cierto mediodìa, en el transcurso de aquellos meses en que Genesis componìa y ensayaba esta magistral obra, algunos de los integrantes se detuvieron a almorzar. Stephen Hackett y Phil Collins seguian encerrados ensayando. El guitarrista desde hacìa varios dìas no podia dejar de ejecutar un riff muy pegadizo, pero no le lograba dar una forma definitiva. Phill estaba muy enganchado con el ritmo del riff de su compañero . Mientras tanto los demàs los llamaban a almorzar , pero ellos seguían ejecutando este riff sistemàticamente, hasta que un furiozo Peter Gabriel abre la puerta de la sala y les dice: Es la 1 en punto , es hora de comer!!... y Collins lo mira y le contesta: Que gran frase para comenzar una canciòn!!... tienes razòn le contesta Peter , entonces esto se transformò en el comienzo de "I Know what i Like ": "It`s one o`clock it`s time for lunch...!". Fuè el primer exito comercial que logrò Genesis. La letra estaba caracterizada por el típico humor ingles , tan utilizado por Gabriel en sus letras, las mismas nos dan claras imágenes de lo que nos expresa la ilustraciòn de la tapa del disco.

Narra con mucha ironìa la historia de un cortador de cèsped quien no necesitaba nada mas que ser eso para ser feliz. Un muchaho que ignora las recomendaciones de las señoras de la aristocracia que lo veian durmiendo en algun banco de una plaza. Musicalmente notas netos cortes pop , unos buenos ritmos de percusiòn manual y algunos aires orientales brindados por Rutherford al emplear una citara elèctrica .

"Quinto de quinto" o "Designada al quinto rio de cinco" ("Firth of Fifth") compuesta en mùsica y letra por el señor Anthony Banks, es una canciòn descartada de "Foxtrot", el anterior disco . Aqui Banks retoma la canciòn modificandola y agregandole muchos cambios de ritmo que era una de las razones por la que no se habìa incluido en el anterior album de la banda. Dos de los momentos inmortales de esta pieza son sin dudas : el bello y melòdico solo de guitarra de Steve Hackett, que imita a la parte de flauta de Peter y la introducciòn de piano clasico. Esta ultima muy pocas veces se ejecutò en vivo ya que era muy dificil de ser tocada. Este tema tambièn ha producido muchas peleas en la banda, por que Gabriel queria comenzar la canciòn con la parte vocal, tal como la presentaban en vivo. Banks se enojò mucho al enterarse que no querian incluir esa parte , pero finalmente logrò convencerlos y lograr grabarla tal como la conocemos.

Entre las introducciones que hacia Peter en vivo , una de las màs comunes era la de esta canciòn, decìa: "Habìa cinco rios: uno , dos, tres , cuatro y el quinto rìo no podìa verse en absoluto. Podìa ser oido en la noche, fue entonces que pusieron mentes para atrapar al rìo y en la mañana, al levantarse, encontraron un rìo nuevo, limpio y azul. Este era el quinto rìo y en la desembocadura es donde esta canciòn comienza...".

Una de las pocas canciones que cantaba con la voz principal de Collins en la era Peter Gabriel (otras son "Happy the man" y "For Absent friends") es "More fool me". Basicamente una canciòn melancólica y de amor. En lineas generales acústica, compuesta por Mike Rutherford y con letra de Phil. La canciòn la compusieron en el unmbral del estudio de grabaciòn Island , mientras esperaban a los demàs miembros de la banda que demoraban en presentarse.

La épica suite "La Batalla del Bosque de Epping" con mùsica de todos los integrantes y letra de Peter Gabriel encierra otra particular historia. Gabriel se inspirò en una noticia que habia leìdo en el periòdico Times, sobre una batalla entre dos bandos juveniles provocando destrozos. Esta batalla tuvo lugar en el propio bosque de Epping, que es un bosque de la campiña inglesa donde los estudiantes se juntaban a hacer pic-nics y demás divertimentos. Todo esto acompañado

por un tono por demàs irònico propio de sus letras. Crea y emula con la voz y sus cambios de tempo, a un sinumero de personajes grotezcos implicados en esa contienda y parodia a algunos de los personajes de la historia de Robin Hood.

La estructura musical de la canciòn es de lo màs compleja. El nùcleo de la misma habà sido de nuevo una composiciòn descartada de "Foxtrot", a la cual le fueron agregando distintos trozos de composiciòn de cada uno de los integrantes. La mùsica fuè compuesta primero y luego la letra. Banks y Rutherford manifestaban su inconformismo con respecto a la uniòn de la musica con la letra. Argumentaban que esta ultima era demasiado intrincada y era dificil ajustarla a la mètrica de la canciòn.

Sinembargo es una de las mas geniales e interesantes suites de la banda ya sea por el histrionismo de la voz de Peter o por la diversidad de la composiciòn de cada integrante.

El bello instrumental de Hackett "After the Ordeal", nos demuestra su madurez compositiva a esta altura de su carrera . Hay muchas traducciones en cuanto al nombre de esta canciòn algunas de ellas son: "Luego del sufrimiento", "Despuès de la mala experiencia" o "Despuès de la prueba".

Finalmente la suite culminante dividida en dos partes "The Cinema Show" y "Aisle of Plenty" ("Pasillo de la abundancia"). Es obvia la recurrencia de Gabriel ante "Romeo y Julieta" de Shakespeare, pero imaginado a travès de una pantalla de cine. La cual dice:"De regreso a casa del trabajo nuestra Julieta recoge los restos de su desayuno de la mañana. Retoca suavemente su piel con preciosos perfumes, que ocultan para atraer. Haré la cama, ella dijo, pero se diò la vuelta.

¿Iba a llegar tarde a la función del cine, la función del cine?. Romeo cierra su apartamento subterráneo, y corre escaleras arriba. Con la cabeza bien alta y una corbata floral, un millonario de fin de semana. Haré mi cama con ella esta noche, él grita. ¿Puede fracasar armado con su sorpresa de chocolate?..."

Musicalmente es una bellìsima melodìa compuesta por Mike Rutherford desde su principio, que va derivando en una zapada de estudio de Tony , Mike y Phil, no es raro entonces que en la etapa post Gabriel sea varias veces ejecutada en directo. La coda de "The cinema show ", tiene algunas repeticiones de guitarra acùstica que desenvoca en el principio de "Aisle of Plenty" aportandole un sutil hilo conductor entre las dos partes. Està concebida de lo compuesto por Peter en "Dancing with the Moonlit Knight" con una letra que se transforma en una especie de juego de palabras, inspirada por una visita al supermercado.

En su final podemos notar que Peter tararea la lista de productos de supermercado con sus respectivos precios.

Otro elemento de esta excluyente obra es sin lugar a dudas, el arte de la portada a cargo de Betty Swanwick y llamada "El Sueño", por encargo de el mismo Peter Gabriel en una expocisiòn de pintura . Si se le presta especial atenciòn a la ilustración, encontraremos algunos elementos y motivos referentes a las letras de "Selling England By the Pound".

Lista de Temas:

1. Dancing With The Moonlit Knight
2. I Know What I Like (In Your Wardrobe)
3. Firth Of Fifth
4. More Fool Me
5. The Battle of Epping Forest
6. After The Ordeal
7. The Cinema Show
8. Aisle Of Plenty

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Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)

2011-12-08T18:37:00.007+01:00

Como de costumbre en esta época del año , la guitarra en la ventana , les ofrece un disco navideño, escapando como siempre , a todo tipo de encasillamiento de gèneros. Es por ello que hemos elegido para esta ocasión un disco de salsa que contiene música tipica navideña. Es el caso de el primer volumen de "Asalto Navideño" de el trombonista neoyorquino de origen puertorriqueño Willie Colon que ademas de contar con su orquesta de músicos estables por esos tiempos, cuenta con la irrevocable voz de "El Cantante de los Cantantes" esto es lo mismo que decir Hector Lavoe. También se les suman otras estrellas del sello Fania, Johnny Pacheco y Justo Betancourt. Es importante destacar la participaciòn del maestro Yomo Toro aportando una rareza para lo que se venia haciendo en discos anteriores del binomio de la salsa brava:

la inclusiòn de un cuatro.

“Asalto Navideño” es un clásico de la salsa. El sonido de la música jíbara (música campesina) se mezcla aquí con elementos del guaguancó cubano y el jazz afroamericano, así como el merengue dominicano, la samba de Brasil y la murga panameña, entre otros ingredientes.

Es un importante detalle distinguir el principio del álbum , ya que es una bonita introducciòn a cargo del reconocido disc jockey Polito Vega. Aquì se presenta el contenido del disco a los mùsicos (varios del elenco del sello Fania) y al ingeniero de sonido.

Inmediatamente el Cantante aprovecha la ocaciòn para saludar a su Puerto Rico querido con "Canto a Borinquen". Tanto esta ultima como "Popurri" evocan el sentir religioso y patriótico de las fiestas navideñas.

En aquellas epocas era por demás sabido la gran aglutinaciòn de puertorriqueños en Nueva York. No es extraño que nos topemos entonces con una canciòn titulada "Traigo la Salsa" : la mùsica que tocan y bailan los puertorriqueños dispersos por los Estados Unidos.

Otro ejemplo similar se enfatiza en "Esta Navidad"con una bella introducciòn de cuatro aportando una clara cadencia jíbara. Aquì se narra la historia entre los puertorriqueños de la isla y los "Neoyorricans": primero, condenando a aquellos jíbaros que se fueron y ahora regresan

con aires de superioridad y, luego, insistiendo en que ellos también tienen con qué aportar, a lo que se refiere en final del tema como mi tumbaito...

"La murga de Panamà" es un gran clásico salsero , que contiene en sus arreglos de trombòn la inconfundible impronta de Willie , tan predominante tanto en discos anteriores como en la fructifera carrera que cultivarìa luego con Hector.

Cierra el disco la pegadiza “Vive Tu Vida Contento" con todo el colorido de la voz de Hector invitando a cantar al final de cada estrofa a gran parte de los mùsicos participantes.

Lista de Temas:

1. Introducción

2. Canto a Borinquen

3. Popurrì Navideño/Estrella de Oriente (De Tierras Lejanas)/ Noche de Paz/ La Virgen Marìa/ La Tierra Mia

4. Traigo la salsa

5. Aires de Navidad

6. La Murga de Panamà

7. Esta Navidad

8. Vive tu vida contento

Personal:

Willie Colón – Trombón, Lider
William “Sweet” Campbell – Trombón
Milton Cardona – Congas, Percusión
José Mangual Jr. – Bongó, Percusión
Profe. Joe Torres – Piano
Louie “Timbalito” Romero – Timbales
Santi “Choflomo” González – Bajo
Yomo Toro – Cuatro
Roberto García – Cuatro
Johnny Pacheco – Percusión
Miguel “El Túnel” Matos – “band boy,” Percusión Menor
Cantante Principal – Héctor Lavoe
Coro – Willie Colón, Johnny Pacheco, Justo Betancourt

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Otros discos navideños de LGV:

Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)

CANTO A BORINQUEN

AIRES DE NAVIDAD

Peter Hammill - Over (1977)

2011-09-14T17:42:00.005+02:00

Sentimientos lùgubres, oscuridad, tristeza, paisajes desoladores y depresiòn son tal vez visiones, estados de ànimo y circustancias. Algo fàcil de distinguir, sobre todo en la mùsica .

A lo largo de su carrera ya sea como lider de la banda pionera inglesa de rock sinfònico/progresivo Van der Graaf Geneator y como solista, Peter Hammill logra consumar a flor de piel en sus composciones estos conceptos.

EL disco "Over" es un espejo del momento por el cual atravesaba: la separciòn de por entonces su actual mujer. Hammill , un artista sensible por demàs y asi precursor del Punk, ha influenciado a muchos cantantes con su voz descarnada, acompañada en el papel principal a sus grandes aliadas: la pluma y la palabra.

Peter Hammill es uno de esos pocos cantantes (junto a Jon Anderson de Yes) que logra que su voz se imponga como un instrumento màs dentro de la banda. No es extraño notar entonces que los climas de su "vox" (en algunos discos suele figurar asi en los crèditos de la alineaciòn de mùsicos) vayan cambiando bruscamente dentro de una canciòn o que dentro de una suite sea la protagonista.

"Over" se nos presenta como un disco principalmente acùstico y claramente despojado de los excesos del rock progresivo. Hammill ejecuta casi todos los instrumentos (teclados y guitarras acustica y electrica) y cuenta con tres mùsicos invitados bajista Nic Potter, el baterista Guy Evans y el violinista Graham Smith todos integrantes alguna vez de Van Der Graaf Generator.

Siempre tan eclèctico como se lo conoce , Peter recorre varios terrenos, desde una intro enèrgica como "Cryng Wolf" hasta las desoladoras y depresivas "This side of the looking glass" y "Autumn". Estas dos ùltimas acompañado por una orquesta.

Otra de las aristas de su estilo la podemos ubicar en "Alice (Letting Go)" , aplicando una faceta menos densa , desempeñando solo guitarra acùstica y voz. Algo parecida se nos presenta "Betrayed" pero acompañada por el violin de Graham Smith. El tema màs cercano al sonido Van der Graaf es seguramente "Lost and Found" donde se vislumbran ciertas dòsis de experimentaciòn.

En resumen, un disco fabuloso y fundamental en la carrera de Peter Hammill. A los amantes del virtuosismo y la experimentaciòn quizàs los deje desepcionados, pero no asi a los que busquen el colorido de las composiciones.

Lista de Temas:

1. Crying Wolf

2. Autumn

3. Time Heals

4. Alice (Letting Go)

5. This Side of The Looking Glass

6. Betrayed

7. (On Tuesday She Used To Do) Yoga

8. Lost and Found

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Carlos Gardel - Gardel En Nueva York (Su Obra Integral Vol. 7)

2011-08-30T17:31:00.005+02:00

En los primeros años de la dècada del 30´, màs precisamente en 1933, Carlos Gardel viaja a Nueva York donde firma con la NBC.

Es por aquellos años donde surgen las composiciones màs proliferas y ambiciosas del binomio Gardel/Le Pera halladas en este volumen. En estos ultimos años de su vida , el zorzal criollo filma "Cuesta abajo", "Mi Buenos Aires querido" y "Tango en Broadway", para la Paramount de Nueva York. Filma tambièn el musical de la Paramount "Cazadores de estrellas" junto a Bing Crosby.

Codearse con artistas de esta talla le permitiò sumar a su repertorio 19 grabaciones catalogadas como "shimmies" y "foxtrots". Algunas de ellas cuentan con el acompañamiento del jazzman franco-armenio Kalikian Gregor.

No es extraño entonces , vislumbrar sonidos poco comùnes como por ejemplo: "Rubias de Nueva York" que es un foxtrot o la rumba "Sol tropical" y hasta una danza española llamada "jota" ("Los ojos de mi moza") .

Entre las grandes composiciones nos topamos con elementales tangos como "Volver" , "Cuesta Abajo", "Volviò una noche" o "Golondrinas". Esta ùltima de una poesìa impecable , que nos evoca esos sentimientos de añoranzas a la tierra dejada, tan tìpicos en sus letras.

No podemos pasar por alto la inclusiòn en este volumen de la inmortal "El dìa que me quieras" que es quizàs la mejor composiciòn de este gran dùo compositivo. De su misma pluma, otra curiosa composiciòn es "Cheating muchachita" con un estribillo cantado medio ingles y medio español, y si le prestamos antenciòn es en realidad un hìbrido (o al revès?) del tango "Amargura" incluido tambièn en este volumen.

Lista de temas:

01 Caminito soleado - Zamba
02 Cuesta abajo - Tango

03 Amores de estudiante - Vals

04 Golondrinas - Tango
05 Soledad - Tango
06 Rubias de Nueva York - Foxtrot
07 Arrabal amargo - Tango
08 Sus ojos se cerraron - Tango
09 Volver - Tango
10 Lejana tierra mia - Canciòn
11 El dia que me quieras -Canciòn
12 Volvio una noche - Tango
13 Sol tropical - Rumba
14 Los ojos de mi moza - Jota
15 Amargura - Tango
16 Cheating muchachita - Tango
17 Guitarra mia - Canciòn

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Su Obra Integral hasta la fecha:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"

mEZcOLANzA

2011-07-22T07:30:00.003+02:00

El sabado 23 en el IAM, independencia 1851 1° piso, a las 21:30, se presentaran, Molinete Lunpem (banda marplatence), La guitarra en La Ventana (banda marplatence) y Por Amèrica (covers latinoamericanos).
Los esperamos.

Utopia - Ra (1977)

2011-07-09T00:46:00.005+02:00

En entradas anteriores habiamos hablado acerca del genial mùsico que es TODD RUNDGREN. De ninguna manera podemos pasar por alto a lo que era su proyecto pararalelo a su riquìsima carrera solista: la genial banda Utopia.

La vida de Utopia comienza allà por 1973, presentando una propuesta de banda de hard rock progresivo (cercano a lo eclèctico), con algunos toques de psicodelia y por q no de jazz-rock. Quienes acompañaron a la "utopìa" de Todd en "Ra" (el tercer disco) fueron: Roger Powell (teclados, sintetizador y voces), Kasim Sulton (bajo y voces) y John "Willie" Wilcox (batería, percusión y voces) .

Este discazo en cuestiòn, es un tesoro oculto para los amantes del gènero. Encuentra a sus intergarantes en un momento de gran inspiraciòn. Las armonìas vocales son exquisitas , llegando a compararse a la epoca dorada del Queen màs sinfònico.

La potente obertura: "Mountain top and sunrise/Communion with the sun", basada en una de las deidades egipcias, nos demuestra la majestuosidad de la obra que ya se manifiesta desde su portada (el imponente sol naciente) y la vestimenta de los miembros del grupo. Todo esto,

junto a la letra del tema nos remite a los mitos egipcios tan encarnados en la conciencia colectiva. Con un enganche perfecto entre el final y el principio se nos presenta la popera “Magic Dragon Theatre” cantado muy al estilo del Queen màs glam.

"Jelousy" es un gran logro , con una potente base pop pero mezclada con hard rock. Con "Eternal Love " llegamos uno de los màs grandes momentos de inspiraciòn en el àlbum. Es una hermosa balada, que contiene en su mitad una secuencia de coros producidos pasados las cintas en reversa

a la que luego se le adhiere unas bellìsimas cortinas de synths.

La complejidad rìtmica que nos acerca màs a los terrenos del jazz-rock , la hallamos en "Sunburst Finish”. Acercàndonos al gran final, nos topamos con la bomba (en sentido literal) del disco "Hiroshima" . Desde su comienzo era inevitable influenciarlo con sonidos orientales.

Se incluye una interesante crítica al ejercito norteamericano por el masivo acto terrorista de 1945. Es loco decirlo pero el tema, pero la sensaciòn que nos produce ciertos pasajes del tema (sobre todo al final) es la de transaladarnos a Hiroshima, o a Nagasaki, pocos minutos antes de que caiga la bomba atómica...

“Singring And The Glass Guitar (An Electrified Fairytale)” es el gran final/suite de Ra. Es lògico que un disco de este gènero contenga una extensa suite debido a sus influencias progresivas, Ra no es la excepciòn.

Una voz pasada a alta velocidad intenta emular una fàbula relatada como para niños.La voz relata durante los 18 minutos la historia de un lugar ficticio llamado "Armonìa" (Harmony) donde la gente vivìa feliz gracias al espìritu de la musa (Singring) que se ve amenazado por las fuerzas del celo (jealous forces), encerrando a dicho espìritu en un instrumento de vidrio (la glass guitar). El encierro de este espìritu se manifiesta en cuatro cofres bloquiados por sus respectivas cerraduras, las llaves de cada cofre fueron expulsados a las cuatro esquinas del mundo. Solo 4 valientes aventureros (brave adventurers) tendràn el valor de liberar el espìritu...

La búsqueda y el descubrimiento de las cuatro llaves ofrece a cada miembro de la banda representar impresionantes pasajes y solos con sus respectivos instrumentos y a cada fuerza de la naturaleza (agua, tierra, viento y fuego) , y asi lograr un final feliz y liberar el espìritu de Singring...

Lista de temas:

1 - Overture: Mountaintop and Sunrise / Communion With the Sun
2 - Magic Dragon Theatre
3 - Jealousy
4 - Eternal Love
5 - Sunburst Finish
6 - Hiroshima
7 - Singring and the Glass Guitar (An Electrified Fairytale)

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Singring and the Glass Guitar (An Electrified Fairytale)

Sunburst Finish

Jealousy

Cumpleaños 70 de Bob Dylan

2011-05-25T00:26:00.008+02:00

Bob Dylan cumple hoy 70 años. Su pasión por los escenarios, intacta, lo lleva a una nueva gira europea. Después de medio siglo de carrera artística, se ha convertido en inspiración de varias generaciones de músicos considerado por muchos como un auténtico genio revolucionario.

Robert Allen Zimmerman cultivó una carrera que tras 34 discos de estudio todavía sigue sin poder dar una forma única a su protagonista. Los cambios de género marcan la constante en su derrotero: de la canción de protesta al rock y de ahí al folk, para luego volver al rock. Y siempre con una impronta tan particular como característica. Tanto por su música, como por su prosa (que le valió ser nominado ocho veces consecutivas al Premio Nobel de Literatura, nada menos).

La figura de Bob Dylan es referente obligado en el rock. Por eso mismo, no sorprende que su obra siga dejando su impronta en prácticamente cada persona que alguna vez haya apoyado sus manos en una guitarra. (Revista Rolling Stone)

Su 70° cumpleaños coincide ahora con la aparición de un concierto grabado en 1963 en el festival folk de Walthan (Massachusetts), cuando tenía 21 años y se disponía a publicar The freewheelin', su segundo disco, que se abría con "Blowin' in the wind" comparto con ustedes en el día de mi cumpleaños tambièn, está canción tan influyente en la historia de la mùsica.

Reseña escrita por Valen.

Y tambièn la canciòn preferida de Valen, uno los temas màs destacados de Shot of Love.

Y por que no el disco en cuestiòn

Shot of Love (1981)

Lista de Temas:

1. Shot Of Love
2. Heart Of Mine
3. Property Of Jesus
4. Lenny Bruce
5. Watered-Down Love
6. The Groom's Still Waiting At The Altar
7. Dead Man, Dead Man
8. In The Summertime
9. Trouble
10. Every Grain Of Sand

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Música x la Identidad Mar del Plata 2011

2011-05-19T21:28:00.008+02:00

Una nueva presentaciòn de La Guitarra en La Ventana en el marco de Mùsica por la Identidad 2011. La presentaciòn estarà a cargo, como siempre, de Matias Martinez y Gonzalo Luna en guitarras y voces y en esta oportunidad con un nuevo intergrante Demian "Chipi" Basualdo en Violonchelo. La cita serà este viernes 20 de mayo a partir de las 20 horas en el Teatro Colòn de la ciudad de Mar del Plata (Hipòlito Yrigoyen 1665).

¿QUÉ ES MÚSICA X LA IDENTIDAD?

MUSICA X LA IDENTIDAD Mar del Plata es un movimiento de artistas, músicos, cantantes, gestores culturales y técnicos que nació para sumarse a la tarea de Abuelas de Plaza de Mayo: la búsqueda de los nietos apropiados durante la última dictadura cívico-militar argentina instalada en 1976.

Creemos que la música, como parte de numerosas expresiones artísticas, se constituye en sí misma como una herramienta privilegiada para generar difusión y consciencia al respecto. Se unen en esta dirección las manos y las voces de las Abuelas con la de los músicos para ir con fuerza colectiva en busca de la verdad, ante la brutalidad y el horror que significa el delito de apropiación de bebés y la sustitución de sus IDENTIDADES de un modo organizado y sistemático. Este delito de lesa humanidad aun continúa vigente y seguirá así mientras permanezcan apropiados jóvenes con su IDENTIDAD ROBADA.

MAS INFO:noticiasMDQ.COM

30 º Aniversario de la muerte de Bob Marley

2011-05-11T20:54:00.004+02:00

A partir de 1966, comienza a desarrollarse su carrera y su identidad músical, influenciada por las creencias y características del movimiento rastafari,impulsado por Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía. Es aquí que Bob decide formar "The Wailers" junto a Peter y Bunny.Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul".El sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. Luego se estas decepciones Los Wailers conocerian alguien que revolucionaria su carrera: Lee Perry con quien registrarian "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae.En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers.

En 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway" sin conseguir el éxito especulado. En un acto desesperado Bob visita los estudios Island Records, para hablar con Chris Blackwell. De esta manera, consiguirían grabar su prmier Lp "Catch a Fire". Tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. En los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento. En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton.

Luego vendrían grandes placas como "Natty Dread" (1974) y "Rastaman Vibrations" (1976) (ya sin Bunny y Peter) conteniendo grandes temas como: "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Rebel Music","Crazy Baldhead" y "Johnny Was".En noviembre Marley y los Wailers participarían de un concierto benéfico organizado por Stevie Wonder, en Jamaica.

Bob Marley era conocido por su mensaje pacifísta no-político. Durante los 70, Jamaica vivía una situación de violencia política que empeoraba con el correr de los años y desataría una guerra civil. Así,decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Dos días antes, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road; se piensa que el atentado fueuna represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley (Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, señalado como amigo de Bob Marley).Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego.Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus". En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", en ese mismo año regresa a Jamaicapara el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia .Fué entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari.Los años siguientes se registrarían grandes obras como "Survival" y "Uprising".

Bob Marley & The Wailers - Natty Dread (1974)

Lista de temas:

1. Lively Up Yourself
2. No Woman, No Cry
3. Them Belly Full (But We Hungry)
4. Rebel Music (3 O'Clock Roadblock)
5. So Jah Seh
6. Natty Dread
7. Bend Down Low
8. Revolution
9. Talkin' Blues

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OTROS DISCOS DISPONIBLES:

1978 - KAYA

"Mùsica, Pasiòn y Vida: Compartiendo un Mundo Sonoro"

2011-05-07T07:41:00.002+02:00

"Música, Pasión y Vida. Compartiendo un Mundo Sonoro". Dedicado al Maestro Antonio De Raco.

Nuevamente en el escenario del Teatro Colón de Mar del Plata, se presentan los concertistas de piano y profesores Sara Astrid Ayala y Mario Alejandro Monteros, continuando con la propuesta musical denominada: “Música, Pasión y Vida…”

En esta oportunidad, los reúne el especial propósito de homenajear a quien fué uno de los más grandes pedagogos del piano a nivel nacional e internacional: el Maestro Antonio De Raco, del cual, dichos pianistas han sido discípulos por más de 7 años.
Este recital cuenta además con la presencia como invitada, de la concertista de piano y profesora María Eugenia Guzmán.

El cuadro sonoro de esta propuesta materializa la ejecución pianística a puro color, emoción y significado; continuando con la visión musical que resulta el legado de un Gran Maestro.

Obras de: Bach, Mozart, Chopin, Schumann, Brahms, Scriabin, entre otros

X Amèrica - Mùsica Latinoamericana - Video de la presentaciòn

2011-03-19T22:13:00.011+01:00

Como no podìa ser de otra manera, no querìamos dejar de compartir con ustedes el video de la presentaciòn del 20 de febrero pasado. A cargo de Vanina Osuna en voces y Matias Martinez en guitarra y voz . Se recorrieron varios compositores, grandes influyentes de su mùsica folclorica en el continente Amèricano del siglo xx.

Los temas , interpretes y bandas fueron los siguientes:

Ambientame - Cafè Tacuba
Polo Margariteño - Cecilia Todd
La gota de rocìo - Silvio Ròdriguez
Run, Run se fuè pa`l norte - Violeta Parra
Amor profundo - Jaime Roos
À Primeira Vista - Chico Cèsar
João e Maria - Chico Buarque
Cajuína - Caetano Veloso
Zamba para no morir - Hamlet - Ambros - Rosales
Presentimiento - Matias Martinez

*Es posible que durante el comienzo de la reproducciòn se congele la imàgen. Solo tienes que adelantar un poco la barra de reproducciòn.

URL: http://www.ustream.tv/recorded/12837712

X Amèrica - Mùsica Latinoamericana

2011-02-17T00:10:00.004+01:00

La cita es este Domingo 20 de febrero a las 21 y 30 horas en el espacio otorgado por "El Galpòn de las artes" ubicado en Jujuy 2755 de la ciudad de Mar del Plata. Se recorreran numerosos interpretes y compositores de latinoamerica, tratando de ser lo màs abarcativos posible. La presentaciòn estarà a cargo de Vanina Osuna en voz y Matias Martinez en guitarras y voces. Los esperamos.

Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)

2010-12-22T23:01:00.010+01:00

Trans-Siberian Orchestra es una orquesta de heavy metal con una propuesta cercana al heavy-progresivo, al rock progresivo y al metal sinfònico.

Ya se destacaron por sacar tres discos navideños , el presente aquì (que tambièn es su primer placa) , su segundo trabajo "The Christmas Attic" en 1998 y "The Lost Christmas Eve" de 2004.

TSO es un proyecto paralelo de los miembros del grupo AOR-prog-metal, Savatage. Son exactamente los mismos Savatage, con el añadido de una extensa secciòn de cuerdas y una multitud de vocalistas.

