viernes, 13 de diciembre de 2013

Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)


El único album completamente navideño de un beatle. Los otros miembros ya habían grabado diversas músicas referentes a esta época del año. Tal es el caso de Paul McCartney con "Wonderful Christmastime",
"Ding Dong Ding Dong" de Harrison y  la mundialmente conocida "Happy Xmas (War Is Over)" de Lennon.

Salido en 1999 "I Wanna Be Santa Claus" es un conjunto de canciones , la gran mayoría co-compuestas con su amigo y productor Mark Hudson, entre otros. Ademas cuenta con varios importantes invitados entre ellos: Timothy Schmit (miembro fundador de los Eagles), Joe Perry guitarrista de Aerosmith o Jeff Lynne (de  la Electric Light Orchestra) participa aportando su voz en tres temas. Predomina un estilo rock n roll y country sutilmente orquestadas y claros sonidos hinduès, entre otros tradicionales navideños.

 Desde el comienzo uno de los temas que mas se destaca es la versión rockera del tradicional de 1934 "Winter Wonderland" de Felix Bernard y Richard Smith . En seguida se nos presenta la bella canción que titula al album : "I Wanna Be Santa Claus". Aquí Ringo canta con una expresión de deseo, quiere ser Santa Claus. Pero reconoce que si el lo fuera brindaría regalos todos los días del año.

La épica "The Little Drummer Boy" (El Pequeño Tamborilero) se presenta como uno de los tradicionales navideños mejor logrados (quien mejor que uno de los bateristas y percusionistas mas importantes de la historia, para emularla). La historia relata a un niño que se gana la vida con un tambor y que, no teniendo nada con que obsequiar al nuevo Mesías de la Nochebuena, decide darle una serenata con su instrumento como prueba de amor, hecho ante el cual el Recién Nacido le mira y le sonríe dándole a entender que ha comprendido la intención.

Otro gran momento es la lácrimogena "Christams Eve" de Ringo y Hudson. Una emocional balada, muy bien lograda, que nos dibuja el melancólico panorama de una navidad en soledad, con múltiples  metáforas, a cual mas desoladora.
Otro de los momentos mas importantes es "Christmas Time (Is Here Again)", un sencillo de los Beatles del año 1967  lanzada a los miembros del club de fans de los Beatles, también fue incluida años mas tarde en una recopilación de 1970 "The Beatles' Christmas Album".

El álbum cierra con una excentricidad: "Pax Um Biscum (Peace Be with You)". Un tema de carácter hindú , titulado en latín y luego cantado en varios idiomas entre ellos el español.



Lista de Temas:

1. Come On Christmas, Christmas Come On
2. Winter Wonderland
3. I Wanna Be Santa Claus
4. The Little Drummer Boy
5. Rudolph The Red-Nosed Reindeer
6. Christmas Eve
7. The Christmas Dance
8. Christmas Time Is Here Again
9. Blue Christmas
10. Dear Santa
11. White Christmas
12. Pax Um Biscum (Peace Be With You)

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Otros posts navideños de LGV:


38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)

lunes, 28 de octubre de 2013

Heurística - Amanecer (2013)


Heurística es un conjunto musical formado a fines del año 2012  en la ciudad de Mar del Plata. Con una propuesta sumamente ligada a la música de autor, con gran  influencia de excluyentes leyendas del rock argentino, tales como Luis Alberto Spinetta, Charly Garcìa o Fito Paèz. Como así también de  la música folclórica.

La banda es un proyecto del compositor, guitarrista y cantante Matias Martinez, quien años atras ya nos deleito con su primer trabajo como solista denominado "La Guitarra en La Ventana". Matias convoca a diferentes músicos de la ciudad de Mar del Plata. Así el músico logra darle otro enfoque y otro concepto de sonoridades a algunas de las composiciones ya incluidas en su trabajo solista: La Guitarra en La Ventana (2008), como así también otras nuevas co-composiciones.



Integrantes:

Matias Martinez: guitarra y voz
Victoria Ocampo: voz
Julieta Centurion: percusión
Rosario Gonsalez: violín
Joaquín Ramirez: teclados


Lista de Temas:

1. Todo Amanecer
2. La Piel
3. Avuelo de pájaro (Carnavalito)
4. Sueño 1ro
5. Al Latir
6. Marroquí
7. Congelar Un latido
8. Alma Sadica
9. Luna dime que me ha hecho
10. Plenilunio
11. Murmullo
12. La Voz

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martes, 3 de septiembre de 2013

Blues Breakers - John Mayall with Eric Clapton (1966)


El año 1966 fue significativo ya que, nos traería un álbum que ha dejado una importante huella para el blues blanco inglés y por supuesto para la toda la histora del rock and roll y el blues mundial. El multinstrumentista John Mayall con su agrupación "The Bluesbreakers" seria una de los pioneros en establecer el blues ingles durante la década del 60.

Si bien la carrera de Mayall se había iniciado ya en la segunda mitad de la década del 50 en Manchester, en pleno auge del R & R, con  agrupaciones como "The Powerhouse Four" primero y luego en 1962 "The Blues Syndicate", no tomaría especial énfasis hasta 1963, año en que impulsado por el legendario Alexis Korner formaría su mas importante agrupación: "The Bluesbreakers" en Londres. El éxito de los Bluesbreakers tendría mucho que ver con la movida que comenzaba a gestarse en Inglaterra por entonces. Bandas como The Rolling Stones, entre otras, comenzaban a hacer sus primeras armas mixturado el pop británico con el llamado "Chicago sound".

"Bluesbreakers with Eric Clapton" es un gran trabajo que tiene la particularidad de contar con la inmejorable participación de Eric "Slowhand " Clapton que aquí impone la moda de utilizar su Gibson Les Paul distorsionada a través de un amplificador Marshall (reemplazando la Telecaster y el ampli Vox que utilizaba en The Yardbirds). Formar parte de los  Bluesbreakers a Clapton le encajaba "como anillo al dedo" ya venia de abandonar a "The Yardbirds" precisamente para ahondar en su verdadero amor: el blues. También por ese entonces la agrupación estaba conformada por el gran bajista John McVie quien luego formaría Fleetwood Mac. Clapton es la guitarra principal  en todos los temas y también la voz principal de "Ramblin'on My Mind".

Gran parte de las canciones son versiones tradicionales de los viejos bluseros ídolos de Mayall. Composiciones arregladas por el mismo, salvo algunas propias y una co-compuesta con Clapton.
El álbum comienza con un gran clásico de Willie Dixon y Otis Rush: "All Your Love" de característico riff, quizás donde mas se luce la guitarra de Clapton. Luego le sigue la gran refregada instrumental "Hideway" para darle paso a la primer composición de Mayall del album: "Little Girl". Enérgica por donde se la mire, con una bonita ejecución del Hammond a cargo del propio John.

Si hay algo inobjetable en John Mayall es su originalidad en aflorar los mejores arreglos de bluses tradicionales, son los casos por ejemplo del tradicional "Another Man" y el "What'd I Say" de Ray Charles. En la primera, toca y canta Mayall con su armónica. Compuesta por tres frases repetidas cinco veces y el único acompañamiento que tiene son las palmadas de los otros músicos. La segunda con un espíritu de "Jam session" con un genial acompañamiento de órgano Hammond en el comienzo, que deriva en un impresionante solo de batería desembocando en un genial riff de Clapton de "Day Tripper" de Los Beatles.

De composición Clapton/Mayall aparece el suculento blues "Double Crossing Time", nuevamente con solos de Clapton que nos demuestran por que en las calles londinenses comenzaban a vislumbrarse pintadas las paredes con la clásica leyenda "Clapton is God". No podemos dejar de mencionar, tampoco los excelentes arreglos de vientos, particularmente los bellos tonos del saxo de Alan Skidmore en "Have you heard ", enorme blues de Mayall. Otro momento importante es la versión del clásico de Robert Johnson "Ramblin' on my mind", primer tema de la carrera de Clapton como voz principal.

También conocido como "The Beano Album" (por que Eric Clapton esta leyendo dicho comic en la portada del vinilo) es un maravilloso disco, esencial para la historia del blues y el rock n roll, encausaría la carrera de Clapton poco después hacia la revolucionaria banda Cream junto a Jack Bruce y Ginger Baker. Por su parte Mayall seguiría experimentando  con un blues más acústico (más hippie) y diversos sonidos junto a los Bluesbreakers. Durante los años 70 , también incursionaría  con la fusión del blues con el jazz, como así también con el funk y el soul. Muchos lo apodarían, luego como "El Camaleón del Blues". El bajista John McVie discos después se marcharía junto al baterista Mick Fleetwood y el gran guitarrista Peter Green (también integrantes de los Bluesbreakers, tras irse Clapton) para formar el primer Fleetwood Mac (el más blusero).



Personal:

John Mayall: voz principal, hammond, guitarra, armónica
Eric Clapton: voz principal, coros, guitarra
John McVie: bajo
Hughie Flint: batería
John Allmond: saxo barítono
Alan Skidmore: saxo tenor
Dennis Healey: trompeta
Gus Dudgeon: ingeniero de sonido
Mike Vernon: productor



Lista de Temas:

1. All Your Love (Willie Dixon/Otis Rush)
2. Hide Away (Freddie King/Sonny Thompson)
3. Little Girl (Mayall)
4. Another Man (arr. Mayall)
5. Double Crossing Time (Clapton/Mayall)
6. What'd I Say  (Ray Charles)
7. Key to Love (Mayall)
8. Parchman Farm (Mose Allison)
9. Have You Heard (Mayall)
10. Ramblin' on My Mind" (Robert Johnson/Tradicional arr. Mayall)
11. Steppin' Out (James Bracken)
12. It Ain't Right (Little Walter)


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lunes, 12 de agosto de 2013

Raúl Carnota - Espejos I (2005)




Raúl Carnota, gran cantante, compositor, autor, percusionista y guitarrista del folclore argentino. Su carrera ya se había comenzado a forjar desde comienzos de los años 70´s con diferentes participaciones y formaciones como la del trío instrumental formado en 1979 junto al  pianista Eduardo Spinassi y el percucionista Rodolfo Sànchez. Pero no se tornaría un potencial éxito hasta  1983 , año en que se publica su debut discográfico presente en este blog: SUNA ROCHA/RAUL CARNOTA (1983) junto a la cantante Suna Rocha. A raìz de esas excelentes composciciones , es invitado por Mercedes Sosa para grabar juntos "Salamanqueando Pa´mi" y "Grito Santiagueño" para su LP "Como un Pájaro Libre".

