miércoles, 20 de septiembre de 2017

The Who - Who’s Next (1971)


La maqueta inicial de "Who’s Next" había sido pensada inicialmente como una opera rock, ya que el gran Pete Townshend quiso continuar con estos formatos de álbumes para los Who, debido en  parte a el espectacular éxito a nivel internacional que supuso la opera "Tommy" de 1969. El álbum se iba a llamar "Lifehouse", pero el ambicioso proyecto fue abortado. Sinembargo gran parte canciones escritas por el guitarrista, fueron compiladas en este disco pero sin un hilo conductor entre ellas. "Who's Next" terminaria siendo la quintaesencia de The Who. Muchos lo ubican como el mejor álbum de la banda como así también uno de los mas influyentes, frescos y mejores trabajos de la historia del rock, sobre todo por los creativos e innovadores métodos de grabación y la calidad en la experimentación que por entonces se utilizaron. Townshend tenia un nuevo juguete entre sus manos: los sintetizadores. Había dicho: "me gustan los sintetizadores, por que me ponen en la mano cosas que no tengo: el sonido de la orquesta, las cuerdas. Uno aprieta un botón y lo escucha al doble de velocidad.".

Eran fines de los años 60´s más precisamente 1969 y gracias al gran éxito de la opera rock "Tommy" Townshend decide seguir con el formato de "opera rock". Pete había declarado que su segunda opera rock "Lifehouse" seria una especie de opera futurista, un álbum conceptual grabado en directo como música de un proyecto cinematográfico. Lamentablemente en medio de la concepción de la misma, hubo una serie de cortocircuitos entre el y los otros integrantes y en especial con el productor de la banda Kit Lambret. La obra se comenzó a desarrollar en el teatro Young Vic en Londres. No se entendía muy bien, sus pasajes eran trillados y acompañado por la el descontento del público tras algunas performances de los temas en vivo en dicho teatro, lo que desemboca en que Lambert decidiera trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba grandes innovaciones técnicas. Muy influenciado por las vivencias y vibraciones que emitian las personas en las gira de "Tommy" lo que el músico buscaba lograr con "Lifehouse" era crear una música que pudiera adaptarse para describir las personalidades de la audiencia. Para hacerlo, él quería adaptar su nuevo hardware, los sintetizadores VCS3 y ARP y un PA cuadrafónico, para crear una máquina capaz de generar y combinar temas musicales personales de una data biográfica computarizada. Al final, estos componentes temáticos se fusionarían para formar un "acorde universal". Para ayudar este proceso, The Who harían que individuos de la audiencia subieran al escenario y encontraran un rol en la música. Él creía que las vibraciones se podían volver tan puras que la audiencia "se iría bailando hasta el olvido"; sus almas dejarían sus cuerpos y estarían en una clase de paraíso, un estado de nirvana o permanente de éxtasis. Mucho tendría que ver estas ideas con lo que la gran influencia religiosa que inducían a Pete a sumergirse en estos mares. Meher Baba, quien decía ser un avatar de Brahman y el filósofo Inayat Khan, un músico sufista que había escrito acerca de la conexión entre las vibraciones y el sonido con el espíritu humano. Tras quedar trunco este proyecto, como mencionamos antes, parte del gran numero de canciones que había compuesto Pete, quedaron relegadas para conformar "Who´s Next". A través de los años el guitarrista no se olvidaría de "Lifehouse" en absoluto. Por ejemplo entre 1971 y 1972, The Who lanzaron los singles "Let's See Action", "Join Together" y "Relay", que eran canciones que iban a ser parte de "Lifehouse". En 1975, se incluyó la canción "Slip Kid", originalmente escrita para "Lifehouse", en el álbum de The Who "The Who By Numbers".

En medio de este contexto histórico de la banda, se gesta este fundamental disco. Vale destacar que esos primeros años 70´s encontraban a los cuatro integrantes en quizás su mejor momento. Podemos afirmar con todo lo que suponía "Lifehouse" que Townshend estaba en un momento de máxima inspiración espiritual y creativa. El sonido de la banda comenzaba a llevar a su máximo esplendor un naciente hard rock con el plus de la experimentación, gracias a las infinitas preocupaciones de Pete en innovar con todos sus recursos tecnológicos. Un naciente rock progresivo dejaba acariciar a las canciones sin perder su raíz de R&B por supuesto. Roger Daltrey comenzaba a emparentar su carraspeada voz hacia el hard rock y las dos columnas rítmicas combinadas que proporcionaban las explosivas baquetas del irrepetible Keith Moon y los arácnidos dedos de el bajo de John Entwistle se encontraban más sólidas que nunca. Por cierto, este ultimo comenzaba ya a comprometerse mas también con su labor compositiva.