Los fundadores de esta agrupaciòn son el guitarrista Paul O`Neill y el tecladista Robert Kinkel que a la ves son productor y co-productor, respectivamente.

Como era de esperarse y al igual que en muchos discos navideños, algunos de los temas son adaptaciones de clàsicos navideños. Entre los clàsicos mas conocidos estàn la erizante "O Holy Night", "O Come Ye Faithful" o "God Rest Merry Gentlemen".

Es un àlbum de opera-rock con villancicos navideños, donde predominan buenos trabajos instrumentales y vocales con coros tanto femeninos como màsculinos e infantiles. Es interesante notar, que gran parte de las composiciones son de los mencionados O´Neill y Kinkel a quienes tambièn se les suma el compositor Jon Oliva. Los clàsicos estan arreglados por ellos de una forma sinigual tal es el caso de "O Come All Ye Faithful/O Holy Night" con unos arreglos de guitarra elèctrica atronadores.

Otra gran propuesta a la hora de arreglar un famoso clàsico es "A Mad Russian's Christmas" de Tchaikovsky; rebosante de sinfonismo mixturada con los elementos tìpicos del rock progresivo. "The Prince of Peace" de Mendelssohn nos atrapa con todo el color de la voz de Marlene Daniel. "Christmas Eve/Sarajevo 12/24" describe un solitario violonchelo reproducción de un olvidado villancico en la guerra en Sarajevo .

De puño y letra O'Neill - Oliva- Kinkel como la bellìsima "Promises to Keep" (con coro de niños) tambièn hallamos composiciones como "A Star to Follow", "First Snow", "Ornament", "Old City Bar" y "An Angel Returned". Es bueno evocarlas ya que nos hacen aflorar sentimentos hacia

la navidad más "aggiornados", si se quiere ;)

Lista de Temas:

1. An Angel Came Down (Franz Gruber, O'Neill, Oliva)
2. O Come All Ye Faithful/O Holy Night (John Francis Wade, Frederick Oakeley, John Reading, Adolphe Adam, John Sullivan Dwight, O'Neill, Kinkel)
3. A Star to Follow (O'Neill)
4. First Snow (O'Neill)
5. The Silent Nutcracker (Kinkel, Oliva)
6. A Mad Russian's Christmas (Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Kinkel, Oliva)
7. The Prince of Peace (Felix Mendelssohn, Charles Wesley, O'Neill)
8. Christmas Eve/Sarajevo 12/24 (O'Neill, Kinkel, Oliva)
9. Good King Joy (Lowell Mason, Kinkel, O'Neill)
10. Ornament (O'Neill, Oliva)
11. The First Noel (William B. Sandys)
12. Old City Bar (O'Neill)
13. Promises to Keep (O'Neill, Kinkel, Oliva)
14. This Christmas Day (O'Neill, Oliva)
15. An Angel Returned (O'Neill, Oliva)
16. O Holy Night (Adam, Dwight)
17. God Rest Ye Merry Gentlemen (Tradicional)

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Otros discos navideños de LGV:

Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)

Promises To Keep Live!!

Frank Zappa - Hot Rats (1969)

2010-12-04T22:35:00.010+01:00

Potenciadas ya sus intenciones de ensamblar la música de una forma sinigual y de experimentar con géneros tan gustosos como el jazz y el rock progresivo, Frank Zappa lanza su octavo disco de estudio "Hot Rats", dando a luz así a una de las obras más importantes del rock.

El disco sale como su primer trabajo en solitario, ya sin el nombre "The Mothers of Invetion", dandole así final a la primera etapa con dicha formación. Para su concepción , el maestro Zappa requirió de una gran cantidad de músicos de sesión. Los unicos solistas con él y el vientista y tecladista Ian Underwood.

Si hay algo que carateriza a Zappa es la profundidad y la singular manera de crear texturas y atmósferas, no solo a la hora de componer su música sino también cuando se aferra a su inseparable (o no tanto) compañera: la guitarra.

Un adjetivo, tan solo uno , que nos atrevemos a tirar (por que la música que contiene este disco es casi incatalogable) por sobre esta impresionante obra es la "espesura" de sus pasajes. Desde el comienzo con "Peaches en Regalia" nos adentra en una introducción lisérgica y alocada con una gran variedad de instrumentos que se superponen, mezclando elementos celtas junto al jazz.

Tranquilamente podría ser la música para un video juego o de algún dibujo animado.

Esa misma atmósfera alocada y con más guiños celtas, pero más desgarradora aún , la encontramos en "Willie the Pimp". El unico track con voz, a cargo de su amigo Captain Beefheart. El tema logra habitar un terreno sumamente psicodélico con esa voz aguardentosa y por sobre todo unica de Beefheart. Acompañada por un violín, para luego darle rienda suelta a la experimentación músical (más que nada en la guitarra).

El clima logrado en "The Son of Mr. Green Genes", parece ubicarse en otra dimensión, es una maravilla de la música contemporánea. Regida por la improvisación, la sofisticación del tema nos hace pensar en la amplia informaciòn y conocimiento de la música clásica que tenía su creador. La base rítmica en "Littles Umbrellas" asoma al jazz con buenos trabajos de teclados en su coda, al final.

El instrumental más largo del disco es "The Gumbo Variations" (16:57) con un impresionante trabajo de saxo a cargo de Underwood. Es un tema donde es remarcable que los músicos se sienten como en la llamadas "Jam Sessions" sin inihibición alguna, muy sueltos. El solo de guitarra de Zappa, que abarca practicamente más de la mitad del tema, nos describe su genialidad y monstuosidad como guitarrista. La canciòn cierra con un pretencioso dialogo de bateria al que se le suma el bajo, el violin y luego todos juntos para un final atronador.

El tema más excéntrico es el del final "It must be a Camel" que tiene un comienzo muy jazz-band, con arreglos de vientos muy trabajados y con el inolvidable Jean-Luc Ponty en violin. Es apenas un "bonus" o una tajada plus de el maravilloso pastel sonoro de lo que es este impresionante disco.

Los amantes del gènero no pueden dejar pasar por alto esta espectacular obra de arte de 1969. Una de las rimeras grabaciones en 16 pistas que ni siquiera el genial "Abbey Road" de The Beatles (se grabó en 8 pistas, el mismo año) pudo superar técnicamente.

En el decimoséptimo aniversario de su muerte les ofrecemos entonces "Hot Rats" del querido Frank Zappa con un plus incluido: los radio spots del disco y los covers del vinilo.

Lista de Temas:

1. Peaches En Regalia
2. Willie The Pimp
3. Son Of Mr.Green Genes
4. Little Umbrellas
5. The Gumbo Variations
6. It Must Be A Camel

Personal:

Frank Zappa - guitarra, bajo, percusión
Ian Underwood - piano, órgano, clarinete, saxofón
Captain Beefheart - voz en Willie the Pimp
Sugar Cane Harris - violín en Willie the Pimp y The Gumbo Variations
Jean-Luc Ponty - violín en It Must Be A Camel
John Guerin - batería en Willie the Pimp, Little Umbrellas y It Must Be a Camel
Paul Humphrey - batería en Son of Mr. Green Genes e The Gumbo Variations
Ron Selico - batería en Peaches En Regalia
Max Bennett - bajo en Willie The Pimp, Son of Mr. Green Genes, Little Umbrellas, The Gumbo Variations y It Must Be a Camel
Shuggy Otis - bajo en Peaches En Regalia

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Otro homenaje a Frank Zappa de La Guitarra en La Ventana: "15 AÑOS SIN FRANK ZAPPA"

Carlos Gardel - Anclao en Parìs (su Obra integral vol. 6)

2010-12-01T23:45:00.015+01:00

De nuevo otra entrega de la obra integral del mudo "Anclao en Parìs", el Volumen VI. La voz de Carlitos, esta vez, se centra en cantarle a ese lejano paìs , a su glamur, a su belleza y por supuesto(y esperemos misteriosamente) a sus mujeres.

El tango màs caracterìstico es el famoso "Anclao en Parìs" de Cadìcamo. La constante evocaciòn al barrio de Montmartre (ubicado en una colina a orillas del Sena, en Parìs) nos hace pensar el clima de bohemia que reinaba en aquel sitio.

Gardel le canta a sus noches, el Place Pigalle describiendo las "jazz-band", las balalaikas y bàndoneones, el Carnaval ("Noches de Montmartre").

Tambièn de allì sale "Madama Ivonne" una "pebeta" de barrio que animaba las noches de "Les Quatre Arts" quien tiene un affaire con un argentino.

Tomando una porciòn del gran mito que es Gardel (màs sobre su verdadera nacionalidad), encontramos un gran apego a este paìs. Tangos como "Francia", "Oh Parìs" y "Araca Parìs" demuestran y recuerdan su paso a travès de los años en giras, como en 1928 y 1929 o la de 1930 donde grabarìa tambièn una pelicula: "Luces de Buenos Aires".

Esta nueva entrega , tambièn nos demuestra su gran manejo del idioma, entre otros: "Deja", "Madame, c`est vous" y "Je te dirai" estas dos, acompañados por una orquesta muy de la època.

Otro gran tango es "Sos de Chiclana" que suena como a una despedida a una chica que se va a Parìs con un "mishè".

"Silencio"(mùsica: Gardel, letra: Le Pera) es quizàs lo màs interesante y màs serio de este vòlumen. Es un tango ya pretencioso desde su composiciòn. Con un extraño chirrido de violin en la introducciòn y con la incorporaciòn de voces femeninas y de un clarìn. La letra nos describe una familia y su paso por las calamidades de la guerra.

Lista de temas:

1. Anclao en Parìs

2. Noches de Montmartre

3. Francia

4. Pobre Pato

5. Madame Ivonne

6. Francesita

7. Griseta

8. Una noche en El Garròn

9. Che papusa oì

10. Muchachita de Montmartre

11. Sos de Chiclana

12. Oh Parìs

13. Deja

14. Folie

15. Madame, c`est vous

16. Je te dirai

17. Silencio

18. Araca Parìs

19. Aquel cuartito de la pensiòn

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Su Obra Integral hasta la fecha:
Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"

Rush - Moving Pictures (1981)

2010-10-26T00:53:00.009+02:00

Ansiosos de esperarlos por màs de 30 años, los fans argentinos de Rush por fin pudieron apreciar un show en vivo de esta excluyente banda de rock de todos los tiempos. Dicha manifestaciòn de electricidad en estado puro, se desarrollò el pasado viernes 15 de octubre en el estadio GEBA (Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires). En el marco del "Time Machine Tour 2010" el trìo canadiense ofreciò ante 15 mil personas, un repertorio de canciones que abordaban el amplio espectro de su tan eclèctica mùsica. El show estubo condicionado por una màquina del tiempo

la cual los mùsicos la hacian llamar "Gefilter"(en los graciosos cortos que proyectaban las pantallas, antes, durante y despuès del show) que detenìa su reloj en diferentes èpocas de la banda.

La primera parte abriò con el clàsico "The Spirit of Radio" de el disco "Permanent Waves" pasando por temas de los años 80 como "Time stand still"asi como tambièn de su ùltimo trabajo "Snakes & Arrows". Adelantaron temas de su pròximo trabajo "Clockwork Angels" como "BU2B" y "Caravan", pròximo a editarse en 2011.

Sin dudas, el bajista y cantante Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el maestro de las artes rìtmicas Neil Peart, ofrecen el mayor despliege escènico y de talento al iniciarse la segunda parte del show , donde ejecutan en su totalidad su èxitoso àlbum "Moving Pictures" de 1981.

El àlbum se inicia con el gran tema "Tom Sawyer", uno de los temas màs conocidos de la banda, para a darle paso "Red Barchetta" con su inolvidabe riff, canciòn que nos habla de la adrenalina de manejar ese auto. La majestuosidad rìtmica que hace de "YYZ" tema infaltable en los shows de Rush, es apenas opacada por quizàs lo mejor del recital: "The Camera Eye". Interpretada con una alta calidad sonora , manejando una amplia paleta de sonidos, es otra muestra màs del gusto "èpico" compositivo del grupo que tuvo desde siempre. La letra del tema en cuestiòn, como ya habìamos dicho, es de corte èpico, pero con temas màs alejados a la mìstica que venian recurriendo en anteriores trabajos de lo 70, ya que podemos vislumbrar una clara tèmatica futurista. El tema trata de capturar la energía y costumbres de dos grandes ciudades de

habla inglesa: Nueva York (en la primera estrofa) y Londres (en la segunda). "Limelight" y "Vital Signs" son temas que se acercan a la arista màs pop de la banda , anticipando lo que serìan

sus trabajos en buena parte de los años 80.

Otro momento nostàlgico del show fue la bella "Closer to the heart" para la mayorìa de los funs entrados en años. Sobre el final no podìa ni debìa faltar la devastadora "2112" , antes del bis

para volver con "La Villa Strangiato" y cerrar definitivamente con una extraña versión "Working man" versiòn reggae.

Aquì, les ofrecemos, entonces "Moving Pictures" , un buen disco para comenzar a conocer a Rush (aquellas personas que desconocen su existencia), esta interesante banda de culto (y màs aùn en Argentina) que ha pasado por muchas etapas mùsicales y que en cierta època fuè muy odiada por la crìtica, pero que sin embargo nunca traicionò sus ideales.

Lista de temas:

1. Tom Sawyer

2. Red Barchetta

3. YYZ

4. Limelight

5. The Camera Eye

6. Witch Hunt

7 . Vital Signs

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Dúo Crianza - Pasé Por Tu Pueblo (2010)

2010-08-28T02:06:00.007+02:00

Ya sea por las poderosas y reales imágenes y mensajes transmitidos a través de cada verso o copla. O por el manso y profundo
sentir del acompañamiento vocal e instrumental, el debut discográfico de este dúo oriundo de la ciudad de Mar del Plata nos deja un
buen sabor de boca (por no decir de oidos?...).

Fieles a la tradición en lo que respecta a los discos de folclore, el trabajo nos ofrece gran variedad de estilos. Entre ellos chacareras, zambas, gato pampeano,
cueca norteña, entre otros. En cuanto a los versos, demuestran las vivencias de los integrantes del dúo y un claro agradecimiento y respeto a sus formadores.

Los temas pertencen en letra a Daniel Osuna y en música a Federico Moyano(salvo en los temas indicados mas abajo). Todos los temas fueron grabados en RADIO FRATER en el otoño de 2010
"Mi niño pobre" se grabó en los estudios EQ.

Lista de Temas:

1. Zamba de los hermanos (zamba)
2. Corcovea el bagual (gato pampeano)
3. Pasé por tu pueblo (cueca norteña)
4. El caballo azul (gato cuyano)
5. Chacarera del miedo (chacarera)
6. Coplitas para mi canto (chacarera) (C. Di Fulvio)
7. Juan del Monte (chacarera) (Leguizamón y Castilla)
8. Algarrobo, algarrobal (vidala chayera) (Ch. Rodríguez)
9. Mi niño pobre (chamamé)
10. Agradezco (carnavalito)

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Aquelarre - Siesta (1975)

2010-06-11T20:03:00.005+02:00

Aquelarre fué una de las primeras bandas de rock sinfónico en Argentina (sino es la primera le pega en el palo). Conformada en el seno de la disolución de Almendra, estaba compuesta por la base rítmica de dicha formación, es decir el cantante y bajista Emilio Del Guercio y el baterista Rodolfo García. El resto de la aliniación la completaban el formidable guitarrista Hector Starc (alias "bola de ruido") que venía del "Hector Starc Trío"(apadrinado por Pappo) formado allá por la segunda mitad de los 60´s y el tecladista de blues Hugo Gonzalez Neira.

"Siesta" es su cuarto y ultimo disco de estudio y creemos que aquí la banda llega a la cumbre de su sonido y de su creatividad con sus letras de tintes surrealistas (como es de esperarse).

Con este bello trabajo Aquelarre brinda un gran aporte al rock argentino. Se pude decir que es un trabajo en su totalidad "bucólico", es decir un disco totalmente rústico y pastoral en su particular sonido y en sus letras. Buena muestra de esto son los temas "Cacería en el bosque" y "Savia de los aromos" , la primera es de casi 8 minutos contenida por una serie de climas sonoros alucinantes, la segunda es mucho más folk con una hermosa pieza de guitarra acústica a cargo del maestro Starc. Otro tema más folk todavía es "Canto Cetrino" .

A nivel instrumental el disco está lleno de cortinas de sintetizadores (los primeros moogs y mellotrones de Argentina los trajeron Gonzalez Neira y Charly Garcia) y sutiles riffs de guitarras, como se pueden notar en "El hombre cercano". Los arreglos son exquisitos , y lo más importante es que ningún instrumento se impone por encima de otro. Otro aspecto a considerar es la cálidez de las voces en el momento justo en que se entrelazan entre si dándole una belleza vocal impecable.

El instumental "Siesta Cambiada" representa la buena comunicación que en ese momento habían logrado tener los miembros del grupo.

El Lp original terminaba con la poderosa y electrificante "El Hombre Cercano" (regida por un poderoso riff de guitarra "marca Starc"). Aquí les ofrecemos también el bonus de la versión en CD "Mujer en Edad", en la voz de Hugo Gonzalez Neira.

Lista de Temas:

1. Pájaro de la locura

2. Árboles caídos para siempre

3. Canto cetrino

4. Siesta cambiada

5. Cacería en el bosque

6. Savia de los Aromos

7. El hombre cercano

8. Mujer en edad

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King Crimson - Red (1974)

2010-05-13T05:34:00.012+02:00

No creo que la clasificación sea mala per se, pero sí que es cierto que, aun siendo necesaria para orientar el comentario, puede resultar restrictiva. De la clasificación al encasillamiento a veces hay un paso, más corto si cabe en el camino que lleva al prejuicio. Y si hay un grupo que huye de las clasificaciones, pero que al entrar en ellas es encasillado y prejuzgado —sin llegar a ser escuchado— es King Crimson. Dentro del bote del rock sinfónico, veo más paralelismos entre su obra y la de Miles Davis, Soft Machine (y Robert Wyatt) o Can (y el kraut rock) que la de Genesis o Yes, verbigracia. Sin embargo, más que paralelismos o similitudes, lo que hay en King Crimson, aparte de un constante cambio de miembros de los que Robert Fripp es el único fijo, es libertad creativa y cientos de detalles en una música de gran belleza.

Último trabajo en estudio de la primera etapa del grupo —ésa que tiene como punto de partida 1969 y el soberbio In The Court Of The Crimson King—, Red (1974) es un disco espléndido que se abre con un homónimo instrumental compuesto por Fripp. Un tremendo riff de guitarra guía seis minutos de algo que si no es hard rock, por la intensidad del tema más que por su estructura, se le parece. Fallen Angel es una hermosísima balada made in King Crimson, con una de esas melodías tan propias del grupo. One More Red Nightmare fluctúa entre el pop, el rock y el jazz, mientras que Providence, con el violín de David Cross, se acerca a la música clásica de cámara, en la introducción, y a la concreta y atonal en el resto del tema. Starless hace compendio de todo lo anterior durante los doce minutos que dan por finalizado el álbum.

Pero, como decíamos, la música de King Crimson huye de fáciles definiciones y los caminos por los que transita son demasiado particulares como para que las palabras puedan dar más que una ligera aproximación, si no caen, por desgracia, en la contradicción de incidir en el problema clasificación/encasillamiento/prejuicio comentado. Pesa a ello, sí que afirmamos que la extraordinaria labor de Bill Bruford a la batería, la guitarra y el mellotron de Robert Fripp y la intervencián de vientos agudos (oboe, corneta, saxos alto y soprano que colorean arreglos exquisitos) confieren una importancia definitiva a la interpretación, enriqueciendo y dando una personalidad a cada una de las composiciones, que —gracias a los matices que aporta la diversidad instrumental— suenan únicas y diferentes a las de sus contemporáneos sin dejar de representar —no hay paradoja en ello— fielmente a su época. Composiciones de un disco, Red, que ponía punto y final a cinco años de grandes hallazgos que no serían retomados —con nueva formación y orientación, pero excelentes resultados— hasta 1981 en DISCIPLINE.

Reseña cedida gentilmente por nuestro nuevo amigo Gonzalo Aróstegui Lasarte del excelente blog RAGGED GLORY

Lista de Temas:

1. Red
2. Fallen Angel
3. One More Red Nightmare
4. Providence
5. Starless

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Discos de Crimson disponibles:

1974 - Red
1982 - Discipline

iphone+king crimson= starless

Humble Pie - Performance Rockin' the Fillmore (1971) + Homenaje a Steve Marriott

2010-04-21T03:15:00.019+02:00

Esta vez nos toca homenajear, pasados 19 años de su muerte, a un hèroe del rock & roll muy poco conocido, pero lo suficientemente influyente para el gènero.
Nos referimos al cantante y guitarrista Steve Marriott, conocido por integrar míticas bandas como Small Faces y Humble Pie y también por su partcular voz.

Naciò como Stephen Peter Marriott en Londres, 30 de enero de 1947. En sus principos (en epoca de los Small Faces) era miembro de aquella moda denominada mod, la cual
tenìa en sus filas tambièn a integrantes de la banda The Who, entre otros.

Los Small Faces eran un grupo de rock psicodèlico liderado por Marriott. Sus otros integrantes fueron el bajista Ronnie Lane, el tecladista Ian Mclagan y el baterista Kenney Jones.
La banda se formò en 1965, cuando Ronnie Lane entro al local donde trabajaba Marriott a comprar un bajo. Luego reclutarían a Kenney Jones y Jimmy Winston. Por ese entonces sus presentaciones se caractaerizaban por hacer clàsicos como "Jump Back", "Please Please Please" de James Brown, "You've Really Got a Hold on Me" de Smokey Robinson's y "Stand by me" de Ben E. King y también daban a conocer las primeras composiciones de tandem Lane/Marriott como "Come on Children" y "E too D".

Màs tarde con Decca Records lanzaron, en principio, una serie de simples y sus unicos dos discos con ese sello "Small Faces" de mayo de 1966 y "FROM THE BEGINNING" de junio de 1967. Antes de lanzar el primer Lp abandona la formación Jimmy Winston. Su salida se debe a un supuesto choque de personalidades con Marriott o a una supuesta carencia de talento musical, aunque persisten rumores de que fué expulsado por comprometer la imagen de la banda al ser demasiado alto. El grupo tomó su nombre tras una amiga de Marriott que los acusó de tener caras pequeñas, "small faces". En Agosto de 1966 su popularidad alcanzó su máximo cuando su quinto single "All Or Nothing", alcanzó el nº1.

Cambiarían de sello esta vez serìa Immediate, sello que fuè fundado por el ex manager de los Rolling Stones Andrew Oldham. Las composiciones en esta etapa estaban claramente influenciadas por el consumo de drogas. Una muestra de esto es la canción "Here Come The Nice", que resaltaba claramente el consumo de anfetaminas. El single "Itchycoo Park" del año 1967 fué el primero en utilizar la técnica del phasing, reproduciendo dos cintas a la vez a diferentes velocidades.
Otro gran single, y quizás la canción mas recordada de la formación, fué "Tin Soldier", un rock enérgico mezclado con soul que deja distinguir los coros de la cantante P.P. Arnold.
El álbum que los consagra en Inglaterra es la obra sumamente psicodélica y conceptual llamada "Ogdens' Nut Gone Flake" de 1968. Su éxito fué grato para los integrantes y el público en general, ya sea por la innovación de su tapa o por lo interesante de su concepto:
la cara "A" narraba la historia de un hada y la cara "B" las historias de un personaje llamado "Happiness Stan".

La disolución de los Small Faces en 1969, dió lugar al nacimiento de Humble Pie (Marriott) y The Faces (Lane, Jones y McLagan junto a los ex integrantes del Jeff Beck Group ,el cantante Rod Stewart y el guitarrista Ron Wood).
Los Small Faces se juntarían años más tarde para presentar nuevos trabajos de estudio como "Playmates" (1977) y "In The Shade" (1978), lanzados por Atlantic Records. Kenney Jones se convirtió en batería de The Who tras la muerte de Keith Moon en 1978 e Ian McLagan pondría teclados en varios trabajos de The Rolling Stones.

Entonces tras la disolución de "The Small Faces", en 1969, Steve Marriott se dedicaría de lleno a su nueva formación, la flamante banda de hard rock Humble Pie (abandonando definitivamente la psicodelia de los Small Faces). Para su concepción decidió reclutar al poco conocido por aquel entonces, Peter Frampton que venía de una banda llamada "The Herd" y a el bajista Greg Ridley de "Spooky Tooth". A estos se les sumarían el baterista y percusionista Jerry Shirley. Algunos dijeron que esta banda fué la primera banda de heavy metal , no por el sonido sino por el volumen utilizado para la interpretación de los bluses. Es interesante remarcar que Humble Pie es una cosa en estudio y otra cosa en escenario. En estudio podemos definir el sonido como una mezcla de R&B, boogie, folk-rock, country-rock y hard rock. En cambio en escenario ese rock duro de la banda se acerca mucho al heavy metal, eso sumado al fabuloso histrionismo de Marriott con su voz que recuerda mucho Janis Joplin.
En ese mismo año saldrían sus dos primeros Lps “As safe as yesterdays is” y “Town and country”, del primero se destacaban “Stick Shift” o “Desperation” (un cover de los Steppenwolf). En el segundo empezaban a asomar las composiciones de corte romántico de Peter Frampton como “Take me back” y “Only you can see” , también incluía un cover de Buddy Holly: “Heartbeat”.
Los discos que le siguen , se grabaron fuera del sello de Oldham (Immediate) cambiándose a A&M Records donde grtabarían "Humble Pie" en 1970 , "Rock On" en 1971 y el doble/devastador en vivo “Rockin’ the Filmore” (1971).
Hasta ese año (1971) llegaría Peter Frampton. Dejaría Humble Pie pra iniciar una extensa y exitosa carrera en solitario que se prolongaría hasta estos días. El lugar bacante sería ocupado por Dave “Clem” Clempson, guitarrista ex de Colosseum.

"Smokin" de 1972 fué el primer disco sin Frampton, un trabajo de gran aceptación en U.K. tanto como en USA con grandes temas como "Thirthy days in the hole" o "Hot ´n´ nasty". Le seguiría el interesantísimo "Eat It" de 1973 con matices de gospel y soul evidenciados en los coros predominantes.
“Thunderbox (1974) y “Street Rats” (1975) no llegaron a la altura de sus dos antecesores. Un dato interesante, justamente nombrando el disco "Thunderbox" es que el mismo contiene la canción "Drift away" que si uno le presta atención (y lo conoce claro está) no es otro que el tema "Toda la noche hasta que salga el sol, tocando en una banda de rock & roll" que se hizo popular gracias a una banda de rock de Argentina llamada Orion. Luego de estos fracasos la banda se separaría hasta que Marriott los junta en 1980 con el disco "On to Victory" al que le seguiría “Go for the throat” de 1981.

La muerte de este infravalorado y carismático rockero es bastante sorprendente e incomprensible. Fallece a los 44 años en su casa de Essex, el 20 de abril de 1991 a causa de un incendio provocado por un cigarrillo.

Vamos a recordar Steve Marriott en quizas su mejor momento con Humble Pie, hablamos del detonador doble LP "Perfomance Rockin' The Fillmore" capturado en mayo de 1971 en el legendario Fillmore East de Nueva York. El vivo en cuestión tiene solo un tema compuesto por la banda “Stone cold fever”.
La forma en que está ejecutado este recital es realmente impecable y de una intensidad implacable. Ya desde el principio empieza con la potente "Four Day Creep" para darle paso a otro tema dinamita de Willie Dixon: "I´m Ready" que comienza con un dialogo entre la voz de Marriott y la guitarra.
Otra muestra de majestuosidad en escena es “I walk on gilded splinters” de 23 minutos. Con esas misma formas de interacción con el publico encontramos a “Rollin’ Stone” de Muddy Waters, con la voz de Marriott como columna vertebral. Otro tema muy versionado por bandas es "Hallelujah I love her so" de Ray Charles. Para cerrar este explosivo recital tenemos a la bestial “I don’t need no doctor” uno de los temas mas escuchados de esta gloriosa banda.
En resumen, es uno de los mejores recitales en vivo de la historia del Rock & Roll, comparable con “At Fillmore East“ de The Allman Brothers Band o "Live at Leeds" de The Who por nombrar tan solo dos.

Lista de Temas:

1. Four Day Creep (Ida Cox)
2. I'm Ready (Humble Pie, letras de Willie Dixon)
3. Stone Cold Fever (Humble Pie)
4. I Walk on Gilded Splinters (Dr John Creaux)
5. Rollin' Stone (Muddy Waters arreglado por Humble Pie)
6. Hallelujah I Love Her So (Ray Charles)
7. I Don't Need No Doctor (Nick Ashford, Valerie Simpson, Jo Armstead)

Personal:

Steve Marriott : guitarras, voces, teclados y harmonica
Peter Frampton : guitarras, voces
Greg Ridley : bajo, voces
Jerry Shirley : bateria

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I don´t need no doctor (al Palo)

Pappo`s Blues volumen 8 - Caso Cerrado (1995)

2010-04-13T05:53:00.007+02:00

Esta es la despedida de el Carpo en cuanto a enumerar sus trabajos junto a su diferentes formaciones dadas a llamarse "Pappo´s blues". Este conteo, como muchos sabemos, comenzó allá por el año 1971 con el Volumen 1 y culmina aquí con este Volumen 8, que dicho sea de paso es el unico volumen junto a el 5 (Triángulo) que se le otorgó un titulo (Caso Cerrado).