"Espejos" es un trabajo doble hecho en dos formas. El primero, presente aquí son las composiciones correspondientes en versión acústica, es decir solo con guitarra y percusión o como bien bautizo el mismo Carnota : la forma "pirrigenia". Intentando asi mostrar una raíz mas folclórica. En cambio "Espejos II" muestra un costado diferente mas emparentado con la fusión y el jazz.
Un gran trabajo que abarca muchas temáticas y estilos musicales: desde el sorpresivo candombe bossanovesco  de "La Camorrita" pasando por chamamés, zambas, chacareras y gatos.Las temáticas de las letras Carnota, se presentan con gran originalidad y fuertes criticas a lo establecido, como así también tintes poéticos de lo mas inspirados.

El comienzo de "La Camorrita" contiene un fuerte y realista recitado de los tiempos que corren y  con una clara critica hacia la clase dirigencial argentina. Como una especie de homenaje a sus raíces vascas, Carnota se anima a interpretar la bellísima canción de cuna vasca: "Aurtxo a seaskanc" por supuesto en su idioma original. De las partes mas preciosas del álbum.

Otros  dos grandes momentos son el chamamé "Juancito en la siesta " y "La Chacarera del Pensador". La primera escrita por Chacho Muller, con una mirada omnisciente, describe un nostálgico paisaje que transita un niñito al escaparse a la hora de la siesta. La segunda muy pegadiza y de gran creatividad , basta con solo escucharla , una verdadera caricia al alma del intelectual.
También podemos apreciar el bonito vals "Postales" goza de un swing pocas veces logrado.

De música R.Carnota y letra Néstor Soria la bella zamba "Luna de Guitián". Nos cuenta la historia de el "Juancho" de apellido Guitián fallecido en 2009. La zamba es un pequeño homenaje al hombre y a ese apellido "arribeño" (habitante de los pueblos cerreños, de arriba). Cuenta el propio Soria habitante de Raco, Tucumán, que el hombre en cuestión "Estaba hecho al trabajo injusto de carpir la tierra propia, pero ajena por unos papeles fraudulentos.Ya ni le permitían habitar su palmo y tuvo que armar un rancho en predio fiscal. Quizás de ahí le nacía esa necesidad que lo empujaba a beber, en abundancia, un etílico barato, vino pisa’o a puro talón, fermentado al rocío... Luego de haber casi convivido con el “Juancho” más de 10 años, sé que en aquella gleba donde hundía su pala, en cada terrón húmedo de savia, el rezumo de sus choznos, bisabuelos y padres, se destapaba como un llanto innoble, y él, retorcida la mente por el alcohol, se negaba a mirarlo, era como si se escapara de tan infame realidad. ¡Descansa en paz, amigo, vecino. Tu grito, mientras yo viva, tendrá su justificación y saldré a prolongarlo, aunque sea cantándote!."

Un gran disco, que encierra otras grandes historias y navega buenamente por diversos géneros. Esto ultimo es más que valorable aun, teniendo en cuenta las limitaciones de utilizar solo dos instrumentos. Con trabajos como estos Raúl Carnota reeivindica su condición de ser uno de los máximos referentes del folclore argentino contemporáneo e importante influyente de las nuevas generaciones de folcloristas.


Lista de Temas:

1. La Camorrita (Candombe)
2. Aurtxo A Seaskan (Canción De Cuna Vasca)
3. Coplas Para Mi Tierra (Chacarera)
4. Juancito En La Siesta (Chamamé)
5. Chacarera Del Pensador (Chacarera)
6. Postales (Vals)
7. Luna De Guitián (Zamba)
8. Por Seguir (Gato)
9. Mi Corazón (Zamba)
10. Hay Un Camino (Vidala)

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Luna de Guitián




Discos disponibles de R. Carnota:

1983 - SUNA ROCHA/RAUL CARNOTA
2005 - ESPEJOS I

viernes, 5 de julio de 2013

After Crying - Overground Music (1990)


After Crying es un ensamble de músicos académicos provenientes de Hungría; ellos mezclan la música clásica con el rock progresivo sinfónico el jazz y la música contemporánea de cámara. También hay una clara influencia a la psicodelia de Syd Barret y a las partes mas oscuras de King Crimson, entre otras influencias más.

El nombre de la banda fue bautizado en 1986, pero ya venían trabajando desde 1978. Sus miembros fundadores eran: Egervári Gábor (flauta), Görgényi Tamás (voz), Torma Ferenc (guitarra y sintetizador) y Vedres Csaba (piano y sintetizador).
La interesante propuesta que proponían estos excelentes músicos los llevó a cambiar la formación en varias ocasiones. Hasta que en 1986 Csaba forma un trío con Gábor y el chelista Pejtsik Péter al que en definitiva bautizarían como After Crying. Junto a Solaris es considerada la banda más importantes del rock progresivo de Hungría llevándolos a actuar con próceres del genero como Peter Hammill.

El presente aquí es su gran album debut salido en el año 1990. Una caja de sorpresas interesantisimas: rock sinfónico progresivo, jazz, música clásica e influencias de la música tradicional Húngara y tantas otras cosas más.
El trabajo abre con un homenaje a uno de los ídolos de la banda: Frank Zappa. Una pieza que comienza en plan rockero pero arreglado para cuerdas y vientos, una verdadera genialidad. Los músicos se presentan dando una impresionante demostración de como ejecutan sus respectivos instrumentos. Magníficos pasajes de flautas cellos y piano para una letra que habla de todo lo que es, fue y será el continente europeo. Describe de una forma un tanto surrealista, extravagante y exótica el caos de la Europa contemporánea, tal como la describiría el propio Zappa (por cierto con vida aun por esos tiempos).

Le sigue la apaciguante "Don´t Betray Me" con impecables arreglos de vientos, donde mas se destaca la trompeta de Balázs Winkler. La enérgica melodía vocal de "Confess Your beauty" es quizás la que mas nos recuerde al Pink Floyd de Barret una bella pieza de instrumentación exquisita.
La secuencia " Madrigal Love" se ve apenas interrumpida por una de los momentos mas interesantes del álbum : "...to black...". Ottó Racz con su oboe es quizás quien mas se luce aquí. La pieza de carácter oscuro (como bien se la nombra) parece describir una situación de desengaño amoroso en medio de una sombría noche invernal. Muchas influencias  del costado mas oscuro de King Crimson.

Cierra el álbum la dulce y lúgubre a la vez  "Shining (...to the Powers of Fairyland)". Una extensa pieza que cuenta con la hermosa voz de Judit Andrejszki. Es excluyente los arreglos de vientos tanto como de la flauta y en el final los bronces (trompeta y trombón).

Hasta 1994 After Crying continuó con mas obras de gran calidad: "Megalázottak És Megszomorítottak (The Insulted And Injuried)" (1992) y "Föld És Ég (Earth And Sky)" (1994) con varias idas y venidas entre sus integrantes pasando de ser un cuarteto con el típico sostén rítmico de bajo y batería, guitarras y teclados, a un ensamble de 15 integrantes.
Una gran incorporación también fue sin duda alguna el músico Winkler Balázs quien aporto trompetas, voces y sintetizadores.
Luego de esta trilogía de álbumes Csaba abandona el ensamble y para iniciar un nuevo proyecto: Townscream. Pero la ida de el alma-mater de la agrupación daría sus buenos resultados. Luego de un periodo de extenso silencio y ese fruto seria "De Profundis" de 1996, el cual obtuvo excelentes críticas. El éxito ascendente del grupo lo llevo a participar en varios festivales de gran envergadura como por ejemplo el "West End Festival de Budapest", en donde interpretaron el clásico de King Crimson "Starless", junto al mismisimo John Wetton y otros como "ProgLive" de 1998 y el "Baja-Prog" de México en 1999.
Otros grandes trabajos editados fueron álbumes como "Elsô Évtized (The First Decade)"(1996), "After Crying 6" (1997) y "Almost Pure Instrumental" (1998). Pero sin duda el mas destacable fue su anteultima placa: “After Crying Show”, de concepto  donde el tema principal es manifestar su protesta contra la política imperialista de los Estados Unidos rechazando el uso de la guerra para combatir el terrorismo.

Una banda imperdible que ha marcado tendencia para algunos y para muchos otros ha hecho vanguardia. "Overground Music" quizás no sea de lo mejor de After Crynig pero es una muy buena carta de presentación, para quienes ignoraban su existencia.




Personal:

Csaba Vedres: piano, voces, sintetizadores
Péter Pejtsik: cello, voces, bajo
Kristóf Fogolyán: flautas
Zsolt Maroevich: viola
Judit Andrejszki: voces
Pál Makovecz: trombón
Ottó Rácz: oboe
Aladár Tüske: fagot
Balázs Winkler: trompetas



Lista de Temas:

1. European Things (Hommage à Frank Zappa)
2. Don't Betray Me
3. Confess Your Beauty
4. Madrigal Love Part One
5. ...to Black...
6. Madrigal Love Part Two (Over Every Sea)
7. Madigral Love Part Free
8. Shining (...to the Powers of Fairyland)


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domingo, 16 de junio de 2013

Dream Theater - Images And Words (1992)


En lo que al "metal progresivo" en los años 90 concierne, la banda estadounidense Dream Theater con su segundo trabajo, son una de las bandas más incidentes del genero que ahora nos convoca. Es el primer trabajo también, donde se dá a conocer el eximio vocalista James LaBrie.

