jueves, 24 de diciembre de 2009

Jon Anderson - 3 Ships (1985)



Si hablamos de esperanzas y de buenas manifestaciones de fè, que mejor que las Navidades!!! Y siempre lo mejor es tener mùsica sacando un disquito del bolsillo y desde el alma para estar en frecuencia con estos sentimientos!!.
Por que siempre hay discos de buena mùsica para recordar este momento del año!!.

En esta oportunidad invocamos a la buena voz y al buen gusto (valga la redundancia) de el buen Jon Anderson. Vocalista de la banda Yes, con esta linda muestra de sonidos e imàgenes Navideñas.
El disco abre con un fragmento de la hermosa e inocente "Save all your love", que luego se presenta entera, es uno de esos temas que realmente se aprecia a fondo el color de la voz de Anderson.

En general gran parte de los temas contiene una suerte de New age/Pop , al estilo Vangelis. Y obviamente los casos de "Three Ships" , "Ding Dong! Merrily On High","Holly and the Ivy" y
"Jingle Bells" que son temas tradicionales navideños versionados con coros o "Villancicos". "Jingle bells" está cantada por la hija de Jon, Jade Anderson. En cuanto a los sonidos orquestales, estubieron a cargo de la "Beyond War Philharmonic".


Lista de Temas:

1. Save All Your Love
2. Easier Said Than Done
3. Three Ships
4. Forest of Fire
5. Ding Dong! Merrily on High
6. Save All Your Love (Reprise)
7. Holly and the Ivy
8. Day of Days
9. 2,000 Years
10. Where Were You?
11. O Holy Night
12. How It Hits You
13. Jingle Bells

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Otros discos navideños de LGV:

Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)
Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)

viernes, 18 de diciembre de 2009

Steve Hackett - Please Don´t Touch! (1978)



El segundo trabajo de estudio del maestro Hackett (violero del Genesis de la edad de oro) y el primero ya sin formar parte de ellos . El disco se encuentra muy poco el linea de su antecesor, VOYAGE OF THE ACOLYTE y de los siguientes trabajos. En lineas generales su estilo es muy ecléctico. Vislumbramos baladas de paladar folk como "Narnia" y "How Can I?", escencias progresivas en "Racing In A" y la hiperelèctrica "Please don`t touch", psicodelia extravagante en "Carry On Up the Vicarage"(basada en escritos de Agatha Christie) y hasta un marcado pop medio cantado a lo jazz/soul en la voz de la vocalista Randy Crawford.

Para lograr esta variedad de estilos convocò a varios amigos del ambiente como el vocalista de la banda Kansas Steve Walsh, el guitarrista, percusionista y cantante Richie Heavens (conocido por ser el artista que inaugurò la primera jornada del legendario festival Woodstock 69) a la cantante Randy Crawford y al excelente baterista Chester Thompson
entre los infaltables miembros de la banda como su fiel hermano John en vientos.

El disco abre con la fabulosa "Narnia" cantada por Walsh. Narnia es un mundo de fantasía creado por el autor anglo-irlandés Clive Staples Lewis para sus Crónicas de Narnia, una serie de siete libros de fantasía para niños. Se abre paso con la psicodèlica y con toques de canciòn de cuna "Carry On Up the Vicarage" que dà la impresiòn (por los efectos vocales) de estar cantada por un gnomo.

La infaltable pieza progresiva que no debe faltar, se dà en "Racing in A", con Walsh en la voz principal. Canciòn que dà piè al guitarrista de lucir todo su especial virtuosismo, tanto en secciones acùsticas como elèctricas.
Otra muestra de la pureza de sus composciciones, (sobre todo acùsticas, de guitarra clàsica) la notamos en "Kim", un tema instrumental con una bella melodía de flautas, dedicado a la por entonces pareja de Hackett la artista plastica Kim Poor, quien ilustrò la tapa del disco.

Un tono melancòlico- folk, arrastra la voz de Heaven en "How Can I?" para luego zambullirse en aguas tan disímiles como "Hoping love will last" con todo el color de la voz de Randy Crawford.
“Land of a Thousand Autumns” y "The Voice of Necam" funcionan como unos perfectos Intro y Finale del tema homónimo. Un potente tema lleno de pasajes claroscuros de guitarras.
En el final vuelve a retomar la voz principal Richie Heavens en “Icarus Ascending” que oculta una especie de reggae deforme (descúbralo!).


Lista de Temas:

1. Narnia
2. Carry On Up the Vicarage
3. Racing In A
4. Kim
5. How Can I?
6. Hoping Love Will Last
7. Land of a Thousand Autumns
8. Please Don't Touch
9. The Voice of Necam
10. Icarus Ascending

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Narnia (sin Walsh)



viernes, 11 de diciembre de 2009

Chau! Pekin - Las horas no pasan lentas (2009)



Una buena propuesta en cuanto a las nuevas bandas que fusionan diferntes estilos tan en boga hoy en dìa(lease ska-punk, reggeae y hasta cumbia).
Hablamos de la interesantìsima banda amiga Chau! Pekin, que no hace mucho tiempo, lanzò su àlbum debut "Las horas no pasan lentas".


Esta formaciòn nace en 2003 con el nombre de "LaBaina" dando sus primeros pasos en la ciudad de Buenos aires. En 2005 y ya bajo el nombre Chau! Pekin
graban su primer EP de 3 canciones bien disímiles titulado "Bienaventurados los que bienvenidos sean". En 2007 empiezan a trabajar en su debut discogràfico y
se les presenta una muy buena propuesta de grabar una cortina para un programa de radio (Metro y Medio, programa conducido por Sebastián Wainraich y Julieta Pink por Fm Metro 95.1).

Durante el año 2008 se sucedieron varias presentaciones positivas en lugares reconocidos como The Roxy y Buenos Aires Club. Durante el 2008 y principio del 2009 se realizan las tareas de grabación, mezcla y edición del disco debut.

La placa , como bien ellos solían poner en su blog, nos ofrece "un compás de cada género". Es asi que nos encontramos con climas de "pogo y agite" y también bailables, al estilo de bandas españolas como Ska-p o Extremoduro. Otras influencias podrían ser Mano Negra, La Vela Puerca, Karamelo Santo y también de los clásicos como García, Calamaro, Páez y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota .

De entre los temas que pueden llegar a estar destinados a "hits" podemos afirmar sin dudas a el reggae dedicado a la ciudad de Mar del Plata "La Feli´" o la alegre "Domingo".
La banda hoy en día está formada por nueve integrantes. Para los que tubimos la oportunidad de presenciarlos en vivo , podemos afirmar que el histrionísmo en escena
es impresinante y muy intenso. Cuentan con además de un cantante con un "agitador".


Personal:

Diego Litmanovich: voz, guitarras
David Kaplan: percusión
Maxi Gabay: agite y voz
Hernán Rouffe: bajo
Ari Brukman: trompeta, charango, guitarra criolla y voz
Martín Machabanski: guitarras y voz
Lio Chulak: batería
Goyo Palermo: teclados
Dario Bercovich: saxo, clarinete y armónica

Lista de temas:

1. Romper el código
2. Que no!
3. Domingo
4. La Feli´
5. Copetear un charlatín
6. En un tiro sí
7. Muchacha
8. Nuevo sol
9. Quebrado
10. Mientras
11. El vagón de los ahorcados

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"Mientras" en Reggae en PelaGatos:





Contacto: chaupekin@gmail.com

http://www.myspace.com/chaupe

miércoles, 4 de noviembre de 2009

2do Aniversario de "La Guitarra en La Ventana" en El Galpón de las Artes

Con motivo de nuestro 2 aniversario nos presentaremos el sábado 7 de Noviembre a partir de las 20:30 hs. en El Galpón de Las Artes ubicado en Jujuy 2755 en la ciudad de Mar del Plata. Entrada $12. Se brindará el clásico repertorio de La Guitarra, con nuevas composiciones más danza. Los esperamos!!!

La Guitarra en La ventana el disco: Download | Descargar

martes, 3 de noviembre de 2009

Marillion - Script for a Jester's Tear (1983)


Otra bocanada de aire fresco para desempolvar el viejo género de rock progrevivo - sinfónico.
La banda Marillion, otro de los pilares del llamado "neo-progresivo" con su album debut: "Script for a Jester´s tear" (Partitura para el llanto de un bufón). Deciamos pilares , debido a que junto a las bandas PENDRAGON e IQ, supieron darle una nueva vuelta de tuerca a el género allá a fines de los 70 y principos de los 80, en la cresta de la "nueva ola" y de el punk.

Marillon sin dudas fué la que obtuvo mayores resultados a nivel de popularidad (con lo que eso conlleva). La historia de esta peculiar formación se separa en dos partes muy bien delimitadas, determinadas por la ida de su primer cantante, el escocés Fish (Derek William Dick) y el ingreso de Steve Hogarth, desde 1988 hasta hoy. Pero aquí vamos a abordar la etapa primera, la de Fish
(hay quienes dicen que es la mejor, pero eso es harina de otro costal).