Esta placa es una mezcla bien lograda de lo que mejor sabe hacer Pappo: blues, hard rock y por supuesto avasallantes dósis de heavy metal. Como ya lo había hecho en su gran trabajo "Blues local",Pappo incluyó una serie de clasicos de la historia del rock and roll , algunos con traducción al castellano como las versiones de "Route 66" (Ruta 66) y "Spanish castle magic" (Castillos mágicos españoles)de Jimi Hendrix. Otro cover para prestarle atención (por lo bien logrado) es "People Don't Care" del gran tecladista Deacon Jones que por otro lado es invitado de honor del disco y toca los teclados en ese mismo tema.

Otras gratas participaciones, a nivel internacional, fueron las de Carmine Appice y Team Boggart (ambos tocaron con el legendario guitarrista Jeff Beck) Michael Parker, Ron Maldonado, Deacon Jones y hasta el mismìsimo John Lee Hooker quièn le pone voz a "People don`t care". Entre los invitados de la ecscena nacional, el trabajo cuenta con las participaciones de Michel Peyronel, Botafogo, Peteco Carabajal, Juanse, Black Amaya y celeste Carballo, entre otros.

De entre las composiciones màs heavys , no podemos dejar pasar los temas "Solo en este mundo" con unos pasajes de guitarras muy heavy metal en su final y por su puesto "Yo me quedo con Lucy" con una letra muy interesante y un riff màs interesante aùn... Quizàs el punto màs alto del disco sea (y a pedir del blog) "Blues para mi guitarra", un blues lleno de swing. Es con esta muestra de talento que la gente se dà cuenta de la pasiòn inagotable que tenìa Pappo por su amado instrumento."Paramount souffle" otro gran logro en cuanto a la improvisaciòn en banda. El tema màs sorprendente y "volado" es "Duendes" un tema orquestado y mitad acùstico.

En cuanto a los temas que màs sonaron de este volumen diremos que fueron "Tren Azul" , "Ruta 66" y "Tomè demasiado" con la participaciòn de Juanse en guitarra.

Lista de temas:

1. Tren azul
2. Ruta 66
3. Solo en este mundo
4. Yo me quedo con Lucy
5. Blues para mi guitarra
6. Castillos mágicos españoles
7. Algunos deslices
8. People Don't Care
9. Paramount souffle
10. Penetieso blues
11. P.B.A. Boogie
12. Duendes
13. Perro en la vereda
14. Tomé demasiado

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Blues para mi guitarra

Discos disponibles:

1995 - Pappo`s Blues Volumen 8 "Caso Cerrado"
2000 - Pappo & Amigos

Carlos Gardel - Eran Otros Hombres (Su Obra Integral Vol. 5)

2010-03-30T05:34:00.009+02:00

Más y más historias, confesiones,romances, aventuras y desventuras de pungas y malevitos para esta nueva entrega de "el zorzal criollo", el volumen V "Eran otros hombres" .

De entre las mejores porciones de esta entrega no podemos dejar pasar la "Milonga Sentimental" de Homero Manzi con su pegajoso estribillo. Un tanto como para demostrar la sinceridad(desmedida) de "los hombres de antes", se nos presenta la "Cofesión" de Enrique Santos Discepolo.

Otra muestra de historia de malevaje en estado puro puede ser la historia relatada en "La Gayola" donde el personaje en cuestiòn recuerda su largo tiempo encerrado en la gayola (càrcel) tras un asesinato. Otro personaje que fuè a tambièn a parar a La Gayola es el de "Araca Corazòn".

Y por su puesto tenemos el ejemplo del mujeriego empedernido en "Si Soy Asì" donde se deja escuchar un gracioso coro por detràs. Y tampoco falta el ejemplo del mentiroso en "As de Cartòn". Un sujeto que engrupìa a sus amigos con falsas proezas, hasta que es delatado por "un veterano".

Lista de Temas:

01 Ventarròn
02 Milonga sentimental
03 Confesiòn
04 Mi noche triste
05 ¿Por que soy reo?
06 Del barrio de las latas
07 La gayola
08 Tarde gris
09 Malevaje
10 Araca corazòn
11 Bailarin compadrito
12 Viejo smoking
13 Si soy asi
14 As de carton
15 Mocosita
16 Ofrenda maleva
17 El barbijo
18 Milonga del 900

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Su Obra Integral:
Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"

Contraseña (hasta el volumen 4): http://laguitarraenlaventana.blogspot.com

Atahualpa Yupanqui - Camino del Indio (1942-1944)

2010-03-15T21:48:00.009+01:00

Los primeros éxitos del padre de nuestro folklore, dieron lugar a el presente "Camino del Indio". Estas son grabaciones encontradas, grabadas en Buenos Aires entre 1942 y 1944.

Aqui se juntan un puñado de composciciones de variados estilos, a saber: los tradicionales baguala,vidala, gato o zambas. Así, también, como tratando de traducir los misteriosos silencios
del altiplano encontramos formas como la canción andina, el preludio andino, el carnavalito Juleño o la canción Puneña.

A continuación algo escrito por Roberto Daus:

En la figura ya legendaria de Atahualpa Yupanqui se resumen todas las virtudes del arte musical de la américa latina profunda. Ese continente habitado por gentes de piel cobriza que se identifican con el astro que dá vida a la "Pacha Mama" (madre tierra en voz quechua) y con los nobles metales que guardan celosamente en sus entrañas las altas costumbres andinas. Un continente con noches de plata, tintadas por una luna compañera y confidente de la soledad de los arrieros.

Como ningún otro artista, Atahualpa Yupanqui, supo conjugar los silencios milenarios del altiplano con los frescos sonidos de las llanuras pampeanas. Su guitarra y su voz fueron los instrumentos elegidos para plasmar su sensibilidad de hombre conocedor de los sentimientos de sus congéneres y comprometido con una realidad circundante que no siempre responde a las pautas de justicia que reclamamos como propias.

En el espíritu de Atahualpa Yupanqui, sus coplas nunca persiguieron el lucimiento académico, según sus propias confesiones, aspiraban a ser simplemente comentarios de fogones, melodías que se fundieran en los infinítos paisajes serranos.

A través de su sobrio decir, las piedras adquirieron voz, los caminos transportaron esperanzas y los cañaverales entonaron su sinfonía mas exquisita. Atahualpa Yupanqui sembró las llanuras y los cerros de regios sonidos intemporales que ya forman parte del grabe paisaje latinoaméricano.

Lista de temas:

1. Camino del Indio - Canción Andina
2. Malambo - Ritmo Tradicional
3. Viento, Viento - Canción Andina
4. Una Canción en La Montaña - Baguala
5. Camino en los Valles - Canción
6. El Kachorro - Gato
7. Piedra y Camino - Zamba
8. Vidala del Silencio - Preludio Andino
9. Me Voy - Vidala
10. Huajra - Carnavalito Juleño
11. Carguita de Tola - Canción Puneña
12. La Viajerita - Zamba

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Discos disponibles:

1942-1944 Camino del Indio
1973 El Payador Perseguido

Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)

2010-01-08T22:04:00.009+01:00

Entrada la segunda mitad de los años 60´s, el folk rock de protesta y las habituales dósis de R&B de Dylan decidieron darle rienda suelta a la electricidad y a tomar ese sonido de "mercurio".
En este álbum se daría el último paso en la búsqueda de ese sonido, que terminaría de asentarse definitivamente en el siguiente trabajo: "Blonde on blonde" en 1966.

Highway 61 Revisited es el primer trabajo de Dylan grabado completamente con banda y uno de los más influyentes para la música contemporánea. El mismo declaró que es uno de sus discos favoritos.

Gracias a grandes éxitos como la fundamental "Like a Rolling Stone", alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras que el mismo tema alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas.
El nombre del disco evoca el lugar de nacimiento de Dylan, la autopista 61 se extiende desde Nueva Orleans, Luisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota.

En cuanto a la obertura de el disco, es una de las mejores canciones de todos los tiempos, "Like a Rolling Stone" ,según la leyenda, habla de una acólita de Andy Warhol llamada Eddie Sedgwick. La canción en cuestión enaltece el sentido de la frase o leyenda que culpa a Dylan de ser el "destructor del folk", con todo el "punch" de la letra y el organo enchufado de Kooper. La tocó por primera ves en público el sábado 25 de Julio de 1965 en el Newport Folk Festival. En esa controversial presentación donde el público lo abucheó estupidamente al verlo que se presentaba con banda. Tal fué su enojo que no volvería a presentarse en ese festival sino hasta 2002.El tema (al igual que otros tantos de Dylan) fué interpretado por un sinúmero de artistas y bandas de diferentes estilos. Algunos: Jimi Hendrix, Bob Marley o los mismos Rolling Stones.

El pulso blusero acelerado de "Tombstone Blues" deja entrever su costado surrealista en las letras con frases como: "... el sol no es amarillo, es pollo...". Otra buena composición es "Ballad of a Thin Man". Su misterio, su cadencia a paso lento, su instrumentación parece inmejorable. Refleja un sueño o el leve recuerdo de la noche anterior tras una resaca, parece muy irónica y fantástica.

Aquel avance que mencionabamos hacia lo eléctrico sin dudas se presenta en canciones como "From a Buick 6", "Just like Tom Thumb´s Blues" o la misma "Highway 61 Revisited". No abandonaría por completo su lado acústico, el disco cierra con la extensa "Desolation Row", como para cerrar un disco que estallaba de ideas. Aquí Dylan explica (en retrospectiva) los inminentes cataclismos de los años 60, evocando una temporada en el infierno a la manera del pintor holandés Hieronymus Bosch.

Un dato gracioso: la sirena de jugete que se escucha en "Highway 61 Revisited" era la forma en que el tecladista Al Kooper controlaba las sesiones de grabación, decía: "Si alguien se empezaba a drogar, yo me iba al rincón opuesto de la habitación y simplemente arrancaba con mi whooooooooooooooooooooo!!!."

Más abajo un video de una alocada presentación en 1966. El tema? obviamente "Like a Rolling Stone". Y ya que estamos la versión de Jimi Hendrix en el Monterrey Pop Festival de 1967 y por que no el video de los Stones de la epoca de Stripped??

Lista de temas:

1. Like a Rolling Stone
2. Tombstone Blues
3. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry
4. From a Buick 6
5. Ballad of a Thin Man
6. Queen Jane Approximately
7. Highway 61 Revisited
8. Just Like Tom Thumb's Blues
9. Desolation Row

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Jon Anderson - 3 Ships (1985)

2009-12-24T04:11:00.006+01:00

Si hablamos de esperanzas y de buenas manifestaciones de fè, que mejor que las Navidades!!! Y siempre lo mejor es tener mùsica sacando un disquito del bolsillo y desde el alma para estar en frecuencia con estos sentimientos!!.
Por que siempre hay discos de buena mùsica para recordar este momento del año!!.

Nosotros en esta oportunidad invocamos a la buena voz y al buen gusto del (valga la redundancia) buen Jon Anderson. Vocalista de la banda Yes, con esta linda muestra de sonidos e imàgenes Navideñas.
El disco abre con un fragmento de la hermosa e inocente "Save all your love", que luego se presenta entera, es uno de esos temas que realmente se aprecia a fondo el color de la voz de Anderson.

En general gran parte de los temas contiene una suerte de New age/Pop , al estilo Vangelis. Y obviamente los casos de "Three Ships" , "Ding Dong! Merrily On High","Holly and the Ivy" y
"Jingle Bells" que son temas tradicionales navideños versionados con coros o "Villancicos". "Jingle bells" está cantada por la hija de Jon, Jade Anderson. En cuanto a los sonidos orquestales, estubieron a cargo de la "Beyond War Philharmonic".

Lista de Temas:

1. Save All Your Love
2. Easier Said Than Done
3. Three Ships
4. Forest of Fire
5. Ding Dong! Merrily on High
6. Save All Your Love (Reprise)
7. Holly and the Ivy
8. Day of Days
9. 2,000 Years
10. Where Were You?
11. O Holy Night
12. How It Hits You
13. Jingle Bells

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Steve Hackett - Please Don´t Touch! (1978)

2009-12-18T01:25:00.009+01:00

El segundo trabajo de estudio del maestro Hackett (violero del Genesis de la edad de oro) y el primero ya sin formar parte de ellos . El disco se encuentra muy poco el linea de su antecesor, VOYAGE OF THE ACOLYTE y de los siguientes trabajos. En lineas generales su estilo es muy ecléctico. Vislumbramos baladas de paladar folk como "Narnia" y "How Can I?", escencias progresivas en "Racing In A" y la hiperelèctrica "Please don`t touch", psicodelia extravagante en "Carry On Up the Vicarage"(basada en escritos de Agatha Christie) y hasta un marcado pop medio cantado a lo jazz/soul en la voz de la vocalista Randy Crawford.

Para lograr esta variedad de estilos convocò a varios amigos del ambiente como el vocalista de la banda Kansas Steve Walsh, el guitarrista, percusionista y cantante Richie Heavens (conocido por ser el artista que inaugurò la primera jornada del legendario festival Woodstock 69) a la cantante Randy Crawford y al excelente baterista Chester Thompson
entre los infaltables miembros de la banda como su fiel hermano John en vientos.

El disco abre con la fabulosa "Narnia" cantada por Walsh. Narnia es un mundo de fantasía creado por el autor anglo-irlandés Clive Staples Lewis para sus Crónicas de Narnia, una serie de siete libros de fantasía para niños. Se abre paso con la psicodèlica y con toques de canciòn de cuna "Carry On Up the Vicarage" que dà la impresiòn (por los efectos vocales) de estar cantada por un gnomo.

La infaltable pieza progresiva que no debe faltar, se dà en "Racing in A", con Walsh en la voz principal. Canciòn que dà piè al guitarrista de lucir todo su especial virtuosismo, tanto en secciones acùsticas como elèctricas.
Otra muestra de la pureza de sus composciciones, (sobre todo acùsticas, de guitarra clàsica) la notamos en "Kim", un tema instrumental con una bella melodía de flautas, dedicado a la por entonces pareja de Hackett la artista plastica Kim Poor, quien ilustrò la tapa del disco.

Un tono melancòlico- folk, arrastra la voz de Heaven en "How Can I?" para luego zambullirse en aguas tan disímiles como "Hoping love will last" con todo el color de la voz de Randy Crawford.
“Land of a Thousand Autumns” y "The Voice of Necam" funcionan como unos perfectos Intro y Finale del tema homónimo. Un potente tema lleno de pasajes claroscuros de guitarras.
En el final vuelve a retomar la voz principal Richie Heavens en “Icarus Ascending” que oculta una especie de reggae deforme (descúbralo!).

Lista de Temas:

1. Narnia
2. Carry On Up the Vicarage
3. Racing In A
4. Kim
5. How Can I?
6. Hoping Love Will Last
7. Land of a Thousand Autumns
8. Please Don't Touch
9. The Voice of Necam
10. Icarus Ascending

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Narnia (sin Walsh)

Chau! Pekin - Las horas no pasan lentas (2009)

2009-12-11T15:59:00.010+01:00

Una buena propuesta en cuanto a las nuevas bandas que fusionan diferntes estilos tan en boga hoy en dìa(lease ska-punk, reggeae y hasta cumbia).
Hablamos de la interesantìsima banda amiga Chau! Pekin, que no hace mucho tiempo, lanzò su àlbum debut "Las horas no pasan lentas".

Esta formaciòn nace en 2003 con el nombre de "LaBaina" dando sus primeros pasos en la ciudad de Buenos aires. En 2005 y ya bajo el nombre Chau! Pekin
graban su primer EP de 3 canciones bien disímiles titulado "Bienaventurados los que bienvenidos sean". En 2007 empiezan a trabajar en su debut discogràfico y
se les presenta una muy buena propuesta de grabar una cortina para un programa de radio (Metro y Medio, programa conducido por Sebastián Wainraich y Julieta Pink por Fm Metro 95.1).

Durante el año 2008 se sucedieron varias presentaciones positivas en lugares reconocidos como The Roxy y Buenos Aires Club. Durante el 2008 y principio del 2009 se realizan las tareas de grabación, mezcla y edición del disco debut.

La placa , como bien ellos solían poner en su blog, nos ofrece "un compás de cada género". Es asi que nos encontramos con climas de "pogo y agite" y también bailables, al estilo de bandas españolas como Ska-p o Extremoduro. Otras influencias podrían ser Mano Negra, La Vela Puerca, Karamelo Santo y también de los clásicos como García, Calamaro, Páez y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota .

De entre los temas que pueden llegar a estar destinados a "hits" podemos afirmar sin dudas a el reggae dedicado a la ciudad de Mar del Plata "La Feli´" o la alegre "Domingo".
La banda hoy en día está formada por nueve integrantes. Para los que tubimos la oportunidad de presenciarlos en vivo , podemos afirmar que el histrionísmo en escena
es impresinante y muy intenso. Cuentan con además de un cantante con un "agitador".

Personal:

Diego Litmanovich: voz, guitarras
David Kaplan: percusión
Maxi Gabay: agite y voz
Hernán Rouffe: bajo
Ari Brukman: trompeta, charango, guitarra criolla y voz
Martín Machabanski: guitarras y voz
Lio Chulak: batería
Goyo Palermo: teclados
Dario Bercovich: saxo, clarinete y armónica

Lista de temas:

1. Romper el código
2. Que no!
3. Domingo
4. La Feli´
5. Copetear un charlatín
6. En un tiro sí
7. Muchacha
8. Nuevo sol
9. Quebrado
10. Mientras
11. El vagón de los ahorcados

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Contacto: chaupekin@gmail.com

http://www.myspace.com/chaupe

2do Aniversario de "La Guitarra en La Ventana" en El Galpón de las Artes

2009-11-04T21:38:00.006+01:00

Con motivo de nuestro 2 aniversario nos presentaremos el sábado 7 de Noviembre a partir de las 20:30 hs. en El Galpón de Las Artes ubicado en Jujuy 2755 en la ciudad de Mar del Plata. Entrada $12. Se brindará el clásico repertorio de La Guitarra, con nuevas composiciones más danza. Los esperamos!!!

La Guitarra en La ventana el disco,DESCARGALO AQUI

Marillion - Script for a Jester's Tear (1983)

2009-11-03T16:30:00.009+01:00

Otra bocanada de aire fresco para desempolvar el viejo género de rock progrevivo - sinfónico.
La banda Marillion, otro de los pilares del llamado "neo-progresivo" con su album debut: "Script for a Jester´s tear" (Partitura para el llanto de un bufón). Deciamos pilares , debido a que junto a las bandas PENDRAGON e IQ, supieron darle una nueva vuelta de tuerca a el género allá a fines de los 70 y principos de los 80, en la cresta de la "nueva ola" y de el punk.

Marillon sin dudas fué la que obtuvo mayores resultados a nivel de popularidad (con lo que eso conlleva). La historia de esta peculiar formación se separa en dos partes muy bien delimitadas, determinadas por la ida de su primer cantante, el escocés Fish (Derek William Dick) y el ingreso de Steve Hogarth, desde 1988 hasta hoy. Pero aquí vamos a abordar la etapa primera, la de Fish
(hay quienes dicen que es la mejor, pero eso es harina de otro costal).

En sus comienzos su música se encontraba en la linea del Genesis de la era Peter Gabriel, con puestas de ecscena y por supuesto con todo un equipo de maquillaje y vestuario en honor a sus ìdolos.
La voz de Fish muy parecida a la de Gabriel, incluso lo tentaron para que cantara en Genesis. La banda se formó en 1979 en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra y en un principio su nombre era Silmarillion usando el título de la obra literaria de J. R. R. Tolkien, "El Silmarillion" en 1979.
Acortaron el nombre a Marillion en 1980 supuestamente debido a amenazas legales por parte de los poseedores de los derechos de la obra de Tolkien.

La banda , se conformò en el seno del panorama "under" inglès, en medio de ese torbellino punk y new wave, de ahí que no era extraño encontrarlos en lugares como el mìtico bar "Marquee". Su primera experiencia en estudio se dà en 1982 al grabando su primer sencillo con los temas "Market Square Heroes" y "Three boats down from the candy" en la cara A y la épica suite de casi 18 minutos "Grendel" en la cara B. Con Fish registrarían cuatro discos de estudio: "Script for a Jester's Tear" (1983), "Fugazzi" (1984), el álbum conceptual "Misplaced Childhood" (1985) y "Clutching at straws" (1987). Sin olvidarnos de algunas de sus performances en vivo como "Reel to real" de 1984 o el doble "The Thieving Magpie" (La gazza ladra) de 1988.

Para este, su debut discogràfico de 1983, la integraban Fish en voz, Steve Rothery en guitarras, Pete Trewavas en bajo, Mark Kelly en teclados y Mick Pontier en baterìa, este ùltimo abandonarìa la formaciòn al disco siguiente (Fugazzi, 1984), dándole lugar al actual baterista Ian Mosley. Este disco propondrìa entonces, las bases de el gènero neo progresivo con todos los elementos del progresivo, pero mucho más aggiornado y mas accesible para los oidos del pùblico, que gracias a esto poco a poco irìa creciendo, dàndole paso a una gran popularidad para la banda.

Su comienzo es fantàstico, con el tema que le dà titulo al disco "Script for a Jester`s tear" un tema por excelencia que imprime la lìrica depresiva de Fish (muy al estilo de Roger Waters en The Wall). Un tema de de 8 minutos lleno de movimientos con guitarras y teclados comprometidos, muy genesianos.
"He knows, you know", una canciòn que habla de las drogas y las malas experiencias alucinògenas. Nos refleja claramente ese aggiornamiento del género por sus claras aristas pop.
Otro gran momento (por no decir el mejor) es "Garden Party", un tema que tiene como columna vertebral los teclados de Mark Kelly junto a una base rìtmca bastante repetitiva, pero muy peculiar por el histrionìsmo de Fish en las voces.

Sin dudas el guitarrista Steve Rothery se lleva los aplausos en la dramàtica "Chelsea Monday"que relata las desdichas de una joven actriz. Conformada con atmósferas de guitarras parecidas a las de Gilmour en "The Wall".
Otro tema innovador es "Forgotten Sons", donde el cantante utiliza nuevamente todo el histrionísmo de su voz (susurros, gritos,voces graves).

Todos estos momentos fueron capturados en el Hammersmith Odeon de Londres el 18 de abril de 1983, en el llamado "Recital of the Script" que es justamente la presentación del disco. Algo llamativo de ese recital es que podemos notar que es un público muy joven, inclusive en el final de la canción "Grendel" vemos a Fish con la mascara de Darth Vader (villano de "La Guerra de las Galaxias") alzando a un chico del público y fingiendo golpearlo.

Lista de temas:

1. Script for a Jester's tears
2. He knows you know
3. The web
4. Garden party
5. Chelsea Monday
6. Forgotten sons

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Chico Buarque - (Samambaia) (1978)

2009-10-27T00:01:00.009+01:00

Una de las obras más representativas de su extensa discografía. Para este trabajo el compositor,cantante, escritor y poeta brasilero, contó con la participación de varios amigos como Milton Nascimento con quién canta a dúo en el tema "Càlice" co-compuesto con Gilberto Gil.

Y justamente hablando de ese gran tema (Calice), podemos decir que es un elaborado juego de palabras, ideado para despistar a la censura militar. El tema fué presentado inicialmente en 1973 y en este álbum la parte cantada por Gil es interpretada por Milton.Otro tema en contra de la dictadura y que lidia contra la falta de libertad de esos tiempos es "Apesar de você" (originalmente de 1970). Musicalmente el tema es muy al estilo "carnavalista" brasilero. En esa linea se encuentra también el tema que abre el disco: "Feijoada Completa".

Otras de las participaciones especiales son las de las voces de Elba Ramalho y Marieta Severo (cantan las dos a dúo) en el tema "O Meu Amor". Y si hablamos de tensión dramática, hablemos de la exasperante "Pedaço de Mim" con Buarque a dúo con la bella y colorida voz de Zizi Possi.
Su espíritu combativo lo llevo a grabar un tema en castellano de Silvio Rodríguez, "Pequeña serenata diurna".

Lista de Temas:

1. Feijoada Completa
2. Cálice
3. Trocando em Miúdos
4. O Meu Amor
5. Homenagem ao Malandro
6. Até o Fim
7. Pedaço de Mim
8. Pivete
9. Pequeña Serenata Diurna (Silvio Rodríguez)
10. Tanto Mar
11. Apesar de Você

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Pedaço de Mim (Pedazo de mi)

Dúo La Trapera (2001)

2009-10-08T21:06:00.009+02:00

El dúo La Trapera surge como fruto de un trabajo de búsqueda enfocada a volcar en sonido y palabra, emociones presentes en las vivencias cotidianas de sus integrantes .
Transitando esta búsqueda apareció La Trapera, personaje de leyenda que cantando sobre los huesos - fuerza indestructible de la vida - le devuelve el alma a quién está perdido o en peligro de desaparecer.
Ella nos ayuda a "controlar al enemigo", a combatirlo cantando, diciendo lo que podemos y necesitamos.

El dúo estaba conformado por Marcos Gowda y Coty Tormo. El disco fué grabado en vivo en "Arrope" los días 17 de junio, 22 de julio, 10 de agosto y el 16 de septiembre de 2001. Salvo los temas 14 y 15 que fueron grabados en Estudio La Luna.

Actualmente Marcos Gowda integra el grupo "Los Tinguiritas" realizando espectáculos escénico-musicales para niños de todas las edades.

Personal:

Coty Tormo: guitarra y voz
Marcos Gowda: bombo, vientos y voz
Miguel Jiménez: bombo
Héctor Tortosa: guitarra
Gerardo Schiavón: bajo eléctrico
Mario Díaz: guitarra (14)
Cecilia Rasro: chelo (14)
Ricardo Mira: percusión (14)
Alejandro Rivero: guitarra (15)
Esteban Gutiérrez: bombo (15)

Lista de temas:

1. Vidala de la Copla (Vidala chayera) Chango Rodríguez
2. Controlando al enemigo (Ventana sobre el espejo) Eduardo Galeano
3. Luna Cautiva (Zamba) Chango Rodríguez
4. Campo afuera (Chacarera) Carlos Di Fulvio
5. ¿Se acuerda Doña Maclovia? (Chacarera) Carlos Di Fulvio
6. El violín del Becho (Milonga) Alfredo Zitarrosa
7. La Flor de la canela (Vals peruano) Chabuca Granda
8. Ña Poli (Rasguido doble) Teresa Parodi - Raúl Carnota
9. La sencillita (Chamarrita) José Carabajal
10. Corazón de Curupí (Chamamé) Chacho Müller
11. Gatito del dulce amor (Gato) Valle - Carabajal
12. Introducción a la Cueca
13. Nacida en agua de guerra (Cueca) Rivella - Díaz
14. Rumbo al cerro (Huayno) Maldino - Díaz
15. Vidala de la copla (Vidala Chayera) Chango Rodríguez

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Alberto Rojo - Para mi sombra (2003)

2009-09-30T00:10:00.004+02:00

Uno de los "nuevos" talentos del folclore argentino es sin dudas el físico, guitarrista, compositor, cantante e intérprete Alberto Rojo.

Rojo nació en Tucumán (Argentina). A los seis años empezó a estudiar piano y varios años después descubrió la guitarra. Fué autodidacta hasta 1980, cuando obtuvo una beca para estudiar en el Camping Musical de Bariloche con Eduardo Frason. Estudió composición con Pamela Decker en Michigan y guitarra en las Jazz Sessions del Berklee Collage Of Music en Boston y con Ray Chester del Peabody Conservatory de Washington. Entre 1979 y 1989 fue miembro del grupo Gaudeamus de música antigua.T ambién participó en varios festivales en latinoamérica y los Estados Unidos.En 1999, bajo el sello Epsa music editó su primer disco "De Visita" (2000).

Producido por Pedro Aznar (también aporta bajo, piano y voz) "Para mi sombra" comenzó a grabarse en 2002. Nos ofrece composiciones propias como el bellísimo wals "Que bonito" y otras "Chacarera del fuego", "Zamba del agua" y "Filo Hua Hum". Esta última es una pieza instrumental que nos hace recordar mucho a AtahualpaYupanqui. Y hablando justamente de Atahualpa, Rojo y Aznar musicalizaron un poema inédito suyo : "Te digo gracias guitarra".

Otro sorprendente momento es la participación de Charly García para una versión arreglada de "Desarma y Sangra" (Serú Girán), la cual comienza cantanda a capella por Charly e inclusive si se le presta atención le han compuesto una nueva estrofa al tema!!. También participaron el percusionista Facundo Guevara y Diego Clemente en charango y aerófanos.

Durante el 2003 Rojo viajó a Argentina en varias ocasiones para presentar "Para mi sombra". Tocó en provincias del interior del país y en Capital Federal y fué convocado por Juan Falú para el Festival de guitarras del mundo. El disco fue altamente aclamado lo que acercó al músico a artistas de la talla de Mercedes Sosa con quien ya se había presentado en el Massey Hall de Toronto (Canadá) en 2002. Con ella también graba en 2005 "Chacarera del fuego" y "Zamba de Argamonte" para su disco "Corazón Libre" salido en el sello Alemán Deutsche Grammophon y participa en el flamante último trabajo de la Negra (cantando a dúo) "Cantora" (disco 2) de 2009.