Dream Theater se formó en el año 1985 en Massachusetts, en el Berklee College of Music of Boston. Allí era donde el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung y el baterista Mike Portnoy estudiaban. Este tridente se dedicaría a versionar covers de Rush y Iron Maiden.
Este primer embrión de Dream Theater se llamaría "Majesty". Poco tiempo después Petrucci recomendaría incorporar un tecladista, con lo cual convocarían a Kevin Moore compañero del mismo, a quienes se les sumaria también otro viejo conocido, Chris Collins como vocalista.
Durante buena parte del año 1986, Majesty hacia sus presentaciones moviendose en lugares de culto para el floreciente "metal progresivo", por sitios cercanos a New York, y también les posibilitó grabar "The Majesty Demos". A finales de ese mismo año , tendrían un común acuerdo de despedir al vocalista Chris Collins, quien seria reemplazado por Charlie Dominici.
Tras ser demandado por una agrupación de Las Vegas, Majesty combaría de nombre a Dream Theater. En 1988 con nueva formación, denominación y un sinnúmero de recitales alrededor de Nueva York en su haber, la banda conseguiría su primer contrato con la grabadora "Mechanic Records", para grabar su disco debut: "When Dream and Day Unite" de 1989. Este debut remarca las claras influencias de Iron Maiden y Rush. Pero no tendría la riqueza progresiva y el talento mostrados en otros trabajos .

Dream Theater se caracteriza por el virtuosismo instrumental de sus integrantes. Una cabeza visible es sin dudar el excelente guitarrista John Petrucci, quien también ha demostrado ser un gran letrista. En el mundo musical de Dream Theater nada esta librado al azahar y cada instrumento tiene su propio espacio, ninguno esta por encima de otro. Este aspecto convierte en una equilibrada banda progresiva, tal como debe serlo y en este caso alerta al oyente clásico del rock progresivo a considerar al heavy metal.
"Images and Words" se convertiría en un nuevo amanecer de la banda y el primer trabajo de alto nivel y de un valioso material. Para cuando se encontraban en pleno proceso de concepción , los integrantes ya habían prescindido de los servicios de Dominici, por demostrar limitaciones vocales ya en parte de la gira de presentación de "When Dream and Day Unite".
En el periodo de 2 años la banda se dedicó a componer nuevas canciones y probar con nuevos vocalistas. Es así que primero fué el turno de Steve Stone, quien solo gozó de la grabación de algunos demos y de solamente un concierto con Dream Theater. Justamente ese único concierto, marcó a fuego su paso funesto por la banda. En aquel recital se comportó de manera indebida bailando extrañamente e imitando jocosamente a Bruce Dickinson. Sin embargo Dream Theater continuó presentándose en vivo solo instrumentalmente hasta 1991. A comienzos de ese año, el vocalista canadiense Kevin James LaBrie, quien provenía de la banda de glam metal Winter Rose, audiciona para Dream Theater en Nueva York.
Su desempeño deja mas que conforme al resto de los integrantes. Con nueva productora ATCO Records (ahora Eastwest) y el ex Gentle Giant, Derek Shulman, Dream Theater firma contrato por siete discos. La ultima ficha del rompecabezas del nuevo Dream Theater fue LaBrie, así, la banda dedico los siguientes meses en grabar las voces de las maquetas instrumentales de "Images and Words" que ya poseían.

"Images and Words" no puede tener un comienzo mas prometedor. "Pull me Under" es una canción de 8:11, considerada como uno de los mayores aciertos de la banda, también a nivel comercial. Contiene una introducción en plan tranquilo para zambullirse en poderosos riffes heavies bien matizados por teclados. Sólida por donde se la mire, con firmes bases de bajos y el trabajo de Portnoy en batería es abrumador (en un momento de pleno énfasis de la voz la batería le gana terreno) y un pegadizo estribillo. Tiene todos los elementos para describir lo que es el "metal progresivo". La letra de la canción se basa en "Hamlet" de William Shakespeare. La misma enaltece los sentimientos de venganza por la muerte de su padre por parte del personaje en cuestión y la locura que acecharía al mismo. Al final de la canción apreciamos como LaBrie canturrea extensamente y casi camufladamente versos extraídos de la mismísima obra de Shakespeare: "Oooooh that this too, too solid flesh would melt..." (Oh esto es muy, muy sólido que la piel se puede derretir). Justamente al terminar esa ultima palabra ("melt") la canción se corta bruscamente, como para demostrarnos la repentina y inesperada naturaleza de la muerte. Un final realmente tan simple y tan poco convencional: rasgos de genialidad .

Pero como un ave fénix aparece "Another Day". Una canción con dos caras. Una tierna y bellisima balada que va creciendo hasta ponerse en plan heavy metal. Letra escrita por John Petrucci, trata de la lucha de su padre contra el cáncer. La elegancia que le brinda el saxofón ejecutado por Jay Beckenstein es determinante. Los exquisitos trabajos vocales de LaBrie son impecables y el trabajo de guitarras de Petrucci, tanto en el riff como en el coronante solo, hace de "Another Day" todo un clásico de Dream Theater. Una canción para escucharla todos los días.

Con fragmentos de composiciones de todos los integrantes (menos de LaBrie) "Take the Time" aporta una fuerte cuota al álbum. Se destacan en buena parte los teclados de Moore, tanto en synths como en el piano, pero mas que nada el excelente aporte de Myung al bajo. La letra refiere a ese momento tortuoso, pero fructuoso al final, que fue para la banda la búsqueda de un cantante que cuaje con sus aspiraciones.

Compuesta por el tecladista Kevin Moore, "Surrounded" comienza con una introducción de teclados y synths que acompañan a la voz. Luego el tema se transforma en un pop/rock con toques progresivos.

Con "Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper" Dream Theater sin duda confirma su magistralía. De neto corte épico y fantástico es una mini suite de 9 minutos y medio donde se demuestra todo el talento de cada uno de sus integrantes al ejecutar de manera compleja sus instrumentos y en conjunción. La canción explora varios géneros desde obviamente el metal progresivo hasta convive con aires jazz-rock al estilo "Chick Corea Electric Band". Para su concepción John Petrucci se basó en la historia de un vinculo telepático entre Ròmulo y Remo, pero los gemelos se llaman Miracle (Milagro) y Sleeper (Soñador). Es una de las canciones más aclamadas por sus fans junto a la suite épica también "A Change of Season". La Parte 2 de "Metropolis" sería una canción de 20 minutos que se incluiría en "Falling into Infinity" de 1997, pero finalmente decidieron que seria mas que eso, un álbum conceptual entero: "Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory" (1999).
"Under a Glass Moon" es uno de los tracks mas heavys del disco. Contiene un impresionante solo de Petrucci. Esta posicionado en el puesto #98 en la lista de los 100 mejores solos de guitarra.

La bellísima y melancólica "Wait for Sleep" es un dueto entre, la voz de LaBrie y el compositor, que es Kevin Moore que sin duda alguna aportó muchisimo desde la composición .

Otra buena conjunción entre todos los instrumentos se dá en "Learning to Live".Por supuesto con una estructura dinámica desde el comienzo y algo inusual. El riff de guitarras eléctricas es inolvidable, una vez mas influenciados por el jazz rock y sin olvidar finos tramos de la acústica. LaBrie utiliza su voz como un instrumento mas. Comienza a cantar sin letra acompañado al fuerte climax de la canción. Y ya llegando al final, la banda nos regala un "reprise" de el anterior tema, "Wait for Sleep". La letra habla de la epidemia del SIDA. Algunas cosas son sacadas del libro "La rebelión de Atlas" Ayn Rand. Y otras mas esperanzadoras sobre el tema en cuestión pueden apreciarse en el final, de autoría de Myung: "The way you heart sounds makes all the diference...", es decir: "La forma en que tu corazón suena hace toda la diferencia..."

De la mano de "Pull Me Under" y de una extensa gira por EE.UU y Japón. "Images and Words" logró ser disco de oro y platino en estos dos países, respectivamente. Luego vendría la gira por Europa de 1993 archivada en video en el legendario Marquee jazz club de Londres (Live at the Marquee)."Pull Me Under" un gran hit de los 90 y el mas exitoso de la banda que se vio realmente sorprendida ante esto ya que imaginaban que el verdadero hit seria "Another Day". MTV se encargo de popularizarlo, algo realmente gratificante teniendo en cuenta esos primeros años de los 90 donde bandas como Nirvana, Guns N Roses o Metallica con su gran "Álbum Negro" afloraban en el panorama rockero.

Dream Theater, por supuesto que siguió en su cruzada de aportar excelentes trabajos para el llamado "metal progresivo" como por ejemplo el siguiente trabajo (y ultimo con Moore) "Awake". También Dream Theater se caracterizo en lanzar los llamados "Internatinal Fan Club CDS" o los EPS. Uno de los EPS mas conocidos es "A Change of Season", donde se encuentra la suite homónima y el resto una especie de homenaje en vivo a influencias de la banda. A saber: Elton John, Led Zeppelin, Pink Floyd, Queen, Genesis, Kansas entre otros.
Los tres miembros que hoy en día se mantienen vigentes son: LaBrie, Petrucci y Myung. Desde la salida de Kevin Moore en 1995 han cambiado varias veces de tecladista. El ultimo en salir fue Mike Portnoy en 2010, quien fue reemplazado por Mike Mangini, a quien algunos se han tentado en llamarlo el mejor baterista que existe en la actualidad.