En sus comienzos su música se encontraba en la linea del Genesis de la era Peter Gabriel, con puestas de ecscena y por supuesto con todo un equipo de maquillaje y vestuario en honor a sus ìdolos.
La voz de Fish muy parecida a la de Gabriel, incluso lo tentaron para que cantara en Genesis. La banda se formó en 1979 en Aylesbury, Buckinghamshire, Inglaterra y en un principio su nombre era Silmarillion usando el título de la obra literaria de J. R. R. Tolkien, "El Silmarillion" en 1979.
Acortaron el nombre a Marillion en 1980 supuestamente debido a amenazas legales por parte de los poseedores de los derechos de la obra de Tolkien.

La banda , se conformò en el seno del panorama "under" inglès, en medio de ese torbellino punk y new wave, de ahí que no era extraño encontrarlos en lugares como el mìtico bar "Marquee". Su primera experiencia en estudio se dà en 1982 al grabando su primer sencillo con los temas "Market Square Heroes" y "Three boats down from the candy" en la cara A y la épica suite de casi 18 minutos "Grendel" en la cara B. Con Fish registrarían cuatro discos de estudio: "Script for a Jester's Tear" (1983), "Fugazzi" (1984), el álbum conceptual "Misplaced Childhood" (1985) y "Clutching at straws" (1987). Sin olvidarnos de algunas de sus performances en vivo como "Reel to real" de 1984 o el doble "The Thieving Magpie" (La gazza ladra) de 1988.

Para este, su debut discogràfico de 1983, la integraban Fish en voz, Steve Rothery en guitarras, Pete Trewavas en bajo, Mark Kelly en teclados y Mick Pontier en baterìa, este ùltimo abandonarìa la formaciòn al disco siguiente (Fugazzi, 1984), dándole lugar al actual baterista Ian Mosley. Este disco propondrìa entonces, las bases de el gènero neo progresivo con todos los elementos del progresivo, pero mucho más aggiornado y mas accesible para los oidos del pùblico, que gracias a esto poco a poco irìa creciendo, dàndole paso a una gran popularidad para la banda.

Su comienzo es fantàstico, con el tema que le dà titulo al disco "Script for a Jester`s tear" un tema por excelencia que imprime la lìrica depresiva de Fish (muy al estilo de Roger Waters en The Wall). Un tema de de 8 minutos lleno de movimientos con guitarras y teclados comprometidos, muy genesianos.
"He knows, you know", una canciòn que habla de las drogas y las malas experiencias alucinògenas. Nos refleja claramente ese aggiornamiento del género por sus claras aristas pop.
Otro gran momento (por no decir el mejor) es "Garden Party", un tema que tiene como columna vertebral los teclados de Mark Kelly junto a una base rìtmca bastante repetitiva, pero muy peculiar por el histrionìsmo de Fish en las voces.

Sin dudas el guitarrista Steve Rothery se lleva los aplausos en la dramàtica "Chelsea Monday"que relata las desdichas de una joven actriz. Conformada con atmósferas de guitarras parecidas a las de Gilmour en "The Wall".
Otro tema innovador es "Forgotten Sons", donde el cantante utiliza nuevamente todo el histrionísmo de su voz (susurros, gritos,voces graves).

Todos estos momentos fueron capturados en el Hammersmith Odeon de Londres el 18 de abril de 1983, en el llamado "Recital of the Script" que es justamente la presentación del disco. Algo llamativo de ese recital es que podemos notar que es un público muy joven, inclusive en el final de la canción "Grendel" vemos a Fish con la mascara de Darth Vader (villano de "La Guerra de las Galaxias") alzando a un chico del público y fingiendo golpearlo.

Lista de temas:

1. Script for a Jester's tears
2. He knows you know
3. The web
4. Garden party
5. Chelsea Monday
6. Forgotten sons

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Otros discos de Marillion disponibles:

1994 - Brave

martes, 27 de octubre de 2009

Chico Buarque - (Samambaia) (1978)

Una de las obras más representativas de su extensa discografía. Para este trabajo el compositor,cantante, escritor y poeta brasilero, contó con la participación de varios amigos como Milton Nascimento con quién canta a dúo en el tema "Càlice" co-compuesto con Gilberto Gil.

Y justamente hablando de ese gran tema (Calice), podemos decir que es un elaborado juego de palabras, ideado para despistar a la censura militar. El tema fué presentado inicialmente en 1973 y en este álbum la parte cantada por Gil es interpretada por Milton.Otro tema en contra de la dictadura y que lidia contra la falta de libertad de esos tiempos es "Apesar de você" (originalmente de 1970). Musicalmente el tema es muy al estilo "carnavalista" brasilero. En esa linea se encuentra también el tema que abre el disco: "Feijoada Completa".

Otras de las participaciones especiales son las de las voces de Elba Ramalho y Marieta Severo (cantan las dos a dúo) en el tema "O Meu Amor". Y si hablamos de tensión dramática, hablemos de la exasperante "Pedaço de Mim" con Buarque a dúo con la bella y colorida voz de Zizi Possi.
Su espíritu combativo lo llevo a grabar un tema en castellano de Silvio Rodríguez, "Pequeña serenata diurna".

Lista de Temas:

1. Feijoada Completa
2. Cálice
3. Trocando em Miúdos
4. O Meu Amor
5. Homenagem ao Malandro
6. Até o Fim
7. Pedaço de Mim
8. Pivete
9. Pequeña Serenata Diurna (Silvio Rodríguez)
10. Tanto Mar
11. Apesar de Você

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Pedaço de Mim (Pedazo de mi)

jueves, 8 de octubre de 2009

Dúo La Trapera (2001)

El dúo La Trapera surge como fruto de un trabajo de búsqueda enfocada a volcar en sonido y palabra, emociones presentes en las vivencias cotidianas de sus integrantes .
Transitando esta búsqueda apareció La Trapera, personaje de leyenda que cantando sobre los huesos - fuerza indestructible de la vida - le devuelve el alma a quién está perdido o en peligro de desaparecer.
Ella nos ayuda a "controlar al enemigo", a combatirlo cantando, diciendo lo que podemos y necesitamos.

El dúo estaba conformado por Marcos Gowda y Coty Tormo. El disco fué grabado en vivo en "Arrope" los días 17 de junio, 22 de julio, 10 de agosto y el 16 de septiembre de 2001. Salvo los temas 14 y 15 que fueron grabados en Estudio La Luna.

Actualmente Marcos Gowda integra el grupo "Los Tinguiritas" realizando espectáculos escénico-musicales para niños de todas las edades.


Personal:

Coty Tormo: guitarra y voz
Marcos Gowda: bombo, vientos y voz
Miguel Jiménez: bombo
Héctor Tortosa: guitarra
Gerardo Schiavón: bajo eléctrico
Mario Díaz: guitarra (14)
Cecilia Rasro: chelo (14)
Ricardo Mira: percusión (14)
Alejandro Rivero: guitarra (15)
Esteban Gutiérrez: bombo (15)

Lista de temas:

1. Vidala de la Copla (Vidala chayera) Chango Rodríguez
2. Controlando al enemigo (Ventana sobre el espejo) Eduardo Galeano
3. Luna Cautiva (Zamba) Chango Rodríguez
4. Campo afuera (Chacarera) Carlos Di Fulvio
5. ¿Se acuerda Doña Maclovia? (Chacarera) Carlos Di Fulvio
6. El violín del Becho (Milonga) Alfredo Zitarrosa
7. La Flor de la canela (Vals peruano) Chabuca Granda
8. Ña Poli (Rasguido doble) Teresa Parodi - Raúl Carnota
9. La sencillita (Chamarrita) José Carabajal
10. Corazón de Curupí (Chamamé) Chacho Müller
11. Gatito del dulce amor (Gato) Valle - Carabajal
12. Introducción a la Cueca
13. Nacida en agua de guerra (Cueca) Rivella - Díaz
14. Rumbo al cerro (Huayno) Maldino - Díaz
15. Vidala de la copla (Vidala Chayera) Chango Rodríguez

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miércoles, 30 de septiembre de 2009

Alberto Rojo - Para mi sombra (2003)

Uno de los "nuevos" talentos del folclore argentino es sin dudas el físico, guitarrista, compositor, cantante e intérprete Alberto Rojo.

Rojo nació en Tucumán (Argentina). A los seis años empezó a estudiar piano y varios años después descubrió la guitarra. Fué autodidacta hasta 1980, cuando obtuvo una beca para estudiar en el Camping Musical de Bariloche con Eduardo Frason. Estudió composición con Pamela Decker en Michigan y guitarra en las Jazz Sessions del Berklee Collage Of Music en Boston y con Ray Chester del Peabody Conservatory de Washington. Entre 1979 y 1989 fue miembro del grupo Gaudeamus de música antigua.T ambién participó en varios festivales en latinoamérica y los Estados Unidos.En 1999, bajo el sello Epsa music editó su primer disco "De Visita" (2000).