En 1990 se doctoró en física en el Instituto Balseiro (Bariloche, Argentina) y se mudó a los Estados Unidos. Fue investigador de la Universidad de Chicago y profesor de la de Michigan. Debido a su interés por la ciencia, la literatura y la música, no es extraño verlo participar en charlas acompañadas por conciertos, como por ejemplo sus “Charlas de divulgación Científicas” sobre Borges y la mecánica cuántica, en 2004, recorriendo la Patagonia Argentina.

Personal:

Voz y Guitarra: Alberto Rojo
Guitarra Barítono (bordoneo y sólo), Contra Bajo, Piano: Pedro Aznar
Cajón, Cucharas, Bombo Leguero, Quijada, Cajita, Udus, Huancara: Facundo Guevara
Voz y Piano: Charly Garcia (en Desarma y Sangra)
Charango, Caja, Sikus, Quena, Pezuñas, Caja China, Cascabeles: Diego Clemente

Lista de Temas:

1. Qué bonito (Alberto Rojo)
2. Chacarera del fuego (Alberto Rojo)
3. Zamba de Argamonte (Leguizamón/Castilla)
4. Ese arar en el mar (Chabuca Granda)
5. Danza de la Moza Donosa (Alberto Ginastera)
6. Te digo gracias, guitarra (Yupanqui/Rojo-Aznar)
7. Filo Hua Hum (Alberto Rojo)
8. Desarma y sangra (Charly García)
9. Zamba del agua (Alberto Rojo)
10. Vidala para mi sombra (Julio Espinosa)
11. Buscando otro cielo (Alberto Rojo)
12. Apuntes de Tilcara (Alberto Rojo)

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Camel - The Snow Goose (1975)

2009-09-21T23:45:00.014+02:00

De entre las grandes obras conceptuales del rock de todos los tiempos, sin dudas "The Snow Goose" (1975) de la banda inglesa Camel se lleva gran parte de los aplausos.

Camel es un grupo de rock progresivo nacido en Surrey, Inglaterra, en 1971. En un principio (1969) se llamaban "The Brew" , hasta que se les unió el difunto Peter Bardens en 1971. La banda entonces estaba formada por Andy Latimer en guitarra, Doug Ferguson en bajo, Peter Bardens en teclados y Andy Ward en bateria y percusión. En la primera mitad de los 70, Camel nos ofreció grandes placas como esta o "Mirage" (1974) y "Moonmadness" (1976). A partir de 1977 con el álbum "Rain Dances", ingresan a la banda el cantante y bajista Richard Sinclair (proveniente de la banda Caravan) y el saxofonista Mell Collins (King Crimson, Rolling Stones). En ese trabajo la incorporación de estos músicos hace entrar a la banda a terrenos más jazzeros y por que no también influencias de la escena Canterbury.

En los 80 Sinclair y Bardens dejan Camel. Para reemplazar al gran tecladista pasaron muchos nombres (inclusive dos músicos), pero el gran acierto fué la incorporación del bajista y cantante Colin Bass, quién seguiría hasta estos días y proporcionaría una bocanada de aire fresco en el viaje del Camello a través del sórdido desierto(...). Quizás el disco más recordado sería "Nude" (1981) con temas enblemáticos como "City Life" o "Captured". En los 90 siguieron las obras conceptuales , es asi que nos encontramos con "Harbour of Tears"(1996). Obra altamente recomendable que está basada en la historia de cientos de miles de trabajadores emigrantes que partieron del puerto de Cóbh Harbour (Irlanda) rumbo a una nueva vida en América.

Quien conoce de Camel sabe que sin Latimer Camel no es Camel. Es un guitarrista (también tecladista, vientista y cantante) que imprime su sello inigualable, de esos que no ponen una nota de más o muchas notas pero bellas. En ese sentido es bastante parecido a David Gilmour de Pink Floyd.

Para este, su tercer trabajo, Andrew Latimer y Doug Ferguson, eligieron la obra homónima del escritor norteamericano Paul Gallico, en contraposición a la opinión de el tecladista Peter Bardens quién deseaba musicalizar textos de Steppenwolf ("El lobo estepario" de Hermann Hesse). Latimer y Bardens co-escriben la idea original y para los arreglos orquestales contribuye David Bedford (quién acompañó entre otros a Mike Oldfield). El disco es totalmente instrumental, salvo en "Migration" que se tararean unos coros. Es así que nos encontramos con momentos propiamente enparentados al rock progresivo (piezas acústicas de guitarra y empleo de synth y moogs, etc.) en "Rhayader" o "Rhayader goes to Town" por ejemplo, donde a través de los tracks la música "progresa" gracias a los elementos típicos de la ingeniería de sonido. Hay otros momentos también emparentados a la música de cámara ("Friendship") con oboe, fagot, flauta traversa y clarinete.

Es realmente encantador como la música describe tan bien los escenarios y las vivencias, los climas y los sentires de cada uno de los personajes.La historia trata sobre un hombre maltrecho, Rhayader, que tras su joroba, y brazo como garra de ave, esconde un gran amor por la vida. El segundo personaje principal es Fritha, una adolescente que descubre a la persona real detrás de un físico de pesadilla. Rhayader vive en un Faro y sólo va al pueblo más cercano cuando no hay otra opción. Él dedica su tiempo a cuidar las aves de la zona. Precisamente por esa realidad es que Fritha va a buscarlo: porque le dijeron que Rhayader podía curar al ave que Fritha había encontrado herida. El ave es, como habrás supuesto bien, un ganso. Pero no era cualquier ganso. En Inglaterra (lugar donde se desenvuelve esta historia) se conoce como Snow Goose, pero resulta extraño que haya estado por allí, pues el ganso es canadiense. En fin, Rhayader lo cuida y Fritha lo visita sólo mientras vive cerca del faro. La historia se desenvuelve a través de los descubrimientos afectivos que se dan por esas visitas de Fritha al ave, mientras Rhayader cultiva en silencio lo que poco a poco va sembrando en la chica.

Un dato de color: Gallico los confundió en un principio con la conocida marca de cigarrillos, queriendo levantar acciones legales contra la banda, argumentando que odiaba a los fumadores. El problema se resolvió cuando se decidió agregar “música inspirada por” a la tapa del álbum.

Lista de Temas:

1. The Great Marsh
2. Rhayader
3. Rhayader Goes to Town
4. Sanctuary
5. Fritha
6. The Snow Goose
7. Friendship
8. Migration
9. Rhayader Alone
10. Flight of the Snow Goose
11. Preparation
12. Dunkirk
13. Epitaph
14. Fritha Alone
15. La Princesse Perdue
16. The Great Marsh

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Carlos Gardel - Las Mujeres Aquellas (Su Obra integral Vol. 4)

2009-09-17T15:01:00.006+02:00

Una nueva entrega de la obra intergral del mudo: el volumen 4 "Las Mujeres Aquellas".
Con una linea similar a la del Vol 2 "Amores Difíciles", Gardel se le anima al tema de de sus amoríos, desamorìos y abandonos, tambièn encontramos enumerados un sinùmero de estereotipos femeninos...

Es asì que se cuentan historias de mujeres de la vida de forma graciosa , como la relatada en "Esta Noche me Emborracho"(encontronazo con la ex venida a menos) o en el tangazo "Pobre paica"(màs conocida, seguramente, como "El Motivo"). Tenemos las pretensiones de "la mina del Ford" ,a la "niña bien" de "Pituca" y los sollozos del mantenido de "LLoró como una mujer". Quizàs el tango donde màs sobresale su voz es en "Gloria", un tango cantado inicialmente por Nina Miranda.

Lista de Temas:

1. Tiempos Viejos
2. Lloró como Mujer
3. Esta noche me emborracho
4. Por Seguidora y Fiel
5. Por que das dique
6. Mano Cruel
7. La Mina del Ford
8. Pobre Paica
9. Callejera
10. Primero Yo
11. Arrabalero
12. Pituca
13. Muñeca de Carne
14. Gloria
15. Marioneta
16. Duelo Criollo
17. Que Vachache
18. Milonguera
19. Margot
20. Tortazos

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Su Obra Integral:
Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"

King Crimson - Discipline (1981)

2009-09-03T22:54:00.009+02:00

Érase una vez un rey de las 6 cuerdas al que muchos llamban Rey Carmesì, pero nosotros lo conocemos mejor como King Crimson o alma mater/fundador de o simplemente Robert Fripp. Excluyente guitarrista que llevò a los limites al rock progresivo, teniendo como resultado la mùsica ambient. Pero eso es parte de otra (grata) historia.

A lo largo de su historia King Crimson supo servirse en su corte de un sinumero de excelentes mùsicos. Siempre conservando a Fripp, Crimson agradeciò las potentes voces y bajos de John Wetton y Greg Lake, las flautas y saxos de Ian Mc Donald y Mell Collins, el violin de David Cross o las percusiones exòticas de Jaime Muir. Y no debemos de olvidar la contribuciòn en letras de Peter Sinfield en los primeros álbumes.

El álbum en cuestión marca el comienzo de una nueva etapa en la banda. Siete años habían pasado de su anterior trabajo "Red" y a los miembros que quedaban (Fripp y Bruford) se les unirían el guitarrista y cantante Adrian Belew (Zappa, Bowie, Talking Heads) y el bajista Tony Levin (Peter Gabriel) quién también se especializa en ejecutar el Chapman Stick. Por su parte, Bruford aprovechó para navegar en los mares que le permitía la modernización en el ámbito de la percusión.
El uso de contrapuntos y timbres polirrítmicos se ha vuelto casi un sinónimo de Crimsonismo, especialmente a partir de este álbum. Levin se sentía curioso por incluir el stick en el rock. Es Así que encontramos poderosos riffs de este instrumento en gran parte de los temas.

El disco arranca con la delirante "Elephant Talk" , cantada/parloteada por Belew con un efecto de elefante entre los diálogos de guitarras. LLena de variantes rítmicas la singular y compleja estructura de "Frame by Frame", utiliza una base ultra rapidísima de Fripp , unos rasguidos metálicos de Belew (hasta por encima de la cejilla!!) y toques de stick. Respondiendo a esa misma estructura, pero en aumento, "Indiscipline" contiene un dialogo entre el stick y la percusión para luego zambullirse en un caudal de lava eléctrico, que también dialoga con el discurso de Belew. Este es quizás el mejor tema del disco culminando con el inolvidable grito final: I like It!!

La hermosa balada , con toques bluseros, "Matte Kudasai" (que en japonés significa "esperame, por favor"), contiene una atmósfera etérea a lo Fripp que se deja atravesar por slides de Belew. Otro potente tema es "Thela Hun Ginjeet", un torbellino rockero con aristas funkys y psicodélicas. El título del tema no proviene de un idioma asiático o africano, sino de un anagrama de la frase “heat in the jungle” (“calor en la jungla”), la cual ilustra la habitual violencia urbana, el mismo Adrian Belew se vio sucesivamente acosado por unos pandilleros y unos oficiales del orden (en Nueva York) en la tarde de un día que no tenía nada de especial.

En síntesis , un trabajo que demuestra como un guitarrista puede llegar a imponer sus enseñazas o su "Disciplina" , junto a los músicos con quiénes se divierte y trabaja. Para concluir una frase del mismo Robert Fripp: "La disciplina no es un fin en si mismo, sólo un camino para conseguir un fin."

Lista de Temas:

1. Elephant Talk
2. Frame by Frame
3. Indiscipline
4. Matte Kudasai
5. The Sheltering Sky - Discipline
6. Thela Hun Ginjeet

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Frame By Frame

Stevie Ray Vaughan y su majestuoso blues eléctrico

2009-08-27T17:00:00.001+02:00

Hace 19 años fallecía uno de los principales referentes en lo que a guitarra bluesera concierne, gran fusionador del blues y el rock en los 80. Un guitarrista y cantante de un feeling y virtuosismo inigualables.

Nació un 3 de octubre de 1957 en Dallas, Texas. A los 7 años le regalan una guitarra de jugete y se enamora de este instrumento.Sus primeros años fueron como guitarrista amateur recorriendo el cicuito de Texas. A partir de 1970 forma a los "Blackbirds", su primer formación seria. En 1971 cambiaría su residencia a Austin, por esos años stevie recibiría su vieja Stratocaster que lo acompañaría hasta el final de sus días. Por esos años (hasta 1977) pasaría por bandas como "The Nightcrawlers" o "Paul Ray & The Cobras" .

Pero sin dudas su más recordada formación sería la "Double Trouble" con Tommy Shannon en bajo y Chris Layton en batería. Con ellos grabaríaalrededor de seis discos de estudio sin contar las performances en vivo. La más recordada quizás fué cuando participaron en el festivalInternacional de Jazz de Montreux, donde fueron abucheados por el publico, pero irónicamente los galardonaron con un premio Grammy por la versiónde "Texas flood" del gran disco en vivo "Live at Montreaux".

En 1982 contribuye con un disco de David Bowie (Let´s Dance) y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records.Es así que sale al ruedo el primer album "Texas Flood"en 1983. Lo sigue en 1984 "Couldn't Stand The Weather".Ese mismo año es premiado con dos National Blues Award por "Best Entertainer", "Mejor Instrumentista de blues".

Debido a el abuso de estupefacientes , el guitarrista se vió obligado a cancelar varias giras durante ese año. Pero su verdadero regreso se daría en 1987 cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las cinco personas que iban a bordo mueren.

Les ofrcemos aquí el album "Texas Flood" .

Lista de temas:

1. Love Struck Baby
2. Pride and Joy
3. Texas Flood
4. Tell Me
5. Testify
6. Rude Mood
7. Mary Had a Little Lamb
8. Dirty Pool
9. I'm Cryin'
10. Lenny
11. SRV Speaks
12. Tin Pan Alley (AKA Roughest Place in Town)
13. Testify (live)
14. Mary Had a Little Lamb
15. Wham! (live)

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Texas Flood (versión larga)

O Rappa - Lado B, Lado A (1999)

2009-08-19T21:57:00.006+02:00

Concebida en 1993 y con trabajos en la actualidad , O Rappa es conocida en brasil por el gran impacto social de sus letras. Su estilo es dificil de describir. Es una especie de coctail que incorpora samba, funk, MPB (musica popular do brasil), como asi también elementos del hip-hop del reggae y el rap con samplers. A lo largo de su carrera encontramos entre sus éxitos la canción "Pescador de ilusiones", del primer disco "Rappa Mundi" (de 1996). Allí también se encuentra una versión de "Hey Joe" de Jimi Hendrix

Otro gran suceso de su carrera fué la presentación en el "Unplugged" de MTV en 2005 con la participación especial de María Rita (hija de Elis Regina) y de Siba.

Producido por Chico Neves y Bill Laswell, "Lado B, lado A" , es su tercer álbum, donde apeciamos una maduración en el sonido de la banda. Las letras son de gran importancia y nos ofrecen una crisàlida de diferentes temas que van desde las problemàticas de la sociedad hasta temas relacionados con la fè , pasando por la marginalidad y las drogas.

Podemos ubicar temas con una impronta más pop como "Me deixa" o "O Que Sobrou Do Céu" esta última con un "Wha-Wha" vocal muy particular. Pero sin duda el mejor tema del disco es: Minha Alma (A Paz Que Eu Não Quero) .

Lista de Temas:

1. Tribunal De Rua
2. Me Deixa
3. Cristo E Oxalá
4. O Que Sobrou Do Céu
5. Se Não Avisar o Bicho Pega
6. Minha Alma (A Paz Que Eu Não Quero)
7. Lado B Lado A
8. Favela
9. Homem Amarelo
10. Nó De Fumaça
11. A Todas As Comunidades Do Engenho Novo
12. Na Palma Da Mão

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La Guitarra en la Ventana junto a Juanito el Cantor

2009-07-24T17:03:00.003+02:00

Sábado 1 de junio a partir de las 20 hs. en El Galpón de Las Artes, ubicado en Jujuy 2755 en la ciudad de Mar del Plata. Entradas anticipadas $10 y en puerta $15.

Contacto: laguitarraenlaventana@hotmail.com

Juanito el Cantor - 12 canciones de amor y 1 botella de vino (2007)

2009-07-23T05:45:00.006+02:00

Como proximamente el show de "La Guitarra en La Ventana" se presentarà junto a "Juanito el Cantor" ( ya habrà màs data), les ofrecemos aquì su primer trabajo.

Con seguridad puedo decir que la música de Juanito nos arrastra a un viaje seguro y versátil, más de una vez podría decir que me encuentro conmigo mismo hace varios años atrás.
Pasto, barquillos de papel, un tiki taka roto, y otros utensillos podrían con su simple presencia describir su música.

Vamos a adentrarnos al mundo de Juanito:

Alter ego, amigo imaginario, memoria y futuro de Juani Serrano. Nació hace un tiempo inesperadamente y fue recibido con mucha alegría . ¿Qué es lo que él hace? Canciones más que todo... solo con la guitarra y la voz o con la participación ocasional de alguno de sus amigos. Muchas de sus canciones las editó en su primer disco llamado "12 canciones de amor y una botella de vino" que se editò en junio de 2007 a través del Club del Disco.
Reseña escrita por Gonzalo Luna de el blog Tapale el hocico

Lista de temas:

1. A tu lado crear (cover de shambala)
2. Amarillo
3. Bolero
4. Chanson
5. ¿Donde està la luz?
6. El vals de la jugeterìa
7. Es tarde
8. Estrellitas
9. La ùltima canciòn (la de la botella)
10. Làgrimas en tu corazòn
11. Me cayò una gota sobre la cabeza
12. Mi gorriòn
13. Nose si es mejor
14. Quiero ser un actor
15. Souvenir veralt
16. Una flor
17. Ven

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Steve Howe - Beginnings (1975)

2009-07-17T22:30:00.022+02:00

Si estas no son cuerdas...

Como ya hemos hablado en anteriores entradas de grandes guitarristas clásicos como ANT PHILLIPS o STEVE HACKETT, no podíamos dejar afuera a Steve Howe y menos con su primer trabajo en solitario: "Beginnings". Como ya es sabido , Howe integró la legendaria banda Yes a partir de 1970, teniendo varias idas y venidas a través de los años.

Con este gran trabajo ratifica su proveniencia de la "escuela clásica" de guitarristas y su incansable experimentación con diferentes instrumentos de cuerda: mandolina, arpicordio, dobro, banjo. Howe contó con la participación de varios amigos, a saber: Alan White , Graeme Tylor, Malcolm Bennet, David Oberle, Colin Gibson, Patrick Moraz, Mick Eve, Chris Laurence, Bill Bruford y miembros de la Philomusica, participando en el tema que dá titulo al álbum: "Beginnings".

La obertura es "Doors of sleep" tema que recuerda en su rítmica a Yes, y también por su inolvidable steel guitar. El guitarrista juga con la mezcla de secciones de piezas de guitarras acústicas, una buena muestra de esto es en "Australia". Su voz (aclamada por muchos como acompañamiento vocal en Yes y criticada por algunos como solista) tiene un timbre muy particular que se deja disfrutar tras pocas escuchadas y sobre todo en ese tema y en el final de "Will O´ The Wisp".

En general y como era de esperar su destreza en los dedos se ubica en un plano fuera de lo común. "The nature of the Sea" o "Lost Symphony", son temas que se desarrollan en base a una inteligente base de saxofón, generando pautas para la improvisación.

Otro buen momento acústico es "Ram". Un tema campirano de por sí, donde utiliza la guitarra dobro, el banjo y la washboard (si, la tabla de lavar!!!). Pero este disco gira en torno a el tema central: "Beginnings", una amable pieza de concierto que incluye a los miembros de la mencionada Philomusica.

Hay que resaltar también el arte de tapa a cargo de el genial artista plástico, diseñador, arquitecto y publicista Roger Dean, quién participo en varios discos de Yes o de bandas como Uriah Heep o Gentle Giant y en otros del mismo Howe tanto como solista o con la banda Asia. Trabajos que siempre estubieron a la altura del concepto de cada disco. En mi caso particular puedo decir que el arte de tapa de este disco es mucho más apreciable viendo el sobre del vinilo con las letras de su lado interno vistas con un paisaje de fondo y el logo de "Yes" oculto . Un enlace para apreciar otros trabajos del artista: Roger Dean´s personal web site .

Lista de temas:

1. Doors of sleep

2. Australia

3. The nature of the sea

4. Lost symphony

5. Beginnings

6. Will O´ the wisp

7. Ram

8. Pleasure stole the night

9. Break away for it all

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Ram

Oscar Moro, el baterista por excelencia del Rock Argentino

2009-07-11T16:46:00.007+02:00

Un nuevo aniversario de la muerte (11 de julio de 2006) de este gran y sobre todo versàtil batero integrante de varias formaciones que pasaremos a enumerar a continuaciòn.Nacido en Rosario (Santa Fè), allì curso todos sus estudios y conociò a una buena parte de los amigos con los cuales formarìa una de lasprimeras bandas del rock en Argentina (primero Kay Galifi, luego Litto Nebbia y Ciro Fogliatta).

Asì , en 1967 Los Gatos empiezan a hacer sus primeras armas en el mìtico club de jazz underground "La Cueva". En ese lugar tambièn frecuentaban Los Beatnicks, Los pre-Los Gatos: Los Gatos Salvajes, The Seasons , personajes como Tanguito, Miguel Abuelo y Pappo o los poetas-periodistas Miguel Grinberg y Pipo Lernoud. Ese mismo año Los Gatos graban su primer simple Ayer Nomàs (Moris)/ La Balsa (Tanguito) con un gran e inesperado resultado vendiendo 250.000 placas. Luego de alcanzar este èxito como primer banda de rock de habla hispana, cosechando grandes placas como "Beat No 1" (1969) o "Rock de la mujer perdida" (1970), la banda se disuelve.

En 1972 participa junto a Nebbia para la banda Huinca y poco despuès y tras peticiòn de Edelmiro Molinari acepta reemplazar a David Lebòn en Color Humano. Tràs la ruptura tiene un paso fugaz como sesionista en Porsuigieco y La Pesada. Es en 1974 cuando Charly Garcia lo recluta para formar La Màquina de hacer pajaros. Una banda efìmera y unica que supo mofarse como pocas del gobierno militar de turno. Nos dejaron dos impresionantes discos de estudio ("La Màquina de hacer pàjaros" y "Pelìculas") y un disco pirata en vivo en el Luna Park.

Este acercamiento a el proyecto de Garcia desembocarìa en lo que fuè Serù Giràn, acompañados por Pedro Aznar y David Lebòn. Con ellos pasarìa sus mejores momentos como mùsico, dejando registrados cinco discos de estudio y tres en vivo. La banda supo mixturar los talentos de cada mùsico logrando un sonido entre el jazz rock,el rock sinfònico, la fusiòn y la mùsica latina, mezclados tambièn con el tango.Uno de los tantos buenos recuerdos que nos dejò Serù fuè su presentaciòn en agosto de 1980 en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro junto con Pat Metheny y George Duke, John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti y el grupo Weather Report.

Otra gran formaciòn en la que participò fuè junto a Pappo en Riff en 1985 grabando Riff volumen VII con Michel Peyronel, Boff Serafine y JAF. Justo antes de este disco en el año 1982 se une a el bajista y cantante uruguayo Beto Satragni.Con quién registraria Moro- Satragni en 1983, el disco contaría con la participación de Charly Garcia ("Como me gustaría ser negro"), Luis Alberto Spinetta ("Mirada azul") y David Lebón ("Todo lo que pueda hacerme bien").Colaboraron también Lito Epumer, Ricardo Mollo, Diego Rapoport, Pablo Rodríguez, Gustavo Bazterrica, Leo Sujatovich, Oscar Feldman, Osvaldo Fottoruso y Oscar Kreimer.En cuanto al sonido podemos decir que con semejantes participaciones nos topamos mucho con el jazz, el afro y es notable la influencia de la música uruguaya, se puede oir en el tema "Canecandombe".

Lista de Temas:

1. Aguantando Con Fiebre
2. Canecandombe
3. Dale Amor A Tu Tierra
4. Cómo Me Gustaría Ser Negro
5. Tan Solo Un Lugar
6. Canción De Alguien
7. Mirada Azul
8. Todo Lo Que Pueda Hacerme Bien

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Cazuza - Ideología (1988)

2009-07-07T23:59:00.004+02:00

A 19 años de su muerte homenajeamos a Cazuza, con uno de sus discos más emblemáticos. Este cantante, compositor y poeta brasilero fué uno de los más importantes en la decada de los 80 de su país. Nacido con el nombre de Agenor de Miranda Araújo Neto, era un asiduo amante de la música. Su padre João Araújo era productor fonográfico, lo que le posibilitó estar en contacto con lo clásico y más fino de la música brasilera. Pero su inclinación no terminaría por ese lado...

En 1974 viaja a Londres y conoce el rock: Led Zeppelin, Janis Joplin, The Rolling Stones, etc. En 1980, luego de incursionar en la carrera de periodismo y en el teatro under, ingresa en la mítica banda de rock Barão Vermelho que estaba formada por Roberto Frejat en guitarras, Dé Palmeira en bajo, Maurício Barros en teclados y Guto Goffi en batería. Aquí la dupla compositiva Cazuza/Freijat era una de la más festejadas del rock brasilero.

Cazuza permanecería con ellos hasta entrado el año 1985, presentandose en el Rock in Rio, ese mismo año el cantante contraería HIV. Durante su época con Barão podemos rescatar grandes canciones como "Bilhetinho Azul", "Ponto Fraco", "Down Em Mim" y "Todo Amor Que Houver Nessa Vida". Luego de su retirada, la banda seguiría cosechando grandes éxitos y discos... Pero eso es otra historia...

Ese mismo año sale su primer disco en solitario "Exagerado" con una buena aceptación del público. Le seguirían "Só Se For A Dois" (1987), "Idelogía" (1988), el en directo "O Tempo Não Pára" (1988) que contiene el tema homónimo (que seguramente se los hizo conocer Bersuit Vergarabat), "Burguesia" (1989) y "Por aí" (1991). A través de estos trabajos Cazuza, comenzo a desarrollar su condición de gran poeta, por sobre todas las cosas. En Octubre de 1989, después de cuatro meses de tratamiento en San Paulo, parte hacia Boston. El día 7 de junio de 1990 a los 32 años muere por un choque séptico causado por el SIDA.

El disco en cuestión (Ideología) es el tercero de su carrera. Fué grabado luego de de ser tratado en Estados Unidos de una neumonía y ya con conocimiento de su enfermedad. Un disco muy de los 80´s.El tema que le dá titulo al álbum es uno de sus grandes éxitos. Compuesta junto Frejat, tiene todo su punch: "Mis heroes murieron de sobredósis, mis enemigos estan en el poder, Idiología yo quiero una para vivir..." O tenemos mensajes de ironía como en "Boas novas": "yo ví la cara de la muerte, y ella estaba vivaaa!!!..."

Otro gran hit: "Brasil" considerada una declaración de amor a su país, que pese a los problemas que señala de su sociedad (drogas, pobreza, etc) le grita en su estribillo: "Brasil!!! cuál es tu negocio? , o el nombre de tu socio?... confía en mi!!".Otro tema a rescatar puede ser el "Blues da piedade" un buen blues bien aggiornado para los 80, otra gran colaboración con Frejat. Su estribillo: "Vamos pedir piedade,Senhor, piedade, Pra essa gente careta e covarde..."

Lista de temas:

1. Ideología
2. Boas Novas
3. O Assassinato Da Flor
4. A Orelha Da Eurídice
5. Guerra Civil
6. Brasil
7. Um Trem Para As Estrelas
8. Vida Fácil
9. Blues Da Piedade
10. Obrigado (Por Ter Se Mandado)
11. Minha Flor, Meu Bebê
12. Faz Parte Do Meu Show

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Ideología

O Tempo Não Pára

Carlos Gardel - Gardel en Barcelona (Su obra Integral Vol. 3)

2009-07-01T06:38:00.004+02:00

El pasado 24 de junio se cumplìa un nuevo aniversario de la muerte de Carlitos. Asi que por ese motivo aprovechamos para ofrecerles un nuevo volumen de La Obra integral, el volumen 3: "Gardel en Barcelona".

La razòn del titulo es màs que nada debido a que la mayorìa de las grabaciones estan grabadas en dicho lugar entre los años 1926 y 1928. El ùnico tango que hace referencia a la madre patria es "La Gloria del Aguila" que hace una suerte de descripciòn de lugares desde un vuelo en Plus-Ultra.

El tango màs conocido es quizàs "Mano a Mano" y tambièn nos encontramos con "La Cumparsita" con letra. Luego en gran parte de los tangos cuentan historias de dandys, de malevitos, de otarios y de almas herrantes como en las historias que se relatan en"Cuando Volveràs" y la "obrerita" de "Cotorrita de la suerte".

Otros momentos inspirados son la colorida "Siga el Corso" (dos grandes momentos del conjunto de guitarras) con su gracioso y gesticulado estribillo y el hermoso vals/declaraciòn "Tu vieja Ventana".

Màs abajo compartimos "Mano a Mano" en video.