Lista de Temas:

1. Pull Me Under
2. Another Day
3. Take The Time
4. Surrounded
5. Metropolis, Pt. 1: The Miracle And The Sleeper
6. Under A Glass Moon
7. Wait For Sleep
8. Learning To Live


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Video oficial de "Another Day"




Metropolis, Pt. 1: The Miracle And The Sleeper (SCORE: 20TH ANNIVERSARY WORLD TOUR LIVE WITH THE OCTAVARIUM ORCHESTRA, 2006)

domingo, 28 de abril de 2013

Los Visitantes - Espiritango (1994)



Tras disolver la agrupación Don Cornelio (post "Y la Zona"), el excelente e  injustamente mal valorado compositor y cantante Roberto "Palo" Pandolfo forma Los Visitantes, banda con vestigios de los ochentas de Don Cornelio , pero con una impronta mas aggiornada a los 90´s con una mirada al futuro. El sonido de Los Visitantes es una mezcla de sonidos latinos, rock, algo de punk, pop, new wave, folclore argentino y  tango con todas sus vertientes.

En principio Los Visitantes eran: Palo Pandolfo (voz y guitarra), Jorge Albornoz (batería, percusión y coros), Federico Gahzarossián (bajo y coros) , Karina Cohen (coros) y Daniel Delhom (teclados y máquinas). En seguida el suplemento "Si" del diario Clarín , los condecora como "Banda Revelación" del año 1992. con todo esto ingresan a grabar su primer gran trabajo: "Salud Universal" (1993), de considerable éxito. Allí se encuentra el glorioso hit "Playas Oscuras" que demuestra los dotes de composición de Pandolfo y su certera poesía.

Producido por Andrés Calamaro, al año siguiente lanzan "Espiritango". Un gran y extenso trabajo que transita por muchos y diferentes terrenos y dialoga de diversos temas. En "Espiritango" hay de todo: desde la balada pop hasta el punk y el heavy metal, desde el folclore  hasta ritmos tecno, un verdadero abanico de estilos. Por supuesto que las letras de Pandolfo no se quedan atrás, dando lo mejor de si, poeticamente hablando. Hablan de varios tópicos  poesía urbana/barrial, amor, odio, sexo, historia nacional y una particular visión acerca de la muerte. Todo esto sin perder esa irrefutable condición de cofradía que tenia la banda. Tan variado es el trabajo, que en momentos parece material de experimentación deforme, en otras material netamente crudo y hasta podemos hallar bellos arreglos.

Desde el comienzo se destaca "Gris Atardecer" que asoma como un lindo hit con reminiscencias de la "new wave" de los años 80´s. El tema hace gala de una poesía audiovisual muy bien lograda con la simpleza que merece catalogar de hit. Se Logran muy buenos riffs de guitarras en varios temas como por ejemplo "Mecánica Ciudad" y  en "Villa Dominico". Esta ultima parece describir el lugar en cuestión con una atmósfera heavy metal entre rasguidos de guitarras distorsionadas y descarnados gritos. Otra muestra de la influencias punkies es la caótica "Sopa Yanqui" un tema cantado con una exuberante exageración y velocidad extrema, al punto de no entenderse la letra. Es una clara burla de  Palo a la sociedad de consumo de una manera altamente irónica.

"El Deseo de Evita" y "Risa Roja" mantienen la tradición y revindican a Palo como un gran compositor de tango y folclore. La primera de aire milonguero y la segunda claros mensajes del altiplano con ritmos carnavalescos.

A partir del "El Ente" comienza una seguidilla de temas que no hacen mas que confirmar la magistralía del disco. "El Ente" es perfecta. Evoca con especial sutileza temas tan cotidianos y personales a punto de emocionar. Rústicamente y ritmicamente perfecta y como si fuera poco un elegante saxofón la acompaña.Y si hablamos de emocionarnos, no es para menos con la bellisima composición que hilvanan Los Visitantes inmediatamente: "Basta de Llanto". Una cruda balada que cuenta con la participación de Andres Calamaro en teclados. Palo canta tan inspiradamente que es para sacarse el sombrero sus gritos nos ponen la piel de gallina. Le siguen las dos ritmicamente correctas: "Mamita Dulce" y "La Pantera". Para añadir un toque mas de diversidad "Pájaro Vuela". Sacada de una pista de baile con maquinitas y loops una impronta "tecno-hippie". La voz principal es de la pareja de entonces de Palo, Karina Choen.

Los Visitantes presentaron "Espiritango" en el  Teatro Astros en agosto de 1995. También allí estrenaron algunos temas inéditos que formarían parte de siguiente trabajo en directo "En Caliente". La trayectoria de la banda seguiría con algunos cambios en su formación inicial , y con tres trabajos muy interesantes más: En caliente (1995), Maderita (1996), Desequilibrio (1998) y Herido de distancia (1999).
Luego la formación desaparece, pero otra interesante historia comenzaría, la gran carrera como solista de Palo.



Lista de temas:

1. La Musa
2. Gris atardecer
3. Patada sucia
4. Mecánica ciudad
5. El deseo de Evita
6. Guerra tras guerra
7. Villa Domínico
8. Somos el cielo
9. Guarda
10. Toda la nena
11. Risa roja
12. Sopa yanqui
13. La ondulación
14. El ente
15. Basta de llanto
16. Mamita dulce
17. La pantera
18. Pájaro vuela
19. Auto Unión
20. Tu secreto


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domingo, 14 de abril de 2013

Carmen - Fandangos In Space (1973)



Una interesante formación británico/americana de los años 70´s a la cual se le han encargado de denominar a su estilo de varias maneras "Flamenco progresivo", "Flamenco rock" o también "rock de influencias andaluces". Esta ultima definición debido a la alta influencia de bandas como Triana, Smash, Storm, Alameda, Imán, Guadalquivir y muchas más.

Carmen se formó en Los Angeles por el perspicaz guitarrista de flamenco y cantante David Clark Allen y su hermana Angela Allen cantante y bailarina ambos influenciados por padre y madre guitarrista y bailarina de flamenco, respectivamente. Allí en Los Angeles se les uniría otro bailarín y cantante de origen español Roberto Amaral. Con la llegada de este ultimo que se decidió encarar un proyecto de iniciar una banda de rock con ritmos flamencos. Fue así que a principios de la década del 70 que viajan a Londres donde se les unió el bajista John Glascock y el baterista Paul Fenton. En medio de la gestación de una famosa corriente dentro del rock el "glam rock", Carmen se rodeaba con artistas de la talla de David Bowie, Marc Bolan (T. Rex) o Bryan Ferry (Roxy Music). En 1974 al regresar a USA debido al gran éxito de "Fandangos In Space", tuvieron la suerte de telonear a leyendas como Santana, Blue Öyster Cult y Electric Light Orchestra y al año siguiente a Jethro Tull.

Con una propuesta  parecida a la del Jethro Tull de la segunda mitad de los 70´s (pero obviamente una fusión de rock con el flamenco), Carmen lanza su primer trabajo titulado "Fandangos in Space" con la inmejorable producción de Tony Visconti sugerido por el  mismísimo David Bowie.
La clara intención de "flamenquear" al rock progresivo, se manifiesta en estado puro ya con un inmejorable comienzo para un disco: "Bulerias".  Una mini/suite de tres movimientos. Una introducción sin igual para un disco a un grito de: ahora!!!!!! le siguen contundentes bases de guitarras y bajos con destellos de moogs y un canto a lo "spainglish", donde podemos vislumbrar frases como: "Anda jaleo, jaleo/en el café de Sevilla/ they get down al tiroteo". Luego se demuestra las habilidades tanto como para la instrumentación como para el sonido del zapateo en el baile, para culminar con un tramo acústico que da pie a la intro del siguiente  "Bullfight". Un tema con muchos cambios de tiempos y texturas. Comienza con esta sección acústica para
luego deleitarnos con una gran base rítmica y buenos trabajos corales otra vez a lo "spaninglish", se destaca el uso del moog y  un segmento de la voz en la que Allen recuerda mucho a cantantes de las bandas de Frank Zappa. La letra habla de las corridas de toro y parecen emular los gritos del público cantados "shouts of Olé". En esa misma linea "Stepping Stone" se acerca mucho a un sonido "funk flamenqueado" con excelentes trabajos vocales y colchones de synths.

La apaciguante "Sailor Song" parece describir la vida de un marinero. Una vez más David Allen demuestra buen trabajo de guitarras acústicas y por supuesto los trabajos vocales de Angela Allen-Amaral-Glascock son determinantes. Allen nos demuestra su virtud no solo en la composición sino también su capacidad como arreglador de temas tradicionales es el caso de "Por Tarantos".

Con "Looking Outside (My Window)" disfrutamos uno de los momentos más prometedores del disco. Un tema en la linea de "Bulerias" (no por nada comienza con un extracto de esta misma) lleno de cambios de ritmos y fusión entre la psicodélia y el flamenco/prog que tan bien les sienta. Esta dividido en tres partes, comienza cantando todos a coro para dejar a Angela cantando solista pero acompañandola con sofisticados coros. Luego hacen gala una vez más del curioso "spainglish" para dejar a Amaral cantar enteramente en español. Más tarde, una bella sección de guitarra acústica de Allen para presentar al movimiento "Zorongo" (baile canto popular andaluz) que cambia para introducirse una vez mas con el movimiento del principio pero con castañuelas y zapateos incluidos. Una especie de balada a varias voces corona el final.

De Glascock y el baterista Fenton "Tales of Spain" propone en su comienzo de la mas pura cepa progresiva. Una ambiente ensoñado con arpegios que se dejan acariciar por matices de synths para lanzarse a un  sinnúmero de cambios de climas y texturas.
Otros dos grandes momentos son "Retirando" y "Fandangos in Space". La primera con una densa instrumentación con guitarras acústicas cortinas de synths, tarareos y un vibráfono a cargo de Roberto Amaral para culminar con un genial canto al unisono: "Retirandooo, anda vete , andaaa veteeee..." .La segunda en la linea la mayoría de los temas pero en su coda otra ves retoman el estribillo de "Retirando" pero con letra completa.