"Baba O'Riley" nos introduce a la obra como una verdadera declaración de principios por parte de Townshend. El nombre de la canción es una fusión de los nombres de los dos gurús del guitarrista la parte filosófica y espiritual de la mano de Meher Baba y las musicales minimalistas de Terry Riley. Ya el comienzo alerta lo que traía entre manos, una intro electrónica , toda una novedad para la época. Esta intro de sintetizador es una especie de mágica fuga a la que al poco tiempo un acorde de piano (tocado por Pete) comienza a guiar a los demás instrumentos a que se sumen, el ultimo es por cierto el acorde eléctrico del clásico "molinete  Townshend" de guitarra eléctrica que genera una especie de fusión entre lo electrónico y el hard rock. Los potentes ritmos de batería respaldados por sólidos y pegadizos riffs de bajo, dan paso a una ruptura repentina en la música, donde Pete canta con gracia "Don’t cry, don’t brace your eye. It’s only teenage wasteland". Lo peculiar de "Baba O'Riley" es lo remarcable de su estructura, lleva la delantera, da catedra de como debe ser un tema de rock. Al momento en que Daltrey grita " They are all Wasted!!!..." comienza un claro quiebre hacia el final sublime y esa inolvidable y acelerada coda de la canción. Keith Moon había propuesto la inclusión de un violín y asi fué, la canción entonces queda con claros aires irlandeses y por supuesto hindúes en homenaje a Meher Baba. El violín fue ejecutado por Dave Arbus y cuando se tocaba en vivo Roger susplantaba el violín por un solo de armónica. El concepto de la intro tan inmortal y característica de la canción encierra una buena historia y encausa, como gran parte de el disco, a reforzar y hacer mas recurrente el protagonismo de sintetizadores en la música rock. Townshend introdujo el año de nacimiento de Meher Baba en un sintetizador, el cual generó sobre la base de esa información, los acordes introductorios de la canción. Aquellos acordes habrían sido la música de fondo para "Baba O'Riley", pero finalmente, la secuencia frenética (que se asemeja al traqueteo de una rueda de ruleta) fue interpretado por Townshend en un órgano Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1, instrumento que le dio la marimba repetitiva a la introducción. Dentro del mundo de la opera de "Lifehouse", "Baba O'Riley" se llama "Teenage Wasteland" iba a durar 30 minutos y seria utilizada como una canción cantada por el personaje Ray, un granjero escocés que en el comienzo del álbum se reúne con su esposa Sally y sus dos hijos para iniciar un éxodo a Londres. Pero es indudable que la letra remite a a la filosofía de Meher Baba , una lucha entre la decadencia espiritual y el no dejarse estar .