Lista de Temas:

1. Echaste Buena
2. Yo te bendigo
3. Malevito
4. Cuàndo Volveràs
5. Cotorrita de la suerte
6. Que Vachache
7. El Tabernero
8. La Cieguita
9. Siga el corso
10. La Cumparsita
11. Tu vieja ventana
12. Mano a mano
13. La gloria del àguila
14. Dandy
15. Pato
16. Mentira
17. Pan
18. Otario que andàs penando
19. El Rosal
20. Sueño querido
21. Sueño de juventud

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Genesis - The Lamb Lies Down On Broadway (1974)

2009-07-01T04:26:00.004+02:00

El Cordero de Genesis

Al momento de observar los rankings donde se destacan los discos más sobresalientes del pasado siglo XX, como el de la revista Rolling Stone o el Billboard, difícilmente se encuentre este álbum conceptual de la banda Genesis, hecho en 1974, entre acaloradas discusiones de sus integrantes. Aún así el disco “The Lamb Lies down on Broadway” (El cordero yace en Broadway) gozó del éxito en círculos de culto que décadas después obligó a los críticos a revalorar su contenido, tanto musical como poético.

El autor intelectual de los 23 temas fue Peter Gabriel, mientras que el resto de la banda, integrada también en ese momento por Mike Rutherford, Tony Banks, Phil Collins y Steve Hacket compuso la música sin siquiera conocer en líneas generales de qué trataba. Al reunirse el grupo para integrar música y poesía vieron que existía una sincronización adecuada y dieron lugar a ciertos temas de relleno que tenían la intencionalidad de completar el número 23 al que tanto anhelaba llegar Gabriel por su valor cabalístico. Entre ellos figuran “The Light dies down on Broadway” (La luz se apaga en Broadway) o “The Grand Parade of lifeless packaging” (El gran desfile de los paquetes sin vida), los cuales fueron escritos por Banks y Rutherford.

No tenemos en el caos de música y poesía espasmódica una línea general que nos lleve a concretar una interpretación “justa” o “adecuada” del disco. En el disco se rememora continuamente sobre las vivencias de un vagabundo puertorriqueño llamado RAEL, destinado a recorrer las calles de Nueva York en una búsqueda existencial y violenta que nunca parece culminar. Ahora, ¿qué es lo que hace de este disco una joya del siglo XX?.

Vayamos por partes: el disco doble encierra dentro de si una riqueza musical, ciertamente arriesgada, que deriva en varios géneros. A diferencia de otras obras, la música parece haber sido hecha en relación directa con los estados de ánimo del personaje y su perspectiva de lo que él ve, uno de los paradigmas que han caracterizado desde siempre al rock progresivo. “The Lamb…” comienza con la voz melodiosa del cantante presentando lo que parece ser un show, un panorama rutinario de Nueva York:

“And the lamb lies down…/on Broadway
early morning Manhattan
ocean winds blows on the land
the Movie Palace is now undone
the old man watchmen have had their fun…”

El sonido asciende melodiosamente para culminar en un descenso que introduce al siguiente tema, donde la confusión comienza a manifestarse en metáforas complejas para las cuales se atraviesan diversos recursos musicales: desde el empleo del jazz hasta la música propia de los carnavales.

El primer disco culmina en “The chamber of 32 doors” (La cámara de las 32 puertas), referencia al esquema sefirotico de la Kabbalah, y el segundo se inicia con Lilywhite Lilith (Lilith, blanca como los lirios) denotando la cercanía con la muerte. A diferencia del primer disco, el segundo se torna denso por momentos en función del contenido teatral que alcanzan algunas composiciones, recurso ya explotado por la banda desde el álbum “Nursery Crime” (Crimen de Enfermería).

Es a partir del tema “The Light dies down on Broadway” que uno asiste a la comprensión de lo que puede llegar a significar el desarrollo de RAEL a través del disco; y nada resulta más claro que lo emitido en la última estrofa del último tema (“It”):

“It is Real, it is Rael
´cause it is only knock and knowall
but i like it”

Donde se concluye que la ansiedad de RAEL es ser real y, el recorrido a través de la mención de personajes conocidos (como Howard Hughes o Groucho Marx) y decadentes (como la primera persona condenada a muerte en Estados Unidos), es una pantalla de la angustia existencial del protagonista y, a través del mismo, las ansiedades que se sufren en los tiempos contemporáneos. Asimismo, podemos observar en los actos delictivos de RAEL, referidos a violaciones –las imágenes en “Counting out time” son más que elocuentes- o vandalismo –basta remarcar el contenido de la canción “Back in NYC”- una metáfora de la búsqueda de identidad a través de medios ilícitos de los cuales nunca se esclarece si son reales o imaginarios, así como la búsqueda de Jhon.

Es éste entonces un disco construido a la manera de una suma cultural que engloba a partir de un personaje las angustias de nuestro tiempo y, una prueba de que los rankings se hacen muchas veces en base a premisas más comerciales que artísticas.

Reseña escrita por Cristian Ariel Mangini visiten sus blogs: Flash Foward y Fancinema

Lista de Temas:

Disco 1:

1. The Lamb Lies Down on Broadway (4:50)
2. Fly on a Windshield (4:23)
3. Broadway Melody of 1974 (0:33)
4. Cuckoo Cocoon (2:11)
5. In the Cage (8:15)
6. The Grand Parade of Lifeless Packaging (2:45)
7. Back in N.Y.C. (5:42)
8. Hairless Heart (2:13)
9. Counting Out Time (3:42)
10. The Carpet Crawlers (5:15)
11. The Chamber of 32 Doors (5:40)

Disco 2:

1. Lillywhite Lilith (2:42)
2. The Waiting Room (5:24)
3. Anyway (3:07)
4. The Supernatural Anaesthetist (2:59)
5. The Lamia (6:57)
6. Silent Sorrow in Empty Boats (3:07)
7. Colony of Slippermen (8:13)
a) The Arrival
b) A Visit to the Doktor
c) Raven
8. Ravine (2:04)
9. The Light Dies Down on Broadway (3:32)
10. Riding the Scree (3:57)
11. In the Rapids (2:26)
12. It. (4:15)

DISCO 1

DISCO 2

Mirà el show del 1 de agosto

2009-06-30T23:51:00.001+02:00

Berro D´agua (2005)

2009-06-16T00:08:00.009+02:00

Cuarteto de composiciones propias, utilizando diversos ritmos carecterísticos como milonga, chacarera, marcha camión, siempre reivindicando las melodías y buscando espacios para la improvisación.
El cuarteto grabò este material allà por el 2005, en los estudios EQ en la ciudad de Mar del Plata.
Nos gustarìa que participen con sus crìticas o mal comentarios...

Personal:

Federico Moyano: guitarra
Ignacio Santos: bajo
Daniel Alverola: saxo
Marcos Calvari: baterìa

Lista de Temas:

1. Milonga la oscuridad
2. Romàn
3. Siesteando
4. Tan cachivache
5. Leonela
6. Marabunta
7. Quincas

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Aquì les ofrecemos el video de "Marabunta" en vivo:

Jethro Tull - Too Old To Rock `N´ Roll: Too Young To Die! (1976)

2009-06-07T08:32:00.019+02:00

Una extraordinaria obra conceptual (como era de esperarse allà a mediados de los 70`s). Con claros mensajes sociològicos, al estilo de Ray Davis de The Kinks. La banda liderada por el flautista-guitarrista-showman Ian Anderson, nos cuenta la historia de Ray Lomas el ganador de un concurso, que segùn el era una noche en Ibiza. Lomas es un viejo rockero que lucha por tener la aceptaciòn de la sociedad.

De todos modos, cual fuese el asunto, el grupo nos ofrece como una acuarela las vivencias de dicho personaje a lo largo de diez canciones llenas de matices musicales, lìricos y escènicos que van desde la jocosidad y la alegría hasta la tristeza y la pesadumbre. Las letras, si tienen la oportunidad de examinarlas, estan regìdas por la ironìa, acompañadas por esa elocuencia tan peculiar para cantar de Ian. Algunos sostienen que èl es el maestro del llamado "Cinìsmo Filosòfico".

No es extraño entonces que pasemos por distintos clìmas y emociones, como los enèrgicos rocks "Taxi Grab" o "Big Deeper"(con excluyentes trabajos de el bajista John Glascock y el baterista Barriemore Barrlow), la orquestada "Too Old To Rock N Roll, Too Young to Die", hija legìtima de "Quizz Kid", o a las tan acostumbradas formas acùsticas y folk-celtas como "Salamander", "From a dead beat to an old greaser"(con excelentes arreglos orquestales a cargo del gran David Palmer) o "Bad-eyed and loveless".

Anderson o Lomas como quieran llamarlo, critìca fuertemente a las instituciones de "La estrella de Rock" en una pieza a medias acùstica llamada "Crazed Institution", donde se destaca su fuerte interpretaciòn de la guitarra española sin dejar pasar sus pinceladas en la flauta y las presencias de los punteos de Martin Barre en la guitarra elèctrica y el respaldo en los magnìficos teclados de John Evans. Cuenta con la hermosa voz de Angela Allen en coros.

"Salamander" otra buena muestra de la interpretaciòn de las cuerdas de Ian. Con un potente rasguido al mejor estilo INCREDIBLE STRING BAND. "Too Old to Rock and Roll, Too young to die", un himno de la banda, quizàs uno de los mejores temas junto a "Trick as Brick", "Aqualung" o "Living in the Past", con una introducciòn cumbre de Palmer quièn tambièn se encarga del saxo!!!. Maddy Prior cantante del grupo de folk-rock británico Steeleye Span se ocupa de la segunda voz.

Para terminar otra buena participaciòn del maestro David Palmer (o Dee Palmer como lo llaman ahora, tras su operaciòn de sexo) : "The chequered flag (dead or alive)" una pieza orquestada con finos arreglos a lo lejos de vibràfono, a punto de làgrima...

En resumen un disco que en sus temas màs rockeros o "escuchables" debemos rescatar su importante orquestaciòn.

Tambièn vamos a compartir de la presentaciòn del disco el 31 de julio de 1976 en Tampa, Hillsborough, Florida, estos dos videos: " Crazed Institution" y la desconocida "Wond'Ring Aloud" .

Lista de Temas:

1. Quizz Kid
2. Crazed Institution
3. Salamander
4. Taxi Grab
5. From A Dead Beat To An Old Greaser
6. Bad-Eyed and Loveless
7. Big Dipper
8. Too Old To Rock 'n' Roll: Too Young To Die
9. Pied Piper
10. The Chequered Flag (Dead or Alive)

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La Renga - Despedazado por mil partes (1996)

2009-06-03T05:19:00.009+02:00

Nunca me voy a olvidar la primera canciòn que amé de La Renga. Fuè un antes y un después, nunca más pude parar. Y a pesar de que sabìa que era una de las mejores banda de RNR del paìs, necesitaba que me enamoren y sentirlo por mi misma. "Veneno" era "la canciòn", de su cuarto CD, "Despedazado por mil partes" (1996), el primero que tuve, gracias a mi "renguero preferido" como yo le digo.

¿Y cómo escribir sobre UN SOLO CD?, Cómo elegir?? No puedo resumir 20 años de historia de esta banda en UN SOLO CD. Imposible. Cuando pienso en el porqué de su éxito lo que generan en miles de personas, lo que generan en mi, me doy cuenta que no es sólo música, es mucho más que eso. Es una filosofìa de vida, de amistad. De amistad por sobre todas las cosas. Porque si Tete, Tanque y Chizzo no fueran tan amigos, esta banda nunca podrìa ser lo que es.

Todos los rengueros sabemos que no se puede explicar lo que se siente, tenés que estar ahí. En un recital, ahì te llenàs de rock and roll pero sobre todo de ese sentido de la amistad y humildad. Porque eso no se puede disimular. Es un GRAN BANQUETE.

A lo largo de su discografìa se puede apreciar fácilmente el crecimiento de La Renga. Su primer producciòn independiente "Esquivando Charcos "(1991), ya con la incorporaciòn del saxofonìsta Gabriel Sánchez (chiflo). En 1993 y de nuevo de manera totalmente independiente sacaron el cd "A donde me lleva la vida". En 1994 llenan su primer Obras, mostrando la gran convocatoria que comenzaban a tener.

Deciden editar "Bailando en una pata" (1995) que contiene todas las versiones en vivo grabadas en el estadio Obras y "Despedazado por mil partes"(1996) con la producciòn artística de Ricardo Mollo (Divididos). Uno de los mejores cds de La Renga, creo que mi preferido, aunque no pueda elegir solo uno. Si alguien quisiera empezar a escuchar esta banda, yo le recomendarìa este àlbum. Lleno de rock n roll, fuerza, excelentes letras, y con por supuesto el himno y la canciòn con la que terminan todos sus recitales: "Hablando de la libertad". No solo eso sino tambièn prueban desgustar otros gèneros... como los casos de "Psilocybe Mexicana", la folclòrica "Paja Brava" o "El viento que todo lo empuja" sustentada por una base reggae. "Desnudo para siempre", "A la carga mi rocanrol", "El final es en donde partì", "Balada del diablo y de la muerte", la clásica balada de La Renga perfecta para la voz de Chizzo,"Cuando vendràn", "Psicocybe a la mexicana", "Lo fràgil de la locura", "Veneno" (letra que pertenece a La Negra), son buenas demostraciones del gran momento de inspiraciòn de la banda.

Este trabajo marcó un antes y un despuès en la banda. Tuvo una gran aceptaciòn por parte del pùblico renguero que crecìa cada vez más y más. Sin ceder a las presiones de la industria supieron mantener firmes sus convicciones y reglas, y con el boca en boca sumar un público fiel y leal que hizo de La Renga lo que para mi es hoy en dìa, la mejor banda de RnR del país. Comprobàndolo en cada uno de sus masivos recitales durante estos 20 años, el último el sàbado 30 en el estadio ùnico de La Plata. El cual fuè transmitido por varias emisoras comunitarias en todo el paìs.

Les ofrecemos la lista de temas del sàbado: "Almhoada de piedra", "Tripa y corazòn", "A tu lado", "El terco", "Montaña roja", "En el baldìo", "Moscas verdes para el charlatàn", "Canivalìsmo galàctico" (tema nuevo), "Estalla", "El Cielo del desengaño", "Cuando estès acà", "El rastro de la conciencia", "La boca del lobo", "Desnudo para siempre o despedazado por mil partes", "Al que sangrado", "En el ojo del huracán", "Cuando vendràn", "Ruta 40", "El viento que todo empuja", "El rey de la triste felicidad", "La razòn que te demora", "Detonador de sueños", "Panic Show", "El Revelde", "Oscuro Diamante", "El final es en donde partì", "Hablando de la libertad".

Reseña escrita por Yannn, nuestra nueva colaboradora.

Lista de Temas:

1. Desnudo para siempre (o Despedazado por mil partes)
2. A la carga mi rocanrol
3. El final es en donde partí
4. Balada del diablo y la muerte
5. Cuándo vendrán
6. Psilocybe mexicana
7. Paja brava
8. Lo frágil de la locura
9. Veneno
10. El viento que todo lo empuja
11. Hablando de la libertad

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Bob Dylan - Blonde on Blonde (1966)

2009-05-24T05:43:00.009+02:00

HAPPY BIRTHDAY UNCLE BOB!!!

Discazo de Dylan, uno de mis preferidos. Es considerado uno de los mejores discos de la historia y además fue el primer LP doble del rock (no me digan nada del Freak Out! de Frank Zappa, Blonde On Blonde es de mayo del '66 y Freak Out! es de junio del '66). Según describió el propio Bob, el sonido del álbum es una especie de thin, wild mercury sound.

Blonde On Blonde establece el paso definitivo de Dylan hacia un sonido eléctrico, sin dudas mucho más enérgico y potente que el de sus inicios en el folk. Igualmente, cabe destacar que en sus trabajos anteriores (Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited, ya se había electrificado, pero no del todo, ya que había bastante de ese sonido folk). Luego de su extenuante, fantástica y delirante gira mundial sufriría un accidente en moto. Quizá fue un "mensaje" de la vida para ponerle un stop, ya que su regreso a los estudios sería con un disco sumamente tranquilo y de country: John Wesley Harding.

La razón que llevó a Dylan a mentalizarse en cambiar su sonido fue la versión que hicieron Los Byrds del tema Mr. Tambourine Man. Al escucharlo, Bob se quedó perplejo, y decidió transformar su sonido. Para ello tomó a su cargo a The Hawks, una banda tremenda, que luego se covertiría en The Band (bautizada así por el propio Dylan, fue la "banda por excelencia" durante mucho tiempo en los Estados Unidos, y sonaban como la puta madre).

Este cambio trajo el descontento de los seguidores folkies, que estaban acostumbrados a otra cosa. En ese momento decían que Dylan se había vendido/comercializado, que ésta música no era propia de él, que las letras ya no tenían el mismo mensaje. Hasta un periodista llegó a preguntarle: —¿Por qué no hacés más canciones de protesta? Bob respondió: —Todas mis canciones son de protesta.

En cuanto a los significados e inspiraciones, es conocido que mucho tuvieron que ver algunas relaciones que tenía Dylan por ese entonces con ciertas mujeres, a saber: Sara Lownds (quien sería su futura esposa), Edie Sedgwick (una modelo de Warhol) y la conocida música Joan Baez. Yo opino que ésto es bastante cierto. Más allá de las interpretaciones de las letras, se nota que la atmósfera del disco está plagada de enamoramiento.

Se cree que el título del álbum (Rubio Sobre Rubio, en castellano) se debe a la fascinación que tenía Dylan por la pareja que hacían Brian Jones y Anita Pallemberg. También dicen algunos que en el tema I Want You el dancing child que tiene el time on his side sería Brian...

Una anécdota interesante cuenta que Dylan emborrachó a los músicos en la grabación del tema Rainy Day Woman #12 & 35 para que tocaran más sueltos.

Sin dudas es un disco con gran letrística, con una poética mucho más surreal y personal que se combina con estilos como blues, rock, algo de pop y el espíritu folk que siempre está presente (tampoco quería olvidarme de mencionar ese genial órgano Hammond, que es típico de Blonde On Blonde). Además la voz de Bob es sumamente expresiva (costumbre), elaborando una infinidad de tonos que nos llegan al alma (algo así escribió Pettinato en una nota de la revista La Mano).

Para terminar quería dejar una frase que me gustó mucho: Los americanos dicen "Blonde On Blonde" es más grande que la vida.

Reseña escrita por Makelelejuas

Pueden seguir leyendo de el en Inclasificable

Lista de Temas:

01. Rainy Day Women #12 & 35
02. Pledging My Time
03. Visions Of Johanna
04. One Of Us Must Know (Sooner Or Later)
05. I Want You
06. Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again
07. Leopard-Skin Pill-Box Hat
08. Just Like A Woman
09. Most Likely You'll Go Your Way (And I'll Go Mine)
10. Temporary Like Achilles
11. Absolutely Sweet Marie
12. 4th Time Around
13. Obviously 5 Believers
14. Sad Eyed Lady Of The Lowlands

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Màs de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1981 - Shot of Love

Renaissance - Ashes are Burning (1973)

2009-05-15T17:09:00.007+02:00

Formada, en parte por integrantes de la legendaria banda The Yardbirds, Renaissance fuè una de las bandas màs representativas del rock sinfònico-progresivo inglès clàsico.

Su cuarto Lp "Ashes are burning", los encuentra en un gran momento. Agradece una excelente orquestaciòn y esencialmente predominan los sonidos de teclado , no de los sinths y demàs, sino de piano.

Abre con la majestuosa "Can You Understand?" con una potente intro instrumental. Este tema contiene un pasaje de la mùsica del film"Doctor Zhivago" compuesta por Maurice Jarre. La bellìsma "Let it Grow", es quizàs el tema más representativo de la banda. Aquì podemos apreciar todo el color de la hermosa voz de Annie Haslam.

Otro gran momento es "Carpet of The sun" un tema que demuestra la buena interacciòn de las guitarras acùsticas con la orquesta. El disco cierra con la mini suite "Ashes Are Burning", un tema lleno de tensiòn y de climas. Tiene en su coda el ùnico solo de guitarra elèctrica del disco a cargo de Andy Powell.

Personal:

Jon Camp: bajo, voces
Annie Haslam: voz
Terrence Sullivan: baterìa, percusiòn, coros
John Tout: teclados, coros
Michael Dunford: guitarra acùstica
Andy Powell: guitarra elèctrica en tema 6

Lista de Temas:

1. Can you understand
2. Let it Grow
3. On the frontier
4. Carpet of the sun
5. At the harbour
6. Ashes are burning

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28 ° Aniversario de la muerte de Bob Marley

2009-05-11T22:44:00.007+02:00

El Padre del Reggae, Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe,era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado.Tràs mudarse a la capital (kingston), Bob conoce a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters.Los dos tomaron clases de canto con un vocalista llamado Joe Higgs. Es durante estas clases donde conocen a Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). Así se formaron los cimientos de "The Wailers", llamados en principio como "Wailin Wailers". Siendo del agrado del productor Clement Dodd, en 1963 logran acceder a la grabación de su primer single "Summer Down".

A partir de 1966, comienza a desarrollarse su carrera y su identidad músical, influenciada por las creencias y características del movimiento rastafari,impulsado por Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía. Es aquí que Bob decide formar "The Wailers" junto a Peter y Bunny.Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul".El sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. Luego se estas decepciones Los Wailers conocerian alguien que revolucionaria su carrera: Lee Perry con quien registrarian "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae.En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers.

En 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway" sin conseguir el éxito especulado. En un acto desesperado Bob visita los estudios Island Records, para hablar con Chris Blackwell. De esta manera, consiguirían grabar su prmier Lp "Catch a Fire". Tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. En los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento. En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton.
Luego vendrían grandes placas como "Natty Dread" (1974) y "Rastaman Vibrations" (1976) (ya sin Bunny y Peter) conteniendo grandes temas como: "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Rebel Music","Crazy Baldhead" y "Johnny Was".En noviembre Marley y los Wailers participarían de un concierto benéfico organizado por Stevie Wonder, en Jamaica.

Luego de la gira consagratoria europea, Bob dió dos conciertos en el Madison Square Garden de NY, luego caería gravemete enfermo. Murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981.Homenajeamos a esta leyenda universal, que influenció con su mensaje y su música a todo el mundo, con un video y más abajo con uno de sus grandes discos: "Kaya" de 1978.

Bob Marley & The Wailers - Kaya (1978)

Lista de temas:

1. Easy Skanking
2. Kaya
3. Is This Love
4. Sun is Shining
5. Satisfy my Soul
6. She´s Gone
7. Misty Morning
8. Crisis
9. Runing Away
10. Time Will Tell

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Willie Colòn - El Malo (1966)

2009-05-08T18:05:00.006+02:00

El debut discogràfico del dùo de la salsa brava, osea el trombonista Willie Colòn y "la Voz" Hèctor LaVoe.

Un disco magistral en su gènero. Su estilo desafiante y callejero encierra un puñado de canciones con arreglos ambiciosos y letras creativas que hablan de la marginalidad, alaban a la tierra natal ("Borinquen") y algunos toques de humor àcido ("El Malo" y "Chonqui") . Cabe destacar que fuè grabado en plena explosiòn de la salsa neoyorquina, Willie con tan solo 16 años y Hèctor con 18.

El trabajo abre un abanico de diferentes sonidos salseros, donde se destacan el Guaguanco, el Boogaloo, el Mozanco y el Shing-A-Ling. Los arreglos son oportunos y contundentes, con solos de trombones impecables y la inconfundible y fortìsima voz de Hèctor le dà un swing ùnico. Se destacan los boogaloos "Willie Baby" y "Skinny Papa" con coros a lo beatle y el Shing-A-Ling "Willie Whopper" con teclados que recuerda mucho al sonido de los Doors.

Lista de Temas:

1. Jazzy (Mambo-Jazz)
2. Willie Baby (Boogaloo)
3. Borinquen (Guaguanco)
4. Willie Whopper (Shing-A-Ling)
5. El Malo (Bomba-Guaguanco)
6. Skinny Papa (Boogaloo)
7. Chonqui (Son Montuno)
8. Quimbombo (Mozanco)

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Alfredo Zitarrosa - Melodìa Larga (1984)

2009-05-06T22:22:00.004+02:00

Otra buena muestra de el gran talento y de el sentido de lucha de este cantor, compositor, guitarrista, locutor y hasta actor Uruguayo: "Melodìa Larga", antecesor de "GUITARRA NEGRA".

El trabajo, en gran parte compuesto por milongas y utiliza un conjunto de guitarras y guitarrón e instrumentos utilizados para el jazz. Comienza con "Melodía Larga", un hermoso tema instrumental con finos arreglos de vientos y un interesante diálogo entre los conjuntos de guitarra y guitarrón y el piano.

Contiene sus conocidas milongas como "Crece desde el pié" y "Baila la maga" o bien las de amorío "María serena mía" y "Amor en entredicho". Zitarrosa demuestra su interès por Ludwig van Beethoven y describe la desdichada vida del padre universal de la mùsica en "Milonga por Beethoven".

Otros dos grandes momentos son su versiòn de "Esta Canciòn" de Silvio Rodriguez y la sorprendente pop "El diccionario" que nos habla de las divisiones del lenguaje y propone el sueño de un lenguaje interplanetario.

Lista de Temas:

1. Melodìa Larga (Alfredo Zitarrosa)
2. Crece desde el piè (Alfredo Zitarrosa)
3. Marìa serena mìa (Alfredo Zitarrosa)
4. Esta canciòn (Silvio Rodrìguez)
5. El corazòn de mi pueblo (Mario Carrero)
6. El Diccionario (Marcos Velàsquez)
7. Baila la Maga (Alfredo Zitarrosa)
8. Amor en entredicho (Alfredo Zitarrosa)
9. Milonga por Beethoven (Alfredo Zitarrosa)
10. Mi pecho tiene un rincòn (Mario Carrero)
11. Milonga de pelo largo (Gastòn Ciarlo "Dino")

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La Guitarra Glam de Mick Ronson

2009-04-29T22:58:00.005+02:00

Quizàs su època mas recordada fuè cuando intergraba la famosa banda de David Bowie "The Spiders From Mars". Este guitarrista nacido en Yorkshire, Inglaterra, fuè uno de los pioneros en su gènero el Glam Rock o de su derivado: el Glitter Rock, al igual que Marc Bolan de T.Rex, Brian Ferry y Brian Eno de Roxy Music o el mismísimo Gary Glitter.

Mick Ronson desde niño aprendiò a tocar el violin, el piano y el armonio, pero decidió cambiarse a la guitarra cuando lo maravilló el sonido de el guitarrista norteamericano Duane Eddy y de los Yardbirds. Luego de pasar por bandas como "The Mariners" y "The Crestas", daría su primer gran paso, entrando en estudio con una nueva banda "The Rats" en 1967.

A partir de la enriquecedora experiencia de ponerle guitarras a el tema "Madman Across the Water" del disco "Tumbleweed Connection" de Elton John, sería reclutado para las arcas de David Bowie. Juntos grabarían los discos The Man Who Sold The World (1971), Hunky Dory (1971) (Rick Wakeman en teclados), The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), Aladdin Sane (1973), Pin-Ups (1973) y Black Tie, White Noise (solo en la canción "I Feel Free") (1993). Esa época con "The Spiders..." se caracterizaba en tener gran puesta de escena, donde estas dos personalidades (la de cantante estrella y guitarrista heróico), congeniaban a la perfección. Unos de sus actos mas memorables era cuando Bowie simulaba la fellatio a la guitarra de Mick mientras este tocaba.

Tras abandonar a Bowie comenzaría su carrera en solitario con tres discos, también tendría un paso fugaz por otra banda de ese estilo: "Mott the Hoople".Más tarde sería músico colaborador y productor de Morrisey, The Wildhearts, Elton John, entre otros tantos. También forma parte del tour de Bob Dylan "Rolling Thunder Revue".

En el aniversario de su muerte lo homenajeamos con dos videos de la época de las Spiders:

Todd Rundgren - Something / Anything? (1972)

2009-04-23T04:00:00.009+02:00

Buen cantante, excelente compositor, gran pianista, interesatìsimo ingeniero y productor... todo esto y ademàs hace maravillas en la guitarra... Que màs le podemos pedir a Todd Rundgren?? Menos cuando descubrimos uno de sus mejores trabajos de los 70`s , nos referimos a una de sus tantas obras maestras: Something/Anything?

Todd es un mùsico norteamericano que se caracterizò (y se caracteriza) en ser un incansable experimentador de las diferentes tècnicas de grabaciòn de intrumentos. Siempre tubo al alcance de sus manos toda la tecnologìa de punta para tales fines. Ademàs es un gran mùsico bien rockero, de esos que aportan discos inteligentes. Compuso, entre otras cosas, el tema Influencia (Ifluenza) que luego grabarìa Charly Garcìa en el disco homònimo.

Desde sus inicios con la banda Nazz, demostrò una inteligencia e intensidad creativa admirables, tanto como solista como tambièn con su proyecto paralelo: la banda Utopia.