Carmen es una banda digna de recordar, lamentablemente de efímera trayectoria, solo lanzaron dos placas mas: "Dancing on a Cold Wind" (1975) con una portada con los cigarrilos "Gitanes" algo tìpico en el género (veáse Camel "Mirage"),  y "The Gypsies" (1976).
Las performances de Carmen en vivo presentaban a Amaral y a la bella Angela Allen bailando, zapateando y empleando castañuelas y otros instrumentos de percusión, en un escenario ampliado especialmente para la ocasiòn.
Debido a algunos sucesos desafortunados, como las malas decisiones por parte del manager y sumado a la lesión de Paul Fenton a caballo, hizo que Carmen se disolviera en 1975. Luego de la de disolución David Allen siguió siendo músico compositor a sueldo, componiendo por ejemplo para Agnetha de ABBA, también fue fotógrafo y se le diagnosticó cáncer de garganta en 1984. En 2007 lanza un disco  con reminiscencias de Carmen titulado "Widescreen". Roberto Amaral formó una compañía de discos llamada "Delicia Music" y también continuó haciendo y enseñando baile flamenco en Los Angeles. John Glascock ni bien se disolvió Carmen fue llamado por Ian Anderson para formar parte de Jethro Tull en 1975 para debutar con el gran album: TOO OLD TO ROCK `N´ ROLL: TOO YOUNG TO DIE! (1976) donde tambièn su pareja de entonces Angela Allen participò en coros. Angela Allen,  actualmente reside en Londres y  aporto voces en el mencionado "Widescreen". Lamentablemente , luego de grabar cuatro discos más con Jethro Tull , en 1979 a los jòvenes 28 años,  John Glascock fallece debido a una enfermedad congénita en el corazón. Paul Feton participó en un proyecto de Marc Bolan de T.Rex y tambièn en  una banda tributo al mismo.


Personal:

David Allen - voz, guitarras
Roberto Amaral - voces, vibrafono, footwork, castañuelas
Angela Allen - voces, mellotron, synth, footwork
John Glascock - voces, bajo
Paul Fenton - bateria, percusión


Lista de Temas:

01. Bulerias (Allen)
- a. Cante
- b. Baille
- c. Reprise
02. Bullfight (Amaral)
03. Stepping Stone (Amaral)
04. Sailor Song (Allen)
05. Lonely House (Allen)
06. Portarantos (Allen)
07. Looking Outside (My window) (Allen/Amaral)
- a. Theme
- b. Zorongo
- c. Finale
08. Tales Of Spain (Glascock/Fenton)
09. Retirando (Allen)
10. Fandangos In Space (Amaral)
11. Reprise Finale (Allen)

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viernes, 22 de marzo de 2013

Lynyrd Skynyrd - (Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd) (1973)



Lynyrd Skynyrd es una de las agrupaciones mas representativas del llamado "Rock Sureño", género que se caracteriza en exponer y mixturar al máximo la música country y los bluses con el rock n roll , de una manera singular. Si se escucha bandas de este sub-genero (sobre todo las de la decada de los 70) como Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers Band, 38 Special, The Outlaws, Marshall Tucker Band o ZZ Top, seguramente encontrará  un sello particular que los diferencia, a otras agrupaciones claves de la época.

Una de las características que marca a bandas de esta envergadura, como otras como por ejemplo Los Allman Brothers, es que sus destinos estan marcados por tragedias de accidentes vehiculares, logrando así que a sus integrantes los rotulen de mitos. Al igual que su compatriota Duane Allman, uno de los lideres de Lynyrd Skynyrd el cantante Ronnie Van Zant y sus compañeros de banda Steve Gaines, su hermana, la corista Cassie Gaines, un colaborador y piloto y copiloto fallecen al estrellarse en las afueras de Mississippi, el Convair 240 que transportaba a la banda de gira por USA en 1977. Los demás miembros lograron sobrevivir quedando gravemente heridos. Algo que llama poderosamente la atención es que uno de los temas más populares y representativos de la banda que es sin dudarlo "Free Bird", escrita  por Van Zant, y dedicada por supuesto a Duane Allman luego de su accidente en 1971, haya tomado carácter un tanto profético/apocalíptico para si mismo. Esto, en vista de su personalidad un tanto despreocupada, ¿o es que quizás tenia una visión de su propia muerte?... Cuenta la leyenda que a la banda antes del vuelo se le había informado que quizás habría problemas con el vuelo, a lo que Ronnie contestó: "¡Vámonos! De todos modos si hoy es tu día no vas a poder huir de él". Luego de estos trágicos sucesos la banda quedaría algo inactiva, hasta el año 1984, por impulso de el hermano de Ronnie, Johnny Van Zant.

Los orígenes de Lynyrd Skynyrd remiten a Jacksonville, Florida, EE.UU en el verano de 1964, se llamaban en un principio "My Backyard", formada por los jóvenes amigos Ronnie Van Zant como voz principal, Allen Collins y Gary Rossington en guitarras, Larry Junstrom en bajo y Bob Burns en batería. Estaban altamente influenciados por las raíces del blues sureño y el country, como así también al boom de la época que eran
las bandas pertenecientes a la llamada "Brtitish Invasion", como por ejemplo The Beatles, The Kinks, The Animals, The Yardbirds, Free, etc. Habían ganado cierto prestigio al ganar un concurso de bandas en 1968 lo que les permitió grabar su primer sencillo, el mismo año.

En 1970 y con el ingreso del tecladista Billy Powell la banda ya se llamaba Lynyrd Skynyrd. Nombre raro, si los hay, es una burla al profesor de gimnasia de la secundaria Leonard Skinner. Típica figura de autoridad que exigía llevar el pelo corto a los varones, cierta vestimenta, etc, etc. Las idas y venidas entre estos miembros y este profesor, llegaron a tal punto que uno de los padres asistió a la institución argumentando que su hijo estaba integrando una banda de rock que les hacia ganar dinero a la familia y debía lucir con el pelo largo como parte del "look" del rock n roll.  En 1970 la banda cambia entonces a "Leonard Skinner" y tiempo después cambia sus vocales por la "Y". Seguidamente lanzan el aquí presente flamante debut de 1973 Lynyrd Skynyrd (Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd).

Gran debut. Un clásico de clásicos en el género. Producido por Al Kooper “(Pronounced ‘Leh-’nérd ‘Skin-’nérd)” es un muestrario de lo que mejor saben hacer estos sureños, puro rock, rock n roll del bueno. Desde el comienzo ya se suceden inmortales riffs como los de " I Ain’t The One" para lanzarse al primer gran balada: "Tuesday’s Gone". Los solos de guitarras transmiten una tristeza tan bella y conmovedora, en parte ayudada por el acompañamiento de piano y también por una emulación de cuerdas a cargo de un melotrón ejecutado por Al Kooper. Otro tema de carácter de clásico es  "Gimme Three Steps" de inolvidable riff, donde son destacables las lineas de bajo y percusión, estas ultimas con la colaboración de Bobbi Hall. "Simple Man", la segunda balada del disco. Escrita por Van Zant al poco tiempo de fallecer su abuela. "Simple Man" es como una declaración de principios de como debe ser un "rockero sureño", la letra recuerda los valores que le inculcaba su madre.

Dosis de country y blues en "Things Goin’ On". Se destacan muchísimo los teclados, que hacen como un juego de tomar los controles de la canción en varias ocasiones, aportándole mucho swing. Lleva un mensaje social en contra de la segregación racial que azotaba en el Sur. No podía faltar el elemento acústico en un trabajo de este estilo, y para eso tenemos a "Mississippi Kid". Un  blues acústico al estilo Muddy Waters o algún que otro tema del disco "Led Zeppelin III" .Volvemos a riffes contundentes e impecables lineas rítmicas con "Poison Whiskey" , tema que habla de los daños de esta bebida que cumplía un papel importante en la escena del "Rock Sureño".

Y al final, nos sacamos el sombrero ante la gloriosa, espectacular, legendaria, inmortal, inolvidable, nostálgica, mágica, estremecedora y épica (y no alcanzan los adjetivos!!!), "Free Bird" el tema mas conocido de Lynyrd Skynyrd.  Todo un himno generacional. Es quizás uno de los mejores temas de la historia del rock, a la altura de "Stairway To Heaven". Varias cosas encontramos en "Free Bird". Básicamente esta dividida en dos. Comienza siendo una balada arrancando con unas guitarras acústicas y a la ves teclados al estilo "organo de gospel" a los que se le irrumpe magistralmente con una slide guitar a cargo de Gary Rossington, para luego darle pie a toda la delicia de la voz de Van Zant. Entre ráfagas de slide,  Ronnie se pone en la piel de un hombre de vida nómade que le dice a su mujer que debe dejarla.
Ya en el final de la segunda estrofa, una vez mas Al Kooper adiciona un  melotron para darle un efecto de cuerdas. A partir del minuto 4:43 la canción toma un vuelco inesperado. Esta es la parte dedicada al gran Duane Allman. "Free Bird " cambia de tiempo solo para mostrarnos una inmejorable duelos de guitarras de alrededor de 4 minutos, donde Allen Collins con su Gibson Firebird se lleva todos los aplausos.

"Free Bird" es un clásico de todos los tiempos. Ha sufrido varios cambios, entre 1973 y 1976 se sabe que se le ha agregado mas partes como por ejemplo mas duración al piano y por supuesto, mas tiempo para los solos de guitarra eléctrica. No nos podemos olvidar tampoco lo imponente que es su interpretación en vivo. Durante gran parte de los 70´s al duelo final de guitarras, a diferencia de esta versión de estudio, se le agregó una tercera guitarra, como la de 1976 con el fallecido Stevie Gaines que aporta lo suyo con su Gibson Les Paul Custom. Otra seña particular, es que luego del accidente de 1977,  las interpretaciones en vivo de "Free Bird" eran instrumentales. Hasta que en 1989 durante una gira,  Rossington le insistiò a Johnny Van Zant que la cante por primera vez. El solo de "Free Bird" fué ubicado en la tercera posición por la revista "Guitar World" en su lista de los 100 mejores solos de toda la historia. Otro galardón fue en 2006 cuando ingresó al legendario "Rock and Roll Hall of Fame".