La existencial "Bargain" comienza con una pieza de guitarra acústica decorada con un efecto de volumen en la guitarra eléctrica. Instantáneamente se torna rockera con un enérgico Daltrey expresando el sentido del tema. No es mas que otro homenaje de Townshend a las enseñanzas de Baba acerca de la disolución total o parcial del ego y del desapego al mundo materialista: "Con mucho gusto me perdería para encontrarte. Con gusto dejaría todo lo que tengo .Para encontrarte yo sufriría cualquier cosa y estaría alegre" y bien el estribillo: "Yo diría que es una baratija lo mejor que he tenido.". Y luego de una forma parecida a "Baba O'Riley" es interrumpida  por un suave pasaje con el canto de Pete que vuelve a aludir con toda devoción a Baba: "I know I'm worth nothing without you" ("se que no valgo nada sin ti"). La canción vuelve a convertirse en un rock duro mediante un hilo conductor marcado por un pegadizo sintetizador ARP que sobre la coda del tema vuelve aparecer mientras vuelven a encontrarse las dos guitarras del principio. La armoniosa "Love Ain't for Keeping" una de las piezas acusticas mas recordadas de la banda. Gran armonía de las voces y grandes arreglos countrys para destacar. Iba a ser incluida "Lifehouse", habla una vez mas de el granjero escocés Ray y de la vida con su pareja en comunión con la naturaleza. Cantada y compuesta por el gran John Entwistle "My Wife" cuenta en tono de ironía la historia de un hombre que va a beber la noche de un viernes. Al no regresar a casa, su esposa asume que está con otra mujer (a pesar de que este fue arrestado en la realidad) y se enoja. La canción detalla posteriormente, los diversos modos en que el hombre trata de protegerse de su esposa, incluyendo la contratación de un guardaespalda y el escape en un auto. Al ser una composición totalmente del bajista, John ejecuta gran parte de los instrumentos. Ademas del bajo se luce con el piano y el corno francés. Cerrando lo que era la cara "A" de la versión en vinilo, "The Song is Over". Con la voz principal de Townshend pero con estribillo cantado por Roger Daltrey acompañado por la linda ejecución de piano a manos de Nicky Hopkins. Pete había declarado que era una canción con un aura de angustia y melancolía pero también con aire de optimismo (sobre todo en la parte cantada por Roger). Una canción de cambios de ritmos, con excluyentes trabajos de pianos y sintetizadores, y con un bajo para sacarse el sombrero, tan simple que es como un "plus" percusivo para para la versátil batería de Keith. Sobre el final cuenta con un fragmento de "Pure & Easy" canción que al año siguiente aparecería en el tercer álbum solista de Pete "WHO CAME FIRST (1972)", y años mas tarde en el disco "Odds & Sods".

Una de las grandes baladas que no podían pasar desapercibidas, "Getting Tune". El buen gusto de los Who en todo su esplendor. Voces amalgamadas que erizan la piel, la gran interpretación del piano de Hopkins, el bajo melódico de John una vez mas, más que excluyente, la dualidad entre esa suavidad de la balada en contraposición a la parte hard rock excelentemente lograda, un tema que comienza en plan tranquilo y va creciendo singularmente en intensidad. La letra parece advertir los problemas de los músicos a la hora de componer (quizás haya sido a propósito): "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". El "country blues rock acustico" de Pete una vez mas a la orden del día con "Going Mobile". Aquí no solo es un simple blues, el guitarrista deja espacio a la experimentación, claro está. Vislumbramos toques de sintetizadores y efectos de guitarra. Se pueden escuchar los "wah - wah" y filtros entre desenfrenados ritmos de batería unicos. Como también formaria parte de la abandonada opera "Lifehouse", la letra evoca los sentires de la vida en la carretera  de el granjero Ray que junto con su esposa Sally y su familia, viajan al sur en su camioneta herméticamente cerrada.


El final de "Who´s Next" está marcado por dos himnos o clásicos de la banda y de los años 70´s, que han dejado sin duda algunas huellas en la historia del rock y la música, seguramente para siempre. Nos referimos a "Behind Blue Eyes" y a "Won't Get Fooled Again". La primera una inspiradisima balada otra vez con esa dualidad que venían demostrando con "Getting Tune", de suave comienzo y con una parte dura. Comienza con el suave arpegio de Pete con la voz de Roger a la que se le acompaña la voz del mismo y armonías vocales melancólicas pero únicas. Pasasada la mitad del tema se produce el quiebre a una atmósfera ultra rockera, donde si uno presta atención el riff de guitarra al final de esta parte, también es usado en la canción "Won't Get Fooled Again". La coda vuelve a la primer parte tristona. La canción por supuesto fue descartada de la opera estaba entrada en "el malo" de la historia, Jumbo. La letra es un lamento en primera persona de Jumbo, que siempre está enojado y lleno de angustia a causa de toda la presión y la tentación que lo rodea. Pero es obvio que es parte de lo que vivió Townshend por entonces. Era una expresión de tristeza y soledad a raíz de la presión que recibía el músico tras ser el foco creativo de la banda. Se ha versionado muchas veces, siendo quizás una de la mas recordada la de la banda Limp Bizkit en 2003. En la segunda, una vez mas Pete Townshend da rienda suelta a su obsesión por los sintetizadores. La intro es de un característico e hipnotizante pista de sintetizador. La compuso con dos teclados Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1 de 1968, el sintetizador convertía los tonos del órgano de suaves a brillantes y de arriba hacia abajo de manera automática. En su comienzo es interrumpido por potentes acordes de la guitarra marca característica de The Who, que marcan la pauta para que comience el canto de Daltrey. En medio de un ritmo movido y bien rockero la batería con todas las luces, Townshend dibujando electrizantes solos y certeros riffs, mientras que Entwistle se pasea con su Fender Precision Bass que el mismo apodó "Frankenstein" y siempre detrás la envolvente "onda sintetizada".  Llegando casi al final la intensidad de los instrumentos disminuye para dejar a esta "onda" de sintetizador sola, para ser interrumpida por un inmortal solo de Moon, seguido por un largo grito de "Yeaaaaahhhh!!!!"de Daltrey dando un final atronador. Una canción única e inmortal para la historia del rock n roll. Pete critica la revolución y el poder poniéndose en un plano inamovible: "...No nos dejaremos engañar o tomar por tontos de nuevo..." y anteponiendo lo espiritual y musical, de ese momento en su vida , de ahí a un rock  con experimentación en sonidos y su conexión clave con Meher Baba. Bastante tiempo después declaró que no era una canción que condenara estrictamente a la revolución (de hecho la canción dice: "lucharemos en las calles")  pero que la revolución, como toda acción puede tener consecuencias que no podemos predecir. También aseguraría que: "No hay que esperar ver lo que esperas ver. No esperes nada y puedes tenerlo todo. La canción estaba pensada para que los políticos y revolucionarios por igual conocieran que lo que es central en mi vida no estaba en venta, y no podía ser asimilado por ninguna causa obvia.".

El disco tubo una grandiosa aceptación y éxito comercial fue considerado por varios críticos de por entonces como el mejor álbum del grupo. Robert Christgau, escribiendo en The Village Voice, lo denominó como "el mejor álbum de hard rock en años" y dijo que, mientras que sus grabaciones anteriores se veían empañadas por un sonido fino, el grupo "alcanza ahora la misma inmediatez resonante en el estudio que consigue en directo". Es mas que obvia la influencia y lo que ha significado en el rock este álbum. Marca el final de los 60´s para la banda... y claro para el rock tambien, por que da la casualidad que esta banda ha contribuido , por supuesto en la historia de este bendito genero. Sin buscar demasiado vemos cuando Pete dice "The song is over ", "la canción se ha terminado"... pero abrimos toda una nueva era detrás. La portada es otra genialidad, tomada en Easington Colliery, muestra a la banda aparentemente después de orinar en un monolito situado dentro de un supuesto basurero. La fotografía se ve a menudo como referencia al monolito descubierto en la Luna en la película "2001: odisea del espacio", que había sido estrenada sólo tres años antes. Pete Townshend declaró que era una respuesta irónica a Stanley Kubrick por su rechazo a dirigir la película de "Tommy". Un primitivo diseño de la portada había ofrecido fotografías de mujeres obesas desnudas, que nunca aparecieron en el álbum. Contó con una portada alternativa que mostraba a Keith vestido en lencería negra, sosteniendo un látigo de cuero y llevando una peluca marrón. La edición del álbum que obtenemos aquí es la "Deluxe" siendo un disco doble. El disco uno atesora los nueve temas originales con seis canciones mas, incluidas las versiones inéditas de "Gettin' in Tune" y "Won't Get Fooled Again" y el embrión de "Pure and Easy". El segundo es el concierto ofrecido por el grupo en el teatro Young Vic de Londres el 26 de abril de 1971 con alguna que otra perlita.



Lista de Temas:


Disco 1:

1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Baby Don't You Do It (versión extendida) (Holland-Dozier-Holland)
11. Getting in Tune
12. Pure and Easy (versión alternativa)
13. Love Ain't For Keeping (versión eléctrica)
14. Behind Blue Eyes (versión alternativa)
15. Won't Get Fooled Again (grabación en New York)


Disco 2:

1. Love Ain't for Keeping
2. Pure and Easy
3. Young Man Blues
4. Time Is Passing
5. Behind Blue Eyes
6. I Don't Even Know Myself
7. Too Much of Anything
8. Getting in Tune
9. Bargain
10. Water
11. My Generation
12. Road Runner (Bo Diddley)
13. Naked Eye
14. Won't Get Fooled Again


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