En este trabajo Todd abre un abanico de mùltiples sonidos que recorren diferentes estilos rockeros. Todo esto dividido en cuatro partes, en las primeras tres toca todos los instrumentos. Descubrimos sus grandes compocisiones como "I saw the light" (con pizcas de la naturalidad de la bossa-nova), la genial melodìa a lo S. Wonder de "One More day (no word)" el salvajismo de "Little red Lights" y de "Black Marìa", la inspiradìsima y creciente "Torch Song" o la nueva versiòn de la gigantezca "Hello it`s me" ya grabada en los tiempos de Nazz.

Todd crìtica a los discos mal grabados y nos muestra los diferentes sonidos que utiliza en estudio (en la parte "Sounds of The Studio"). Esta afinidad de tomar terrtorio en la consola lo coloca a la altura de sujetos como Phil Spector o Brian Wilson (Beach Boys) quienes tomaron el estudio de grabaciòn como un instrumento màs.

La cuarta parte es la parte ejecutada con banda. Comienza presentando sus raìces o influencias musicales. Se pasea por lindas baladas como "Dust in the Wind" o bien rockean en temas como "Some folks is even wither than me".

Lista de Temas:

Disco 1:

1. I Saw the Light
2. It Wouldn't Have Made Any Difference
3. Wolfman Jack
4. Cold Morning Light
5. It Takes Two to Tango (This Is for the Girls)
6. Sweeter Memories
7. Intro
8. Breathless
9. The Night the Carousel Burned Down
10.Saving Grace
11.Marlene
12.Song of the Viking
13.I Went to the Mirror

Disco 2:

1. Black Maria
2. One More Day (No Word)
3. Couldn't I Just Tell You
4. Torch Song
5. Little Red Lights
6. Overture—My Roots: Money (That's What I Want) / Messin' with the Kid
7. Dust in the Wind
8. Piss Aaron
9. Hello It's Me
10.Some Folks Is Even Whiter Than Me
11.You Left Me Sore
12.Slut

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Black Maria

Trìo de Cuerdas

2009-04-14T05:50:00.008+02:00

Y como lo prometido es deuda, con ustedes una selecciòn de temas del Trìo de Cuerdas amigo de La Guitarra en La Ventana. El conjunto se especializa bàsicamente en ejecutar tango no convencional, pero tambièn goza de ese gustito a lo "inclasificable".

Tenemos cierto aire alegre en "Como me duele..." llevàndose bien de la mano al tìpico rìtmo de de dos por cuatro. La introducciòn y el final del contrabajo le brinda su lado jazzero. La inevitable melàncolia del gènero se ve reflejada en "Dame un empujòn che..." donde el roles de la guitarra y del violìn son determinantes.

Este Trìo grabò este material durante el 2008 en la ciudad de Mar del Plata. Està conformado por Tamara Kramer en contrabajo, Leonor Sulpicio en violìn y Federico Moyano en guitarra. Los temas son todos instrumentales, salvo en el "Vals" que lo ofrecemos en su versiòn con letra.

Lista de Temas:

1. Como me duele el corazòn con vino
2. Dame un empujòn che, no seas agreta!!
3. Vals
4. Vals (instrumental)

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Lamentablemente (màs que nada gracias a los PUTOS!! de Rapidshare) el link no funciona. Si quieres oir los temas de "Trìo de Cuerdas" envià un e-mail a: elcorreodefede@hotmail.com

Invitación a la presentación en Casa de Madera

2009-04-08T23:08:00.005+02:00

Los invitamos a la nueva presentación de "La Guitarra en La Ventana" en Casa de Madera ubicada en Rawson 2250, en la ciudad de Mar del Plata. La cita será este sábado 11 de abril a las 20 hs. Contará con nuestro repertorio habitual mas nuevas composiciones, en las voces y guitarras de Matias Martínez y Gonzalo Luna. El sistema será a la gorra.

Más información del lugar aquí: CASA DE MADERA

Los esperamos!!!!!!!!!!!

Tributo a Kurt Cobain

2009-04-06T17:12:00.007+02:00

Ayer (5 de abril) se cumplían 15 años de la muerte de Kurt Cobain, líder espiritual de la banda Nirvana, guitarrista y cantante, pionero en sus géneros: el rock alternativo y el grunge.

Kurt Donald Cobain nace el 20 de febrero de 1967 en la localidad de Aberdeen, en Washington. Durante su niñez sufrió muchos problemas familiares que desembocaron en la separación de sus padres, cuando Kurt tenía 7 años.
A los 14 su tío le regala su primer guitarra, desde ese momento comienza su romance con la música, convirtiendo ese amor en una herramienta para expresar su complicada personalidad.

Una de las primeras dificultades que tubo era el hecho de no encontrar alguien con quien tocar, ninguno de sus amigos tenía un talento particular. Hasta que conoce a Krist Novoselic. Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le prestó una copia de un demo casero de una de las primeras bandas que formó: Fecal Matter (materia fecal). Después de meses de pensarlo, Novoselic aceptó unirse a Cobain, lo cual sentó las bases de Nirvana.

El baterísta Chad Channing se unió a la banda, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989. Para el álbum Nevermind de 1991 ya contaban con el baterista estable, Dave Grohl. Ese disco les dió un considerable éxito y es un trabajo ícono de la banda y del género. El álbum alteró radicalmente el panorama musical, cambiando la atención del publico del "hair metal"de los 80 al movimiento grunge. Su single "Smells like teen spirit" es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo. Encontramos también otras gemas como "Come as you are" o "Lithium".

Cobain tuvo problemas para adaptarse al éxito masivo que le dió Nevermind, se sentía perseguido por los medios y tuvo resentimiento con personas que decían ser fanáticos de la banda, pero que no entendieron el mensaje de ésta. En septiembre de 1993 sacan su tercer y último trabajo de estudio: In Utero. Contuvo éxitos como "Heart-Shaped Box", "All Apologies" o "Rape Me", pero también demostró el lado más "corrosivo" y "experimental" de la banda, con canciones como "Scentless Apprentice" o "Milk It", manteniendo intacta su credibilidad punk.

En la guitarra de Kurt predominaba el alto grado de distorsión. Muchos de sus temas estaban plagados de riffs donde utilizaba la técnica conocida como "power chords", lo podemos vislumbrar en "Smells like teen spirit". Se nota la influencia de guitarristas como Jimmy Page o Tony Iommi de Black Sabbath, por nombrar solo dos de entre tantos. Pese a las distorciones y demás caracteristicas del género, también supo deleitarnos con un excelente concierto acústico, aquel que brindó Nirvana allá por el año 1993, MTV Unplugged. Para dicho concierto se unió a Pat Smear de la legendaria banda californiana The Germs. Kurt también invitó al ecsenario a los líderes de la banda Meat Puppets, los hermanos Curt y Cris Kirkwood. Allí sonaron temas propios y algunos covers de The Vaselines, David Bowie y de los mismos Meat Puppets.

Luego de un recital en Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol.
El 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto en un cuarto ubicado encima del garaje en su casa en los alrededores del Lago Washington por el empleado de Veca Electric Gary Smith. Smith llegó a la casa esa mañana para instalar un sistema eléctrico de seguridad y vio el cadáver pensando que era una muñeca. Con la excepción de una pequeña cantidad de sangre saliendo del oído de Cobain, Smith reportó que no había notado signos visibles de trauma, e inicialmente creyó que estaba dormido. Smith encontró lo que parecía ser una nota de suicidio con una esfera en un pequeño jarrón de flores. Una escopeta, que Cobain consiguió con la ayuda de Dylan Carlson, se encontró al lado del cuerpo. Una autopsia concluyó que la muerte de Cobain fue el resultado de una "herida por bala auto-inflingida en la cabeza". El reporte estima que Cobain murió el 5 de abril.
Además de la nota de suicidio oficial (de la que Tom Grant asegura que Courtney Love escribió las últimas frases de despedida), hay una que por desconocidas razones Love no quiso revelar y quemó antes de que nadie pudiese leerla. Aunque en internet circula una nota que supuestamente fue escrita por Cobain y que sería la que leyó Love.
El cadáver de Cobain fue quemado, y un tercio de sus cenizas se esparcieron en un templo de Budismo Tibetano en Ithaca (New York).

Unos videos para recordarlo:

Carlos Gardel - Amores Difíciles (Su Obra Integral Vol. II)

2009-04-03T21:19:00.009+02:00

Hacièndole la contra a un viejo amigo que preguntaba: ¿no hace calor para escuchar tango? (jajajaja). Pese al calor y todo, entonces, vamos con la segunda entrega de la Obra integral del zorzal criollo, el volumen II: "Amores Difìciles".

Como bien reza el tìtulo, el tòpico que atraviesa este volumen està repartido en estas canciones llenas de melàncolìa, odio, desengaños y rencores: con una de las más impresionantes melodías que nos dió el tango: "Rencor". Gardel se atreve a hablar de temas escabrosos para la època, por ejemplo la infidelidad. Hay temas que hablan de la convivencia de la pareja (Tenemos que abrirnos) y la infidelidad con amigos incluidos como en "Noche de reyes" y "Que se vayan".

Carlitos desmenuza, en la mayoría de los temas, aventuras y desventuras amorosas. Algunas con tragedias incluídas, como los hechos relatados en "Amigazo", "Dicen que Dicen", "Noche de Reyes" y en "Anoche a las 2". Otro tanto tenemos en la confesión que le hace al comisario del tango "A la luz del Candil": "...las pruebas de la infamia las traigo en la maleta: las trenzas de mi china y el corazón de él..."

Pero no todo es asesinato por traición y celos. También tenemos todo el color que nos brinda "La Mariposa" con un piano y unos violines inolvidables. O burlas, es el caso de "Tierrita" que dice:"...parece que te ha dentrao el berretín de ser artista...", "Desde que en el teatro oíste cantar un tango a la actriz te ha entrado mucha tierrita no comes y no dormís y tenés tan bien metido el berretín de cantar, que pegás cada berrido que hace mi ave trasnochar, ¿quién te habrá engrupido que sos buena moza y que sabés cantar?.Y al ver como has cambiado pienso con mucha extrañeza si tenés en la cabeza aserrín o pan rallao..."

Lista de Temas:

01 Amurado
02 Que se vayan
03 Pa'l cambalache
04 Victoria
05 Te odio
06 Rencor
07 Tenemos que abrirnos
08 Secreto
09 Recuerdo malevo
10 Te aconsejo que me olvides
11 Tus besos fueron míos
12 Cobardía
13 Tierrita
14 Sentimiento gaucho
15 Amigazo
16 Anoche a las dos
17 Noche de reyes
18 A la luz del candil
19 Dicen que dicen
20 La Mariposa

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La Guitarra en La Ventana en Mendieta

2009-03-16T16:13:00.009+01:00

Nueva presentación de La Guitarra En La Ventana, esta vez en Mendieta, 14 de Julio 1775 (y Rivadavia), en la ciudad de Mar del Plata. Será el 19 de marzo a las 21:30 hs. Contará con nuestro repertorio habitual más nuevas composiciones. Los esperamos!!!!

NOTA: La fecha del domingo 29 de marzo se canceló.

Y no se olviden de bajarse nuestro material...

Lista de temas:

1. Alma Sádica
2. Resumen "H"
3. Estación Siestecita
4. Estación Pronto Destino
5. Aguardando
6. Tránsito
7. Presentimiento
8. Az De Luz
9. Sueño 1°
10. Paisano
11. Al Latir
12. Marroquí
13. Camina
14. Plenilunio

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Joni Mitchell - Hejira (1976)

2009-03-11T20:26:00.006+01:00

No, si no es un tremendo discazo... De esos que uno no se cansa de escuchar. Ya bastante entrados los 70s, la Mitchell empieza a hacer coquetear su estilo folk predominante desde sus inicios, con el jazz. Para esto reclutò a una serie de "amiguitos" mùsicos, a saber: el gran Jaco Pastorius, Neil Young, el guitarrista Larry Carlton entre muchos màs.

El disco goza de una suavidad ùnica, con cierta complejidad propia del jazz y un fluir muy peculiar entre tema y tema. Mitchell le dà especial importancia a sus letras, creàndoles àmbientes, de ahì a que muchas de ellas tengan largos relatos calzando perfectamente con el clima mùsical (Amelia, Song for Sharon).

En los temas donde aparece Jaco, se lo nota muy inspirado, haciendo gala de sus inconfundibles recursos con el bajo fretless. Realmente es sublime e inòlvidable su tarea en "Coyote", donde no debemos tampoco no darle crèdito a la percusiòn a cargo de Bobbye Hall y ella en guitarra rìtmica no se queda atràs.

La guitarra de Carlton en la melancólica "Amelia", (la historia de una piloto de avion, que muere atravesando el Pácifico) es una de las mejores tajadas del disco. Colorea y crea capas y ambientes (justamente) dándonos la impresiòn de que a medida que pasa el tema estubiera a punto de estrellarse. Su amigo Neil Young pone la armónica en "Furry Sings the Blues", que cuenta un suceso ocurrido entre Joni y el guitarrista y cantante de blues Furry Lewis en Nueva Orleans.

Luego la compleja "Hejira", con Joni aportando toda la candidez de su voz, Jaco demostrando todo su virtuosismo y un bello clarinete a cargo de Abe Most. No solo el bajo de Pastorius se destaca, también la participación de Max Bennett en uno de los mejores tracks del disco: "Song for Sharon". Tema en que Mitchell nos demuestra ser una excelente compositora y vocalista: ella canta en todos los coros del tema.

Jaco se vuelve a lucir en dos temas más: "Refuge of the Roads" y "Black Crow", siendo este último el que más sobresale, acompañado por Carlton regalan una instrumentación única.

Sus trabajos con Jaco Pastorius que son este, "Don Juan's Reckless Daughter" de 1977 y "Mingus" de 1978 (también junto al contrabajista Charles Mingus), la acercaron a excelentes músicos como el guitarrista Pat Metheny, el saxo tenor Michael Brecker, el baterísta y percusionista Don Alias y el pianista y tecladista Lyle Mays. Junto a ellos registró el recital denominado "Shadows and Lights" en septiembre de 1980. De ese recital vamos a ver, más abajo, el tema que abre este disco: "Coyote".

Personal:

Joni Mitchell: Voz, guitarra rítmica y eléctrica
Jaco Pastorius: bajo en tracks 1, 5, 7, 9
Max Bennett: bajo en tracks 3, 6
Larry Carlton: guitarra principal en tracks 2, 4, 7; guitarra acústica en track 8
Bobbye Hall: percusión en tracks 1, 4, 5
Victon Feldman: vibráfono en track 2
Neil Young: armonica en track 3
John Guerrin: batería
Abe Most: clarinete en track 5
Chuck Domanico: bajo en track 8
Chuck Findley: trompa en track 9
Tom Scott: trompa en track 9

Lista de Temas:

1. Coyote
2. Amelia
3. Furry Sings the Blues
4. A Strange Boy
5. Hejira
6. Song for Sharon
7. Black Crow
8. Blue Motel Room
9. Refuge of the Roads

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Coyote

Homenaje al Carpo

2009-02-25T03:06:00.013+01:00

¡Por Siempre Vive! Tu Mùsica Nos Llena El Alma, Y Con Vos Iremos Juntos A La Par, Escuchando Un Viejo Blues! Pappo Por Siempre!!!!

Norberto Anìbal Napolitano, naciò el 10 de marzo de 1950, en La Paternal, Ciudad de Buenos Aires. De niño aprendiò folklore en la escuela y demostrò allì su gran interès por la guitarra. Pero su gusto por esa mùsica se terminò cuando escuchò en la radio por primera vez a Little Richard, gracias a eso se comprò su primer elèctrica con su equipo y cantaba sus temas.

Su primer banda fuè una banda de barrio llamada "Los Buitres" y poco despuès "Engranaje".

Ya entrado los años sesentas (màs precisamente el año 67) Norberto, ya conocido como Pappo, era un conocido habituè de La Cueva 2. Es alli donde conoce a Miguel Abuelo, quièn lo recluta para el primer "Los Abuelos de La Nada", dejando en el recuerdo temas como "Tema en flù sobre el planeta" , "Diana Divaga" y uno con su voz y sin estar ya en la formaciòn: "La Estaciòn". Tambièn por esos años Pappo es convocado por Manal para ser miembro permanente durante toda una temporada. El Carpo ya pasaba a ser el guitarrista más pedido. En los años siguientes, paso por la banda de covers "Conexiòn N 5" y grabarìa el bajo de el tema "El Oso" en ese gran disco de Moris "30 Minutos de Vida".

El primer gran salto de calidad lo darìa al ingresar a "Los Gatos", banda madre del rock argentino, aportàndole su alta dosis de rock and roll y blues. Junto a Los Gatos, Pappo graba los discos "Beat N 1" y "Rock de La Mujer Perdida" y tambièn los acompaña de gira por España.

Luego empieza su camino a la gloria dándole vida a las legendarias formaciones "Pappo´s Blues".

Decimos "las" legendarias formaciones por que el Carpo disco tras disco, supo rodearse de diferentes formaciones. En sus filas pasaron: David Lebòn, Black Amaya, Carlos Piñata, Machi Rufino, Héctor "Pomo" Lorenzo, Isa Portugheis y Alejandro Medina, entre otros.

Es bueno recordar que durante la grabaciòn de "Volumen 1", Pappo se vè acosado por la prensa y viaja a Inglaterra y conoce a John Bonham de Led Zeppelin y a Lemmy de Motorhead.

Paralelamente a su trabajo , se dà el lujo de poner guitarras y de componer en la banda de Billy Bond "La Pesada" y aporta dos temas ("Castillo de Piedra y Era de Tontos") en el primer disco solista de Spinetta: "Spinettalandia y sus Amigos".

1973 es un año clave para Pappo´s Blues , ya que es el año de el nacimiento de uno de los mejores discos del rock argentino "Volumen 3". Allì encontramos grandes hitos como el himno "Sucio y Desprolijo", "Sandwiches de Miga" o la impresionante "Stratocaster Boogie", donde algunas "malas lenguas" decian que el Carpo habìa hecho acelerar las pistas en las partes de guitarras, ya que nadie podìa creer que toque de semejante forma.

En 1976 el negro Medina lo invita a Brasil para formar la efímera "Aeroblus" con Rolando Castello Junior. Junto a Medina también registró el "Volumen 7" de Pappo´s Blues en 1978.

Terminado Aeroblus viaja a España y vuelta a Inglaterra y luego a Alemania. En Inglaterra se dió el gusto de tocar con la banda de Peter Green haciendo una gira de 6 meses.

Al volver de Europa Pappo´s Blues hizo algunas presentaciones pendientes, con Vitico y Carlos Cohen en su formación. Es entonces donde surge la idea de hacer una banda de rock diferente. Pero a Cohen no lo ven como el baterista indicado, entonces deciden integrar a Michel Peyronel y a Héctor "Boff" Serafine en guitarra rítmica. El Viernes 14 de Noviembre de 1980, en el teatro Sala Uno, se hace el show "Adios Pappo's Blues, Bienvenido Riff". En 1981, bajo el sello Tonodisc salió el primer LP del grupo, "Ruedas de metal". Algunos temas para destacar son "Ruedas de metal", "No detenga su motor" y "Necesitamos más acción", de los que se hicieron los primeros videoclips de la Argentina. En Septiembre de 1982, anticipando su tercer disco, Riff se presenta nuevamente en Obras, y esta vez, a diferencia de las veces anteriores, aparece la violencia. Esta violencia se desarrolló, en gran parte, por la situación que atravesaba el país, la dictadura, la guerra de Malvinas. Sin embargo el éxito de Riff logró un puñado de inolvidables presentaciones en vivo, como la de B.A. Rock de 1982 con una impresionante versión de el tema "La Pantalla del Mundo Nuevo". En los años siguientes la banda saca otros tantos discos y sufre cambios en su formación, por ejemplo pasan por su formación Oscar Moro, JAF, Jota Morelli.

En 1987, Pappo viaja a Estados Unidos y forma la banda "Widow Maker".

A principios de los 90 Riff vuelve haciendo una gran presentación en Obras y paralelamente vuelve Pappo´s Blues. Con Riff saca el gran disco "Zona de Nadie".

En 1992 se dispone a grabar "Blues Local", con joyas como "Pequeña ala", de Jimi Hendrix, tocada espectacularmente por el Carpo, o "Una casa con 10 pinos", aquel clásico de Manal, o "Nacido bajo un signo malo", otro cover en el que Pappo toca el Hammond. En el disco aparece la mítica canción "Mi vieja", compuesta por Sebastián Borensztein para ser tocada en un sketch en el programa "Tato de América", que él dirigía. El disco se convierte en doble platino.

B.B. King llega a la Argentina. Pappo's Blues es el telonero y al final del show B.B. King invita a Pappo para que suba a tocar.

En 1993 viaja a Estados Unidos y forma una auténtica banda de blues que integra a Deacon Jones en Hammond (ex tecladista de Freddie King), Ron Maldonado en bajo, Ken Bowie en armónica y Michael Parker en batería. Se presentan en Pappy's, Glendale. Ese mismo año B.B. King toca con su banda en el Madison Square Garden de Nueva York. Entre los músicos se encuentra el desconocido "Pappo". En aquel concierto tocaron también músicos como Buddy Guy, Eric Johnson y la Koko Taylor.

Los años siguientes tenemos al Carpo haciendo de telonero de los Stones en 1995, reuniendo otra vez a Riff con discos como "Que sea Rock" y sacando como solista y con Pappo´s Blues grandes placas como "Volumen 8 (Caso cerrado)", el en vivo "Pappo sigue vivo", "Auto Rojo" o su última placa donde homenajea a sus ídolos "Buscando un amor".

Hoy a cuatro años de su muerte, desde aquí le hacemos nuestro homenaje al mejor guitarrista de la Argentina de todos los tiempos, no hubo como el, un hombre que llevaba el rock and roll y los bluses metidos en la sangre. Como letrista simple y a la vez con un vuelo impresionante.

Vamos a ver unos videos del Carpo. El primero extraído de la película "Hasta que se ponga el sol" y otro un compiladito de "Sucio y Desprolijo" con cosas en el estadio de River Plate y en Obras.

Y más abajo ofrecemos el doble "Pappo y Amigos" del año 2000 donde revive sus grandes cásicos, con la participación de bandas como Divididos, La Renga, Los Piojos, Almafuerte, A.N.I.M.A.L. y solistas como Moris, Andrés Calamaro, Omar Mollo, Miguel Botafogo, su hijo Luciano y muchísimos más.

Lista de temas:

Disco 1:

01. Fiesta cervezal (Pappo & La Renga)
02. Vamos a buscar la luz (Pappo & Alejandro Medina)
03. El gato de la calle negra (Pappo's Blues)
04. El brujo y el tiempo (Pappo & Almafuerte)
05. Siempre es lo mismo nena (Pappo's Blues)
06. El sur de la ciudad (Pappo's Blues & Vicentico)
07. Pájaro metálico (Pappo's Blues & Omar Mollo)
08. Con Elvira es otra cosa (Pappo & Adrián Otero)
09. Solitario Juan (Pappo & Andrés Ciro)
10. Triple seis (Pappo & A.N.I.M.A.L.)
11. Insoluble (Pappo & Sr. Flavio)
12. Blues de Santa Fe (Pappo's Blues & Juanse)
13. Mírese adentro (Pappo's Blues & La Mississippi)
14. Abelardo el pollo (Pappo's Blues)
15. Tema solísimo (Pappo & Alejandro Medina)
16. Sandwiches de miga (Pappo's Blues)
17. Detrás de la iglesia (Pappo's Blues & Alambre Gonzalez)
18. Trabajando en el ferrocarril (Pappo & Antonio Birabent)
19. Mi vieja (Pappo & Andrés Calamaro)
20. Blues Local (Pappo & Viejas Locas)
21. El tren de las 16 (Pappo's Blues & Luciano Napolitano)

Disco 2:

01. Sucio y desprolijo (Divididos)
02. El viejo (Pappo & La Renga)
03. Ruta 66 (Pappo's Blues)
04. El hombre suburbano (Pappo & Viejas Locas)
05. La adivina (Pappo & Omar Mollo)
06. Algo ha cambiado (Pappo & Andrés Ciro)
07. Desconfío de la vida (Pappo & Vicentico)
08. Llegará la paz (Pappo & Almafuerte)
09. Malas compañías (Pappo's Blues)
10. Slide blues (Pappo & Adrián Otero)
11. Completamente nervioso (Pappo's Blues & Ricardo Iorio)
12. Caras en el parque (Pappo & Alfredo Toth)
13. Gris y amarillo (Pappo's Blues y La Mississippi)
14. Tomé demasiado (Pappo's Blues y Juanse)
15. Tren azul (Pappo's Blues, Vitico & Juan Haymes)
16. Adónde está la libertad (Pappo's Blues & Moris)
17. Hay tiempo para elegir (Pappo & Sr. Flavio)
18. Cabeza de martillo (Pappo & A.N.I.M.A.L.)
19. Vine cruzando el mar (Pappo's Blues)
20. Nunca lo sabrán (Andrés Calamaro)

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Discos disponibles:

1995 - Pappo`s Blues Volumen 8 "Caso Cerrado"
2000 - Pappo & Amigos

Pendragon - The Window Of Life (1993)

2009-02-18T01:18:00.007+01:00

Una buena muestra de lo que significa el rock neo-sinfònico-progresivo nos la pueden brindar los britànicos Pendragon. Esta banda constituye uno de los tres pilares de este gènero, junto a Marillion e IQ.

Estas tres, entonces, se encargaron de "desempolvar" el gènero que veìa su inevitable decadencia en terminos de popularidad a partir del año 1976 con la irrupciòn en escena del punk. Proporcionaron una bocanada de aire fresco al gènero, especialmente Marillion, vendiendo gran cantidad de discos y generando multitudinarios shows por todo el mundo.

Pendragon se formò en 1977, pero comenzò su carrera discogràfica a mediados de los 80 cuando IQ y Marillion ya habìan marcado un camino a seguir. Los miembros fundadores son el bajista Peter Gee y el lìder de la banda, el vocalista y guitarrista Nick Barret. No sufrirìan ningùn cambio hasta 1986, en su segundo disco (Kowtow de 1988), con la llegada de el baterìsta Fudge Smith y el excelente tecladista Clive Nolan (quien tambièn integrò la banda Arena y el proyecto a dùo Caamora, con la gran vocalista polaca Agnieszka Swita ).

En este disco tenemos a Pendragon en un momento de gran inspiraciòn. Al escuchar algunos pasajes, es inevitable caer en odiosas compraciones con las grandes bandas del pasado como , Pink Floyd, Gènesis, Yes, etc. Pero es interestìsimo la forma en que Pendragon logra mezclar todas estas influencias, creando un còctel muy interesante. El resultado es un puñado de canciones con melodìas hermosas, guitarras impresionantes y muy buenos arreglos de teclados.

"The Gates of Babylon" abre el disco y es inevitable destacar la eterna impronta de David Gilmour que reina sobre Barret. El tema arranca con unos "colchones" de teclados y un solo de guitarra que hace recordar muchìsimo a "Shine on You Crazy Diamond" de Floyd, pero sin dejar de ser un gran tema.

Luego "Ghosts", con una gran introducciòn de piano y una gran demostraciòn del buen dominio de la voz de de Barret y lindos pasajes de guitarra acùstica. Hace recordar mucho al Gènesis de "A Thrick of The Tail".

"Breaking The Spell", es allì donde Nick Barret nos demuestra ser un impresionante guitarrista. Su guitarra se lleva todos los aplausos es realmente impresionante, limpia, sin una nota que tenga desperdicio ni que estè de màs, es el timòn de la canciòn.

Otro gran momento es la suite "The Last Man on Earth", dividida en dos partes y como era de esperarse repleta de climas y con un pegadizo estribillo. Vemos, tambièn una muy buena secciòn de teclados. En la segunda parte (Paradise Road) se torna fuerte, con un potente soporte rìtmico de baterìa y bajo y una armònica que le dà un importante toque rockero. Uno de los temas mas populares de la banda.

Pendragon una banda que pese a lo mencionado anteriormente, tiene su identidad. Y para quiènes no la conocen aùn "The Window Of Life" es una gran oportunidad, asi como tambièn para conocer este gènero.

Personal:

Nick Barret: guitarra, voces
Clive Nolan: teclados
Fudge Smith: baterìa
Peter Gee: bajo
Simon Foster: armònica

Lista de Temas:

1. The Walls Of Babylon
2. Ghosts
3. Breaking The Spell
4. The Last Man On Earth
I. Skylight
II. Paradise Road
5. Nostradamus (Stargazing)
6. Am I Really Losing You?

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Small Faces - From The Beginnig (1967)

2009-02-11T19:51:00.008+01:00

Small Faces fué un grupo musical británico de los años sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Fueron los principales representantes musicales del movimiento mod y se convirtieron en uno de los grupos psicodélicos más exitosos de Inglaterra antes de su ruptura a finales de la década de los sesenta (formando Marriott junto Peter Frampton Humble Pie y el resto de los Small, junto a Ron Wood y Rod Stewart los Faces).

From The Beginning es su segundo trabajo. El disco está plagado de netos cortes psicodélicos en algunos casos, mientras que en otros roza el hard rock y hasta llega a ser muy beat. contiene una buena versión de You´ve Really Got A Hold On Me, que nos dá la impresión de que fuera interpretada por Janis Joplin (Steve Marriott era un fan declarado de ella).