Actualmente Lynyrd Skynyrd sigue al ruedo, siendo la ultima gira efectuada por la banda en agosto de 2012. El único miembro fundador es el guitarrista Gary Rossington, pero por supuesto con la prescencia de Jhonny Van Zant como vocalista.


Lista de Temas:

1. I Ain’t the One
2. Tuesday’s Gone
3. Gimme Three Steps
4. Simple Man
5. Things Goin’ On
6. Mississippi Kid
7. Poison Whiskey
8. Free Bird


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sábado, 16 de marzo de 2013

Carlos Gardel - Criollita Decí Que Sí (Su Obra Integral Vol.9)



Una vez más, el zorzal criollo nos propone un tema de lo mas usado. Canciones de amor e históricas declaraciones y por supuesto desengaños están a la orden del día en esta novena entrega.
La temática se asemeja a la de los volúmenes 4 y 2 "Las Mujeres Aquellas" y "Amores Difíciles", respectivamente  con historias de engaños, desilusiones y estereotipos de mujeres.

Desde el comienzo tenemos dos motivos "canción" del legendario binomio Gardel/Le Pera "Criollita decí que sí"  (hay quienes le llaman "cifra") y "Apure delantero buey", en esta ultima es bellísima y  resalta el importante acompañamiento de la orquesta de Terig Tucci. Gardel interpretó esta canción en la película "Cazadores de estrellas" estrenada luego se su muerte  en el año 1936.

La dolida  "La mariposa" es un estilo acompañado a tres guitarras. Una muestra más de la facilidad de Gardel para cantar el desdén y tristeza de los desengaños amorosos. "El sol del 25" asoma con su sentir patriótico. Un motivo folclórico, mas precisamente un "gato" que relata imágenes y sentimientos por  la llegada del 25 de mayo, Gardel recita con todo orgullo algunos hechos ya algo conocidos de la revolución de mayo.

Un especial y curioso motivo se desvela en la pegadiza "Me enamore una vez", una "ranchera" de Francisco Canaro. Relata una típica relación y toca un tema harto cansado, la letra reza: "Cuando quise yo quererte vos no me quisiste, y aura que querés prenderte, no te doy alpiste. Cuando loco te seguía y te perseguía, nunca te encontré, y aura que yo te he largado porque me has cansado me venís buscando, pero no hay de qué."

Otro motivo especial es sin dudas "Sanjuanina de mi amor", una "tonada" acompañada por cuatro guitarras . Lo particular es que en este tipo de motivos es que se hace hincapié en la voz. Para esto el zorzal criollo graba en playback sobre si mismo logrando una preciosa armonía vocal Gardel/Gardel.

El "triunfo" "La tropilla" relata a  un solitario paisano que elogia a su carreta . Refiriéndose a sus espuelas dice: "Sus rodajas ya no hincan, porque yo pienso, es cobarde el que hiere a los indefensos..."
No todo son muestras de sufrimientos y desengaños amorosos. La zamba "Criollita de mis ensueños" (también conocida como "Criollita de mis amores") de Gardel/Le Pera/ Batisttella, parece describir un gran momento de amorío de Gardel.

"El tirador plateado" o "Sos mi tirador plateado" es un "estilo", el primer estilo campestre y la primera canción grabada por Gardel el 2 de abril de 1912. Existen tres versiones. La primera, de abril de 1912, otra de 1917 y la presente en este volumen grabada el 6 de noviembre de 1933. Son curiosas todas las historias y misterios que enrondan a esta canción. Una de ellas cuenta que la letra, en  principio, se le atribuía a Gardel  y luego en co-autoría con José Razzano. Pero que luego se descubrió que gran parte de las estrofas fueron compuestas por el poeta gauchesco Oscar Orozco, quien firmaba como "Un Oriental",  para el poema "Retruco" que salió publicado, en su habitual espacio de la revista montevideana "El Fogón", el 15 de enero de 1900 (se piensa que allí también hay algún que otro poema del mismo Gardel oculto).

Es notable que Gardel haya sido un asiduo lector de "El Fogón", y en especial por los versos de "Un Oriental", ya que lo volvería a musicalizarlos en la "cifra" "Para quererte nací" presente en este volumen. Todo esto demuestra la afición del zorzal criollo por los sentimientos gauchescos, al incluir estos motivos como el "estilo", melodías típicas de los ambientes rurales rioplatenses (aires de raíces andaluces) que a veces reciben el nombre de "triste", "triste campero" ó "décima" y otras tantas veces confundidas con la "cifra".

Cantada a dúo con  José Razzano, Otra linda "zamba" que es por supuesto "Claveles mendocinos", Gardel elogia a esta tierra cuyana comparándola:  "Mujer buena y divina, cuyana hermosa ¡viva Mendoza!... ¿por qué será?... que lejos de mi tierra quiero a su sierra con sus claveles, hasta llorar."


Lista de temas:

1. Criollita Decí Que Sí
2. Apure delantero buey
3. La Mariposa
4. El Sol del 25
5. Me enamoré una vez
6. Gajito de cedrón
7. Sanjuanina de mi amor
8. Mi manta Pampa
9. La Tropilla
10. La Pastelera
11. Tu Diagnóstico
12. Criollita de mis ensueños
13. El Tirador Plateado
14. Para quererte nací
15. Claveles mendocinos
16. Ausencia
17. Mañanita de campo
18. Mirala como se va

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Su Obra Integral hasta la fecha:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX: "Criollita Decí Que Sí"
Volumen x: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

jueves, 28 de febrero de 2013

Fleetwood Mac - Rumours (1977)



Uno de los discos (si no el) mas vendidos de todos los tiempos por una banda de rock (junto a "The Dark side of the Moon" de Pink Floyd) , "Rumours" de Fleetwood Mac. El trabajo se lleva todos los laureles, no solo por su calidad , sino también por lo milagroso que fue su concepción y lanzamiento ya que fue concebido en medio de un sinnúmero de problemas matrimoniales y de adicciones entre los miembros de la banda , lo cual le dio una particular temática e intención a las canciones.

Fleetwood Mac es una banda en sus inicios británica , pero a través de los años cambió muchas veces de formaciones hasta el día de hoy ser un conjunto británico/estadounidense. Los miembros que siempre se mantuvieron fueron , justamente  los que componen el nombre de la banda: el baterista y percusionista Mick Fleetwood y el bajista John McVie a los que luego se les sumó la esposa de este ultimo la compositora, tecladista y cantante Christine Perfect (McVie). Desde 1971 a 1975 la banda atravesaría tiempos de crisis a nivel artístico era evidente que necesitaban un cambio de 360º . Fue así que en plena búsqueda de ingeniero de sonido y tras escuchar el disco de la dupla Buckingham/Nicks de 1974 , Mick Fleetwood le propone al guitarrista y compositor Lindsey Buckingham unirse a la banda ya que solo buscaba un guitarrista. Lindsey acepta pero con la condición de entrar a la formación  con su pareja  de entonces la cantante y compositora  Stephanie "Stevie" Nicks. El matrimonio aportaría una cuota mas country y un soft pop estilizado y sobre todo el importante trabajo de composición y pulido de las canciones que aportó Buckingham, y por supuesto todo el ángel de la voz y el desenfreno histriónico de Stevie. Esto se puede apreciar con el homónimo de la nueva formación de 1975 "Fleetwood Mac". Exitos como "Rhiannon", "Say you love me" y "Over my head" dan fè de ello.


Para cuando comenzaban las sesiones de grabación de "Rumours", en los estudios Record Plant de Sausalito, los matrimonios Nicks/Buckingham y McVie/Perfect (Christine McVie) se encontraban en pleno proceso de divorcio, como así también Mick Fleetwood de su mujer Jenny.
Muy a pesar de ello con "Rumours" confirmarían el gran momento compositivo, y sobre todo el factor anímico que tanto influyó en el mismo. Fue grabado en 1976 en varios estudios en Miami , en Los Angeles y en Holywood y como productores Ken Caillat y Richard Dashut. Saldría a la venta en febrero de 1977.
En las letras y los climas de las canciones se ven reflejadas las tensión reinante de las sesiones de grabación.  Estas experiencias le dan un climax como nadie lo hubiese podido plasmar, de ahí a el éxito abrumador de la placa.Y de ahí también el nombre "Rumours" debido a que en su plena concepción no cesaba de "rumorearse" la disolución... por suerte , como en otros tantos casos, el arte terminó imponiéndose.
Diría Buckingham al respecto: "Si uno observa el gran éxito que gozó "Rumours", creo que la repercusión va más allá de lo puramente musical. Algo más se expresaba con la música: la interacción humana, y que un todo es más que la suma de sus partes. Se podía sentir en los diálogos que se daban entre los miembros del grupo que trataban de cosas que nos estaban sucediendo en ese momento."

Musicalmente Fleetwood Mac no pierde su impronta bluesera/rockera aportada desde siempre por Mick y los McVie , pero esta ves le inyectan un pop estilizado, con influencias también de la música country de la mano de Nicks y Buckingham. Este ultimo de incansable perseverancia en exprimir cada tema desde la producción. Otro elemento a mencionar son las deliciosas armonías vocales que lograba el triplete vocal McVie/Buckingham/Nicks. Sus voces se entrelazaban y congeniaban exquisitamente.

"Second Hands News" promete con su carisma pop/rock e influencias del folk escocés e irlandés, con una base rítmica particular hecha con un snare (caja) y una silla y la parte de guitarra eléctrica acompañada vocalmente, aportándole una cuota mas pop. 
Enseguida asoma un gran éxito "Dreams" de Nicks. Stevie hace aquí gala a todo el ángel de su voz y quizás el trío vocal McVie/Buckingham/Nicks logra las mejores armonías. Un tema que nos demuestra lo bien que Buckingham arreglaba los temas de Nicks .
La acústica "Never Going Back Again" una breve canción que habla de una nueva relación que comenzaba a tener Buckingham. Una mirada positiva hacia el futuro.

Más sentimientos positivos a futuro con "Don`t Stop" un shuffle marchante de Christine. El tema seria el que acompañaba la campaña electoral de Bill Clinton años mas tarde. "Go your Own Way" el gran hit del álbum a diferencia de "Don´t Stop" o "Dreams" no era nada alentadora. Básicamente era Lindsey diciéndole a Stevie: vete ya!. Algo que marca esencialmente a la canción es el acompañamiento de guitarra acústica , que casi es imperceptible sino se le presta especial atención  Lo peculiar es que este acompañamiento brinda un contrapunto cohesivo entre las voces. Por supuesto el estribillo es muy pegadizo las tres voces otra vez se lucen. La base rítmica de Mick y John es inimitable, el bajo de este ultimo es sobresaliente. Una genialidad de Buckingham que no hubiese sido posible sin todos los Fleetwood aportando lo suyo.

Christine aporta intimismo con la bellísima "Songbird". Se decidió que el tema se grabaría en vivo en una sala de conciertos, por su acústica. En principio se grabaría en el Berkeley Community Theater, donde grabó alguna vez la gran Joni Mithchell, pero se encontraba ocupada. Finalmente se grabó en el Zellerbach Auditorium. La misma Christine diría sobre "Songbird": "... creo que trata de todos y de ninguno. Es como un pequeño himno y debe ser para todos. Diría que casi es como una pequeña oración.".
Con acreditación de autoría de todos los miembros de la banda "The Chain" hace gala de una perfecta discusión-musical de pareja. Grabada bajo, batería y guitarra en vivo, lo demás en estudio. El tema existía desde hace tiempo solo por un fragmento inolvidable de bajo de John McVie.  Buckingham quería terminar de componerlo solo, pero no pudo cerrarlo. Stevie Nicks aportó material de la época Buckingham/Nicks para terminarlo. 
"Silver Springs" de Stevie Nicks es un tema que en el LP original no estaba incluida por ser tan extensa. Dedicada a Lindsey comienza en plan acústico muy  suave terminando muy rockera . Tema bellisimo de lo mejor de las composiciones de Nicks. En su lugar se publicò "I Don`t Want to Know" tema muy interesante donde la pareja lleva a dúo la voz principal al puro estilo "Everly Brothers".

Otro gran riff de Christine es "You Make Loving Fun". Contiene una gloria de estribillo y el colorido de las voces se manifiesta en su máxima expresión. Habla de su  novio de ese momento que era el iluminador de la banda, que por razones obvias, era persona no grata en las sesiones de grabación.
"Oh Daddy" es una canción de Christine para Mick Fleetwood que por entonces era el único miembro con hijos. La compuso como muestra de admiración al integrante de la banda que siempre ante cualquier adversidad se mantuvo firme y sirvió (sirve) de cohesión y ejemplo para todos. No es extraño que Mick aprovechara para incluir diversos instrumentos de percusión, como por ejemplo castañuelas. Es bueno también remarcar que John McVie incluye improvisaciones de guitarra.

Cierra el disco la excéntrica "Gold Dust Woman" de Nicks . un tema oscuro, se podría decir que es como magia negra. Representa todo lo que era ella en ese momento, un ser como un ángel encantador, pero también lleno de dolor. El tema habla de las drogas, particularmente  de la cocaína pero con un dejo de esperanza. Diría Stevie, entre otras cosas: "Creo que nunca estuve tan cansada en mi vida como en esa època... Estar en Fleetwood Mac era como estar en el ejercito, habìa que entregar todos los dìas lo mejor, ser lo màs puntal posible. Aunque no hubiese nada que hacer, había que estar allí. "Gold Dust Woman" fuè mi forma de escribir sobre alguien que esta pasando por una crisis de pareja y toma muchas drogas. Alguien que trata de sobrevivir y salir adelante.". La estructura de los temas de Stevie como "Gold Dust Woman" permitía a los músicos de alma inquieta como Buckingham participar con más libertad. Lindsey le sumó varios instrumentos  a saber: clavicémbalo, dobro y un Fender Rhodes y tambièn una pista con unos raros aullidos. 

El factor drogas es muy influyente  en la composición de "Rumours". Era una época que el remolino de las drogas amenazaba con llevarse a cada uno de los miembros. Hay que aceptar también el contexto en el que se vivía: "el mundo de la música tenia algo expansivo, y las drogas tenían  especial protagonismo. En esa época era como una obligación. Hoy es menos común", así lo describió Buckingham. John McVie aportaría su visión al respecto: "En ese momento no sentíamos que estuviésemos haciendo algo malo. Todo nos parecía parte de nuestro estilo de vida. Mirándo hacia atrás, fue estúpido... En esa época era simplemente así."

Con respecto al sonido y a la producción del álbum, es certero decir que es uno de los discos en los que más se trabajó minuciosamente , se encuentra a la altura del "Songs in The Key of Life" de Stevie Wonder o de trabajos de Steely Dan. Hay que tener en cuenta que por esa época no existía el CD, y los productores y en especial Buckingham habían notado que por el proceso de pasado de las cintas de grabación, se producía un leve frotamiento que hacia perder los agudos en especial de la batería, como por ejemplo los platillos y todas las frecuencias altas. Afortunadamente tenían una copia de seguridad de la batería que sonaba mucho mejor que estas ultimas. Así es que se tomaron el trabajo de sincronizar todas las pistas de los otros instrumentos a esta copia de la batería. Lo grandioso es que como no existía el SMPTE (que sirve para pasar dos cintas en forma sincrónica) debieron realizarlo manualmente con un VSO que es un aparato que regula la velocidad de las cintas. Un trabajo de hormiga , sobre todo para el productor Ken Caillat que tardó alrededor de 14 horas en sincronizar todas las partes frescas de batería.

Un disco inolvidable, un gran éxito comercial, con más de cuarenta millones de copias vendidas a nivel mundial. Se mantuvo en lo más alto de la lista Billboard 200 durante 31 semanas no consecutivas. A pocos meses de su lanzamiento ya fue platino en Inglaterra y Estados Unidos. En 2012 "Rumours" es el decimocuarto disco más vendido de la historia en el Reino Unido y el sexto en Estados Unidos. Es bueno mencionar que la famosa serie de TV "Glee" ha sido influenciada con un episodio llamado "Rumours"´, donde aparecen algunas canciones del álbum, es bueno valorarlo ya que contribuye a que las nuevas generaciones conozcan la buena música de Fleetwood Mac.


Lista de Temas:

1. Second Hand News
2. Dreams
3. Never Going Back Again
4. Don't Stop
5. Go Your Own Way
6. Songbird
7. Silver Springs
8. The Chain
9. You Make Loving Fun
10. I Don't Want To Know
11. Oh Daddy
12. Gold Dust Woman

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martes, 12 de febrero de 2013

Caetano Veloso - Estrangeiro (1989)


A lo largo de su carrera podemos encontrar muchos Caetanos. Uno de ellos es un artista que supo mezclar la bossa, por ejemplo con la psicodelia y con el rock contribuyendo al nacimiento de aquel  importante movimiento llamado tropicalismo de finales de los 60´s .
Una de las mejores contribuciones en los años 80 para la música popular de Brasil .Disco muy elogiado no mucho después de su lanzamiento , por ejemplo por David Byrne (Talking Heads).

Producido por  Peter Sherer y Arto Lindsay (quienes también son co-compositores en "Jasper"), el bahiano se anima a juguetear con maquinas, añade algo de rock experimental y hasta canta en inglés.  De entre la alta calidad de músicos que lo acompañan en este álbum, podemos destacar a los dos percusionistas: Nanà  Vasconcelos y Carlinhos Brown.


Es notable desde el principio con el tema que le da nombre al trabajo. Quizás la canción mas importante. La misma contiene una hipnótica base rítmica rebosante de maquinas y efectos extraños que le brinda una excéntrica condición. Pero no es lo único que brilla en esta canción. La letra es extraña y polémica a la vez. El compositor obtiene una total abstracción poniéndose en la piel de un extranjero.Así logra observar mas detenidamente el caos en el cual se ve inmerso, lo que lo lleva a una máxima libertad en el uso de elementos para la creación artística, tanto en la poesía como por supuesto para la música. Caetano habla de otros tantos extranjeros-artistas (por ejemplo el pintor Paul Gauguin, o el antropologo Claude Levy-Strauss, entre otros) describiendo como era la relación amor/odio de los mismos hacia la Bahía de Guanabara (donde se encuentra el puerto de Rìo de Janeiro). Es notable como cambia la textura la poética/ musical de Veloso: inmediatamente ofrece para describir la belleza entre el caos reinante nombrando a otros tres artistas como Ray Charles, Stevie Wonder y su paisano Hermeto Pascoal. Un verdadero himno al caos.

Le siguen tres platos fuertes: "Rai das cores","Branquinha" y "Os outros românticos". La primera argumenta un  motivo pop , el compositor , utiliza un juego poético atribuyendo colores a objetos y a palabras, entre otras cosas. En la segunda se pone bossa-bossa con una bellísima  composición que contiene una curiosa intro en ingles ( los misteriosos ruidos escondidos no nos dejan de sorprender). "Os outros românticos" irónicamente (por el titulo) habla de los niños pobres en Brasil . Aquí el bahiano pone como ejemplo al protagonista de una famosa película "Pixote". La letra de la canción luego es repetida en su totalidad en
ingles, como queriendo que se sepa de estas problemáticas en todo el mundo.

En la linea de "Branquinha" ubicamos a , "Genipapo absoluto", "Etc." o "Este amor". Esta última dedicada a su ex mujer Dedé Gadelha y madre de su primer hijo MORENO VELOSO .

Otro gran momento es "Outro retrato" . Una canción dedicada uno de sus ídolos,  al compositor João Donato. Otra vez Caetano recurre a una especie de juego de palabras.
Pero sin duda alguna "Meia lua inteira" se lleva todos los aplausos. Compuesta por Carlinhos Brown , un alegre tema al estilo carnaval de Brasil, se destacan la aparición de birimbaos , ejecutados por Vasconcelos.

La portada del álbum es la reproducción de una pintura de Hélio Eichbauer  para el escenario de una obra de Oswald de Andrade montada en 1967 y llamada "O rei da vela".
Mas abajo compartimos el polémico video de "O Estrangeiro" grabado en Praia de Botafogo, Río de Janeiro, en 1989, con las actrices Regina Case y Paula Lavigne y muchos otros...


Lista de Temas:

1. O estrangeiro
2. Rai das cores
3. Branquinha
4. Os outros românticos
5. Jasper
6. Este amor
7. Outro retrato
8. Etc.
9. Meia lua inteira
10. Genipapo absoluto

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lunes, 21 de enero de 2013

The Zombies - Odessey and Oracle (1968)

                         
                         

The Zombies era una banda británica de los sixties que, como tantas otras, pasò inadvertida en su época de plena actividad . Luego de su desaparición, algunos años mas tarde, fue rescatada y bien revalorizada por los escuchas de pop/rock de todos los tiempos y estilos. "Odessey and Oracle" de 1968 es el ultimo trabajo de la banda y en el que se puede disfrutarlos en su máxima plenitud las maravillas compositivas de la dupla Argent/White, que hacen lo mejor que pueden hacer que es básicamente Pop. Un Pop genuina-mente exquisito o como algunos los han catalogado como un "Pop Barroco".  Pero en realidad hay muchísimos elementos que intentaremos descubrir.
Aparecen temas mixturados con psicodelia y la orquestación, con el tipo de estructura básica de balada minimalista ,pocas dosis de R&B, quizás al verse relegada la participación de las guitarras por una importantìsima participación de los teclados  (piano, órgano, mellotron) de Rod Argent que era uno de los mentores de la agrupación. Otro de los factores que marcó el gran éxito de este LP es, claro está, el delicado, celestial, emocionante, pegadizo, pero sobre todo hermoso trabajo de las voces.

The Zombies se formaron en 1961 en St Albans, Hertfordshire, Inglaterra y estaba compuesta por Rod Argent en teclados y voces, Paul Atkinson en guitarras, Chris White en bajo, Hugh Grundy en batería y percusión y Colin Blunstone en voz.
En un principio la banda tocaba covers de R&B en pubes londinenses, pero tomarían un importante envión al ganar un concurso patrocinado por el Evening News de Londres que les permitiría firmar con Decca para grabar su primer gran éxito : "She`s Not There" (1964).
Como muchas otras bandas de la época The Zombies también fue participe de la llamada "Invasión Inglesa"  a USA, teniendo gran aceptación por parte del publico norteamericano. Otros varios singles tuvieron éxito en USA en 1965 entre ellos: "Tell Her No" o la versión de "Summertime" de Gershwin. Otros singles editados por Decca en 1965 fueron, “She´s coming home”, “I want you back” y “Whenever you´re ready” pero pasan completamente desapercibidos, incluso en USA. Esta gran cantidad de singles les permitió sacar a la venta en 1965 su primer larga duración llamado "The Zombies" en Estados Unidos y "Begin Here"  en Reino Unido. Disco con una impronta "beat" y con claras dosis de R&B. Se destacan temas en su mayoría de la autoria de Argent,  con algunos covers como el ya mencionado "Summertime" de Georege e Ira Gerswin, "Road Runner" de Bo Diddley o el medley "You Really Got A Hold On Me/Bring It On Home To Me"  de  Smokey Robinson/Sam Cooke.

Tras haber firmado contrato con la CBS, la banda dedicaría gran parte del año 1967 para las grabaciones de "Odessey and Oracle", (gran parte en los míticos estudios Abbey Road, un tiempito después que los Beatles grabaran Sgt. Pepper) que vería la luz en Reino Unido el 19 de abril de 1968, encontrándose ya casi en el principio del final de aquel remolino que fue la psicodelia para el mundo contemporáneo , tanto en la música como en muchos otros ámbitos. Al ser grabado por entonces ,podemos vislumbrar muchísimas influencias del Sgt Pepper de los Beatles y de Pets Sounds de Los Beach Boys. Pero The Zombies , no era básicamente una banda de rock típica de los sixties, sino más bien una de los pocos conjuntos que hacia pura y exclusivamente Pop , ya que su estilo se caracterizaba por la base predominante de teclados por sobre las guitarras eléctricas.Esto quizás sera por el talento y el liderazgo de uno de sus mas importantes miembros: Rod Argent quien ejecutaba este instrumento. La cuestión es que este trabajo nos brinda un hermoso enfoque para comprender lo que es el Pop en su integridad , no el Pop/rock , sino el Pop/Pop y en el caso de clasificarlo , lo ubicaríamos como un "Pop psicodelico".
La genialidad y belleza de este "Odessey and Oracle"  tampoco es que desborde y empalague de pop , sino que podemos encontrarnos con muchas otras alternativas. Desde una psicodelia al mas estilo beatle, como también algunos aires afro , pasando por la excentricidad de una canción sustentada  con acordeón y voz solamente, como lo es la épica "Butcher´s Tale".

"Care Of Cell 44" levanta el telón.Una canción que contiene esa simpleza irresistible que hace a las mas redondas canciones , con un potente Colin Blunstone es su estribillo ("Feels so good you're coming home soon!") y con coros muy bien logrados y una inolvidable base de piano . La letra nos presenta a una mujer que le escribe una carta a su amado encerrado en la cárcel, diciéndole que dentro de poco se volverán a ver y todo será felicidad.Continua con la sobresaliente "A rose for Emily", otra redonda manzanita que es una balada simple cono una dulce melodía vocal acompañada solo con piano .Otro estribillo de 10 puntos , con unos magistrales coros. Nos narra como la protagonista (Emily) se ve tristemente burlada , ya que las rosas de su rosal se ven arrancadas por otros enamorados pero nadie le ofrece una rosa a ella. Es tan cruel que ni en su triste final consigue que alguien le regale una rosa , ni siquiera para su tumba.
Una mínima aparición de guitarra acústica irrumpe en la intro de  "Maybe After He's Gone", para lanzarse una vez mas con bellísimos juegos vocales. La calidez es etérea en los organos de "Beechwood Park". Motivo por el cual el verdadero protagonista que es el riff de bajo nos crea un ambiente sumamente psicodelico. Otro estremecedor comienzo de piano en "Brief Candles" y como siempre un precioso relato melódico , para continuar con un estribillo mas precioso aun. En su final podemos apreciar como se apaga la voz principal como con una ráfaga de viento, para culminar con una muy bien lograda coda de piano que va consumiendo al igual que una vela.

"Hang up in a dream" contiene geniales secciones orquestadas y lo que mas se destaca es uno de los pocos protagonismos de la guitarra eléctrica, sin opacar , a los coros que una vez mas son brillantes!!!.
"Changes" fabulosa por sus flautas , fabulosa por su percusión algo afro... y fabulosa por dar la impresión de tener una leve intensión de operistica, por lo incidental de la voz principal.
La marchante y jovial "I Want Her She Wants Me " es otra muestra de el pegadizo pop compuesto por Argent. Los arreglos corales la decoran mas aun y ni hablar de lo destacable de lo jugetòn que resulta el bajo.

Beatle por donde se la mire "This Will Be Our Year" nos demuestra como los cuatro de Liverpool inciden en The Zombies: la sección de vientos y el piano remiten mucho a "Penny Lane". Le sigue la excéntrica "Butcher's Tale (Western Front 1914)" un poco desentonante con lo que son la mayoría de los temas. Una oscura pieza donde oímos la voz principal de Colin acompañada solo por un acordeón  El estribillo es impresionante por que Colin comienza a subir el volumen de su voz , hasta casi gritar , para luego en plan de suplica cantar: "I want to go home / Please let me go home, go home!!!". Puro histrionismo , al mas estilo "rock teatral".

Ya en el final, cerrando el disco, la inocente "Friends of Mine" que narra como el compositor se siente feliz de ver a sus amigos amándose. En su final comienza a cantar los nombres de estas parejas en tono jocoso e infantil. El broche de oro final es con el único éxito comercial a principios de 1969 de The Zombies: "Time Of The Season" un  tema con una base funk, con un plus psicodelico ya que a este riff de bajo tan funk, se lo acompaña con unos sonidos guturales. Una vez mas el estribillo se lleva los laureles. La unión de todas las voces le dan una connotación celestial. También contiene un gran solo de organo muy psicodelico y jazzero.Una genialidad.

La banda se separarìa dos semanas despuès de finalizar las grabaciones en 1967. Fue publicado en USA recién en 1969 a instancias de el músico y productor Al Kooper (miembro de alguna que otra banda de Bob Dylan y de Blood, Sweat & Tears, entre otras).
La version presente aquí contiene dos bonus tracks: "I call you mine" y "Imagine the Swan". La primera había sido grabada luego de las sesiones de "Odessey and Oracle"  y conformaba el lado "B" del single "Time of the Season" solo en Europa y la segunda es interpretada por Rod y Chris pero con otros dos integrantes en batería y guitarra : Rob Henrit y Russ Ballard, respectivamente. Los mismos serian , no mucho tiempo después miembros de la banda que formaría Rod Argent junto a Chris White luego de la pronta disolución de The Zombies : Argent. Colin Blunstone iniciaría una carrera en solitario y años mas tarde formaría parte del legendario "The Alan Parsons Project" grabando en grandes discos como "Pyramid" en 1978.

Una catarata de Pop,  un disco irresistible por donde se lo mire, de una banda injustamente efímera.Casi que ningùn tema tiene desperdicio.  Sus arreglos han influenciado muchísimo a la mùsica Pop.


Lista de Temas:

1. Care of Cell 44
2. A Rose for Emily
3. Maybe After He's Gone
4. Beechwood Park
5. Brief Candles
6. Hung Up on a Dream
7. Changes
8. I Want Her, She Wants Me
9. This Will Be Our Year
10. Butcher's Tale (Western Front 1914)
11. Friends of Mine
12. Time of the Season
13. I´ll Call You Mine
14. Imagine The Swan

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