Producido por Pedro Aznar (también aporta bajo, piano y voz) "Para mi sombra" comenzó a grabarse en 2002. Nos ofrece composiciones propias como el bellísimo wals "Que bonito" y otras "Chacarera del fuego", "Zamba del agua" y "Filo Hua Hum". Esta última es una pieza instrumental que nos hace recordar mucho a AtahualpaYupanqui. Y hablando justamente de Atahualpa, Rojo y Aznar musicalizaron un poema inédito suyo : "Te digo gracias guitarra".

Otro sorprendente momento es la participación de Charly García para una versión arreglada de "Desarma y Sangra" (Serú Girán), la cual comienza cantanda a capella por Charly e inclusive si se le presta atención le han compuesto una nueva estrofa al tema!!. También participaron el percusionista Facundo Guevara y Diego Clemente en charango y aerófanos.

Durante el 2003 Rojo viajó a Argentina en varias ocasiones para presentar "Para mi sombra". Tocó en provincias del interior del país y en Capital Federal y fué convocado por Juan Falú para el Festival de guitarras del mundo. El disco fue altamente aclamado lo que acercó al músico a artistas de la talla de Mercedes Sosa con quien ya se había presentado en el Massey Hall de Toronto (Canadá) en 2002. Con ella también graba en 2005 "Chacarera del fuego" y "Zamba de Argamonte" para su disco "Corazón Libre" salido en el sello Alemán Deutsche Grammophon y participa en el flamante último trabajo de la Negra (cantando a dúo) "Cantora" (disco 2) de 2009.

En 1990 se doctoró en física en el Instituto Balseiro (Bariloche, Argentina) y se mudó a los Estados Unidos. Fue investigador de la Universidad de Chicago y profesor de la de Michigan. Debido a su interés por la ciencia, la literatura y la música, no es extraño verlo participar en charlas acompañadas por conciertos, como por ejemplo sus “Charlas de divulgación Científicas” sobre Borges y la mecánica cuántica, en 2004, recorriendo la Patagonia Argentina.

Personal:

Voz y Guitarra: Alberto Rojo
Guitarra Barítono (bordoneo y sólo), Contra Bajo, Piano: Pedro Aznar
Cajón, Cucharas, Bombo Leguero, Quijada, Cajita, Udus, Huancara: Facundo Guevara
Voz y Piano: Charly Garcia (en Desarma y Sangra)
Charango, Caja, Sikus, Quena, Pezuñas, Caja China, Cascabeles: Diego Clemente

Lista de Temas:

1. Qué bonito (Alberto Rojo)
2. Chacarera del fuego (Alberto Rojo)
3. Zamba de Argamonte (Leguizamón/Castilla)
4. Ese arar en el mar (Chabuca Granda)
5. Danza de la Moza Donosa (Alberto Ginastera)
6. Te digo gracias, guitarra (Yupanqui/Rojo-Aznar)
7. Filo Hua Hum (Alberto Rojo)
8. Desarma y sangra (Charly García)
9. Zamba del agua (Alberto Rojo)
10. Vidala para mi sombra (Julio Espinosa)
11. Buscando otro cielo (Alberto Rojo)
12. Apuntes de Tilcara (Alberto Rojo)

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lunes, 21 de septiembre de 2009

Camel - The Snow Goose (1975)


De entre las grandes obras conceptuales del rock de todos los tiempos, sin dudas "The Snow Goose" (1975)  de la banda inglesa Camel se lleva gran parte de los aplausos.

Camel es un grupo de rock progresivo nacido en Surrey, Inglaterra, en 1971. En un principio (1969) se llamaban "The Brew", hasta que se les unió el difunto Peter Bardens en 1971. La banda entonces estaba formada por Andy Latimer en guitarra, Doug Ferguson en bajo, Peter Bardens en teclados y Andy Ward en bateria y percusión.  En la primera mitad de los 70, Camel nos ofreció grandes placas como esta o "Mirage" (1974) y "Moonmadness" (1976). A partir de 1977 con el álbum "Rain Dances", ingresan a la banda el cantante y bajista Richard Sinclair (proveniente de la banda Caravan) y el saxofonista Mell Collins (King Crimson, Rolling Stones). En ese trabajo la incorporación de estos músicos hace entrar a la banda a terrenos más jazzeros y por que no también  influencias de la escena Canterbury. En los 80´s Sinclair y Bardens dejan Camel. Para reemplazar al  gran tecladista pasaron muchos nombres (inclusive dos músicos), pero el gran acierto fue la incorporación del bajista y cantante Collin Bass, quién  seguiría hasta estos días y proporcionaría una bocanada de aire fresco en el viaje del Camello a través del sórdido desierto(...). Quizás el disco más recordado sería "Nude" (1981) con temas emblemáticos como "City Life" o "Captured". En los 90´s siguieron las obras conceptuales, es así que nos encontramos con "Harbour of Tears" (1996). Obra altamente recomendable que está basada en la historia de cientos de miles de trabajadores emigrantes que partieron del puerto de Cóbh Harbour (Irlanda) rumbo a una nueva vida en América.

Quien conoce de Camel sabe que sin Latimer Camel no es Camel. Es un guitarrista  (también vientista y cantante) que imprime su sello inigualable, de esos que no ponen una nota de más o muchas notas pero bellas. En ese sentido es bastante parecido a David Gilmour.

Para este, su tercer trabajo, Andrew Latimer y Doug Ferguson, eligieron la obra homónima del escritor norteamericano Paul Gallico, en contraposición a la opinión de el tecladista Peter Bardens quién deseaba musicalizar textos de Steppen Wolf (El Lobo Estepario de Hermann Hesse). Latimer y Bardens co-escriben la idea original y para los arreglos orquestales contribuye David Bedford (quién acompañó entre otros a Mike Oldfield). El disco es totalmente instrumental, salvo en "Migration" que se tararean unos coros. Es así que nos encontramos con momentos propiamente emparentados al rock progresivo (piezas acústicas de guitarra y empleo de synth y moogs) en "Rhayader" o "Rhayader goes to Town" por ejemplo, donde a través de los tracks la música "progresa" gracias a los elementos típicos de la ingeniería del sonido. Hay otros momentos también emparentados a la música de cámara ("Friendship") con oboe, fagot, flauta traversa y clarinete.

Es realmente encantador como la música describe tan bien los escenarios y las vivencias, los climas y los sentires de cada uno de los personajes. La historia trata sobre un hombre maltrecho, RHAYADER, que tras su joroba, y brazo como garra de ave, esconde un gran amor por la vida. El segundo personaje principal es Fritha, una adolescente que descubre a la persona real detrás de un físico de pesadilla. Rhayader vive en un Faro y sólo va al pueblo más cercano cuando no hay otra opción. Él dedica su tiempo a cuidar las aves de la zona. Precisamente por esa realidad es que Fritha va a buscarlo: porque le dijeron que Rhayader podía curar al ave que Fritha había encontrado herida. El ave es, como habrán supuesto bien, un ganso. Pero no era cualquier ganso. En Inglaterra (lugar donde se desenvuelve esta historia) se conoce como Snow Goose, pero resulta extraño que haya estado por allí, pues el ganso es canadiense. En fin, Rhayader lo cuida y Fritha lo visita sólo mientras vive cerca del faro. La historia se desenvuelve a través de los descubrimientos afectivos que se dan por esas visitas de Fritha al ave, mientras Rhayader cultiva en silencio lo que poco a poco va sembrando en la pequeña niña.

Un dato de color: Gallico  los confundió en un principio con la conocida marca de cigarrillos, queriendo levantar acciones legales contra la banda, argumentando que odiaba a los fumadores. El problema se resolvió cuando se decidió agregar “música inspirada por” a la tapa del álbum.


Lista de Temas:

1. The Great Marsh
2. Rhayader
3. Rhayader Goes to Town
4. Sanctuary
5. Fritha
6. The Snow Goose
7. Friendship
8. Migration
9. Rhayader Alone
10. Flight of the Snow Goose
11. Preparation
12. Dunkirk
13. Epitaph
14. Fritha Alone
15. La Princesse Perdue
16. The Great Marsh


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jueves, 17 de septiembre de 2009

Carlos Gardel - Las Mujeres Aquellas (Su Obra integral Vol. 4)


Una nueva entrega de la obra intergral del mudo: el volumen 4 "Las Mujeres Aquellas".
Con una linea similar a la del Vol 2 "Amores Difíciles", Gardel se le anima al tema de de sus amoríos, desamorìos y abandonos, tambièn encontramos enumerados un sinùmero de estereotipos femeninos...

Es asì que se cuentan historias de mujeres de la vida de forma graciosa , como la relatada en "Esta Noche me Emborracho"(encontronazo con la ex venida a menos) o en el tangazo "Pobre paica"(màs conocida, seguramente, como "El Motivo"). Tenemos las pretensiones de "la mina del Ford" ,a la "niña bien" de "Pituca" y los sollozos del mantenido de "LLoró como una mujer". Quizàs el tango donde màs sobresale su voz es en "Gloria", un tango cantado inicialmente por Nina Miranda.


Lista de Temas:

1. Tiempos Viejos
2. Lloró como Mujer
3. Esta noche me emborracho
4. Por Seguidora y Fiel
5. Por que das dique
6. Mano Cruel
7. La Mina del Ford
8. Pobre Paica
9. Callejera
10. Primero Yo
11. Arrabalero
12. Pituca
13. Muñeca de Carne
14. Gloria
15. Marioneta
16. Duelo Criollo
17. Que Vachache
18. Milonguera
19. Margot
20. Tortazos

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Su Obra Integral:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX: "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

jueves, 3 de septiembre de 2009

King Crimson - Discipline (1981)


Érase una vez un rey de las 6 cuerdas al que muchos llamban Rey Carmesì, pero nosotros lo conocemos mejor como King Crimson o alma mater/fundador de o simplemente Robert Fripp. Excluyente guitarrista que llevò a los limites al rock progresivo, teniendo como resultado la mùsica ambient. Pero eso es parte de otra (grata) historia.

A lo largo de su historia King Crimson supo servirse en su corte de un sinumero de excelentes mùsicos. Siempre conservando a Fripp, Crimson agradeciò las potentes voces y bajos de John Wetton y Greg Lake, las flautas y saxos de Ian Mc Donald y Mell Collins, el violin de David Cross o las percusiones exòticas de Jaime Muir. Y no debemos de olvidar la contribuciòn en letras de Peter Sinfield en los primeros álbumes.

El álbum en cuestión marca el comienzo de una nueva etapa en la banda. Siete años habían pasado de su anterior trabajo "Red" y a los miembros que quedaban (Fripp y Bruford) se les unirían el guitarrista y cantante Adrian Belew (Zappa, Bowie, Talking Heads) y el bajista Tony Levin (Peter Gabriel) quién también se especializa en ejecutar el Chapman Stick. Por su parte, Bruford aprovechó para navegar en los mares que le permitía la modernización en el ámbito de la percusión.
El uso de contrapuntos y timbres polirrítmicos se ha vuelto casi un sinónimo de Crimsonismo, especialmente a partir de este álbum. Levin se sentía curioso por incluir el stick en el rock. Es Así que encontramos poderosos riffs de este instrumento en gran parte de los temas.

El disco arranca con la delirante "Elephant Talk" , cantada/parloteada por Belew con un efecto de elefante entre los diálogos de guitarras. LLena de variantes rítmicas la singular y compleja estructura de "Frame by Frame", utiliza una base ultra rapidísima de Fripp , unos rasguidos metálicos de Belew (hasta por encima de la cejilla!!) y toques de stick. Respondiendo a esa misma estructura, pero en aumento, "Indiscipline" contiene un dialogo entre el stick y la percusión para luego zambullirse en un caudal de lava eléctrico, que también dialoga con el discurso de Belew. Este es quizás el mejor tema del disco culminando con el inolvidable grito final: I like It!!

La hermosa balada , con toques bluseros, "Matte Kudasai" (que en japonés significa "esperame, por favor"), contiene una atmósfera etérea a lo Fripp que se deja atravesar por slides de Belew. Otro potente tema es "Thela Hun Ginjeet", un torbellino rockero con aristas funkys y psicodélicas. El título del tema no proviene de un idioma asiático o africano, sino de un anagrama de la frase “heat in the jungle” (“calor en la jungla”), la cual ilustra la habitual violencia urbana, el mismo Adrian Belew se vio sucesivamente acosado por unos pandilleros y unos oficiales del orden (en Nueva York) en la tarde de un día que no tenía nada de especial.

En síntesis , un trabajo que demuestra como un guitarrista puede llegar a imponer sus enseñazas o su "Disciplina" , junto a los músicos con quiénes se divierte y trabaja. Para concluir una frase del mismo Robert Fripp: "La disciplina no es un fin en si mismo, sólo un camino para conseguir un fin."

Lista de Temas:

1. Elephant Talk
2. Frame by Frame
3. Indiscipline
4. Matte Kudasai
5. The Sheltering Sky - Discipline
6. Thela Hun Ginjeet

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Frame By Frame


jueves, 27 de agosto de 2009

Stevie Ray Vaughan y su majestuoso blues eléctrico


Hace 19 años fallecía uno de los principales referentes en lo que a guitarra bluesera concierne, gran fusionador del blues y el rock en los 80. Un guitarrista y cantante de un feeling y virtuosismo inigualables.


Nació un 3 de octubre de 1957 en Dallas, Texas. A los 7 años le regalan una guitarra de jugete y se enamora de este instrumento.Sus primeros años fueron como guitarrista amateur recorriendo el cicuito de Texas. A partir de 1970 forma a los "Blackbirds", su primer formación seria. En 1971 cambiaría su residencia a Austin, por esos años Stevie recibiría su vieja Stratocaster que lo acompañaría hasta el final de sus días. Por esos años (hasta 1977) pasaría por bandas como "The Nightcrawlers" o "Paul Ray & The Cobras" .


Pero sin dudas su más recordada formación sería la "Double Trouble" con Tommy Shannon en bajo y Chris Layton en batería. Con ellos grabaría alrededor de seis discos de estudio sin contar las performances en vivo. La más recordada quizás fué cuando participaron en el festival Internacional de Jazz de Montreux, donde fueron abucheados por el publico, pero irónicamente los galardonaron con un premio Grammy por la versión de "Texas flood" del gran disco en vivo "Live at Montreaux".


En 1982 contribuye con un disco de David Bowie (Let´s Dance) y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records.Es así que sale al ruedo el primer album "Texas Flood"en 1983. Lo sigue en 1984 "Couldn't Stand The Weather".Ese mismo año es premiado con dos National Blues Award por "Best Entertainer", "Mejor Instrumentista de blues".

Debido a el abuso de estupefacientes , el guitarrista se vió obligado a cancelar varias giras durante ese año. Pero su verdadero regreso se daría en 1987 cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las cinco personas que iban a bordo mueren.
Les ofrcemos aquí el album "Texas Flood" .




Lista de temas:

1. Love Struck Baby
2. Pride and Joy
3. Texas Flood
4. Tell Me
5. Testify
6. Rude Mood
7. Mary Had a Little Lamb
8. Dirty Pool
9. I'm Cryin'
10. Lenny
11. SRV Speaks
12. Tin Pan Alley (AKA Roughest Place in Town)
13. Testify (live)
14. Mary Had a Little Lamb
15. Wham! (live)

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miércoles, 19 de agosto de 2009

O Rappa - Lado B, Lado A (1999)


Concebida en 1993 y con trabajos en la actualidad , O Rappa es conocida en brasil por el gran impacto social de sus letras. Su estilo es dificil de describir. Es una especie de coctail que incorpora samba, funk, MPB (musica popular do brasil), como asi también elementos del hip-hop del reggae y el rap con samplers. A lo largo de su carrera encontramos entre sus éxitos la canción "Pescador de ilusiones", del primer disco "Rappa Mundi" (de 1996). Allí también se encuentra una versión de "Hey Joe" de Jimi Hendrix
Otro gran suceso de su carrera fué la presentación en el "Unplugged" de MTV en 2005 con la participación especial de María Rita (hija de Elis Regina) y de Siba.
Producido por Chico Neves y Bill Laswell, "Lado B, lado A" , es su tercer álbum, donde apeciamos una maduración en el sonido de la banda. Las letras son de gran importancia y nos ofrecen una crisàlida de diferentes temas que van desde las problemàticas de la sociedad hasta temas relacionados con la fè , pasando por la marginalidad y las drogas.

Podemos ubicar temas con una impronta más pop como "Me deixa" o "O Que Sobrou Do Céu" esta última con un "Wha-Wha" vocal muy particular. Pero sin duda el mejor tema del disco es: Minha Alma (A Paz Que Eu Não Quero) .

Lista de Temas:

1. Tribunal De Rua
2. Me Deixa
3. Cristo E Oxalá
4. O Que Sobrou Do Céu
5. Se Não Avisar o Bicho Pega
6. Minha Alma (A Paz Que Eu Não Quero)
7. Lado B Lado A
8. Favela
9. Homem Amarelo
10. Nó De Fumaça
11. A Todas As Comunidades Do Engenho Novo
12. Na Palma Da Mão


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viernes, 24 de julio de 2009

La Guitarra en la Ventana junto a Juanito el Cantor

Sábado 1 de junio a partir de las 20 hs. en El Galpón de Las Artes, ubicado en Jujuy 2755 en la ciudad de Mar del Plata. Entradas anticipadas $10 y en puerta $15.

Contacto: laguitarraenlaventana@hotmail.com

jueves, 23 de julio de 2009

Juanito el Cantor - 12 canciones de amor y 1 botella de vino (2007)

Como proximamente el show de "La Guitarra en La Ventana" se presentarà junto a "Juanito el Cantor" ( ya habrà màs data), les ofrecemos aquì su primer trabajo.

Con seguridad puedo decir que la música de Juanito nos arrastra a un viaje seguro y versátil, más de una vez podría decir que me encuentro conmigo mismo hace varios años atrás.
Pasto, barquillos de papel, un tiki taka roto, y otros utensillos podrían con su simple presencia describir su música.

Vamos a adentrarnos al mundo de Juanito:

Alter ego, amigo imaginario, memoria y futuro de Juani Serrano. Nació hace un tiempo inesperadamente y fue recibido con mucha alegría . ¿Qué es lo que él hace? Canciones más que todo... solo con la guitarra y la voz o con la participación ocasional de alguno de sus amigos. Muchas de sus canciones las editó en su primer disco llamado "12 canciones de amor y una botella de vino" que se editò en junio de 2007 a través del Club del Disco.
Reseña escrita por Gonzalo Luna de el blog Tapale el hocico

Lista de temas:

1. A tu lado crear (cover de shambala)
2. Amarillo
3. Bolero
4. Chanson
5. ¿Donde està la luz?
6. El vals de la jugeterìa
7. Es tarde
8. Estrellitas
9. La ùltima canciòn (la de la botella)
10. Làgrimas en tu corazòn
11. Me cayò una gota sobre la cabeza
12. Mi gorriòn
13. Nose si es mejor
14. Quiero ser un actor
15. Souvenir veralt
16. Una flor
17. Ven

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viernes, 17 de julio de 2009

Steve Howe - Beginnings (1975)

Si estas no son cuerdas...

Como ya hemos hablado en anteriores entradas de grandes guitarristas clásicos como ANT PHILLIPS o STEVE HACKETT, no podíamos dejar afuera a Steve Howe y menos con su primer trabajo en solitario: "Beginnings". Como ya es sabido , Howe integró la legendaria banda Yes a partir de 1970, teniendo varias idas y venidas a través de los años.

Con este gran trabajo ratifica su proveniencia de la "escuela clásica" de guitarristas y su incansable experimentación con diferentes instrumentos de cuerda: mandolina, arpicordio, dobro, banjo. Howe contó con la participación de varios amigos, a saber: Alan White , Graeme Tylor, Malcolm Bennet, David Oberle, Colin Gibson, Patrick Moraz, Mick Eve, Chris Laurence, Bill Bruford y miembros de la Philomusica, participando en el tema que dá titulo al álbum: "Beginnings".

La obertura es "Doors of sleep" tema que recuerda en su rítmica a Yes, y también por su inolvidable steel guitar. El guitarrista juga con la mezcla de secciones de piezas de guitarras acústicas, una buena muestra de esto es en "Australia". Su voz (aclamada por muchos como acompañamiento vocal en Yes y criticada por algunos como solista) tiene un timbre muy particular que se deja disfrutar tras pocas escuchadas y sobre todo en ese tema y en el final de "Will O´ The Wisp".


En general y como era de esperar su destreza en los dedos se ubica en un plano fuera de lo común. "The nature of the Sea" o "Lost Symphony", son temas que se desarrollan en base a una inteligente base de saxofón, generando pautas para la improvisación.


Otro buen momento acústico es "Ram". Un tema campirano de por sí, donde utiliza la guitarra dobro, el banjo y la washboard (si, la tabla de lavar!!!). Pero este disco gira en torno a el tema central: "Beginnings", una amable pieza de concierto que incluye a los miembros de la mencionada Philomusica.

Hay que resaltar también el arte de tapa a cargo de el genial artista plástico, diseñador, arquitecto y publicista Roger Dean, quién participo en varios discos de Yes o de bandas como Uriah Heep o Gentle Giant y en otros del mismo Howe tanto como solista o con la banda Asia. Trabajos que siempre estubieron a la altura del concepto de cada disco. En mi caso particular puedo decir que el arte de tapa de este disco es mucho más apreciable viendo el sobre del vinilo con las letras de su lado interno vistas con un paisaje de fondo y el logo de "Yes" oculto . Un enlace para apreciar otros trabajos del artista: Roger Dean´s personal web site .


Lista de temas:

1. Doors of sleep
2. Australia
3. The nature of the sea
4. Lost symphony
5. Beginnings
6. Will O´ the wisp
7. Ram
8. Pleasure stole the night
9. Break away for it all

sábado, 11 de julio de 2009

Oscar Moro, el baterista por excelencia del Rock Argentino

Un nuevo aniversario de la muerte (11 de julio de 2006) de este gran y sobre todo versàtil batero integrante de varias formaciones que pasaremos a enumerar a continuaciòn.Nacido en Rosario (Santa Fè), allì curso todos sus estudios y conociò a una buena parte de los amigos con los cuales formarìa una de lasprimeras bandas del rock en Argentina (primero Kay Galifi, luego Litto Nebbia y Ciro Fogliatta).

Asì , en 1967 Los Gatos empiezan a hacer sus primeras armas en el mìtico club de jazz underground "La Cueva". En ese lugar tambièn frecuentaban Los Beatnicks, Los pre-Los Gatos: Los Gatos Salvajes, The Seasons , personajes como Tanguito, Miguel Abuelo y Pappo o los poetas-periodistas Miguel Grinberg y Pipo Lernoud. Ese mismo año Los Gatos graban su primer simple Ayer Nomàs (Moris)/ La Balsa (Tanguito) con un gran e inesperado resultado vendiendo 250.000 placas. Luego de alcanzar este èxito como primer banda de rock de habla hispana, cosechando grandes placas como "Beat No 1" (1969) o "Rock de la mujer perdida" (1970), la banda se disuelve.

En 1972 participa junto a Nebbia para la banda Huinca y poco despuès y tras peticiòn de Edelmiro Molinari acepta reemplazar a David Lebòn en Color Humano. Tràs la ruptura tiene un paso fugaz como sesionista en Porsuigieco y La Pesada. Es en 1974 cuando Charly Garcia lo recluta para formar La Màquina de hacer pajaros. Una banda efìmera y unica que supo mofarse como pocas del gobierno militar de turno. Nos dejaron dos impresionantes discos de estudio ("La Màquina de hacer pàjaros" y "Pelìculas") y un disco pirata en vivo en el Luna Park.

Este acercamiento a el proyecto de Garcia desembocarìa en lo que fuè Serù Giràn, acompañados por Pedro Aznar y David Lebòn. Con ellos pasarìa sus mejores momentos como mùsico, dejando registrados cinco discos de estudio y tres en vivo. La banda supo mixturar los talentos de cada mùsico logrando un sonido entre el jazz rock,el rock sinfònico, la fusiòn y la mùsica latina, mezclados tambièn con el tango.Uno de los tantos buenos recuerdos que nos dejò Serù fuè su presentaciòn en agosto de 1980 en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro junto con Pat Metheny y George Duke, John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti y el grupo Weather Report.

Otra gran formaciòn en la que participò fuè junto a Pappo en Riff en 1985 grabando Riff volumen VII con Michel Peyronel, Boff Serafine y JAF. Justo antes de este disco en el año 1982 se une a el bajista y cantante uruguayo Beto Satragni.Con quién registraria Moro- Satragni en 1983, el disco contaría con la participación de Charly Garcia ("Como me gustaría ser negro"), Luis Alberto Spinetta ("Mirada azul") y David Lebón ("Todo lo que pueda hacerme bien").Colaboraron también Lito Epumer, Ricardo Mollo, Diego Rapoport, Pablo Rodríguez, Gustavo Bazterrica, Leo Sujatovich, Oscar Feldman, Osvaldo Fottoruso y Oscar Kreimer.En cuanto al sonido podemos decir que con semejantes participaciones nos topamos mucho con el jazz, el afro y es notable la influencia de la música uruguaya, se puede oir en el tema "Canecandombe".





Lista de Temas:

1. Aguantando Con Fiebre
2. Canecandombe
3. Dale Amor A Tu Tierra
4. Cómo Me Gustaría Ser Negro
5. Tan Solo Un Lugar
6. Canción De Alguien
7. Mirada Azul
8. Todo Lo Que Pueda Hacerme Bien


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martes, 7 de julio de 2009

Cazuza - Idiologia (1988)


A 19 años de su muerte homenajeamos a Cazuza, con uno de sus discos más emblemáticos.
Este cantante, compositor y poeta brasilero fué uno de los más importantes en la década de los 80 de su país. nacido con el nombre de Agenor de Miranda Araújo Neto,era un asiduo amante de la música. Su padre João Araújo era productor fonográfico, lo que le posibilitó estar en contacto con lo clásico y más fino de la música brasilera. Pero su inclinación no terminaría por ese lado. En 1974 viaja a Londres y conoce el rock: Led Zeppelin, Janis Joplin, The Rolling Stones, etc. En 1980, luego de incursionar en la carrera de periodismo y en el teatro under, ingresa en la mítica banda de rock Barão Vermelho que estaba conformada por Roberto Frejat en guitarras, Dé Palmeira en bajo, Maurício Barros en teclados y Guto Goffi en batería. Esa dupla compositiva Cazuza/Freijat fue una de la más festejadas del rock brasilero.

Cazuza permanecería con ellos hasta entrado el año 1985, presentándose en el Rock in Rio, ese mismo año el cantante contraería HIV. durante su época con Barão Vermelho podemos rescatar grandes canciones como "Bilhetinho Azul", "Ponto Fraco", "Down Em Mim" y "Todo Amor Que Houver Nessa Vida". Luego de su retirada, la banda seguiría cosechando grandes éxitos y discos. Pero es parte de otra historia.

Ese mismo año sale su primer disco en solitario "Exagerado" con una buena aceptación del público. Le seguirían  "Só Se For A Dois" (1987), "Idelogía" (1988), el en directo "O Tempo Não Pára" (1988) que contiene el tema homónimo (que seguramente se los hizo conocer en Argentina por Bersuit Vergarabat), "Burguesia" (1989) y "Por aí" (1991). A través de estos trabajos Cazuza, comenzó a desarrollar su condición de gran poeta por sobre todo.  En Octubre de 1989, después de cuatro meses de tratamiento en San Paulo, parte hacia Boston. El día 7 de junio de 1990 a los 32 años muere por un choque séptico causado por el SIDA.

El disco en cuestión es el tercero de su carrera. Fué grabado luego de de ser tratado en Estados Unidos de una neumonía y ya con conocimiento de su enfermedad. Un disco muy de los 80´s. El tema que le dá titulo al álbum es uno de sus grandes éxitos. Compuesta junto Frejat, tiene todo su punch: "Mis heroes murieron de sobredosis, mis enemigos están en el poder, Ideología yo quiero una para vivir..."O tenemos tonos de ironía como en "Boas novas": "yo vi la cara de la muerte, y ella estaba Vivaaa!!!..."

Otro gran hit "Brasil" considerada una declaración de amor a su país, que pese a los problemas  que señala de su sociedad (drogas,pobreza, etc) le grita en su estribillo: "Brasil!!! cuál es tu negocio? ,  o el nombre de tu socio?... confía en mi!!". Otro tema a rescatar puede ser el "Blues da piedade" un buen blues bien aggiornado para los 80´s, otra gran colaboración con Frejat. Su estribillo:"Vamos pedir piedade. Senhor, piedade, Pra essa gente careta e covarde!!..."



Personal:

Cazuza – voz
Nilo Romero – bajo
Ricardo Palmeira – guitarra
William Magalhães y João Rebouças – teclados
Sergio Della Monica y Claudio Infante – bateria


Lista de Temas:

1. Ideologia
2. Boas Novas
3. O Assassinato Da Flor
4. A Orelha De Eurídice
5. Guerra Civil
6. Brasil
7. Um Trem Para as Estrelas
8. Vida Fácil
9. Blues Da Piedade
10. Obrigado (Por Ter Se Mandado)
11. Minha Flor, Meu Bebê
12. Faz Parte Do Meu Show


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miércoles, 1 de julio de 2009

Carlos Gardel - Gardel en Barcelona (Su obra Integral Vol. 3)

El pasado 24 de junio se cumplìa un nuevo aniversario de la muerte de Carlitos. Asi que por ese motivo aprovechamos para ofrecerles un nuevo volumen de La Obra integral, el volumen 3: "Gardel en Barcelona".

La razòn del titulo es màs que nada debido a que la mayorìa de las grabaciones estan grabadas en dicho lugar entre los años 1926 y 1928. El ùnico tango que hace referencia a la madre patria es "La Gloria del Aguila" que hace una suerte de descripciòn de lugares desde un vuelo en Plus-Ultra.

El tango màs conocido es quizàs "Mano a Mano" y tambièn nos encontramos con "La Cumparsita" con letra. Luego en gran parte de los tangos cuentan historias de dandys, de malevitos, de otarios y de almas herrantes como en las historias que se relatan en"Cuando Volveràs" y la "obrerita" de "Cotorrita de la suerte".

Otros momentos inspirados son la colorida "Siga el Corso" (dos grandes momentos del conjunto de guitarras) con su gracioso y gesticulado estribillo y el hermoso vals/declaraciòn "Tu vieja Ventana".

Màs abajo compartimos "Mano a Mano" en video.

Lista de Temas:

1. Echaste Buena
2. Yo te bendigo
3. Malevito
4. Cuàndo Volveràs
5. Cotorrita de la suerte
6. Que Vachache
7. El Tabernero
8. La Cieguita
9. Siga el corso
10. La Cumparsita
11. Tu vieja ventana
12. Mano a mano
13. La gloria del àguila
14. Dandy
15. Pato
16. Mentira
17. Pan
18. Otario que andàs penando
19. El Rosal
20. Sueño querido
21. Sueño de juventud

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Su Obra Integral:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX: "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

Genesis - The Lamb Lies Down On Broadway (1974)

El Cordero de Genesis

Al momento de observar los rankings donde se destacan los discos más sobresalientes del pasado siglo XX, como el de la revista Rolling Stone o el Billboard, difícilmente se encuentre este álbum conceptual de la banda Genesis, hecho en 1974, entre acaloradas discusiones de sus integrantes. Aún así el disco “The Lamb Lies down on Broadway” (El cordero yace en Broadway) gozó del éxito en círculos de culto que décadas después obligó a los críticos a revalorar su contenido, tanto musical como poético.

El autor intelectual de los 23 temas fue Peter Gabriel, mientras que el resto de la banda, integrada también en ese momento por Mike Rutherford, Tony Banks, Phil Collins y Steve Hacket compuso la música sin siquiera conocer en líneas generales de qué trataba. Al reunirse el grupo para integrar música y poesía vieron que existía una sincronización adecuada y dieron lugar a ciertos temas de relleno que tenían la intencionalidad de completar el número 23 al que tanto anhelaba llegar Gabriel por su valor cabalístico. Entre ellos figuran “The Light dies down on Broadway” (La luz se apaga en Broadway) o “The Grand Parade of lifeless packaging” (El gran desfile de los paquetes sin vida), los cuales fueron escritos por Banks y Rutherford.

No tenemos en el caos de música y poesía espasmódica una línea general que nos lleve a concretar una interpretación “justa” o “adecuada” del disco. En el disco se rememora continuamente sobre las vivencias de un vagabundo puertorriqueño llamado RAEL, destinado a recorrer las calles de Nueva York en una búsqueda existencial y violenta que nunca parece culminar. Ahora, ¿qué es lo que hace de este disco una joya del siglo XX?.


Vayamos por partes: el disco doble encierra dentro de si una riqueza musical, ciertamente arriesgada, que deriva en varios géneros. A diferencia de otras obras, la música parece haber sido hecha en relación directa con los estados de ánimo del personaje y su perspectiva de lo que él ve, uno de los paradigmas que han caracterizado desde siempre al rock progresivo. “The Lamb…” comienza con la voz melodiosa del cantante presentando lo que parece ser un show, un panorama rutinario de Nueva York:

“And the lamb lies down…/on Broadway
early morning Manhattan
ocean winds blows on the land
the Movie Palace is now undone
the old man watchmen have had their fun…”

El sonido asciende melodiosamente para culminar en un descenso que introduce al siguiente tema, donde la confusión comienza a manifestarse en metáforas complejas para las cuales se atraviesan diversos recursos musicales: desde el empleo del jazz hasta la música propia de los carnavales.

El primer disco culmina en “The chamber of 32 doors” (La cámara de las 32 puertas), referencia al esquema sefirotico de la Kabbalah, y el segundo se inicia con Lilywhite Lilith (Lilith, blanca como los lirios) denotando la cercanía con la muerte. A diferencia del primer disco, el segundo se torna denso por momentos en función del contenido teatral que alcanzan algunas composiciones, recurso ya explotado por la banda desde el álbum “Nursery Crime” (Crimen de Enfermería).

Es a partir del tema “The Light dies down on Broadway” que uno asiste a la comprensión de lo que puede llegar a significar el desarrollo de RAEL a través del disco; y nada resulta más claro que lo emitido en la última estrofa del último tema (“It”):


“It is Real, it is Rael
´cause it is only knock and knowall
but i like it”

Donde se concluye que la ansiedad de RAEL es ser real y, el recorrido a través de la mención de personajes conocidos (como Howard Hughes o Groucho Marx) y decadentes (como la primera persona condenada a muerte en Estados Unidos), es una pantalla de la angustia existencial del protagonista y, a través del mismo, las ansiedades que se sufren en los tiempos contemporáneos. Asimismo, podemos observar en los actos delictivos de RAEL, referidos a violaciones –las imágenes en “Counting out time” son más que elocuentes- o vandalismo –basta remarcar el contenido de la canción “Back in NYC”- una metáfora de la búsqueda de identidad a través de medios ilícitos de los cuales nunca se esclarece si son reales o imaginarios, así como la búsqueda de Jhon.

Es éste entonces un disco construido a la manera de una suma cultural que engloba a partir de un personaje las angustias de nuestro tiempo y, una prueba de que los rankings se hacen muchas veces en base a premisas más comerciales que artísticas.

Reseña escrita por Cristian Ariel Mangini visiten sus blogs: Flash Foward y Fancinema

Lista de Temas:

Disco 1:

1. The Lamb Lies Down on Broadway (4:50)
2. Fly on a Windshield (4:23)
3. Broadway Melody of 1974 (0:33)
4. Cuckoo Cocoon (2:11)
5. In the Cage (8:15)
6. The Grand Parade of Lifeless Packaging (2:45)
7. Back in N.Y.C. (5:42)
8. Hairless Heart (2:13)
9. Counting Out Time (3:42)
10. The Carpet Crawlers (5:15)
11. The Chamber of 32 Doors (5:40)

Disco 2:

1. Lillywhite Lilith (2:42)
2. The Waiting Room (5:24)
3. Anyway (3:07)
4. The Supernatural Anaesthetist (2:59)
5. The Lamia (6:57)
6. Silent Sorrow in Empty Boats (3:07)
7. Colony of Slippermen (8:13)
a) The Arrival
b) A Visit to the Doktor
c) Raven
8. Ravine (2:04)
9. The Light Dies Down on Broadway (3:32)
10. Riding the Scree (3:57)
11. In the Rapids (2:26)
12. It. (4:15)

DISCO 1 : Download | Descargar


DISCO 2 : Download | Descargar

martes, 16 de junio de 2009

Berro D´agua (2005)

Cuarteto de composiciones propias, utilizando diversos ritmos carecterísticos como milonga, chacarera, marcha camión, siempre reivindicando las melodías y buscando espacios para la improvisación.
El cuarteto grabò este material allà por el 2005, en los estudios EQ en la ciudad de Mar del Plata.
Nos gustarìa que participen con sus crìticas o mal comentarios...

Personal:

Federico Moyano: guitarra
Ignacio Santos: bajo
Daniel Alverola: saxo
Marcos Calvari: baterìa

Lista de Temas:

1. Milonga la oscuridad
2. Romàn
3. Siesteando
4. Tan cachivache
5. Leonela
6. Marabunta
7. Quincas

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Aquì les ofrecemos el video de "Marabunta" en vivo:

domingo, 7 de junio de 2009

Jethro Tull - Too Old To Rock `N´ Roll: Too Young To Die! (1976)



Una extraordinaria obra conceptual (como era de esperarse allà a mediados de los 70`s). Con claros mensajes sociològicos, al estilo de Ray Davis de The Kinks. La banda liderada por el flautista-guitarrista-showman Ian Anderson, nos cuenta la historia de Ray Lomas el ganador de un concurso, que segùn el era una noche en Ibiza. Lomas es un viejo rockero que lucha por tener la aceptaciòn de la sociedad.


De todos modos, cual fuese el asunto, el grupo nos ofrece como una acuarela las vivencias de dicho personaje a lo largo de diez canciones llenas de matices musicales, lìricos y escènicos que van desde la jocosidad y la alegría hasta la tristeza y la pesadumbre. Las letras, si tienen la oportunidad de examinarlas, estan regìdas por la ironìa, acompañadas por esa elocuencia tan peculiar para cantar de Ian. Algunos sostienen que èl es el maestro del llamado "Cinìsmo Filosòfico".

No es extraño entonces que pasemos por distintos clìmas y emociones, como los enèrgicos rocks "Taxi Grab" o "Big Deeper"(con excluyentes trabajos de el bajista John Glascock y el baterista Barriemore Barrlow), la orquestada "Too Old To Rock N Roll, Too Young to Die", hija legìtima de "Quizz Kid", o a las tan acostumbradas formas acùsticas y folk-celtas como "Salamander", "From a dead beat to an old greaser"(con excelentes arreglos orquestales a cargo del gran David Palmer) o "Bad-eyed and loveless".


Anderson o Lomas como quieran llamarlo, critìca fuertemente a las instituciones de "La estrella de Rock" en una pieza a medias acùstica llamada "Crazed Institution", donde se destaca su fuerte interpretaciòn de la guitarra española sin dejar pasar sus pinceladas en la flauta y las presencias de los punteos de Martin Barre en la guitarra elèctrica y el respaldo en los magnìficos teclados de John Evans. Cuenta con la hermosa voz de Angela Allen en coros.


"Salamander" otra buena muestra de la interpretaciòn de las cuerdas de Ian. Con un potente rasguido al mejor estilo INCREDIBLE STRING BAND. "Too Old to Rock and Roll, Too young to die", un himno de la banda, quizàs uno de los mejores temas junto a "Trick as Brick", "Aqualung" o "Living in the Past", con una introducciòn cumbre de Palmer quièn tambièn se encarga del saxo!!!. Maddy Prior cantante del grupo de folk-rock británico Steeleye Span se ocupa de la segunda voz.


Para terminar otra buena participaciòn del maestro David Palmer (o Dee Palmer como lo llaman ahora, tras su operaciòn de sexo) : "The chequered flag (dead or alive)" una pieza orquestada con finos arreglos a lo lejos de vibràfono, a punto de làgrima...



En resumen un disco que en sus temas màs rockeros o "escuchables" debemos rescatar su importante orquestaciòn.
Tambièn vamos a compartir de la presentaciòn del disco el 31 de julio de 1976 en Tampa, Hillsborough, Florida, estos dos videos: " Crazed Institution" y la desconocida "Wond'Ring Aloud" .


Lista de Temas:

1. Quizz Kid
2. Crazed Institution
3. Salamander
4. Taxi Grab
5. From A Dead Beat To An Old Greaser
6. Bad-Eyed and Loveless
7. Big Dipper
8. Too Old To Rock 'n' Roll: Too Young To Die
9. Pied Piper
10. The Chequered Flag (Dead or Alive)
Bonus Tracks:
11. A Small Cigar
12. Strip Cartoon


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miércoles, 3 de junio de 2009

La Renga - Despedazado por mil partes (1996)

Nunca me voy a olvidar la primera canciòn que amé de La Renga. Fuè un antes y un después, nunca más pude parar. Y a pesar de que sabìa que era una de las mejores banda de RNR del paìs, necesitaba que me enamoren y sentirlo por mi misma. "Veneno" era "la canciòn", de su cuarto CD, "Despedazado por mil partes" (1996), el primero que tuve, gracias a mi "renguero preferido" como yo le digo.

¿Y cómo escribir sobre UN SOLO CD?, Cómo elegir?? No puedo resumir 20 años de historia de esta banda en UN SOLO CD. Imposible. Cuando pienso en el porqué de su éxito lo que generan en miles de personas, lo que generan en mi, me doy cuenta que no es sólo música, es mucho más que eso. Es una filosofìa de vida, de amistad. De amistad por sobre todas las cosas. Porque si Tete, Tanque y Chizzo no fueran tan amigos, esta banda nunca podrìa ser lo que es.

Todos los rengueros sabemos que no se puede explicar lo que se siente, tenés que estar ahí. En un recital, ahì te llenàs de rock and roll pero sobre todo de ese sentido de la amistad y humildad. Porque eso no se puede disimular. Es un GRAN BANQUETE.

A lo largo de su discografìa se puede apreciar fácilmente el crecimiento de La Renga. Su primer producciòn independiente "Esquivando Charcos "(1991), ya con la incorporaciòn del saxofonìsta Gabriel Sánchez (chiflo). En 1993 y de nuevo de manera totalmente independiente sacaron el cd "A donde me lleva la vida". En 1994 llenan su primer Obras, mostrando la gran convocatoria que comenzaban a tener.

Deciden editar "Bailando en una pata" (1995) que contiene todas las versiones en vivo grabadas en el estadio Obras y "Despedazado por mil partes"(1996) con la producciòn artística de Ricardo Mollo (Divididos). Uno de los mejores cds de La Renga, creo que mi preferido, aunque no pueda elegir solo uno. Si alguien quisiera empezar a escuchar esta banda, yo le recomendarìa este àlbum. Lleno de rock n roll, fuerza, excelentes letras, y con por supuesto el himno y la canciòn con la que terminan todos sus recitales: "Hablando de la libertad". No solo eso sino tambièn prueban desgustar otros gèneros... como los casos de "Psilocybe Mexicana", la folclòrica "Paja Brava" o "El viento que todo lo empuja" sustentada por una base reggae. "Desnudo para siempre", "A la carga mi rocanrol", "El final es en donde partì", "Balada del diablo y de la muerte", la clásica balada de La Renga perfecta para la voz de Chizzo,"Cuando vendràn", "Psicocybe a la mexicana", "Lo fràgil de la locura", "Veneno" (letra que pertenece a La Negra), son buenas demostraciones del gran momento de inspiraciòn de la banda.

Este trabajo marcó un antes y un despuès en la banda. Tuvo una gran aceptaciòn por parte del pùblico renguero que crecìa cada vez más y más. Sin ceder a las presiones de la industria supieron mantener firmes sus convicciones y reglas, y con el boca en boca sumar un público fiel y leal que hizo de La Renga lo que para mi es hoy en dìa, la mejor banda de RnR del país. Comprobàndolo en cada uno de sus masivos recitales durante estos 20 años, el último el sàbado 30 en el estadio ùnico de La Plata. El cual fuè transmitido por varias emisoras comunitarias en todo el paìs.

Les ofrecemos la lista de temas del sàbado: "Almhoada de piedra", "Tripa y corazòn", "A tu lado", "El terco", "Montaña roja", "En el baldìo", "Moscas verdes para el charlatàn", "Canivalìsmo galàctico" (tema nuevo), "Estalla", "El Cielo del desengaño", "Cuando estès acà", "El rastro de la conciencia", "La boca del lobo", "Desnudo para siempre o despedazado por mil partes", "Al que sangrado", "En el ojo del huracán", "Cuando vendràn", "Ruta 40", "El viento que todo empuja", "El rey de la triste felicidad", "La razòn que te demora", "Detonador de sueños", "Panic Show", "El Revelde", "Oscuro Diamante", "El final es en donde partì", "Hablando de la libertad".

Reseña escrita por Yann.


Lista de Temas:

1. Desnudo para siempre (o Despedazado por mil partes)
2. A la carga mi rocanrol
3. El final es en donde partí
4. Balada del diablo y la muerte
5. Cuándo vendrán
6. Psilocybe mexicana
7. Paja brava
8. Lo frágil de la locura
9. Veneno
10. El viento que todo lo empuja
11. Hablando de la libertad

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domingo, 24 de mayo de 2009

Bob Dylan - Blonde on Blonde (1966)



HAPPY BIRTHDAY UNCLE BOB!!!


Discazo de Dylan, uno de mis preferidos. Es considerado uno de los mejores discos de la historia y además fue el primer LP doble del rock (no me digan nada del Freak Out! de Frank Zappa, Blonde On Blonde es de mayo del '66 y Freak Out! es de junio del '66). Según describió el propio Bob, el sonido del álbum es una especie de thin, wild mercury sound.

Blonde On Blonde establece el paso definitivo de Dylan hacia un sonido eléctrico, sin dudas mucho más enérgico y potente que el de sus inicios en el folk. Igualmente, cabe destacar que en sus trabajos anteriores (Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited, ya se había electrificado, pero no del todo, ya que había bastante de ese sonido folk). Luego de su extenuante, fantástica y delirante gira mundial sufriría un accidente en moto. Quizá fue un "mensaje" de la vida para ponerle un stop, ya que su regreso a los estudios sería con un disco sumamente tranquilo y de country: John Wesley Harding.

La razón que llevó a Dylan a mentalizarse en cambiar su sonido fue la versión que hicieron Los Byrds del tema Mr. Tambourine Man. Al escucharlo, Bob se quedó perplejo, y decidió transformar su sonido. Para ello tomó a su cargo a The Hawks, una banda tremenda, que luego se covertiría en The Band (bautizada así por el propio Dylan, fue la "banda por excelencia" durante mucho tiempo en los Estados Unidos, y sonaban como la puta madre).

Este cambio trajo el descontento de los seguidores folkies, que estaban acostumbrados a otra cosa. En ese momento decían que Dylan se había vendido/comercializado, que ésta música no era propia de él, que las letras ya no tenían el mismo mensaje. Hasta un periodista llegó a preguntarle: —¿Por qué no hacés más canciones de protesta? Bob respondió: —Todas mis canciones son de protesta.


En cuanto a los significados e inspiraciones, es conocido que mucho tuvieron que ver algunas relaciones que tenía Dylan por ese entonces con ciertas mujeres, a saber: Sara Lownds (quien sería su futura esposa), Edie Sedgwick (una modelo de Warhol) y la conocida música Joan Baez. Yo opino que ésto es bastante cierto. Más allá de las interpretaciones de las letras, se nota que la atmósfera del disco está plagada de enamoramiento.

Se cree que el título del álbum (Rubio Sobre Rubio, en castellano) se debe a la fascinación que tenía Dylan por la pareja que hacían Brian Jones y Anita Pallemberg. También dicen algunos que en el tema I Want You el dancing child que tiene el time on his side sería Brian...

Una anécdota interesante cuenta que Dylan emborrachó a los músicos en la grabación del tema Rainy Day Woman #12 & 35 para que tocaran más sueltos.

Sin dudas es un disco con gran letrística, con una poética mucho más surreal y personal que se combina con estilos como blues, rock, algo de pop y el espíritu folk que siempre está presente (tampoco quería olvidarme de mencionar ese genial órgano Hammond, que es típico de Blonde On Blonde). Además la voz de Bob es sumamente expresiva (costumbre), elaborando una infinidad de tonos que nos llegan al alma (algo así escribió Pettinato en una nota de la revista La Mano).

Para terminar quería dejar una frase que me gustó mucho: Los americanos dicen "Blonde On Blonde" es más grande que la vida.

Reseña escrita por Makelelejuas





Lista de Temas:

01. Rainy Day Women #12 & 35
02. Pledging My Time
03. Visions Of Johanna
04. One Of Us Must Know (Sooner Or Later)
05. I Want You
06. Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again
07. Leopard-Skin Pill-Box Hat
08. Just Like A Woman
09. Most Likely You'll Go Your Way (And I'll Go Mine)
10. Temporary Like Achilles
11. Absolutely Sweet Marie
12. 4th Time Around
13. Obviously 5 Believers
14. Sad Eyed Lady Of The Lowlands


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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
2006 - Modern Times

viernes, 15 de mayo de 2009

Renaissance - Ashes are Burning (1973)

Formada, en parte por integrantes de la legendaria banda The Yardbirds, Renaissance fuè una de las bandas màs representativas del rock sinfònico-progresivo inglès clàsico.

Su cuarto Lp "Ashes are burning", los encuentra en un gran momento. Agradece una excelente orquestaciòn y esencialmente predominan los sonidos de teclado , no de los sinths y demàs, sino de piano.

Abre con la majestuosa "Can You Understand?" con una potente intro instrumental. Este tema contiene un pasaje de la mùsica del film"Doctor Zhivago" compuesta por Maurice Jarre. La bellìsma "Let it Grow", es quizàs el tema más representativo de la banda. Aquì podemos apreciar todo el color de la hermosa voz de Annie Haslam.


Otro gran momento es "Carpet of The sun" un tema que demuestra la buena interacciòn de las guitarras acùsticas con la orquesta. El disco cierra con la mini suite "Ashes Are Burning", un tema lleno de tensiòn y de climas. Tiene en su coda el ùnico solo de guitarra elèctrica del disco a cargo de Andy Powell.

Personal:

Jon Camp: bajo, voces
Annie Haslam: voz
Terrence Sullivan: baterìa, percusiòn, coros
John Tout: teclados, coros
Michael Dunford: guitarra acùstica
Andy Powell: guitarra elèctrica en tema 6

Lista de Temas:

1. Can you understand
2. Let it Grow
3. On the frontier
4. Carpet of the sun
5. At the harbour
6. Ashes are burning

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lunes, 11 de mayo de 2009

28 ° Aniversario de la muerte de Bob Marley

El Padre del Reggae, Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe,era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado.Tràs mudarse a la capital (kingston), Bob conoce a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters.Los dos tomaron clases de canto con un vocalista llamado Joe Higgs. Es durante estas clases donde conocen a Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). Así se formaron los cimientos de "The Wailers", llamados en principio como "Wailin Wailers". Siendo del agrado del productor Clement Dodd, en 1963 logran acceder a la grabación de su primer single "Summer Down".

A partir de 1966, comienza a desarrollarse su carrera y su identidad músical, influenciada por las creencias y características del movimiento rastafari,impulsado por Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía. Es aquí que Bob decide formar "The Wailers" junto a Peter y Bunny.Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul".El sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. Luego se estas decepciones Los Wailers conocerian alguien que revolucionaria su carrera: Lee Perry con quien registrarian "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae.En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers.

En 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway" sin conseguir el éxito especulado. En un acto desesperado Bob visita los estudios Island Records, para hablar con Chris Blackwell. De esta manera, consiguirían grabar su prmier Lp "Catch a Fire". Tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. En los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento. En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton.
Luego vendrían grandes placas como "Natty Dread" (1974) y "Rastaman Vibrations" (1976) (ya sin Bunny y Peter) conteniendo grandes temas como: "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Rebel Music","Crazy Baldhead" y "Johnny Was".En noviembre Marley y los Wailers participarían de un concierto benéfico organizado por Stevie Wonder, en Jamaica.
Bob Marley era conocido por su mensaje pacifísta no-político. Durante los 70, Jamaica vivía una situación de violencia política que empeoraba con el correr de los años y desataría una guerra civil. Así,decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Dos días antes, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road; se piensa que el atentado fueuna represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley (Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, señalado como amigo de Bob Marley).Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego.Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus". En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", en ese mismo año regresa a Jamaicapara el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia .Fué entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari.Los años siguientes se registrarían grandes obras como "Survival" y "Uprising".

Luego de la gira consagratoria europea, Bob dió dos conciertos en el Madison Square Garden de NY, luego caería gravemete enfermo. Murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981.Homenajeamos a esta leyenda universal, que influenció con su mensaje y su música a todo el mundo, con un video y más abajo con uno de sus grandes discos: "Kaya" de 1978.



Bob Marley & The Wailers - Kaya (1978)


 



Lista de temas:

1. Easy Skanking
2. Kaya
3. Is This Love
4. Sun is Shining
5. Satisfy my Soul
6. She´s Gone
7. Misty Morning
8. Crisis
9. Runing Away
10. Time Will Tell
11. Smile Jamaica (Version Bonus Tracks)

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