Además de Marriott en voz y guitarra, los otros integrantes de la banda fueron: Ronnie Lane en bajo, Ian McLagan en teclados y Kenney Jones en batería. Representaron una gran influencia en los albores de la música psicodélica con dosis de soul, R&B y en cierta medida de hard rock. El grupo nunca llegó a tener verdadera repercusión en Estados Unidos, pero sin embargo en UK vislumbraron el éxito con el single All or Nothing, que fué el primer número 1 de la banda.

En lo que respecta al álbum From The Beginning, encontramos un cover del hit Runaway (de Del Shannon) y el segundo single que sacaron el 1966: Sha-La-La-La-Lee.

La mayoría de las composiciones de este trabajo estuvieron a cargo del dúo Marriott/Lane, destacándose la mencionada All or Nothing, Hey Girl, (Tell Me) Have You Ever Seen Me y las dos psicodélicas That Man y Yesterday, Today & Tomorrow.

Lista de Temas:

1. All or Nothing
2. Baby Don't You Do It
3. Hey Girl
4. My Mind´s Eye
5. My Way of Giving
6. Plum Neille
7. Runaway
8. Sha-La-La-La-Lee
9. Take This Hurt Off Me
10. (Tell Me) Have You Ever Seen Me
11. That Man
12. What'cha Gonna Do About It
13. Yesterday, Today and Tomorrow
14. You´ve Really Got A Hold On Me

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Carlos Gardel - Su Buenos Aires Querido (Su Obra Integral Vol. 1)

2009-02-04T19:51:00.017+01:00

Comenzamos aquí la placentera tarea de ofrecerles la obra integral de Carlos Gardel. La obra está constituida en 21 vólumenes donde Gardel le canta a sus amores y desamores, a su Buenos Aires y a una infinidad de tópicos que iremos descubriendo...

Entonces en esta primera entrega vemos a un Gardel muy porteño y urbano, que le canta a Su Buenos Aires Querido, a su barrio, a sus calles a través de grandes hitos como "Melodía de Arrabal", "Caminito", "A media luz" o las propias "Buenos Aires" y "Mi Buenos Aires Querido".

Lista de temas:

1. Buenos Aires
2. Barrio Viejo
3. Almagro
4. Paseo de Julio
5. Caminito
6. La Canción de Buenos Aires
7. Fondín de Pedro Mendoza
8. El Bulín de la calle Ayacucho
9. Madreselva
10. Corrientes
11. Melodía de Arrabal
12. Barrio Reo
13. Ventanita de Arrabal
14. Bajo Belgrano
15. Viejo Rincón
16. Jirón Porteño (oro muerto)
17. Callecita de mi Barrio
18. Silbando
19. A media luz
20. Mi Buenos Aires Querido

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Su Obra Integral:
Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"

Pez - Folklore (2004)

2009-01-29T20:01:00.003+01:00

¿Querian un flash-back a los tiempos de Crucis, La Maquina, Invisible, Espiritu, etc.? Bueno, esta es una buena oportunidad de prestarle la oreja a Ariel Minimal (ex Martes Menta, Cadàveres de Niños, Fabulosos Cadillacs) junto a estos excelentes mùsicos.

Un disco potente y comprometido que le hace gala a su titulo, cuando nos brinda en algunos pasajes, sonidos folkoricos mezclados con la sofisticaciòn del rock progresivo.

Desde el génesis el disco arranca contundente con las dos gemas "Por Siempre" y el "hit" "Maldiciòn". En lineas generales goza de una electricidad única de guitarras claras y precisas con cortinas de mellotrones , sintetizadores y organos, a cargo de Ernesto Romeo quién es también es conocido por su participación en una de las primeras bandas de rock sinfónico de la Argentina: Espiritu. Es bueno decir también la condición "ecléctica" de la banda fusionando una especie de folclore eléctrico, y hasta en los temas más potentes encontramos algo de punk rock (Respeto).

En muchos aspectos la guitarra de Minimal hace notar su influencia de guitarristas como Frank Zappa, Luis Alberto Spinetta, algunos guiños de Robert Fripp y de Pete Townshend, por que no , pero sin perder su identidad.

Como no podía ser de otra manera y haciéndole honor a su impronta progresiva-sinfónica, tenemos a los "Cantos gnosticos para chicos" una especie de suite repleta de atmósferas y texturas.
En cuanto a las letras encontramos clara poesía surrealista y volada, pero también letras de alto contenido y con mensajes concisos.

Un disco que vale la pena tener entre la discografía, con una muy buena producción y cocinado por Azione Artigianale.

Personal:

Franco Salvador: batería
Fósforo: bajo
Leopoldo Limeres: piano eléctrico
Ernesto Romeo: sintetizadores, órgano, mellotron, clavinet, ensambles
Ariel Minimal: voz, guitarras, piano eléctrico en "La Escuelita..."

Lista de Temas :

1. Por Siempre
2. Maldición
3. 20 días sin dormir
4. Sus alas no vuelan, ya no puede volar
5. Barcos
6. Aprender, Comprender, Facultarse, Darse Cuenta
7. Faltan Miles de Años Más
8. Lo verás reir
9. Caminar
Cantos Gnosticos Para Chicos:
10. La Escuelita del Señor Extraño
11. Cumpleaños (Buda)
12. Labrador (Buda)
13. Superjugetes (Buda)
14. Respeto
15. Ushuaia

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Caminar

Recuerdos de Elis

2009-01-19T15:37:00.008+01:00

Un 19 de enero pero de 1982, fallecía una de las más bellas y emblemáticas voces de la música popular del Brasil.

Elis Regina Carvalho Costa nació el 17 de marzo del 45´en Rio Grande do Sul, Porto Alegre (sur de Brasil). Desde sus comienzos sorprendió por su precosidad, debutó cantando a los 11 años de edad en un programa de radio para niños.

Pero su etapa más intensa se dió durante las decadas de los 60's y 70's, época denominada "post bossa-nova", donde a su repertorio lo condimentaba con elementos del jazz y especialmente del MPB (Música Popular do Brasil). De esta manera se catapultaba como una de las mayores referencias del género denominado "o fino da bossa nova".

A fines de los 60 Elis ayudó a impulsar ese movimiento renovador y de vanguardia denomoinado "Tropicalía", interpretando temas de Gilberto Gil, uno de sus fundadores. Con sus intepretaciones, también impulsó las carreras de artistas como Renato Teixeira (Romaria) y Milton Nascimento (Ponta de Areia, Maria, Maria). En 1968 conquista a Europa con su presentación en el Olympia de París.

En los años 70 esta mezzo-soprano dominó su estilo vocal, dando muestra de esto grabando con uno de los padres de la bossa: Tom Jobim (Elis & Tom de 1974), y con otros artistas internacionales como el armonicista belga Toots Thielemans.

Muchas veces Elis criticó y le cantó a la dictadura de su país en los famosos "anos de chumbos", donde muchos artistas contemporáneos a ella eligieron el exilio.

Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). La mayor voz de Brasil fallece a sus cortos 36 años de edad por una sobredósis de cocaína, tranquilizantes y alcohol.

Vamos a ver entonces, dos grandes momentos de esta cantante fuera de serie. El primero es la exquisita "Águas de Março", grabando junto al legendario Antonio Carlos Jobim en Los Angeles, del infaltable disco "Elis & Tom" de 1974. Y el segundo de una de sus últimas presentaciones en vivo, en este caso el tema (medio rockerito) "Cartomante" de Ivan Lins, en el show "Transversal do Tempo" en Lisboa, Portugal 1978.

Elis (1966)

Y aquí ofrecemos un disco del año 1966 donde tenemos una buena muestra del estilo en ascenso de la cantante, con el estilo mencionado "o fino da bossa nova".

Desde el comienzo con "Roda" y "Samba em Paz" encontramos climas alegres de batucadas.
Disfrutamos momentos salpicados por jazz en "Veleiro" y hasta circenses en "Lunik 9". También pasajes de melancolía como en los casos de "Pra dizer adeus" o "Sonho de Maria" las dos con arreglos de cuerdas.

Otros puntos altos del álbum pueden ser "Tem Mais Samba", "Tereza Sabe Sambar" y la formidable "Canção do Sal" para prestarle especial atención a su letra.

Lista de Temas:

1. Roda
2. Samba Em Paz
3. Pra Dizer Adeus
4. Estatuinha
5. Veleiro
6. Boa Palavra
7. Lunik 9
8. Tem Mais Samba
9. Sonho De Maria
10. Tereza Sabe Sambar
11. Carinhoso
12. Canção Do Sal

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Steve con la pedal steel y Jon con la rìtmica

2009-01-14T14:13:00.009+01:00

Sabemos que el cantante y el guitarra principal de Yes son dos excelentes mùsicos tanto a la hora de componer y trabajar en estudio, como tambièn en los shows fuera de serie que brindaban cuando estaban juntos.

Steve Howe es un gran guitarrista, de esos que muestran su peculiar sonido, que es fàcilmente reconocible para nuestros oìdos. Desde su uniòn a Yes aportó su virtuosismo y un sonido cercano al jazz, al clásico, al barrocco, al renacimiento, al country y al R&B mezclados con psicodèlia. No debemos olvidar sus formidables composiciones acústicas como el inolvidable principio de "And you and I" y las instrumentales "The Clap" y "Mood for a day". Siempre se desveló por implementar todo tipo de instrumentos de cuerda, como en el caso de su debut como solista "Beginnings" (próximamente lo tendremos por acá) del año 1975 donde utiliza instrumentos como la mandolina o la pedal steel.

La voz de Jon Anderson (uno de los miembros fundadores de Yes, junto al gran Chris Squire) se caracteriza no solo por ser cristalina y angelical, sino también por ser un intrumento más para la agrupación (dicho sea de paso rezemos por su pronta recuperación).
Como guitarrista acompaña con guitarras rítmicas, acústicas y también ejecuta el arpa.

Estos videos constituyen el lado "A" de Relayer (1974). Aquella épica suite "The Gates of Delirium" ("Las Puertas del Delirio") que describe la llegada de dos guerreros a un pueblo oprimido para liberarlo, con batalla incluida.

El concierto data del año 1975 en Q.P.R. (Queens Park Rangers Stadium ) junto al gran tecladista suizo Patrick Moraz. Epoca donde sus recitales se caracterizaban por ser realmente explosivos y con una puesta de escena fuera de lo común.

Aquí encontramos a un Howe luciendo todo su talento utilizando una Telecaster primero y luego haciendo maravillas con la pedal steel guitar. Y vemos a un Anderson cantando como si estubiera enojado (increible para alguien de su personalidad) y realmente sorprende su acompañamiento en guitarra rítmica, bancándose a los demás monstruos. Luego en el movimiento "Soon" se calma un poco y se calza la acústica.

Entonces tenemos a "The Gates of Delirium" donde vamos a ver a un YES en un momento bárbaro. Es bueno mencionar la equalizaciòn en este tema, donde podemos ver partes donde los teclados de Moraz quizàs tapan un poco a Howe. Lamentablemente como dura mas de 20 minutos lo ofrecemos en tres partes, pero si pueden conseguir el DVD de ese show es altamente recomendable y más apreciable...

Les recomendamos escucharlo al máximo del volumen:

Diego Figueiredo - Segundas Intenções (2005)

2009-01-09T17:13:00.008+01:00

Brincadeiras:

Nacido en Franca, provincia de San Pablo – Brasil en 1980, a los cuatro años el pequeño Diego ya hacía postura para fotos con su guitarrita. Con seis años ganó un “bandolín” que ocupaba lugar de relieve en su casa entre otros instrumentos. Diego jugaba con diversos instrumentos antes de elegir la guitarra cuando tenía doce años de edad; ya tocando en teatros, bares locales, donde ya se revelaba en el difícil arte de improvisar y armonizar. A los 15, dominaba palcos de teatros y casas nocturnas de diversas provincias, tocando solo o con renombrados músicos brasileños.
Durante algunos años actuó en grupos musicales de diferentes estilos entre ellos la Banda Gênese y la Squema Seis de Brasilia donde vivió por algún tiempo.
Estudió guitarra erudita, MPB y jazz en conservatorios de Franca, Ribeirão Preto y Tatuí.

En 1999 se quedó en primer lugar en América del Sur, en un concurso, donde ganó una beca para estudiar en el Berklee College of Music donde la comisión del jurado se puso impresionada con su estilo.
En 2001, Diego Figueiredo logró el segundo lugar en el premio Visa de MPB instrumental con honor y elogios del cuerpo de juzgado, entre ellos: el maestro Nelson Ayres, Guinga, Paulo Bellinati, Arrigo Barnabé, Ulisses Rocha, Rodolfo Stroter, Benjamim Taubkim, Mário Zaccaro entre otros.
Fué finalista del Premio ICATU HARTFORD en Rio de Janeiro siendo dicho por los juzgados, entre ellos Marco Pereira y Cristóvão Bastos como uno de los grandes guitarristas de la actualidad.

Actualmente acompaña y hace parcería con el cantante Belchior en gira por Brasil y exterior. Tocó también y dividió palco al lado de Al Di Meola, John Scofield, Yellow Jackts, Hermeto Paschoal, Geraldo Azevedo, Sebastião Tapajós, Demônios da Garoa, Vanusa, Nando Cordel, Edson Cordeiro, Yamandú Costa, Marco Suzano, Dominguinhos, Moraes Moreira, Fafá de Belém, Amelinha, Los Hermanos, Ednardo, Beto Guedes, Zeca Baleiro, Jairzinho, Miyazawa, entre otros.
Diego ya se presento en importantes programas de TV y Radios, como: Jovens Tardes (Rede Globo), Raul Gil, Ratinho, Rony Von, Leda Nagli, EPTV, Ione, Amaury Júnior, Metrópole, Jornal da Cultura, All TV, Record Internacional, Talentos (TV Câmara), TV Assembeia, TV Senado, Radio CBN, Eldorado entre otros...
Además de guitarrista, Diego es productor, arreglador, orquestador y multi-instrumentalista.

Recientemente produjo y arregló el álbum doble “As várias caras de Drumond” en que Belchior ha musicado los poemas de Drumond que ha sido lanzado por la renombrada revista brasileña CARAS.

En shows por Europa, principalmente Alemania, Diego impresionó una vez más con su técnica y sensibilidad presentándose en la Universidad Libre de Berlin, Quasimodo, junto con John Scofild y Yellow Jackets y en la Embajada Brasileña.

En 2001, 2002, 2003 y 2005 se presentó en el La Paz Feztijazz, en Bolívia. El primer año fue duo con el gaitista Gabriel Grossi, después fue en cuarteto con Daniel Santiago, Amoy Ribas y Gabriel Grossi y este último año juntamente con el excelente pianista Alexandre Piu.
Ha sido invitado por la Orquesta Sinfónica de La Paz para una grabación (CD y DVD) y para hacer shows en homenaje a Tom Jobim, intitulada “Jobim de los Andes”.

Diego estará lanzando este semestre algunos trabajos inéditos, como: un disco de composiciones en que toca diversos instrumentos, un disco que ha producido de una cantante boliviana Mimi Arakaki y un libro sobre improvisaciones intitulado “New Patterns”.

En julio de 2005 Diego fue uno de los ganadores y considerado por el Montreux Jazz Guitar Competition (Festival de Montreux, Suiza) uno de los mayores guitarristas del mundo en un jurado formado por Al Di Meola y organizado por Quince Jones.
Diego ha estado recientemente en New York donde ha sido invitado especial para ministrar Workshop y hacer 3 shows dentro del IAJE – International Association for Jazz Education.
Diego Figueiredo acaba de lanzar el disco autoral “Autêntico” y está realizando shows por todo Brasil y exterior.

Acompañado por grandes músicos, Diego presenta un increíble espectáculo de sensibilidad, técnica y emoción que contagia el público por donde pasa con su guitarra.
Es considerado hoy por la crítica divulgada en la prensa uno de los mayores guitarristas de la actualidad.

TEXTO TOMADO DE:http://www.sallent.net/espectaculos/modules.php?name=News&file=article&sid=682

Disco y reseña cedidos gentilmente por nuestro buen amigo Carlos de MUSICACIÓN

Lista de Temas:

01 Sampa (Caetano Veloso).
02 Mucuripe (Belchior - Fagner).
03 Chorinho pra ele (Hermeto Pascoal).
04 Blues Brasil (Diego Figueiredo).
05 Samambaia (Cesar Camargo Mariano).
06 Manhã de Carnaval (Antônio Maria - Luiz Bonfá).
07 Prelúdio Nº3(Prelúdio Da Solidão) (Heitor Villa-Lobos-Hermínio Bello de Carvalho).
08 Carinhoso (Braguinha - Pixinguinha).
09 Samba de Verão (Marco e Paulo Sérgio Valle).
10 Cherokee (Ray Noble).
11 Brigas Nunca Mais (Tom Jobim - Vinícius de Moraes).

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A travès del Mar de los Zargazos - Skay Beilinson (2002)

2009-01-05T19:08:00.007+01:00

El primer trabajo en solitario del legendario guitarrista de Los Redondos, es un trabajo que nos deja bien en claro como era la forma de laburar dentro de la banda.

Un gran disco con composiciones de la època con Los Redondos.Un trabajo bien elèctrico, ricotero y rockero, con riffs y punteos llenos de inspiraciòn, como bien nos tiene acostumbrados.Nos sorprende al animarse a ser la voz principal, cumpliendo un buen trabajo (ya venìa haciendo backgrounds con Los Redondos)

Abre con el desgarrador grito de "Gengis Khan", un tema que contiene maquinaria electrònica y guitarras sintetizadas en la linea de los ùltimos dos discos de Los Redondos (Ultimo Bondi a Finisterre y Momo Sampler). Una rock potente y guerrero, que nos describe perfectamente al personaje en cuestiòn. Luego "Kermesse" con un inconfundible punteo y cantada rabiosamente con los dientes apretados.

La marcha militar de "Alcolito", aporta algo de humor empapado en alcohol que va terminando con un particular sonido gutural (como de zumbido) para sonar definitivamente en la breve "Kazoo".

"Oda a la sin nombre", el ùnico tema que sonò en la radio, por su neto corte ricotero. Otro buen logro es "Con los ojos cerrados" con la inclusiòn de un acordeòn a cargo de Sebastiàn Schachtel.

Otras gemas pueden ser la enèrgica "Sìndrome del trapecista","Astrolabio" un tema con climas y "Entre el cielo y la tierra" con un trabajo de guitarra y de percusiòn tranquilo y una hermosa melodìa.

Un disco muy recomendado que contiene esa buena simpleza buscada por tantos mùsicos, que el oyente puede apreciar en pocas escuchadas...

Lista de Temas:

01.Gengis Kahn
02.Kermesse
03.Acolito
04.El pozo de la serpiente
05.Kazoo
06.Oda a la sin nombre
07.Memorias de un perro mutante
08.Con los ojos cerrados
09.Sindrome del trapesista
10.Astrolabio
11.Entre el cielo y la tierra
12. La grieta
13. Lagrimas y cenizas

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Nueva Presentación de "La Guitarra en La Ventana"

2008-12-30T18:20:00.009+01:00

Este domingo 4 de enero a las 20:45 en "EL SÉPTIMO FUEGO" , Bolivar 3675, Mar del Plata.
Se inagurará el 2009 con una serie de presentaciones de "antesala" a la gorra. Contará con las guitarras y voces de Matias Martinez y Gonzalo Luna.

La primer presentación es la mencionada y les iremos informando las siguientes. LOS ESPERAMOS!!!...

Y no se olviden de descargarse el disco ACÁ!!!

BUEN AÑO PARA TODOS!!!!!!

The Jethro Tull Christmas Album (2003)

2008-12-19T20:34:00.009+01:00

Para rodear al blog de un aurea navideña, presentamos el àlbum de navidad de Jethro Tull, que por otra parte es el ùltimo trabajo de estudio de la banda hasta la fecha.

Un trabajo bien cuidado que contiene arreglos de motivos navideños, temas nuevos y algunas re-grabaciones de clàsicos de la banda como la muy bien lograda "Bourée" o "Ring Out Solstice Bells".

Siempre con sus habituales dosis celtas mezcladas con rock enèrgico y folk, nos regalan lindas piezas con tradicionales instrumentos como la mandolina o el acordeón.

Es un trabajo a grandes rasgos acùstico, con la flauta de Ian como de costumbre imprimiendo el eterno y caràsteristico sello Tull, pero esta vez, nos tràe ese sentimiento navideño indescriptible del que nunca hay que olvidar.

Entre los temas más emblemáticos encontrámos "A Christmas Song", "Another Christmas Song" y la que Ian dedicó a su hija por fecha de nacimiento:"Birthday Card At Christmas" (una de la más rockeras del disco, junto a Greensleeved).

Otra pieza que se destaca es la instrumental "God Rest Ye Merry Gentlemen" que se anima a sonar jazzera al principio y a medida de su desarrollo se torna sinfònica. En ese aspecto recuerda mucho al trabajo de la "Trans-Siberian Orchestra".
Otras buenas muestras instrumentadas pueden ser "Holly Herald"con raíces celtas, "We Five Kings" de corte acústico y con un interesante cocepto en percusión y "Pavane" oscura y con buenos arreglos.

El trabajo del guitarrista Martin Barre se destaca en "A Winter Snowscape", donde nos deleita con sus piezas acústicas siempre acompañado por la flauta traversa de Ian.

Lista de Temas:

1. Birthday Card at Christmas
2. Holly Herald (Instrumental)
3. A Christmas Song
4. Another Christmas Song
5. God Rest Ye Merry, Gentlemen (Instrumental)
6. Jack Frost and the Hooded Crow
7. Last Man at the Party
8. Weathercock
9. Pavane (Instrumental)
10. First Snow on Brooklyn
11. Greensleeved (Instrumental)
12. Fire at Midnight
13. We Five Kings (Instrumental)
14. Ring Out Solstice Bells
15. Bourée (Instrumental)
16. A Winter Snowscape (Martin solo)

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Discografìa de Jethro disponible:

1976 - Too old to rock 'n' roll: too young to die!
2003 - The Jethro Tull Christmas Album

A Toot and a Snore in '74 - John Lennon & Paul McCartney (1974)

2008-12-09T02:37:00.006+01:00

Aprovechando el vigesimoctavo aniversario de su muerte, hablaremos un poquito de cosas que ya deben saber y sacamos de nuestro arcòn una joya: la ùnica presentaciòn en un estudio despuès de la disoluciòn de los Beatles de John y Paul, con varios amiguitos participando.

Ya todos sabemos lo que significaron Los Beatles y sobre todo Lennon para la historia de la mùsica, pero màs que nada haremos hincapiè en la època de esta grabaciòn y en la forma que tenìa John de tocar la guitarra rìtmica. Creemos que fuè uno de los mejores en la rìtmica, bancandòse a primeras violas, obviamente a George o a Clapton en las sesiones de el Blanco.

Esta "jam sesion" es un delirio es una de las etapas mas frenèticas de su vida. John toca la guitarra y canta y Paul vuelve a su viejo amor con la bateria. Y no nos olvidemos la participaciòn de Stevie Wonder y el gran vocalista Harry Nilsson al cual John le estaba produciendo el disco Pussy Cats.
Lennon venìa de su "semana de delirio" o "lost week". Estaba separado de Yoko y se encontraba con May Pang en Los Angeles.

Un interesante registro que nos muestra, pese al delirio, como se manejaban estos grosos en estudio (mas allà de los gritos y discuciones de John, en especial hacia Paul).

Personal:

John Lennon: guitarra, voz
Paul McCartney: baterìa , voz
Jesse Ed Davis: guitarra
Harry Nilsson: voz
Stevie Wonder: piano electrico
Bobby Keys: saxo
Malcolm Evans: tè
May Pang: simpatìa

Lista de temas:

1. A Toot and a Snore
2. Bluesy Jam Session
3. Studio Talk
4. Lucille
5. Nightmares
6. Stand By Me 1
7. Stand By Me 2
8. Stand By Me 3
9. Stand By Me 4
10. Cupid / Take This Hammer

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15 años sin Frank Zappa

2008-12-04T03:04:00.010+01:00

Se cumplen 15 años de su desapariciòn.
Frank Vincent Zappa, un mùsico autodidàcta y completìsimo que llegò a ofrecernos trabajos exquisitos de mùsica sinfònica y de càmara. Pero aparte de esto fuè tambièn un inpresionante violero que nos deleitò con miles de sus proyectos acompañado por un montòn de mùsicos tanto en formaciones con los "Mothers of Invention" o en su banda de solista.

Entre sus filas Zappa supo apadrinar grandes guitarristas como Steve Vai y Adrian Belew y tambièn otros grandes exponentes del jazz y del rock como Jean Luc Ponty, George Duke y Terry Bozzio.

Desde su debut con The mothers of Invention, el estilo de Zappa se destacaba por gran sentido del humor y se encargaba siempre se satirizar todo lo posible a los valores de la sociedad americana en todas las èpocas. Por ejemplo en la dècada de los 60s se encargaba de darles con un caño a todo el movimiento surguido en la costa oeste: hippies, freaks, flower power sin excepciones, esto lo podemos apreciar en el disco "We're Only in It for the Money".

Sus facetas:

Como mùsico, siempre contribuyò con grandes obras conceptuales como por ejemplo "The Grand Wazzo", "Uncle Meat" o "Joe`s Garage" (por nombrar tres de tantas) donde se preocupaba por la inclusiòn de intrumentos pocos convencionales para la mùsica de rock de entonces, como asì tambièn de presentar mùsicos excelentes y virtuosos.

Como guitarrista, su interpretaciòn en los solos era desgarradora. Inclusive cuando ya consagrado no era el ùnico guitarrista de la banda, sus solos eran inconfundibles.
Sus estilos iban desde el clàsico R&B hasta el jazz, pasando por el RIO, el doo-woop, funk y hasta bases reggae.

Como productor produjo gran parte de sus propios discos y de bandas como Captain Beefheart y Grand Funk, y a solistas como Jean Luc Ponty.
Tambièn fundó varios sellos propios como Bizarre, Straight, DiscReet, Zappa Records y Barking Pumpin.

Como cineàsta y actor cuenta con seis producciones, destacandose "200 Moteles" con la colaboraciòn de The Mothers y de sus amigos Keith Moon y Ringo Starr y el film-concierto "Baby Snakes"donde nos encontramos con la participaciòn del animador Bruce Bickford quièn fuè galardonado por sus trabajos en plastilina.

Otra faceta a considerar era su histrionìsmo en concierto: se convertìa en un personaje muy gracioso que hacìa participar al pùblico en una manera singular y con humor inteligente. Tambièn solìa ponerse el disfraz de director de orquesta con batuta y todo.

Frank Zappa muriò el 4 de diciembre de 1993 a causa de un càncer de pròstata. Dejo un legado mùsical y de ejemplo a seguir riquìsimo, vigente hasta hoy.

Para homenajearlo dos videitos "Bobby Brown Goes Down " con subtitulos en español, donde nos demuestra su clara oposiciòn al "status" que conllevaba el "sueño amèricano" y la sinfònica y rimbombante "Easy Meat" en el NY Palladium en 1981 con Steve Vai y el gran baterìsta Chad Wackerman.

"La información no es conocimiento, el conocimiento no es sabiduría, la sabiduría no es verdad, la verdad no es belleza, la belleza no es amor, el amor no es música, la música es lo mejor..." Frank Zappa, Joe`s Garage (1979)

Steely Dan - Aja (1977)

2008-12-02T05:36:00.009+01:00

Lo que logrò invadir la mùsica disco al dar sus primeros pasos es asombroso. Su influencia se abriò pasos entre estilos inpensados como el free jazz, el pop jazz o en ese sonido con el que los habian definido por aquel entonces: el "Smooth Jazz".

En medio de este "clima" viò la luz "Aja" antecesor de GAUCHO. Disco variado de por sì, con temas hasta bailables, con una producciòn camino a la cima, con un càlido swing tanto en letras como en mùsica. Funk y muy de Nueva York.

Uno de sus tantos aspectos a considerar es el sentido de minusiosidad, de produccion y definiciòn de sonido de "gran banda" que tiene este dùo. Deleitan con grandes composciones como el comienzo de la urbana "Black Cow" que nos pinta una ronda de malteadas en la isla de Manhattan.

Luego "Aja" uno de los mejores, con la participaciòn de Wayne Shorter en saxo tenor. Poesía en la letra y guitarra y piano dominante que se quiebra justo en el momento que aparece un fantasmal silbato que empuja para finalizar en una carga dramàtica de todos los instrumentos con un sintetizador muy bien empleado a lo ùltimo.
Cumbre interpretativa y compositiva del dùo Becker/Fagen. El tema quizàs estè dedicado a una mujer china amiga de la banda.

"Deacon Blues" con toda su onda tambièn urbana y de "bar", el rol del saxo y de las voces femeninas es determinante. El estribillo canta:"Aprenderè a tocar el saxofòn. Tocarè solo lo que siento. Tomarè Scotch whisky toda la noche".

"Home at last" tiene un buen acompañamiento bien jazzero con arreglos de vientos bien logrados. En esa linea, pero con base màs funk se ubica "I Got the News"

"Peg" y "Josie" se asemejan por sus bases funkys, siendo esta ùltima una de las canciones mas recordadas de la placa. Arranca con un punteo que le dà un sonido bastante oriental, para seguir con una base de bajo y guitarra muy contundente, es un buen ejemplo de de la fusiòn del funk con el rock. La letra habla de una chica "vecina" amiga de la banda que regresa al barrio.

Otro inpresionante trabajo de Steely Dan, donde tambièn los acompañan un amplio nùmero de mùsicos de sesiòn como el guitarrista Larry Carlton y el saxofonìsta Wayne Shorter por nombrar solo a algunos.

Personal:

Walter Becker - bajo, guitarra, guitarra electrica, voces
Chuck Rainey - bajo
Timothy B. Schmit - voces
Donald Fagen - sintetizadores, teclados, voces, coros, silbato
Paul Griffin - teclados,piano electrico, voces, coros
Don Grolnick - teclados, clavinet
Michael Omartian - piano, teclados
Joe Sample - teclados, piano electrico, clavinet
Larry Carlton - guitarra, guitarra electrica
Denny Dias - guitarra
Jay Graydon - guitarra, guitarra electrica
Steve Khan - guitarra
Dean Parks - guitarra
Lee Ritenour - guitarra
Pete Christlieb - flauta, saxo tenor
Chuck Findley - trompa, metales
Jim Horn - flauta, saxofòn
Richard "Slyde" Hyde - trombòn
Plas Johnson - flauta, saxofòn
Jackie Kelso - flauta, trompa, saxofòn
Lou McCreary - metales
Bill Perkins - flauta, trompa, saxofòn
Tom Scott - Conducciòn, flauta, saxo tenor, lyricon
Wayne Shorter - flauta, saxo tenor
Bernard Purdie - baterìa ("Home at Last", "Deacon Blues")
Steve Gadd - baterìa ("Aja")
Ed Greene - baterìa ("I Got the News")
Paul Humphrey - baterìa ("Black Cow")
Jim Keltner - percusiòn, baterìa ("Josie")
Rick Marotta - baterìa ("Peg")
Gary Coleman - percusiòn
Victor Feldman - percusiòn, piano,teclados, piano electrico, vibràfono
Venetta Fields - voces, coros
Clydie King - voces, coros
Rebecca Louis - voces, coros
Sherlie Matthews - voces, coros
Michael McDonald - voces, coros

Lista de temas:

1. Black Cow
2. Aja
3. Deacon Blues
4. Peg
5. Home at Last
6. I Got the News
7. Josie

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Silvio Rodrìguez - Mujeres (1978)

2008-12-01T17:59:00.006+01:00

Discazo de Silvio, se ubica entre los mejores de su extensa y rica carrera.
Recordemos que Silvio Rodrìguez Domìnguez fuè pionero de la denominada Nueva Trova Cubana, movimiento relacionado no solo con la innovaciòn mùsical de la "canciòn de autor", sino tambièn con el compromiso social de los movimientos polìticos revolucionarios tan en boga por aquel entonces (fines de los 60, principios de los 70).
Otros implicados en este movimiento fueron Pablo Milanès, Noel Nicola, Vicente Feilù, Sara Gonzàlez y otros tantos màs.

Un disco totalmente acùstico, lleno de poesìa y canciones de amor. Se encuentran grandes èxitos del compositor como "Te doy una canciòn".
Como bien indica la pluralidad del titulo del àlbum, digamos que està dedicado a las mujeres de la vida del artista. Encontramos declaraciones y cargas de dolor en las letras, pero al recorrer los temas, tenemos ciertas dòsis de humor ("Cierta historia de amor").

Tambièn tenemos la cotidianidad en canciòn en "¿A donde van?", donde Silvio nos mustra como valorar las pequeñas cosas del dìa a dìa, el artista se pregunta: ¿a dónde va el mantel de la mesa, el café de ayer?, ¿a dónde van los pequeños terribles encantos que tiene el hogar?, ¿acaso se van?, ¿y a dónde van?, ¿a dónde van?.

Otro gran tema es la inspirada "Esto no es una Elegìa" donde no se sabe si Silvio le canta a una mujer o a una ciudad, aunque luego èl mismo declarò que era para una mujer.

Lista de temas:

1. Mujeres
2. En estos dìas
3. Ya no te espero
4. ¿Que hago ahora?
5. Rìo
6. Te doy una canciòn
7. Cierta historia de amor
8. ¿A donde van?
9. Hoy no quiero estar lejos de La Casa y El Árbol
10. Esto no es una Elegìa
11. Aceitunas
12. Y nada màs

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Manolo Juàrez & Jorge Cumbo (1988)

2008-11-28T18:04:00.006+01:00

Gran disco de estos 2 excelentes mùsicos argentinos.
Gracias a que la tecnologìa que tenìan a su alcance estaba a la orden del dìa, nos ofrecen un impresionante trabajo.

En gran parte instrumental, los teclados, sintetizadores y la quena y percusiòn de Cumbo cumplen el rol principal.

La influencia de arreglos del maestro Juàrez, le dà una veta jazzera y sinfònica. El trabajo nos muestra correctamernte la fusiòn del folclore argentino con el jazz. Predominan chacareras, bagualas , chayas, etc., con pasajes instrumentales con solos de contrabajos y acompañamiento de guitarra y piano muy bien logrados.

Algo importante a considerar son las improvisaciònes, tanto en temas propios como en la versiòn de "La Pobrecita" de Yupanqui o en "La Baguala".

Tambièn nos encontramos con Jorge Cumbo en voces, dàndole una nueva direcciòn a "La Pobrecita". Lo acompañan el Grupo Voces, en la bella "2 minutos de magia" , en "Zamba de Vargas" y en "Santiago del Estero" , que recuerda a trabajos vocales como los de la agrupaciòn "Opus 4" por ejemplo."Siga la Flecha", cuenta con la participaciòn de Litto Nebbia en coros.

Personal:

Manolo Juarez: piano y sintetizador
Jorge Cumbo: quena, sintetizador, percusión y canto
Willy Reuter: bajo y teclados adicionales en "Chacarera sin segunda"
Edgardo Cardozo: guitarra
Oscar Taberniso: guitarra
Raúl Lago: bombo
Grupo Voces: Ricardo D'Agostino - Raúl Bisson - Eduardo Curetti y Carlos Heredia
Litto Nebbia: coros

Lista de temas:

1-Vieja York (Jorge Cumbo)
2-La Pobrecita (Atahualpa Yupanqui)
3-Chacarera sin segunda (Manolo Juárez)
4-Chaya del diablo (Manolo Juárez)
5-La antigua (Jorge Cumbo)
6-La baguala (Jerez)
7-2 minutos de magia (Oscar Taberniso)
8-Zamba de Vargas (Andres Chazarreta)
9-Siga la flecha (Manolo Juárez)
10-Santiago del Estero (Manolo Juárez)

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Resumen "h"

2008-11-25T04:15:00.003+01:00

Tarde, pero llegò... Video collage del tema, en aquella PRESENTACIÒN, la que brindamos allà a comienzos de agosto en "El Galpòn de las Artes".
Esperamos que sea de su agrado.

Palo Pandolfo - Ritual Criollo (2008)

2008-11-21T17:47:00.007+01:00

Con una tapa muy parecida al logo del primer disco de la banda inglesa Massive Attack, el tan esperado ùltimo disco solista de Palo (como era de esperar de su parte), no desepciona en lo màs mìnimo. Al contrario, nos demuestra su vigencia reinventàndose, y demostrando su frescura como compositor y sobre todo su poderìo gracias a su "Oficio del Cantor".

Un trabajo en gran parte acùstico y muy eclèctico. Nos convida un sabroso mengunje de variados ritmos con tangos gardelianos, cumbias, carnavalitos, chacareras, aires litoraleños, huaynos, milongas, candombes, guiños reggae, jazz.

El disco abre con "Oficio del Cantor". Una hermosa melodìa acompañada con un bandoneòn mas bello aùn. En este tema el cantor ejerce, justamente su oficio en su màximo esplendor. Amor (practico el ritual), una inspirada canciòn que nos recuerda sus tiempos con sus formaciones: "Los Visitantes" y "Don Cornelio".

Luego "Canciòn Càntaro", de reclamo o como bien dice el cantor: de "furia contenida".
Con "Argentina 2002" hacemos un pequeño viajecito en el tiempo. No sòlo por lo que nos recuerda la letra sino tambièn por la mùsica. Si, un fugaz cuarteto!!!...
El humor se hace presente en la urbana y realista "Uh! la soledad", donde en su valsesito trata al tema en cuestiòn como si fuera una bocha de fùtbol (le faltò pararla de pecho nomás!!).

"Rìo Reconquista" es una tranquila cumbiecita (y si, no vamos a despreciarla, a Palo le sale bien) con una letra en plan de contemplaciòn.
Apreciamos un trabajo bien logrado con un intenso concepto rìtmico en "Plegaria" y algunos destellos pop en "Siete Vidas".

"Las Nenas", despojada de toda complejidad y la impresionante "Turbias golondrinas" (cantada a dùo con Lidia Borda), otros dos platos fuertes en su oficio. Luego "Carnavalonga" otro flash back hacìa "Los Visitantes".
Acompañado por el violìn y la voz de Peteco Carabajal, "El grito del Chimango" sigue abriendo el abanico de diferentes sonidos que componen al trabajo. Con una letra fuerte que se acerca a los recuerdos de nuestras raìces, oponièndose a ciertas divisiones en este caso a las de la religiòn.

La sensual "Blanca Lucìa" provoca con sus arreglos jazzeros. Y cerrando, la mitològica y rockera (con algunos toques electrònicos al final) "Afrodita" y la alegre y divina "Chicas Alegria" con la participaciòn de sus dos hijas.

Disco muy recomendado, mucho màs apreciable si tenemos bien en cuenta las letras y la poesìa de este maestro.
Palo Pandolfo: "Cada dìa canta mejor".

Lista de temas:

01. Oficio del cantor
02. Amor (Practico el ritual)
03. Canción cántaro
04. Argentina 2002
05. Uh! La soledad
06. Río Reconquista
07. Plegaria
08. Siete vidas
09. Las nenas
10. Carnavalonga
11. El grito del chimango
12. Turbias golondrinas
13. Blanca Lucía
14. Afrodita
15. Chicas alegría.

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Mitch Mitchell (1947-2008)

2008-11-16T10:27:00.006+01:00

El baterista de la Jimi Hendrix Experience, Mitch Mitchell, falleciò el 12 de noviembre a los 62 años.

Tremenda oportunidad de recordar a alguien que nos maravillò alguna vez con su participaciones en discos como "Are You Experencied?" o "Electric Ladyland".

Mitch se especializaba mas que nada en tocar beats de jazz, ya a temprana edad.Ese estilo que desarollò definirìa un estilo denominado fusiòn.

Su mejor incursiòn se diò claro està en la JHE, presentàndose ante un pùblico generoso en los multitunidarios festivales como el "Monterrey Pop Festival" o "Woodstock 69" o el de la "Isle of Wight".

En el año 1968 disfrutò de tocar en la irrepetible The Dirty Mac en el Rock & Roll Circus de los Stones. Tocaron la bomba "Yer Blues".

Y la formaciòn era...

Homenaje a Duane Allman

2008-10-29T14:26:00.008+01:00

Este eximio guitarrista es quizàs despuès de Hendrix, uno de los mejores de todos los tiempos.
Junto a su hermano Gregg fundan "Allman Joys" realizando su primer single en el año 1965, para luego tener un paso en falso con una nueva formaciòn denominada "The Hour Glass" sacando dos discos con poca repercuciòn.
Luego Duane se transformò en mùsico de sesiòn, trabajando con Wilson Pickett en su versiòn de Hey Jude. Pickett lo apodarìa "Skydog" o "Skyman" por que al ejecutar sus solos "volaba".

Obvimamente lo mejor estaba por dàrseles tras formar junto Dickey Betts, Berry Oakley,Butch Trucks, Jai Johanny "Jaimoe" Johanson la famosìsima The Allman Brothers Band, banda iniciàtica junto a Lynyrd Skynyrd del denominado Rock Sureño.
A los Allman no hay nada que reprocharles. Pioneros en su gènero se destacaban por su sonido potente cercano al Santana de la primera època, con raìces que van desde el blues hasta el rock pasando por el jazz.

El momemto más importante de la banda es quizás su presentaciòn en el mìtico recital en vivo "At Fillmore East" del 12 de marzo de 1971.
En dicho recital, Duane se luce con desgarradores solos a travès de extensos pasajes instrumentales e improvisaciones, los màs recordados son los temas "You don`t Love Me" (de 19:19 minutos) con su inolvidable riff, "In Memory of Elizabeth Reed" (13:06) una de las màs Jazzeras y la aplanadora "Whipping Post" (de 23:03).

En octubre de ese año la banda se encontraba en su mejor momento. Duane era el "gurù" de la banda gracias a su carisma y talento. Pero algo los toma por sorpresa. Con sus jòvenes 24 años Duane sufre un accidente que le costarìa la vida. Fanático de las Harley Davison, el guitarrista choca contra un camiòn, saltando por los aires y perdiendo su casco. Duane moriria de varios derrames internos pocas horas despuès.
Esta noticia dejarìa sin aliento a los miembros de la banda en especial a su hermano Gregg y a toda la comunidad de mùsicos.
Duane dejò a una hija que llamò Galadriel en alusiòn a su fanatismo por la saga "El Señor de Los Anillos".

A 37 años de su muerte un guitarrista que no podìa faltar en este blog, dueño de un increìble estilo y un gran manejo de la tècnica bottleneck o slide que ha influenciado a un sinnùmero de guitarristas.

En Memoria de Elizabeth Reed

The Allman Brothers Band - At Fillmore East (1971)

Lista de temas:

1. Statesboro Blues
2. Done Somebody Wrong
3. Stormy Monday
4. You Don't Love Me
5. Hot 'Lanta
6. In Memory of Elizabeth Reed
7. Whipping Post

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Incredible String Band - The 5000 Spirits or The Layers of the Onion (1967)

2008-10-22T20:22:00.007+02:00

Ya consolidada en el gènero "folk psicodèlico" escocès ,con claras raìces celtas , la Incredible String Band saca su segundo Lp donde se hayan quizàs sus temas mas recordados como "No Sleep Blues" ,"Painting Box" o "First Girl I Loved".

Este disco sale con la formaciòn de dùo, es decir con Mike Heron y Robin Williamson, ya sin la participaciòn de Clive Palmer, quièn decide abandonarlos yèndose a vivir a Afganistán para experimentar con la mùsica oriental, tema de constante desvelo para todos los integrantes de ISB, como asi tambièn la bùsqueda de sonidos tradicionales de varios paìses de europa. Tambièn cuenta con otras contribuciones como la de la bella voz de Licorice McKchnie.

El viernes 15 de agosto de 1969, se presentaron en la apertura de la primera ediciòn de Woodstock. Tocaron el mismo dìa que el gran Richie Havens, Ravi Shankar y Joan Bàez, bajo la recordada lluvia.

A Incredible String Band se le adjudica ser pioneros en los gèneros Acid Folk y de la world music, gracias a la inclusiòn de mùltiples instrumentos como mandolinas, el laùdes àrabes, gimbris, tamburas, sitars ,violines, flautas y armònicas.

Nòtese la increible quìmica de las voces en gran parte de los temas, eso sumado a la tendencia folk-psicodèlica y por que no con toques de blues, nos acerca a algunos trabajos cercanos a Jethro Tull e inclusive a "Love you to" de los Beatles (The Mad Hatter's Song).

Para los nuevos amantes del folk un bonito disco de una banda desapercibida en Argentina.

Personal:

Robin Williamson: voces, guitarras, mandolina, laùd àrabe, gimbri, flauta, bajo, percusiòn.
Mike Heron: voces, guitarras, armònicas
Licorice McKechnie: voces, percusiòn
Danny Thompson: doble bajo
John Hopkins: piano
Soma (Nazir Jairazbhoy): sitar, tambura

Lista de Temas:

1. Chinese White (Mike Heron)
2. No Sleep Blues (Robin Williamson)
3. Painting Box (Heron)
4. The Mad Hatter's Song (Williamson)
5. Little Cloud (Heron)
6. The Eyes of Fate (Williamson)
7. Blues for the Muse (Williamson)
8. The Hedgehog's Song (Heron)
9. First Girl I Loved (Williamson)
10. You Know What You Could Be (Heron)
11. My Name Is Death (Williamson)
12. Gently Tender (Heron)
13. Way Back in the 1960s (Williamson)

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Painting Box

Anthony Phillips - The Geese & The Ghost (1977) (2008 Reissue)

2008-10-19T05:15:00.021+02:00

Y ya que venimos hablando de violeros ex-Genesis, les ofrecemos el gran debut discogràfico del guitarrista fundador de la banda.

Esta joya aquì presente es la correspondiente remasterizaciòn del àlbum de 1977, con un CD extra que obtiene demos alternativos, algunos tracks iniciales y dos versiones de "Silver Song", que originalmente se encontraba en su cuarto disco"Private Parts & Pieces I".

Este singular guitarrista era compañero de clases de Peter Gabriel, Mike Rutherford, Tony Banks y del baterìa Chris Stewart, en la escuela secundaria Charterhouse Godalming. Alli los amigos componian sencillos para el productor Jonathan King, los cuales en su mayorìa constituyeron el primer disco de Genesis "From Genesis To Revelation" (Del Genesis a la Revelaciòn) de 1969, con la participaciòn de un nuevo baterista Johnatan Silver. Luego, con nuevo productor (Tony Stratton Smith) y nuevo baterista (John Mayhew) graban el segundo larga duraciòn "Tresspas" (Transgreciòn) con un sonido màs maduro. Es aquì cuando Phillips decide abandonar Genesis debido a que sufrìa miedo escènico que le impedìa ser parte de las performances en vivo, tambièn sigue sus pasos John Mayhew, para ser sustituidos por Steve Hackett y Phil Collins respectivamente. A partir de entonces Anthony comienza a estudiar mùsica clàsica, en especial guitarra y tambièn piano. Genesis empieza a definir su sonido con sus nuevos integrantes. Mucho tiene que ver el sonido Phillips en los temas del Lp "Nursery Cryme" "The Musical Box" y "The Fountain of Salmacis", que son de su autorìa, ejecutados y arreglados levemente por Hackett. Tambièn notamos su influencia en ciertos pasajes de guitarra del primer disco post-Gabriel "A Thrick of the Tail".

Con un puñado de composiciones de los años con Genesis y de su època de estudio , en 1977 graba este Lp con la participaciòn de Collins y Rutherford, entre otros buenos mùsicos. En "The Geese & The Ghost" predominan aires medievales e isabelinos, guitarras clàsicas, acùsticas y elèctricas de 6 y 12 cuerdas, piano y otros instrumentos de cuerdas como el bouzuki y la dulcimer guitar .
Se destacan las piezas instrumentales como la magistral "Henry: Portraits From Tudor Times"con sus 6 partes (noten en el artbook la historia sobre drama y tragedia de la guerra de los Tudor relatado) y "The Geese and the Ghost Partes I y II" las dos co-compuestas con Michael Rutherford.

Llenas de romanticismo, las lyricas tienen conjunciòn con el acompañamiento clàsico de guitarras de 6 y 12 cuerdas , melotrones, harmonios , flautas, oboes y arreglo de cuerdas. Salvo en el caso de "Collections" que nos deja una buena impresiòn de Phillips cantando y solo orquesta de fondo.

En suma, un interesantìsimo disco que no necesita màs de una sola escuchada para apreciar su verdadera magnitud y esencia.

Lista de Temas:

CD 1:

1. Wind - Tales
2. Wich Way The Wind Blows
3. Henry: Portraits From Tudor Times
(i) Fanfare
(ii) Lutes´Chorus
(iii) Misty Battlements
(iv) Lute´s Chorus Reprise
(v) Henry Goes to War
(vi) Death of a Knight
(vii) Triumphant Return
4. God If I Saw Her Now
5. Chinese Mushroom Cloud
6. The Geese and the Ghost Part i, Part ii
7. Collections
8. Sleepfall: The Geese Fly West

CD 2:

1. Master of Time (demo)
2. Title Inspiration
3. The Geese and the Ghost - Part One (basic track)
4. Collections link
5. Wich Way The Wind Blows
6. Silver Song (basic track)
7. Henry: Portraits From Tudor Times (basic tracks)
(i) Fanfare
(ii) Lute´s Chorus
(iii) Lute´s Chorus Reprise
(iv) Misty Battlements
8. Collections (demo)
9. The Geese and the Ghost - Part Two (basic track)
10. God If I Saw Her Now (basic track)
11. Sleepfall (basic track)
12. Silver Song (unreleased single version, 1973)

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Steve Hackett - Voyage of The Acolyte (1975)

2008-10-13T06:11:00.008+02:00

Pocos se imaginaban que luego de uno de los mejores discos de la historia del rock, nos referimos al impresionante disco de Genesis "The Lamb Lies Down on Broadway", Hackett saliera al ruedo con esta majestuosa obra. Mucho tendrá que ver esta étapa del músico y de la banda. Eran tiempos de transición, donde nos encontramos con la ida de Peter Gabriel y el resto del grupo enfocándose en ese gran y paradigmático disco que fuè "A Thrick of the Tail".

En "Voyage of The Acolyte" vemos a un Hackett demostrando todo su gran sentido de la experimentación y sofisticación. Lo acompañan sus conpinches de Genesis Mike Rutherford en bajo y Phil Collins en bateía y voces, Sally Oldfield en voz, como asi también los importántisimos aportes en flauta traversa de su hermano John.

En este trabajo se nota la alta informaciòn de las tecnicas de guitarra clàsica que manejaba Steve, un buen ejemplo lo apreciamos en las bellas "The Hermit" y "Hands of the Priestess I y II". En estas ùltimas la amalgama entre la flauta y la guitarra de los hermanos Hackett se trenza de una forma deliciosa para el oyente.

Comandado por el melotròn o el harmonio el tema "Star of Sirius" es uno de los picos del disco. Aquì hay una buena base rìtmica bien Genesiana gracias a la precensia de Collins y Rutherford. Algo muy parecido ocurre con "Ace of Wand"donde apreciamos la potencia de la guitarra de Hackett (muy a lo "Dancing with The Moonlit Knight") y su buen gusto para mixturar con esa violencia de guitarras instrumentos tales como las campanas o las autoharpas.

Por ùltimo la mini suite "Shadows of the Hierophant" nos demuestra claramente lo que significa el rock sinfònico-progresivo. Cuenta con una parte vocal a cargo de Sally Oldfield. Nos lleva de viaje por diferentes sitios irreales a cargo de mellotrones y climas o "capas" de guitarras que nos dan idea de texturas, para terminar con una extensa coda en compàs de tres cuartos.

Y no podemos dejar de nombrar a la artista plàstica Kim Poor, encargada de el arte de tapa de este y de buena parte de los siguientes trabajos en solitario de el maestro Steve Hackett.

Personal:

- Steve Hackett / guitarra acùstica y elèctrica, Mellotron, harmonio, campanas, autoharp, voces , efectos
- John Hackett / flauta, arpa sintetizada, campanas
- Mike Rutherford / bajo, pedales de bajo, Fuzz 12-cuerdas
- Phil Collins / baterìa, percusiòn, vibrafòno, voces
- John Acock / Elka, Rapsodia, Mellotron, harmonio, piano
- Sally Oldfield / voces
- Robin Miller / oboe, cor Anglais
- Nigel Warren-Green / solo cello
- Percy Jones / bajo extra en "Tower"
- Johnny Gustafson / bajo en "Star"
- Steve Tobin / parrot y cough

Lista de Temas:

1. Ace Of Wands
2. Hands of the Priestess Part I
3. A Tower Struck Down
4. Hands of the Priestess Part II
5. The Hermit
6. Star of Sirius
7. The Lovers
8. Shadow of the Hierophant

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Discos disponibles:

1975 - Voyage of The Acolyte
1978 - Please don`t touch!

Nuevas Pesentaciones de La Guitarra en La Ventana

2008-09-29T17:23:00.004+02:00

Viernes 3 de Octubre a las 21 hs. en El Centro Cultural Osvaldo Soriano, Sala "A" de la Biblioteca Municipal de la ciudad de Mar del Plata, 25 de mayo 3108 (esquina Catamarca). Valor $12. Se presentarán temas del disco y nuevas composiciones. Contará con las guitarras y voces de Matias Martinez y Gonzalo Luna.

Y el Viernes 10 de Octubre a las 21 hs en el Centro Cultural "América Libre" 20 de Septiembre y San Martín. Contará con los mencionados músicos e invitados.

Descargate el disco ACÁ!!!

Moreno + 2 - Máquina de Escrever Música (Music Typewriter) (2001)

2008-09-24T05:16:00.010+02:00

Brincadeiras:

Primer disco de el hijo de Caetano con su formación +2, es decir junto con el productor, compositor y multinstrumentista Alexandre Kassin y el guitarrista, percusionista y baterista Domenico Lancellotti. Es bueno decir que los discos que le siguen pasan a llamarse con el nombre de cada uno; osea Domenico +2 Sincerely Hot (2003) y Kassin +2 o +ela (por la participación de Adriana Calcanhotto) Futurismo (2006), para evacuar cualquier duda de favoritismos por portación de apellido.

En este disco predominan, obviamente, los estilos de la samba y la bossa nova, pero mucho más aggiornados y pasados por la electrónica. Ya desde el principio podemos apreciar la influencia del tropicalismo en temas como "Sertão", "Deusa Do Amor", y en las dos perlas "So Vendo que Beleza" y "Para Xò", esta última con aires muy jazzeros y con letra en castellano que bien pudiera habérsele ocurrido a Caetano. Tambièn hay un buen manejo de los climas gracias al aporte de samplers por ejemplo en "Enquanto Isso".

Por otro lado tenemos a la muy funky "Arrivederci" y a "Assim" que se suelta muy eletrónica y se pone en plan de trance hipnótico y obsesivo, dos de las mejores tajadas del disco. El disco fuè presentado en el desparecido festival Free Jazz, actualmente llamado Tim Festival y lanzado por el sello de David Byrne "Luaka Bop".

Lista de Temas:

1. Sertão
2. Deusa Do Amor
3. Enquanto Isso
4. Eu Sou Melhor Que Você
5. Das Partes
6. Arrivederci
7. Assim
8. Para Xò
9. Esfinge
10. Rio Lounge
11. O Livro & O Beijo
12. Nenhuma
13. Sò Vendo que Beleza
14. I'm Wishing

click aca para descargarlo

Y AQUI para descargar la letra de Mauricio Pacheco "Eu Sou Melhor Que Você" con claros mensajes sociològicos. Aunque estè en portugès el mensaje es simple y directo.

Al gran Jaco Pastorius, gracias

2008-09-21T05:46:00.005+02:00

A 21 años de su muerte homenajeamos al mejor bajista de todos los tiempos...

Iniciàndose en un principio como baterista y relegando ese rol por un accidente que sufriò en la muñeca, Jaco comenzò a ejecutar el bajo. Empezò a ser reconocido luego de participar en un disco de Pat Metheny llamado Bright Size Life, luego tendrìa su paso fugaz por la agrupaciòn Blood, Sweat & Tears. Debido a la magnitud de su virtuosismo y su tècnica, Jaco consigue grabar su primer disco solista con una excelente aceptaciòn de la crìtica especializada.

Pero Pastorius llegarìa a la cumbre de su carrera al ingresar a la famosa agrupaciòn de jazz-rock Weather Report arrebatàndole el lugar de Alphonso Johnson. Aquì comenzarìa la edad dorada de la banda comprendida entre 1976 y 1981, con giras por todo el mundo y discos impresionantes como "Black Market" o "Mr. Gone". Esas giras lo llevaron a visitar a Argentina y particularmente a Brasil: en el Monterrey Jazz Festival de Rio de Janeiro, donde compartirìan escenario junto con Serú Giràn, Hermeto Pascoal, John McLaughlin entre otros. Cuenta la leyenda que allì Jaco, intentò "levantarse" a la brasileña Zoca, ofrecièndole cocaìna a Charly...

Una de sus notables contribuciones fuè la de sacarle los trastes al bajo fender (fretless) sacàndole un sonido parecido al del contrabajo. Otro de los dotes que podemos resaltar de Jaco es que no solo era un bajista de pura tècnica , velocidad y aportes frìos de un instrumentista solista, sino que tambièn lograba ser un acompañante lleno de sensibilidad y poesìa para los mùsicos que acompañaba, esto lo podemos ver claramente en el disco "Hejira" de Joni Mitchell.

En los 80 Jaco sufre sus primeros trastornos mentales y se lo diagnostica manìaco depresivo, lo que le impedìa componer e inclusive tocar. Allì empieza un cìrculo autodestructivo lleno de alcohol y drogas que lo dejaba en situacion de vagar por las calles de Nueva York, jugando al basquet con pordioseros y tocando en pequeños clubes (algo muy parecido a lo que hacìa Charlie Parker).

El 11 de septiembre de 1987, tras intentar sabotear un concierto de Carlos Santana, donde tocaba Alphonso Johnson, se dirigiò hacia otro bar de la zona donde lo sacaron al igual que al anterior a la fuerza, sufriendo una paliza por el vigilante, que lo dejarìa en coma. Esto causarìa un derrame cerebral que acabarìa con su vida dìas despuès.

Un video de Jaco pues: