jueves, 18 de julio de 2019

Carlos Gardel - Tango Argentino (Su Obra Integral Vol. 16)


"Marca registrada", eso es lo primero que se nos ocurre al adentrarnos en este vol. 16 de la obra integral del zorzal criollo. Una selección de tangos que bien funcionaron y pueden funcionar como una excelente vidriera para las masas foráneas que quieran empaparse del género más popular de la Argentina. Por sus pasarelas desfilan grandes hitos como "Yira yira", "Me Da pena confesarlo", "Clavel del aire" o "De todo te olvidas".

El botánico tango que nació en 1929 y fue grabado por Gardel en 1930, "Clavel del aire" arranca esta selección. Particular version, con coros y acompañamiento de guitarras, que no solo hace un paralelismo entre la amada y esta flor, sino que también se le atribuye connotaciones de la naturaleza a el mismo narrador: ..." en esta región, igual que un ombú solito y sin flor así era yo... Y mi ramazón secándose iba, cuando ella una tarde mi sombra buscó. Un ave cantó en mi ramazón, y el árbol sin flores tuvo su flor." El tango pertenece a la bien llamada corriente "nativista", donde la prosa gauchesca nos presenta temas campesinos y si bien esta poesía nativista no progreso en el tango, "Clavel del aire" es uno de los pocos ejemplos de esta corriente dejando su legado. La letra pertenece al poeta uruguayo Fernán Silva Valdés y la música es de Juan de Dios Filiberto. Su estreno fue en el Teatro Argentino en 1929 por la cantante española Tania, en la famosa temporada de Armando y Enrique Santos Discépolo. De Juan José Guichandut y Armando Tagini, "Misa de Once", un tango rebosante de nostalgias. Remite a historias de amoríos juveniles y marcan toda una época del país: "Entonces tu tenías diez y ocho primaveras, yo veinte y el tesoro preciado de cantar... En un colegio adusto vivías prisionera y sólo los domingos salías a pasear. Del brazo de la abuela llegabas a la misa, airosa y deslumbrante de gracia juvenil y yo te saludaba con mi mejor sonrisa, que tu correspondías, con ademán gentil...". La autentica "alma del arrabal" se ve reflejada en el tango que da titulo a este volumen "Tango Argentino". La letra de Alfredo Bigeschi esboza con el aire arrabalero, recuerdos de como se fue forjando el estilo, remitiendo al alma misma de la propia miseria del arrabal: "¡Tango argentino!, Sos el himno del suburbio y en jaranas o disturbios siempre supiste tallar. Y que en los patios con querosén alumbrados los taitas te han proclamado el alma del Arrabal.". Y luego enaltece al estilo idolatrando viejos éxitos: "De tus buenos tiempos aún hoy palpitan "El choclo", "Pelele", "El taita", "El caburé", "La morocha", "El catre" y "La cumparsita", aquel "Entrerriano" y el "Sábado inglés". Una curiosidad es que la letra de este tango fue modificada en una de sus estrofas, donde se resalta el inevitable disfraz que le tocó vestir: "Inútil que quieran cambiarte de rango y en la aristocracia te mezclen con jazz, en tu inconfundible rareza de tango, se pinta la historia del viejo arrabal...". Pero singularmente, la version aqui nos dice lo mismo, escapando de la aristócrata obviedad:  "¡Qué quieren aquellos jaileifes del Centro que te han disfrazao y te han hecho un bacán; serás siempre extraño en la aristocracia, en cambio sos hijo acá en tu Arrabal!!!!".

De su autoría musical, "Me da pena confesarlo". Un tangazo de 1932. Alfredo Le Pera y Mario Battistella arriban con una una letra de costado existencial, reavivando nostalgias inextirpables y sobretodo enfocados en el paso del tiempo. Se canto en la pelicula "Esperame" de 1933 filmada en Saint-Maurice, Francia, acompañado por la orquesta dirigida por Juan Cruz Mateo. Por supuesto que el tango tuvo muchas versiones, pero la mas recordada por el público más joven o de rock, es la versión que de la banda Almafuerte en la voz de Ricardo Iorio y arreglos de guitarra de Claudio "El Tano" Marciello, para el álbum "Profeta en su tierra" (1998). Otros sentimientos de antaño con gusto a despedida se entonan en "Barra querida": "Me voy, compadre, sin rumbo fijo, mas no sin antes visitar el bodegón, que ayer nos viera siempre reunidos contando hazañas entre copas de pernod. Venga compadre, bebamos juntos, que a mi barrio, tal vez, ya no vuelva nunca, y antes quiero brindar por mi barra de ayer que jamás he de ver.". César Vedani, el responsable de la letra, había escrito un año antes, en 1927, la famosa "Adios Muchachos", tango donde encontraremos paralelismos, y justamente de allí se extrajo el título: "Adiós, muchachos, compañeros de mi vida, barra querida de aquellos tiempos.". Otra con música de su autoría es "Desdén" con letra de Mario Battistella. Fue el primer tango en el cual trabajaron juntos. Gardel lo estrenaría en 1933 en Radio Nacional, coincidiendo con el regreso del poeta a Buenos Aires. Y lo grabó el 17 de junio de ese año, con las guitarras de Pettorossi, Barbieri, Riverol y Vivas. La trágica letra, pone al narrador relatando sus penurias ante un supuesto "juzgado divino" y ante posibles hechos aberrantes: " El día que comparezca ante el tribunal de Dios, a dar cuenta de mi vida, que me complicaste vos; el día que francamente tenga yo que declarar,la verdad clara y culpable que a Dios no puede escapar y le diga que he faltado a su ley, de mala fe, al hacer de vos un culto, ¡al amarte más que a él! ¡que robé por tu cariño! ¡que maté ciego de amor!...".

Otro de los grandes poetas que dio el tango, fue Enrique Cadícamo y una de sus mas recordadas letras aparece en este vol.16 : "De Todo te Olvidas (Cabeza de novia)". La letra no hace mas que referencia a una persona, en este caso a una muchachita, que no está concentrada, que esta "ida" o que está pasando por una etapa de distracción. En los tiempos previos a una boda, resulta muy común observar que la novia sólo tiene cabeza para pensar en su enamorado y en los incontables detalles que supone la producción de tan esperado acontecimiento. Esta situación provoca que la novia incurra en numerosas distracciones antes del gran momento. Pero es obvia la influencia de Don Enrique a partir del poema del entrerriano Evaristo Carriego, "Tu secreto". De hecho el tango invita a revisar el poema en cuestión:  ¿Qué es lo que te pasa? Cuéntame; te ruego que me confidencias tu preocupación... Acaso tu pena es la que Carriego, rimando cuartetas, a todos contó. `De todo te olvidas, cabeza de novia´...". El sufrido hasta hasta la enfermedad vals, "Rosa de Otoño", con letra de José Rial (hijo) y música de Guillermo Barbieri, fue un vals que sirvió para la realización del cortometraje "Rosas de otoño" (1931) dirigido por Eduardo Morera, con producción de Federico Valle. Fue filmado en 1930 en Buenos Aires pero estrenado al año siguiente. Forma parte del grupo de quince cortometrajes (todos sobre una canción cada uno) pioneros del cine sonoro con sonido óptico, marcando así el inicio de los primeros "videoclips". Se lo puede ver a Gardel cantando el vals luego de un pequeño dialogo con Francisco Canaro. Sin embargo durante la interpretación no se ve en ningún momento a Canaro y a su orquesta.

Del mismo grupo de cortometrajes el archifamoso tango de 1929 con letra y música de ni mas ni menos que Enrique Santos Discépolo, "Yira yira". Un tango repleto de lunfardos, ya desde su sugestivo titulo, que es una castellanización del italiano "girare", que puede ser traducido como andar, callejear,vagar, en el sentido de buscar algo en vano. Un tango que pese a este concepto que sugiere su titulo, y que a lo largo del tango ubica a la irrevocable y abominable naturaleza del hombre, como resultado del mundo en que vive, nos confía una inmensa enseñanza. Y maravillosamente la moraleja que nos deja es de carácter atemporal. Según algunos pasajes del libro "Escritos inéditos de Enrique Santos Discépolo", el poeta, compositor y actor venia de una gira con "mala racha" en 1927 y volvía a Bs As luego de trabajos, fatigas, luchas y contratiempos y ademas sin un centavo. En medio de las dificultades diarias, del trabajo amargo, de la injusticia, del esfuerzo que no rinde, de la sensación de que se nublan todos los horizontes, de que están cerrados todos los caminos. Pero en aquel momento, el tango no salió. No se produce en medio de un gran dolor, sino con el recuerdo de ese dolor. Agrega Discépolo que "Yira… yira… nació en la calle. Me la inspiraron las calles de Buenos Aires, el hombre de Buenos Aires, la rabia de Buenos Aires… La soledad internacional del hombre frente a sus problemas…Yo viví la letra de esa canción. Más de una vez. La padecí, mejor dicho, más de una vez. Pero nunca tanto como en la época en que la escribí. Hay un hambre que es tan grande como el hambre del pan. Y es el hambre de la injusticia, de la incomprensión. Y la producen siempre las grandes ciudades donde uno lucha, solo, entre millones de hombres indiferentes al dolor que uno grita y ellos no oyen. Londres gris, Nueva York gris, Buenos Aires…, todas deben ser iguales… Y no por crueldad preconcebida sino porque en el fárrago ruidoso de su destino gigante, los hombres de las grandes ciudades no pueden detenerse para atender las lágrimas de un desengaño. Las ciudades grandes no tienen tiempo para mirar el cielo… El hombre de las ciudades se hace cruel. Caza mariposas de chico. De grande, no. Las pisa… No las ve… No lo conmueven…Yo no escribí “Yira… yira…” con la mano. La padecí con el cuerpo. Quizás hoy no la hubiera escrito porque los golpes y los años serenan. Pero entonces tenía veinte años menos y mil esperanzas más. Tenía un contrato importante con una casa filmadora que equivocadamente se empeñaba en hacerme hacer cosas que me desagradaban como artista… Como hombre digno. Y me jugué. Rompí el contrato y me quedé en la calle. En la más honda de las pobrezas y en la más honrada soledad… “Yira… yira…” fue una canción de la calle, nacida en la calle cuando le mordía el talón a los pasos de los hombres. Grité el dolor de muchos, no porque el dolor de los demás me haga feliz, sino porque de esa manera estoy más cerca de ellos. Y traduzco ese silencio de angustia que adivino. Usé un lenguaje poco académico porque los pueblos son siempre anteriores a las academias. Los pueblos claman, gritan, ríen y lloran sin moldes. Y una canción popular debe ser siempre el problema de uno padecido por muchos…". ¿Que es entonces lo que realmente quiere trasmitirnos Discépolo , con tanto lunfardo, por otra parte?. El primero en aparecer es "grela" como adjetivo de la suerte, que es la que falla y falla. En lunfardo "grela" se le atribuye a la Mujer perteneciente a un rufián. La suerte aqui, sustantivo femenino, es mujer. Por eso falla, y larga al hombre "duro" o "parao", esta expresión significa que lo deja excitado y frustrado, sin darle lo que deseaba. Luego "cuando estes bien en la via" con un modismo a estar "en Pampa y la vía", significa quedar en bancarrota, "seco", como los linyeras que iban vagando entre las vías del tren. Por eso mismo el cuero de los zapatos los "tamangos" se va a rajar buscando "ese mango (dinero) que te haga morfar". Entonces el poeta se encuentra en y ante un mundo que le es indiferente, a nadie le importa nada del otro y no debe esperar nada de nadie, pues: "...la indiferencia del mundo, que es sordo y es mudo, recién sentirás. Verás que todo es mentira, verás que nada es amor, que al mundo nada le importa, yira...!! yira...!!. Aunque te quiebre la vida, aunque te muerda un dolor, no esperes nunca una ayuda, ni una mano, ni un favor.". A las casas de buen nivel económico no se llamaba golpeando las manos, ni con los nudillos sobre la puerta, sino apretando el botón de un timbre que andaba con dos pilas muy grandes, Eveready Nº6, que todavía se venden. El "esperanzado" busca respuesta en los demás, el afecto de alguien en quien abandonarse confiado y no morir solo. Algún día no va a poder siquiera pedir ayuda: las pilas van a estar gastadas "secas" y no se va a oír su llamado. El cantor dice todo esto con fundamento, sin pedantería, reconociendo con humildad que a él ya le pasó: "cuando te dejen tirado, lo mismo que a mí". Cuando comprendas "manyés" ("mangiare" en italiano es "comer", en este caso "meterse algo adentro" o "comprender") que los demás están esperando tu derrota para ocupar tu lugar ("se prueban la ropa que vas a dejar"), te vas a acordar de mí, dice el cantor, de este tonto u "otario" que, harto de todo, renegó de su condición humana y "se puso a ladrar", sintiéndose un perro abandonado. Así como otros tantos tangos "Yira yira" sufrió parte de la censura, supresion y posterior sustitución de su lenguaje "inequívoco", "inmoral", "antinacionalista" y/o "lunfardista" por parte del gobierno militar de 1943 en Argentina, por lo que "Yira Yira", paso a llamase "Camina, camina". En 1949, y felizmente, durante la presidencia del Gral. Juan Domingo Perón, se anularon las restricciones hechas a este tango. Por otro lado el cortometraje de 1931, que luego veremos mas abajo, comienza con un histórico dialogo entre Gardel y Discépolo para luego interpretar el tango acompañado por los guitarristas Ángel Domingo Riverol, Guillermo Barbieri y José María Aguilar, aunque este último no aparece en escena. Por supuesto que contó con numerosas versiones, de las mas cercanas a la de Carlitos, fueron las versiones de Tania, la de Ignacio Corscini, mas adelante la de las otras dos voces pilares del genero: Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche. Pero sin ninguna duda la mas recordada para las generaciones mas jóvenes fue la versión de la banda de rock Los Piojos en su álbum debut "Chactuchac" (1992) , en la particular voz de Andrés Ciro Martinez.

Co-compuesta con Razzano y letra de Battistella, Gardel canta con la calida candidez que le remiten objetos tan preciados del pasado (incluso de un pasado inmemorial, desde la misma cuna) en "Medallita de la suerte". Y el típico y cruel desengaño amoroso que se da en nuestro tan querido tango argentino, (ya es otra "marca registrada" entre sus lineas) lo encontraremos en el tango final de este volumen : "Tras cartón". Un tango grabado por Gardel en 1929 con música de Anselmo Aieta y letra de Santiago Adamini. A este último se lo involucra en una anécdota con un gran gesto de camaradería y amistad, con este tango. Era sabido que Adamini ademas de poeta, cantor y guitarrero, era milonguero. Durante un tiempo fue compañero de un sinnúmero de milongas junto al famoso bailarín de tango Benito Bianquet (Ovidio José Bianquet) mas conocido como "El Cachafaz". En una oportunidad, estando con él en una milonga, éste lo anoticio que le "venían mal los borrados" y estaba "fallo al oro". Adamini, que creó tangos exitosos (como "Trasnochando", "A las 7 en el Café", "Señores yo soy del centro", "El cocherito" y "Para mí lo mismo da") le prometió tirarle un cable. Justo acababa de componer con Anselmo Aieta este tango: "Tras cartón". Hablaron con Anselmo y decidieron agregarlo como compositor de la música de dicho tango, para que se llevara unos pesos. Como Adamini era amigo de Gardel, fueron a verlo con el Cacha y Aieta,  le llevaron el tema y le explicaron la historia. El morocho del abasto se lo grabó sin dudarlo. Luego Canaro supo de tal maniobra y también lo registró. Gardel lo hizo en 1929 con las guitarras de Aguilar y Barbieri y Canaro el 2 de Abril de 1930. Pirincho (Canaro), incluso lo grabó en versión instrumental para mayor beneficio del Cacha.

Mas abajo vemos los dos cortometrajes de 1931 que se incluyen en este volumen. Donde se podrán apreciar los legendarios y clásicos diálogos que Gardel mantenía con sus colegas antes de cada interpretación . Primero "Rosa de Otoño" con Francisco Canaro y luego "Yira Yira" con Enrique Santos Discépolo.


Lista de Temas:

1. Clavel del aire
2. Alma en pena
3. Misa de once
4. Tango argentino
5. Palomita blanca
6. Una tarde
7. Me da pena confesarlo
8. Barra querida
9. Desdén
10. No te engañes corazón
11. Farolito de papel
12. De todo te olvidas
13. Rosa de otoño
14. Yira yira
15. Senda florida
16. Dicha pasada
17. Medallita de la suerte
18. Tras cartón


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Volumen XVI: "Tango Argentino"

viernes, 24 de mayo de 2019

Bob Dylan - Bringing It All Back Home (1965)


Siendo su quinto trabajo en estudio, Bob Dylan decide inyectarle rock a su habitual repertorio de canciones folk. Esto no es otra cosa mas que el resultado de la influencia de los grupos británicos como los Beatles que comenzaban a abrirse paso. Aquí comienza su escalada de consagración pasando por revolucionarios álbumes como este,HIGHWAY 61 REVISITED (1965), hasta llegar al gran BLONDE ON BLONDE (1966), atenuando las temáticas de sus líricas a un costado mas simbolista, surrealista y no tan de protesta. Canciones que dan fe de su nuevo romance con el rock serian por supuesto "Subterranean Homesick Blues", "Maggie's Farm" o "Outlaw Blues". El disco fue uno de los mas influyentes de su época y su titulo ineludible ("Trayéndolo todo a casa") planta a Bob como el caballito de batalla de este lado del gran charco, que por aquel momento era el héroe de la música country, para hacerle frente a la creciente invasión de musica inglesa de los "sixties"."Es muy complicado tocar con electricidad," dijo en el verano de 1965. "Te relacionas con otras personas… La mayoría de personas que no gustan del rock and roll no se pueden relacionar con otras personas". Producido por Tom Wilson, "Bringing It All Back Home" fue grabado en solo tres días, en los Columbia Recording Studios de Nueva York , sirviendo para comenzar a proyectar la nueva obsesión de Dylan por el sonido eléctrico y largar toda su vorágine literaria y sus nuevas formas poéticas.

Si vamos a la realidad del marco histórico Dyliano, su anterior larga duración "Another Side of Bob Dylan" (1964), no había logrado el éxito de sus anteriores trabajos, es así que el cantautor opta por profundizar sus letras y por supuesto comenzar a electrificar su sonido. Aquí también comienza su largo idilio con esa famosa localidad llamada Woodstock, pasando gran parte del verano de 1964 allí. Albert Grossman, representante de Dylan, también tenía una casa en Woodstock, y cuando Joan Báez visitó al músico en agosto, se hospedaron en su casa. Báez comento sobre aquella época: "gran parte del mes o así estuvimos ahí, Bob estaba en la máquina de escribir en la esquina de su habitación, bebiendo vino y fumando y tecleando sin descanso durante horas. Y en la oscuridad de la noche, se despertaba, ronco, fumaba un cigarrillo y tropezaba de nuevo con la máquina de escribir". "Mr. Tambourine Man" ya la tenia lista (había sido descartada de "Another Side of Bob Dylan") como así también "Gates of Eden". De esa estancia en Woodstock se vio el nacimiento de canciones como "If You Gotta Go, Go Now" e "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding), esta ultima incluida en "Bringing It All Back Home" y la primera descartada. Las canciones de Dylan comenzaron a arrimarse a el surrealismo. Además, su prosa se hizo más estilística, y a menudo utilizó el monólogo, quizás producto de su acercamiento al poeta Allen Ginsberg, de quien se hizo amigo. Realmente lo que desencadena la electricidad en este nuevo sonido de las canciones de Bob, es su famoso encuentro con Los Beatles (ocasión en la que Dylan les dio de probar por primera vez la marihuana), el 28 de agosto cuando regresa a Nueva York en un hotel. Este trascendental encuentro es la transformación radical en los métodos compositivos del grupo, que evolucionó hacia un estilo más introspectivo, especialmente en John Lennon. Así se gesta la grabación de "Bringing It All Back Home" , disco en su primera mitad eléctrico (la cara A) y la segunda mitad acústico (la cara B). El primer dia de grabacion estaba acompañado por una banda integrada por los guitarristas Al Gorgoni y Kenny Rankin, el pianista Paul Griffin, los bajistas Joseph Macho, Jr. y William E. Lee y el batería Bobby Gregg en los Columbia 30th Street Studios en diciembre de 1964. El día anterior había estado con algunos de los integrantes de la banda The Hawks, (que luego se convertirían en The Band, banda con la cual Dylan realizaría varios discos en vivo, mas adelante) con quienes grabo diez temas y varios bosquejos de canciones que fueron finalmente descartados. Pero volviendo a la grabación definitiva, ese primer día, después de tres horas y media, el grupo grabó cinco canciones: "Love Minus Zero/No Limit", "Subterranean Homesick Blues", "Outlaw Blues", "She Belongs to Me" y "Bob Dylan's 115th Dream". Horas después continuó grabando con otros músicos, entre los cuales figuraban John Hammond Jr., y el cantautor country  y John Sebastian, pero ninguna de esas canciones fueron incluidas en el trabajo. La ultima sesion, donde se testimoniaron la mayoria de los temas acusticos de la cara B, se realizo con los mismos musicos a exepcion del tecladista Griffin y se completo con los temas "Maggie's Farm", "On the Road Again", "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)", "Gates of Eden", "Mr. Tambourine Man" e "It's All Over Now, Baby Blue".

Con el "punch" inicial necesario que abren casi todos sus álbumes de esta era, "Subterranean Homesick Blues" irrumpe en el comienzo como el primer rap de los tiempos modernos y el primer videoclip de la música rock, donde Dylan expone y desecha de tarjetas con distintas palabras y frases de la canción. Mete en la coctelera la poesía rockanrollera del "Too Much Monkey Business", de Chuck Berry, las influencias del poeta Jack Kerouac y la canción de Woody Guthrie y Pete Seeger "Taking It Easy" creando una ametralladora verbal que apunta a varios sectores de la política de la época, frente a la creciente contracultura de los 60´s, entre otras cosas. También hace alusión a el uso generalizado de drogas recreativas y la confusión que rodeaba a la guerra de Vietnam, también se refiere a las luchas que rodean al movimiento de derechos civiles en Estados Unidos ("Mejor no te acerques a aquellos que llevan una manguera de bomberos": durante el movimiento de derechos civiles, los manifestantes pacíficos fueron golpeados y rociados con mangueras de bomberos de alta presión). "She Belongs to Me" de las primeras letras simbolistas de Dylan, que comienza a romper ese esquema en que no solo habla de alguien puntualmente, si no que hay alguien o "algo" mas detrás: "...ella tiene todo lo que necesita es una artista, no mira atrás, puede quitar la oscuridad a la noche y pintar de negro el día... Lleva un anillo egipcio que brilla antes de que hable... Inclínate ante ella el Domingo, salúdale cuando llegue su cumpleaños, cómprale una trompeta por Halloween y por Navidad regálale un tambor.". Y una dosis de ironía queda plasmada: ."... no es la niña de nadie, la ley no puede ni tocarla.".  Por lo enigmático de la canción se piensa que las letras  pueden referirse a Suze Rotolo, la novia de Dylan hasta 1964 o al ex amante de Dylan, la cantante folk Joan Baez, en particular por la línea sobre la mujer que lleva un "anillo egipcio", ya que Dylan le había regalado a Báez tal anillo. Aunque John Cale, de The Velvet Underground, ha declarado que cree que la canción es sobre la legendaria Nico, cantante de ese grupo, con quien Dylan pasó algún tiempo en la época de la composición de la canción. Lo cierto es que también podemos asignarla a una musa anónima de Dylan, alguien inasible y/o algo que lo domina.

Este nuevo sonido eléctrico de Dylan ejerce su rebelión entre afiladas armónicas con "Maggie's Farm". Aquí se atreve a criticar a cualquier institución donde se ejerce racismo, explotación , trabajo esclavo y otras formas de maltrato: "No, no voy a trabajar más en la granja de Maggie. Bueno, despierto en la mañana, doblo mis manos y rezo para que llueva... Es una vergüenza la manera en que me hace fregar el piso. No voy a trabajar más en la granja de Maggie...". No solo es Maggie la apuntada sino que también el resto de su alienante familia: "No, no voy a trabajar más para el hermano de Maggie. Bueno, te da una moneda de cinco, te da una moneda de diez... te pregunta con una mueca si la estás pasando bien, luego te castiga cada vez que tocas la puerta. No, no voy a trabajar más para el papá de Maggie. Bueno, él pone su cigarro en tu cara por pura diversión. La ventana de su dormitorio está hecha de ladrillos. La Guardia Nacional vigila su puerta...". Otras campanas, como la del critico Tim Riley, afirman: "es la queja de una estrella de rock a su compañía discográfica, la queja de un compositor a su editor, y la queja de un cantante como mercancía, a su audiencia como mercado ". La verdad es que  ha calado hondo como grito de guerra de la contracultura, llegando en los años 80´s a adoptarse como un himno de los opositores de Margaret (Maggie) Tatcher, primer ministra británica. La canción es protagonista de otro hecho memorable que merece la pena recordar. Represento un gran revuelo tanto para los fans como para el entorno del músico, después de su montaje eléctrico en el "Festival Folk de Newport" de 1965; fue la interpretación en ese set, mucho más rápida y agresiva que en la grabación del disco, sin poderse escuchar la voz de Bob y destacándose la guitarra eléctrica de Mike Bloomfield, lo que causó la mayor controversia. El gerente de producción del festival, Joe Boyd, argumentó que: "esa primera nota de 'Maggie's Farm' fue la cosa más ruidosa que alguien haya escuchado". Todavía se desconoce si fue a proposito o no, pero muchos informes sugieren que el problema se debió a inconvenientes de sonido. Dedicada a la que pronto se convertiría en su esposa, Sara Lownds "Love Minus Zero / No Limit", refleja un apego contradictorio: "Mi amor, ella habla como el silencio. Sin ideales de violencia. No tiene que decir que es fiel. Si embargo es sincera como el hielo,  como el fuego". Algunas de las imágenes confirman el surrealismo naciente en Bob: "El viento aúlla como un martillo. El viento de la noche sopla frío y lluvioso".  Y la imagen final en que la amante es como un cuervo en la ventana del músico, con un ala rota, es un símbolo de vulnerabilidad en contraste a su fuerza: "Mi amor, ella es como algún cuervo En mi ventana, con una ala rota". El titulo de la canción , "Love Minus Zero / No Limit" (que se puede interpretar como "amor absolutamente ilimitado") habla de la aceptación del escritor a asumir que todo amor implica un riesgo. Concentrado en el deseo de abandonar la "cancioncita folk de protesta", y darle su flama eléctrica, a la grata influencia que obtuvo de el blues rock de Chicago, aparece "Outlaw blues". La letra  habla de viajeros, tal vez una canción acerca del estilo de vida del bandido, el cual poseían, en algún grado, los cantantes originales de blues. Es quizás una expresión de deseo a que su propio estilo de vida cambie y se torne mas bohemio, mas "fuera de la ley". La poesía psicodélica gana terreno en "On the road again", donde con una especie de rebelión ante lo establecido, (y quizás al consumo de ácido) al estilo "Maggie´s Farm", el narrador describe un dia comun, por la mañana: "Desperté en la mañana. Habían sapos en mis calcetines. Tu mamá se escondía dentro de la heladera. Tu papá entra usando una máscara de Napoleón Bonaparte... El bastón de tu abuelo se convierte en una espada. Tu abuela reza a imágenes que están pegadas en un tablero. Todo lo que tengo en los bolsillos lo roba tu tío. Luego me preguntas por qué no vivo aquí... Querida, no puedo creer que eres de verdad.".

Nada parece escapársele a la narrativa de "Bringing It All Back Home". "Bob Dylan's 115th Dream" que cierra el eléctrico lado A, es una parodia burlona de otro tema del propio Dylan, "Bob Dylan's Dream", de "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963) y se traslada satíricamente a los tiempos del descubrimiento de América, creando una linea temporal paralela a la historia de "Moby-Dick" y otra linea (de presente) con la actualidad de entonces. De hecho, gran parte de la narrativa de la canción parece estar relatada por un tripulante de el  legendario "Mayflower", que estaba al mando de el Capitán Ahab, uno de los protagonistas de la historia de la ballena. El narrador, que se hace llamar "Capitán Kidd" sortea un sinnúmero de dificultades y aventuras luego de desembarcar en tierra firme, para luego volver a la embarcación. La sátira, sin perder el humor, contiene una de las partes mas graciosas que se da sobre el final. Nada es lo que parece, el pasado está disponible para reinventarse, solo porque es nuevo no significa que sea bueno: "Pero lo más gracioso fue Cuando salí de la bahía... Vi tres barcos a vela. Todos se dirigían hacia mí. Le pregunté al capitán cuál era su nombre. ¿Y por qué no manejó un camión?. Dijo que su nombre era Colón. Yo solo le dije: `buena suerte´". Comienza con Dylan tocando la canción solo (a su vieja usanza de cantante folk) después de que el resto del grupo entrase a destiempo, antes de romper a reír y volver a comenzar con toda la banda, reivindicando su nuevo sonido eléctrico.

Y el acústico lado B, se inicia con la canción mas popular del LP, nos referimos por supuesto a la exquisita "Mr. Tambourine Man". Canción importantísima si las hay, ya que se le atribuye la creación del llamado "folk rock", pero paradójicamente no gracias Bob Dylan su padre biológico, sino que a The Byrds. Si bien Dylan ya la había interpretado en 1964, fue el sencillo de la banda californiana el real hit. Lanzado el 12 de abril de 1965 por Columbia Records, daría título al álbum debut de la banda, "Mr. Tambourine Man", de 1965. Disco y sencillo que fueron un impulso importantísimo para ese genero durante la década de los 60´s. De la composición de "Mr. Tambourine Man" se dice que surgió a raíz del primer viaje de LSD de Dylan y de la fuertisima inspiración que le bajó al leer a Rimbaud. Ademas fue toda una innovacion en la estructura de las canciones folks de hasta entonces. Fue una de las primeras canciones que pasó a conjugar los verbos y la música de la tercera a la primera persona. Quizás de las letras mas surreales y comprometedoras del trabajo, "Gates Of  Eden". Las imágenes de ensueño, los personajes tétricos e irreales, en contraposición al titulo, hacen pensar mas en un infierno que en un paraíso, como si fuera la versión del libro del "Apocalipsis" de Dylan. La estrofa final: "Al amanecer mi amante acude a mi y me cuenta sus sueños, sin intentar enterrar la mirada en la zanja de lo que cada uno quiere decir. A veces pienso en que no hay palabras aparte de éstas, para decir lo que es verdad... Y no hay verdades fuera de las puertas del Edén.". Da la impresión de que en realidad el Edén no existe, apuntandonos a buscar la verdad del espíritu. Cuando la interpreto por primera vez en el Halloween de 1964 en el Philharmonic Hall de Nueva York, bromeó a su audiencia: "Esto se llama 'una canción de cuna sacrílega en Re menor". Ademas de su primera salida en "Bringing It All Back Home" (y grabada en una toma), "Gates Of Eden" tuvo el honor de ser el lado B (y acústico), de ni mas ni menos que la monumental "Like a Rolling Stone", unos meses después. Con "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)" llegamos al olimpo del disco. 7 minutos y medio del mejor "folk-blues" catártico que se le haya ocurrido a Dylan hasta entonces. La tocó por primera vez en vivo el 10 de octubre de 1964 en el ayuntamiento de Filadelfia. La versión incluida en "Bringing It All Back Home" se grabó el 15 de enero de 1965, el mismo día que las otras tres canciones de la segunda cara del álbum ("Mr. Tambourine Man", "Gates of Eden" y "It's All Over Now , Baby Blue"). Entre acordes en progresión y un extenso juego de rimas, con Bob a punto de perder el aliento, la letra de "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" expresa la ira y su propio desangramiento por lo que ve como la hipocresía, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra inherentes a la cultura estadounidense contemporánea. A diferencia de las canciones de protesta que venia ofreciendo, aqui Bob no deja ninguna luz de esperanza al final del túnel, ninguna solución, ni política. Por supuesto que el surrealismo sigue latente, ya desde el comienzo: "Oscuridad al caer el mediodía. Las sombras opacan la cuchara de plata. La cuchilla hecha a mano, el globo del niño, eclipsan tanto al sol como a la luna. Para entendernos: sabes que muy pronto no tendrá sentido enfrentarlo.". El panorama es espantoso, es oscuro, es un caos... pero hay un camino. Todo lo  que hay que hacer es ver el mundo a tu manera, no a su manera: "Y aunque las reglas del camino han sido interpuestas. Solo tienes que esquivar los juegos de la gente... Aunque los amos hacen las reglas para los sabios y los tontos. No tengo nada, Mamá, que cumplir.".  Deleita observar, también como en pocas lineas Dylan desliza el apego a su nueva etapa eléctrica confundiendola dentro de la reinante ira de la canción: "Entonces no temas si escuchas un sonido extraño en tu oído. Todo está bien, Mamá, solo estoy suspirando". "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una obra maestra de Dylan y de la poesía primal en el rock. Una de las versiones mas recordadas fue la que hizo Roger McGuinn de The Byrds, para la banda sonora de la película de 1969, "Easy Rider" ("En Busca de Mi Destino"). Una despedida acongojada con la abrumadora desolación de "It´s All Over Now Baby Blue", esta mas que a la altura de la calidad del álbum. La ultima grabada ese magico dia que grabo el lado B, con Dylan en la guitarra acústica y armónica y William Lee en bajo. El mismo Dylan cita la "Baby Blue" de Gene Vincent como fuente de inspiración. Es inevitable pensar a quien apunta esta despedida de Dylan, hay versiones que involucran una vez mas a Joan Baez, y otras insisten en una especie de despedida de la gente como que se esta yendo al rock. Igualmente en el caso de referirse a la despedida de alguien en particular, es extraño el acompañamiento tan arrullador, suave y que hasta llega a ser alegre. Porque su mensaje es claro y fuerte: "Debes irte ahora, lleva lo que necesites, lo que creas que durará... El pintor con las manos vacías de tus calles está dibujando locas figuras en tus pliegos... El amante que acaba de salir por tu puerta, se ha llevado todas sus sábanas del piso... La vagabunda que está golpeando a tu puerta lleva puestos las vestidos que alguna vez usaste..." Es así como Dylan apunta al final, al final de todo, el final de la esperanza, o a el final, por que no, de su vida como trovador folk de protesta. Muchas de estas canciones de despedidas, tienen un punto en común, el salir adelante a pesar de todo. "No, eso no sucederá", dice Dylan. No lo hará en mi vida, no lo hará en tu vida, simplemente no lo hará y punto. Quiere que nos hagamos responsables de nuestras propias vidas. Aquel vagabundo que golpea la puerta debe ser despreciado tanto como que la "nena triste" necesita seguir adelante. Quiere que tomemos el control, sin culpar al destino: "La ruta es para los apostadores, mejor usa la lógica. Lleva todo lo que has aprendido de las casualidades" o "Enciende otro fósforo, anda y empieza desde cero y ya todo ha terminado, Nena Triste...". 

"Bringing It All Back Home" seria el primer escalón de los tres discos "revolucionarios" del duluteño, que por entonces tenia solo 26 años. Su portada  fue diseñada por Daniel Kramer y muestra a la mujer de Albert Grossman, el manager de Dylan, Sally Grossman en segundo plano en una habitación con un fondo lleno de mensajes y/o significados. Vemos discos de The Impressions ("Keep on Pushing"), Robert Johnson ("King of the Delta Blues Singers"), Ravi Shankar ("India's Master Musician"), Lotte Lenya ("Sings Berlin Theatre Songs by Kurt Weill") y Eric Von Schmidt ("The Folk Blues of Eric Von Schmidt"). Considerándose a la altura de estos, se puede apreciar que incluyo, parte de la portada de su "Another Side of Bob Dylan". Debajo del brazo derecho de Sally hay una revista Time con la foto del presidente Lyndon B. Johnson. Sobre el hogar hay un cuadro con el retrato de Lord Buckley, una copia de la revista GNAOUA, dedicada al exorcismo y a la poesía del escritor de la generación Beat, Ira Cohen. Sobre la mesa se aprecia una armónica, con un cartel de "Fallout Shelter" ("Refugio Nuclear") apoyado en ella.  Dylan está sentado con su gato, llamado "Rolling Stone", sobre su regazo, y tiene sobre una pierna una revista abierta que incluye un anuncio de Jean Harlow con la columnista Louella Parsons. Los gemelos que Dylan lleva en la imagen fueron un regalo de Joan Baez, tal y como recalcó la cantante en su canción "Diamonds & Rust". A la idea que el propio Dylan tuvo de las tarjetas de las palabras de "Subterranean Homesick Blues", se la decidió materializar en el famoso video clip. La versión original del mismo, precursor de lo que más tarde se conoció como el video musical, fue el segmento de apertura de la película de D. A. Pennebaker "Don't Look Back", un documental sobre la gira de Dylan en Inglaterra en 1965. Las tarjetas de referencia fueron escritas por Donovan, Allen Ginsberg, Bob Neuwirth y el mismo Dylan. El video fue filmado en un callejón cerca del Hotel Savoy en Londres. Allen Ginsberg (la nueva amistad poética de Dylan) y Neuwirth aparecen brevemente en el fondo. Mas abajo compartimos el video y la memorable versión de "Maggie's Farm" en el "Newport Folk Festival 1965" que sin duda marca un antes y un después en la historia del rock and roll. En su cumpleaños número 78 brindamos con el tío Bob recordando el legado que imprimió "Bringing It All Back Home" que fue implacable. Considerado uno de los mejores álbumes de la historia del rock, básicamente por comenzar a llevar la poesía de alto vuelo en el genero y demostrar el feedback de influencias que ni mas ni menos mantuvo con sus grandes amigos, los Beatles.



Lista de Temas:

1. Subterranean Homesick Blues
2. She Belongs to Me
3. Maggie's Farm
4. Love Minus Zero/No Limit
5. Outlaw Blues
6. On the Road Again
7. Bob Dylan's 115th Dream
8. Mr. Tambourine Man
9. Gates of Eden
10. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)
11. It's All Over Now, Baby Blue


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Más de Bob Dylan:

1965 - Bringing It All Back Home
1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
1989 - Oh Mercy
2006 - Modern Times

domingo, 14 de abril de 2019

Sui Generis - Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones (1974) (calidad flac.)



Suavizado por el, irónico e inequívoco, pero superfluo (en el día de hoy) titulo "Pequeñas anecdotas sobre las instituciones", esta joya del rock argentino, es otro claro ejemplo del esfuerzo del grandísimo Mr. Charly Garcia (Carlos Alberto García Moreno Lange) por expresar el grueso de sus emociones y su potencial compositivo para evadir pomposa, satirica, soberbia y genialmente al gobierno de turno ante el panorama dictatorial reinante en la Argentina del momento. A la formación clásica de dúo de Sui Generis que venía de grabar dos exitosos trabajos ("Vida" de 1972  y "Confesiones de Invierno" de 1973), Nito Mestre: Voz, Guitarra acústica y flauta traversa y Charly Garcia: Piano,Guitarra acústica, sintetizador y voz, deciden incorporar dos nuevos integrantes estables: Rinaldo Rafanelli en bajo y Juan Rodríguez en batería . Esporádicamente aparecería el ya conocido y demandado en el medio, David Lebón, en la guitarra eléctrica. Colaboran varios allegados a la banda que ya venían apareciendo en los anteriores trabajos de Sui: Oscar Moro, Carlos Cutaia, Jorge Pinchevsky (el hombre que murió dos veces), León Gieco, María Rosa Yorio y Billy Bond. Sui Generis pasó de ser un dúo con músicos acompañantes y formaciones sumamente cambiantes a ser un grupo estable, requisito elemental para tocar temas de mayor complejidad, que persistiría hasta el último recital de la banda. En un principio bautizado como "Instituciones", es una magistral obra de arte, que logra satirizar a las instituciones de ese aspero momento del país, en un formato de álbum de concepto. El resultado es el claro enamoramiento del joven Garcia por el rock progresivo sinfonico y el "folk rock" de protesta de los 70´s. Charly quiso "electrificar" a Sui Generis y coquetear con el rock sinfónico, es por eso que viaja a Estados Unidos y compra varios teclados, entre ellos un piano eléctrico Fender Rhodes, un sintetizador de cuerdas ARP String ensemble y un Mini Moog. El y Hugo González Neira de Aquelarre fueron los primeros que tuvieron estos magníficos instrumentos en Argentina. La chocante obra apunta por supuesto a las instituciones como  el matrimonio, el ejército,  la justicia, la TV. Varias canciones fueron modificadas, como "Instituciones", "Las increíbles aventuras del Señor Tijeras", "Música de fondo para cualquier fiesta animada" y "Para quién canto yo entonces?". Jorge Álvarez, productor del disco para el sello Mandioca, los obligó a que modifiquen los pasajes más fuertes y a que saquen dos canciones del LP, "Botas Locas" y "Juan Represión", que debieron ser eliminadas y cambiadas por otras.

Charly García y Carlos Alberto "Nito" Mestre se conocieron en 1969, mientras cursaban sus estudios secundarios en el Instituto Social Militar "Dr. Dámaso Centeno", ubicado en el barrio porteño de Caballito, próximo a los domicilios de ambos. De la unión de sus respectivas bandas juveniles: To Walk Spanish de Charly junto al bajista Alejandro "Pipi" Correa y The Century Indignation de Nito con Mario Carlos Piegari, nació Sui Generis (el nombre lo encontró Charly al revisar uno de sus libros de secundaria sobre una montaña Sui Generis único en su tipo). En sus orígenes la banda tenía un estilo eléctrico y psicodélico inspirado en Vanilla Fudge y Procol Harum, dos grupos que García admiraba. Los sonidos de las dos bandas eran disímiles entre si , pero encontraban un punto en común en que a ambas (aparte de los Beatles) les gustaban mucho el sonido de The Byrds y de Bob Dylan. La formación de Sui Generis en este período anterior al álbum "Vida" tuvo variantes. La primera más o menos estable incluía a Charly en teclados y voz, Nito en flauta y voz, Juan Belia en guitarra, Rolando Fortich en bajo y Alberto Rodríguez en batería. Pronto cambiaron varios integrantes, sumándolo a la importante cuota lirca de Mario Carlos Piegari (co-autor con Charly de varios temas de esa etapa, tales como "Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris"), y luego finalmente, lo hicieron Alejandro Correa en bajo, Francisco Pratti en batería y Hugo Alfredo Negri en bajo. Como el proyecto no progresaba, García y Mestre terminaron quedándose solos, en vista de lo cual decidieron seguir adelante como dúo. Fue entonces que Sui Generis realizo su primer gran hito en vivo como dúo en el teatro De La Comedia en Mar del Plata. No con mucho amor Mestre recuerda de aquella presentación: "Pensamos que era el final de un sueño, pero estábamos obligados a subir al escenario. Ya nos habíamos gastado la plata en cerveza y no podíamos devolver el cachet a quien nos contrató. Juntamos coraje y salimos, Charly con la guitarra criolla y yo con mi flautita. Yo estaba muerto de miedo, pero Charly me daba ánimo. No sé cómo, pero a la gente le encantó." Tocaron dos veranos seguidos, haciendo cuarenta y cinco shows, sobreviviendo como podían. Cuando regresan a Buenos Aires se dá su segundo gran batacazo en vivo, el espectaculo "Tres trips" organizado por Pedro Simón Bayona "El gordo Pierre" (si! el mismo de la canción de Los Redondos) en el Tearto ABC, ubicado en Esmeralda y Lavalle, un show acústico junto a Expreso Zambomba (de Horacio Fontova) y La Cofradía de La Flor Solar. Estos shows, tienen la particularidad de que los sábados terminaban con una gran "zapada" hasta la madrugada, lo que termino por confirmar su asentamiento en la Capital. Sin embargo este pequeño gran paso de Sui, no consiguió el miramiento de ni siquiera un sello discográfico.En el año1972 El Gordo Pierre, entonces, les presenta a un mítico productor uno de los fundadores de el sello independiente Mandioca, Jorge Álvarez que en ese momento dirigía el sello Talent sello dedicado al rock, dependiente de la discográfica nacional Microfón. Era un momento de inflexión para el llamado "rock nacional" del momento. Fue justo luego de la explosión que desintegra a las tres bandas pilares de este movimiento: Los Gatos, Almendra y Manal. Se vienen cambios grandes y un recambio vital en el aire. Spinetta estaba fundando Pescado Rabioso; Pappo empezaba a ensayar con Pappo's Blues y Billy Bond organizaba con ex integrantes de Manal y otras bandas y músicos, un nuevo proyecto bajo el nombre de La Pesada del Rock and Roll. Es por eso que este, que oportunamente se encontraba trabajando como productor junto a Álvarez, contratan al prometedor dúo. Tras una audición exitosa ante ambos interpretando a dos guitarras "Canción para mi muerte", logran un contrato para grabar su primer larga duración "Vida", con Billy como productor artístico. Ya estando el LP recién salido del horno, se realiza el festival "BA Rock III", en el que participaron casi todas las bandas y solistas más importantes del rock argentino de ese momento. Dicho festival desembocó en la famosísima película "Rock hasta que se ponga el sol" de Aníbal Uset. La "historia oficial" cuenta que en una hábil estratagema Jorge Alvarez  pidió al director Aníbal Uset, que incorporara un tema de este nuevo grupo que acababa de grabar para Talent. Pese que el rodaje de la misma ya estaba sobre el final, Uset aceptó, y aunque Sui Generis no actuó oficialmente en "BA Rock III", fue incluido en el casting final del film. En la película se ve a Nito Mestre en el centro del escenario tocando la guitarra acústica y cantando, y a Charly García de espaldas a su compañero, tocando un piano vertical y cantando. En segundo plano, se ve la base rítmica, compuesta por Francisco Pratti en batería y Alejandro Correa en bajo. El tema interpretado fue por supuesto, "Canción para mi muerte", precisamente el lado A del sencillo con el que fueron presentados en sociedad. Sin embargo existe otra "voz" que reclama el merito de esa primer aparicion de Sui: El Gordo Pierre. Según sus propias palabras, el fue el responsable de la aparición del dúo en la película entre otras cosas: "De hecho como yo conocía su poder de convocatoria, cuando un año después sale su primer disco, le aposté al dueño de la discográfica, que venderían 10 mil placas. Y vendieron de movida 36 mil. ¡Como no les iba a ir bien si hasta los lleve por todo el interior del país acompañado de artistas como Marilina y Gianfranco Pagliaro!. Los metí por todos lados y luego lo volví loco al director Aníbal Uset para que los incluyera en su película del festival B.A. Rock, Hasta que se ponga el sol. Después tanto Jorge Alvarez como Billy Bond quisieron quedarse con el mérito, pero yo sé como fué. Lo demás es anecdótico.". Ahora si Sui Generis comenzaba su escalada a la popularidad, de la mano la peli y de su flamante primer trabajo de estudio "Vida" (1972) . Disco que en la perpetración encontraba al dúo por demás acústico, desnudo de electricidad. Por eso debemos darle a Alvarez ahora si el merito de "rockear" el sonido de Sui. El productor convocó a los integrantes de La Pesada. De esa forma, los aportes artísticos de figuras históricas del rock argentino como el guitarrista Claudio Gabis y el bajista Alejandro Medina (ex miembros de Manal), y el violinista Jorge Pinchevsky, pueden apreciarse en los arreglos de los temas de "Vida". Fue muy constructivo para los inexpertos Sui relacionarse con estos músicos experimentados, que pese a considerar estos últimos, que el dúo hacia música "suave y dulce" en comparación con la crudeza que tenía en esos días el estilo de La Pesada, García les impresionó mucho. Tiempo más tarde, Charly fue convocado para participar en la versión orquestal que grabó la banda de "La Biblia", obra original de Vox Dei como así también para el proyecto de Raúl Porchetto "Cristo Rock" (1972). En "Vida" ademas de los musicos mencionados de La Pesada, estaban Lito Lareu (guitarra) y Paco Prati (batería) este ultimo era parte antes del primer Sui Generis. Es indudable como el álbum caló hondo en la juventud argentina, reflejando con sus letras el verdadero sentir de los adolescentes de la época. Varios temas se convirtieron en clásicos "de fogón" del rock argentino, como "Canción para mi muerte", "Quizás porqué" y "Dime quién me lo robó". "Canción para mi muerte" fue compuesto por Garcia mientras cumplía el servicio militar. La misma linea acustica continuaría en el LP siguiente "Confesiones De Invierno" de 1973 pero con un sonido mas cuidado y arreglos mas comprometidos. Otra vez contó con importantes invitados como David Lebón y Juan Rodríguez. El trabajo brindo mas himnos al cancionero del rock argentino y mas vivencias en donde reconocerse el joven y creciente publico de la banda, como por ejemplo: "Rasguña las piedras",  "Bienvenidos al tren" o la cruda "Confesiones de invierno". Y apuestas interesantes como la rockera "Mr. Jones o pequeña semblanza de una familia tipo americana" y preludios a lo que vendría con canciones con aroma a mini suites: como "Un Hada, Un Cisne" o "Tribulaciones, lamentos y ocasos de un tonto rey imaginario o no", donde aparece una orquestación importante y también apuntes de tipo político. Fue un éxito comercial y aumento el publico del duo que ya comenzaba a sentir el reconocimiento masivo (luego seria la primer banda masiva en Argentina). Al momento de los tiempos de "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones", Charly ya comenzaba a mostrar señales de madurez en sus composiciones, ya estaba saliendo de la adolescencia. Se deja la barba y cambia unas letras de su nombre "Charlie" por "Charly". Por otro lado el país comenzaba a pasar por sus etapas mas oscuras, durante el gobierno de Isabel Perón y López Rega. Había censura y los asesinatos y enfrentamientos del grupo parapolicial "Triple A" (Alianza Anticomunista Argentina) y los grupos guerrilleros de izquierda, estaban a la orden del día. Se sentía cierta claustrofobia, pero también cierto empuje por algo por que luchar. Sus composiciones cambiaron notablemente. Garcia comenzó a ver el mundo de distinta manera, y gracias a los nuevos teclados que había adquirido, convirtió a Sui Generis en un super grupo progresivo. El mismo Charly comentó al poeta y periodista Pipo Lernoud  sobre ese especial momento: "Fuimos a meternos directamente en una nueva, y nos engolosinamos demasiado con los efectos. Por que siempre me preocupó mucho la canción, osea la melodía y la letra, y lo lindo es encontrarle un lenguaje nuevo a todos esos aparatos. Pero en ese momento yo estaba podrido de la guitarrita y la flautita. Aparecieron los sintetizadores y melotrones, que me venian perfectos porque eran teclados muy versátiles. Comencé a creer que era un gran músico. Ya no me conformaba tocando el pianito; queria mas sonido. y Sui Generis con Rinaldo, Juan y David era una banda buenisima. Los conciertos del Coliseo y del Gran Rex fueron impresionantes. Para mí, fue el final perfecto. cuando la gente empezó a aceptar la onda eléctrica, ya era tarde, porque nosotros no queríamos seguir con el grupo. El grueso de la gente tarda en asimilar los cambios. Además de que nosotros no hicimos nada para vender el disco, ya no nos interesaba. Fijate que en ese long-play no hay un solo hit. No aceptaba consejos de los que me pedían que siga ordeñando la vaca lechera de Sui. Estaba decidido a desafiar a los pesados y hacer música fuerte y de choque. Era un disco que salía contra todas las instituciones, incluso las del rock. En ese álbum no hay estribillos para que se peguen en el oído de la gente. Llegué incluso a pensar en ponerle acompañamiento sinfónico al Manifiesto Comunista de Marx. ¿Te imaginás, "Proletarios del mundo uníos" sonando tipo Yes?". Alimentado por la censura, que en realidad fue auto censura, Charly se encontraba ante un gran desafío de disfrazar las letras con un máximo plus poético. Sobre esto Rinaldo Rafanelli recuerda: "Vino Jorge Álvarez y nos contó lo que pasaba. Nos dijo que no convenía poner esas letras porque por menos se habían llevado en cana a varios. A Charly no le gustó nada y quiso tirar el proyecto abajo. Con Nito le dimos manija y le propusimos que cambie todo, pero para que quede igual. Y así fue. Charly se encontró con un desafío poético: enmascarar la cosa para decir lo mismo. No cedió ni un milímetro".

No hay mejor introducción para un álbum de concepto como los sonidos que comienzan a emanar de los teclados de Charly en "Instituciones". La bella melodía cantada por Nito nos llega hasta los huesos "Yo miro por el día que vendrá hermoso como un sol en la ciudad..." , hasta que Charly se abre paso con teclados diversos y uniendo su voz con la de Nito, logrando esa química armónica en sus voces tan preciada que tan bien les sentaba. "Los magos, los acróbatas, los clowns...mueven los hilos con habilidad" en referencia a la situación que vivía el país, a quienes tenían el poder. La canción cambia de tiempo con un pasaje donde se emula en este segmento a un padre de familia regañando a su hijo, lo que nos hace pensar en la fuerte critica que le hace la cancion a la institución de la familia. Sobre el final vuelven al tiempo inicial con mas teclados y la excluyente guitarra de David Lebón. Tango, rock progresivo, psicodelia, space rock y una pizca de fatalismo (estilo Sabbath) se dan la mano en la mística "Tango en segunda". En la parte instrumental que desemboca en el gran clímax final del tema, veremos que se destaca el Minimoog, nuevo juguete de Charly. Este leitmotiv, lo reutilizaria dos veces mas, años mas tarde con Seru Giran en  "La Grasa de las capitales" del disco del mismo nombre y en el instrumental "La Ciudad Se Está Apagando"" de la banda de sonido de la película "Lo que Vendrá" donde el mismo Garcia actúa de enfermero. Al haber tanta censura en varios temas del álbum, la letra de "Tango en Segunda" con esas fuertes metáforas de gran despiste, tiene características de improvisación por estar concebida estudio. En realidad Jorge Alvarez hizo que la incluyeran en lugar de "Juan Represión", por eso encontramos líneas que se pueden pensar como referencias a la propia circunstancia de preproducción y de censura del álbum:  "Alguna gente que conozco vive metida en un baúl". Incluso hay quienes advierten que parte de las lineas están dedicadas directamente a Alvarez: "A mí no me gusta tu cara y no me gusta tu olor... Hay tres o cuatro mamarrachos con los que yo estoy mejor". El gancho del final de "Tango en Segunda" y el principio de "El Show de los muertos" con una sirena policial a lo lejos, es un vestigio de la censura que deja “Juan Represión”, por que en realidad iba a ser la que le antecedia. Mestre contarìa años mas tarde: "El show de los muertos, puesto después de Tango en segunda, perdió buena parte de su sentido, porque en realidad antes tenía que estar "Juan Represión", el que tuvimos que dejar afuera. El relator en El show de los muertos es Juan, el de "Juan Represión". Es el tipo que dice: 'Tengo todos los muertos aquí, quién quiere que se los muestre?'. La canción en cuestión en plan melancólico, es directamente una fuerte critica a la institución policial. Esta melancolía construye plenamente el perfil del represor de la forma mas humillante posible: "Juan Represión viste, un saco azul triste , vive como pidiendo perdón y se esconde a la luz del sol. Juan Represión sabe no hay nadie que lo ame no hay, las balas que la gente tiene lo asesinaron de pie". Sin embargo el tema va subiendo la intensidad hasta volverse alegre y pese a ser tan apuntado, tiene una suerte de pequeña aceptación al personaje, sobre el final: "Pobre Juan qué lástima me da, Todos los reprimidos seremos tus amigos... cuando tires al suelo tu disfraz". El ambiente psicodélico de "El show de los muertos" satiriza con un programa de TV, los terribles asesinatos que se ejecutaban como si no ocurriera nada en absoluto. De la ironía todo se vuelve siniestro con solo escuchar las fuertes imágenes que describe Charly: "Tengo los muertos todos aquí. ¿Quién quiere que se los muestre?. Unos hincados, otros de pie. Todos muertos para siempre. Elija usted en cuál, de todas ellas se puso a pensar". Contiene una de las mas emotivas letras de toda la carrera del músico en disco: "Yo crecí con sonrisas de casa, cielos claros y verde el jardín ¿Y que estoy haciendo ,aca en esta calle con hambre? ¿Cuántas veces tendré que morir para ser siempre Yo?".

Paradójicamente al nivel de censura que recibió el LP, es extraño encontrar una canción que habla justamente de eso: "Las increíbles aventuras del señor tijeras". Una canción con un sinnúmero de cambios de ritmos. Comienza con solo unos simples acordes de guitarra acústica y progresivamente, "in crescendo" llega a terrenos insospechados y perturbadores. Hace alusión a Miguel Paulino Tato quien dictaba el contenido que debía ir en las películas, cortando la escenas que creía inmorales para la sociedad cristiana y occidental aquellas que por ejemplo muestren sexo y opiniones políticas disidentes. También la canción marcaría el enamoramiento de Charly con las temáticas cinematográficas en sus canciones. En el final la letra remata: "te vere en 20 años en televisión... cortada y aburrida, a todo colooor...". Algo que paso en la realidad con una película en particular: "El Último Tango En París" (1972). Y como no podía ser de otra manera Charly apunta a la institución del matrimonio con "Pequeñas delicias de la vida conyugal" y también al dinero: "Estoy en busca de algo naranja y verde". Sin duda una buena muestra del buen gusto, confeso, de Garcia por los italianos Premiata Forneria Marconi y por Emerson, Lake & Palmer. Se destacan el ARP String Esemble, el sólido bajo de Rino que lo imita, la excelente combinación de voces y sobretodo la bateria de Juan Rodríguez que se luce con una intro que remite a "Generale" de los italianos PFM, mencionados antes y que pone la cereza del postre con su esplendido solo en el final, para culminar esta especie de salsa progresiva. La secuencia inicial de el album ingeniado por Charly, hubiese proseguido con "Botas Locas", que finalmente fué reemplazada por "El tuerto y los ciegos". Un "country rock" redondo censurado al 100% por apuntar al ejercito nacional Argentino. La canción obtuvo su popularidad gracias a sus interpretaciones en vivo (fue en numero 4 en el podio de "Tema del año" de 1975 por una encuesta realizada por la revista Pelo) . La letra relata las desagradables experiencias que vivió el propio Charly al hacer la "colimba" (servicio militar). Hecho anecdótico si los hay, después de un recital en Montevideo la banda fue arrestada por haber cantado este tema. Uruguay estaba gobernado por una dictadura cívico militar desde 1973. Les vendaron los ojos, y recibieron golpes y amenazas de muerte. "Cuando nos sacaron la venda había un collage de fotos de desaparecidos, de tupamaros", "Y decían ‘a este lo maté yo’, ‘y a este yo’…" cuenta Charly. Tenían de evidencia una grabación que no se escuchaba nada, y pidieron que explicaran parte por parte la letra. Entonces Charly narró la letra cambiando las partes comprometidas. Por ejemplo, en la parte que originalmente decía "Si ellos son la patria yo soy extranjero", escribió "Si ellos son la patria yo me juego entero". Gracias a la rapidez de Charly, zafaron.

"La mediocridad para algunos es normal, la locura es poder ver mas allá" otra de las frases inmortales de García incluida en la campirana "El tuerto y los ciegos", que quedará grabada en el inconsciente colectivo por toda la eternidad. Aquí Charly utiliza a un personaje de la mitología griega, Cassandra, diosa condenada a anticipar siempre la verdad y a no ser creída, fue ella la que predijo la caída de Troya y de inmediato tomada por loca. Cuando presentó el tema en el Teatro Coliseo dijo: "La gente que piensa un poco más es loca, entonces estamos de nuevo en Troya". Es innegable la fuerte crítica , esta vez, a los 3 poderes del estados en la visceral "Música de fondo para cualquier fiesta animada". Con su impronta salvaje, fue una manera de pararse frente a aquella vieja rivalidad entre "blandos" y "pesados" que experimentó el Sui Generis inicial. A pesar de los cambios que sufre, la letra respeta la idea inicial de Charly de describir una fiesta y/o orgía impresionante, en un casa donde participaban el presidente y el juez. Una gran sátira de la fiesta que tienen los poderosos con lo del pueblo, que nunca está invitado. La versión inicial decía en un principio: "Había una vez en la casa de un juez una fiesta impresionante vino y caviar, y mujeres sin bailar y marihuana en los cuartos y un presidente hablando,  sobre un pueblo en paz y la manera de tranquilizar a las bocas que pedían libertad" y "Había una vez  una casa con tres personas en una mesa  un leñador con su hijo menor y su mujer blanca y gruesa. Sus vidas eran miserables bajo el sol  y el que levantó el brazo con dolor está muerto, alguien dijo, por error". Otra frase cambiada que alude a esa alocada fiesta era: "Y en la noche la fiesta pasa amablemente y hasta el juez se acuesta con el presidente, baila y se ríe". El característico riff de guitarras es decorado con destellos violentos de sintetizadores y los punteos de Davies que suenan como nunca. Las voces de Nito y Charly no se escucharon con tanta rabia hasta entonces, sentían que la injusticia debe gritarse con ese ímpetu, rematando sobre el final: "Había una vez, un país al revés y todo era diferente. Todo el dolor, el oro y el sol pertenecían a la gente, en esa casa dividieron el pastel y no dejaron nada sin comer, la bandeja se la llevó la sirvienta". Una frase  lamentablemente atemporal que sin duda alguna continúa siendo vigente en el presente. En aquel show del Teatro Coliseo, Charly presenta a este tema con una lucidez excepcional: "esta canción la compuse pensando que cualquier quinceañera pudiera llevar el disco a su casa […] y quedar bien con sus amigos. También habla de la justicia, pero eso no importa… Para que haya muchas chicas que puedan tener su disquito hay mucha gente que se muere también, ¿visssste?". De Rafanelli y Charly el instrumental "Tema de Natalio" una demostración en palabras mayores de la nueva estética progresiva de la banda y una suerte de representación de las reflexiones de Natalio Ruiz (el hombrecito del sombrero gris). Lleno de improvisaciones y pasajes interesantísimos con el excluyente violín La Pesada, Jorge Pinchevsky. La colorida armónica del gran León Gieco cierra el trabajo original en "Para quién canto yo entonces". Una canción folk que sirve como una conclusión final para entender todo el sentido de "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" y nos invita a reflexionar a futuro. Charly anuncia el tema en el Teatro Coliseo como "el último tema del disco y del recital, un tema acústico que explica todo lo que hicimos". Por suerte veremos un mensaje alentador sobre un futuro del cual nos invita a creer Charly con su arte: "Yo canto para la gente porque también soy uno de ellos. Ellos escriben las cosas y yo les pongo melodía y verso". Es evidente que Charly no solo le canta esa gente sino que también a los que tienen el poder. El final original decía: "Y yo canto para usted, señor del reloj de oro. Sé que a usted nada lo hará cambiar. Pero quiero que se entere que su hijo no lo quiere". La sugerente ilustración de la portada a cargo de Juan Oreste Gatti, hace alusión a varios personajes protagonistas de las canciones del trabajo y es en blanco y negro por el costado de sus temáticas.

Asi estaba el ambiente, caldeado, había una sensación de claustrofobia , y fue aquí en "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones" que Charly comienza a ser un reflejo de la realidad del país a lo largo de toda su carrera. No es extraño entonces que esa sensación de encierro la sintiera dentro de la misma banda. Comenzó a haber cortocircuitos con Nito por el rumbo que Charly anhelaba. Quería seguir la linea progresiva, con temas mas extensos, tan en boga por esos tiempos, con un cuarto disco que nunca vio la luz que se llamaría "Ha sido" (pronunciado ácido). Alguno de los temas que iban a incluirse iban a ser las que luego se conocería como "Bubulina" (el apodo de María Rosa Yorio, mujer de Charly entonces) y "Eiti Leda". En contraposición Mestre quería seguir con el estilo folk acusticazo del primer Sui Generis. Las presentaciones de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones" comenzaron a salirse del habitual circuito de "rock porteño". De la mano del manager Melgarejo comienzan a recorrer no solo clubes miserables en condiciones difíciles, por el conurbano, como también por el interior del país. Los públicos de estos lugares, compuesto por adolescentes, no entendían mucho las metáforas sobre "jueces" y señores de "tijeras", en medio de un García sacudiendo el sintetizador con sonidos extraños y complejos. Este publico quiere "Canción para mi muerte" o "Rasguña las piedras". Por otro lado, Sui no era aceptado por los rockeros de la época como Pappo´s Blues o La Pesada. Para ellos los primeros discos eran muy suaves y los temas nuevos son demasiado "sinfónicos". Todos estos factores influyeron a que Charly se cansara y disolviera a Sui Generis, a punto de perder a su publico adolescente, pero aun asi en la cumbre de su carrera. En septiembre de 1975 Sui Géneris dio los dos conciertos de despedida de "Adiós Sui Géneris". La primera presentación fue el 5 de septiembre de 1975, en el estadio Luna Park, con capacidad para 9290 personas. Sin embargo, las entradas se agotaron rápidamente y se tuvo que programar una segunda función. Finalmente se vendieron 25 600 entradas en total, una cifra que sorprendió hasta al mismo grupo. Fueron editados en CD como "Adiós Sui Géneris, parte I & parte II" y en película. Parte del material incluido en ese LP doble pertenece a la segunda presentación oficial de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones"  en abril de 1975, que había batido récords hasta entonces, llenado el Teatro Gran Rex de 3300 localidades y en horario de trasnoche (poco antes lo había hecho en el Teatro Coliseo, también con sala completa). En 1994, se publicó "Adiós Sui Géneris volumen III", con temas descartados en la edición original. Como proyectos siguientes, Charly Garcia formaria La Maquina de Hacer Pajaros profundizando aun mas el estilo de rock progresivo con pasajes instrumentales extensos y cantándole a un clima mas espeso y mas oscuro aun. Nito Mestre formó Los Desconocidos de Siempre, haciendo lo debido con canciones folk , llevando a adelante el movimiento dado a conocerse com "El Acusticazo". Otro de los proyectos que los involucra a los dos seria "PorSuiGieco" grabando un álbum junto a  León Gieco, Raúl Porchetto y María Rosa Yorio, una especie de Crosby, Still, Nash & Young criollo. La primera y fugaz reunión que tuvo Sui Generis fue en Montevideo, Uruguay en 1981 ante 16.000 personas, cada uno con su banda. En 1993 Mestre saca "Canta Sui Generis" unas reversiones de los temas de Sui aggiornados a los 90´s con producción de Daniel Grinbank y sin el consentimiento de Charly. Pero sin duda el regreso mas recordado fue el de el año 2000 hasta 2001 con el trabajo "Sinfonías para adolescentes". Marcado por la canción "El día que apagaron la luz". Este acercamiento de ambos se produce tras un accidente automovilístico que sufrió Nito. El álbum incluye canciones inéditas de la primera época de Sui Generis como "Cuando te vayas", "Espejos", "Monoblock", "Afuera de la ciudad" y "Juan Represión". Como así también particulares versiones de conjuntos, músicos y productores, admirados por Charly  en su juventud como: Los Shakers , The Byrds, Vanilla Fudge, Phil Spector, Todd Rundgren, entre otros. El nuevo disco fue presentado en un multitudinario show en el estadio de Boca Juniors con invitados de la talla de Gustavo Cerati, Fito Páez, León Gieco, Mercedes Sosa y Pedro Aznar. Cuando la prensa acusó al dúo de editar este disco solamente por ambiciones económicas, Sui Generis realizó un show gratuito en el Parque Sarmiento. Ambos recitales quedaron registrados en el CD doble "Si - Detrás de las paredes".


Personal:

Charly García: Piano, Yamaha Strings, Piano Rhodes, Mini Moog, Clavinet Hohner, ARP Strings, Ensamble de cuerdas, guitarra y voz
Nito Mestre: Voz, guitarra acústica y flauta traversa
Rinaldo Rafanelli: Bajo, guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros
Juan Rodríguez: batería
Alejandro Correa: Bajo
Carlos Cutaia: Órgano Hammond en "Tema de Natalio".
León Gieco: Armónica en "Para quien canto yo entonces".
María Rosa Yorio: Coros
David Lebón: Guitarra eléctrica
Oscar Moro: Batería
Jorge Pinchevsky: Violín en "El tuerto y los ciegos" y "Tema de Natalio".
Billy Bond: Coros


Lista de temas:

1. Instituciones
2. Tango en segunda
3. El show de los muertos
4. Las increíbles aventuras del Sr. Tijeras
5. Pequeñas delicias de la vida conyugal
6. El tuerto y los ciegos
7. Música de fondo para cualquier fiesta animada
8. Tema de Natalio
9. ¿Para quién canto yo entonces?
10. Juan Represión
11. Botas locas


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jueves, 14 de marzo de 2019

Fish - Vigil In A Wilderness Of Mirrors (1990) (2006 Remastered)


El primer álbum como solista del cantante y compositor escoces Derek William Dick, mas conocido como Fish, fué la contrapartida a su caótica, inevitable y predecible salida de la gran banda Marillion. Un disco que claramente sigue la linea "melódica/neo-progresiva" de trabajos anteriores con la banda, que bien podría ser un disco mas de este conjunto (activo hoy en día) pionero de el denominado "neo- prog británico".

Nacido como Derek William Dick en la localidad de Dalkeith, Escocia e hijo de Robert e Isabella, Fish cursó estudios de primaria en la escuela King's Park y los estudios secundarios en la preparatoria de Dalkeith. Fue notable para la formación de su estilo como músico, la fuerte influencia de bandas y músicos como: Genesis, Pink Floyd, Yes, The Moody Blues, The Kinks, The Who, T. Rex, David Bowie, Joni Mitchell, Argent y  sus compatriotas The Alex Harvey Band, algunos de estos van a ser homenajeados en su álbum de covers, "Songs From The Mirror", su tercer trabajo en solitario de 1993. Otro elemento que forjo la personalidad compositiva de Fish en sus comienzos, fue sin duda su afán por la lectura. Sus escritores y/o poetas favoritos eran  Jack Kerouac, Truman Capote, Robert Burns y Dylan Thomas. Tal era su fanatismo por la lectura que según el propio músico le valió su sobrenombre: Fish (Pez) que se le fue adquirido durante un viaje a Alemania en 1978 debido a las largas horas que pasaba leyendo en la bañera. Previo a sus aspiraciones como cantante Fish , trabajo como playero en una estación de servicio, jardinero, empleado de la "Comisión de Bosques" e inspector de sistemas contra incendio. Luego de hacer varias audiciones como vocalista entre 1980 y 1981, conoce al gran guitarrista Steve Rothery, quien ya estaba comenzando a formar Marillion y asi el 15 de marzo de 1981 realizó su primera participación como vocalista del grupo en un local de Bicester. Cuando Marillion firmó un contrato de grabación con EMI en 1982, Fish comenzó a ser reconocido por el gran público, que lo comparaba con Peter Gabriel por la fuerza y acidez de su voz. Sin embargo escapo a esa odiosa comparación, gracias a una seguidilla de simples y de actuaciones en el  panorama under Londinense de fnes de los 70 y a lo que seria el LP debut de la banda: "SCRIPT FOR A JESTER´S TEAR" (1983)  Este logra ubicar a la banda como de culto y un salto la tan esperada fama. Álbumes como "Misplaced childhood" o "Clutching at Straws" terminaron de consagrar a Marillion como una banda de éxito internacional. Fue justo en ese momento tras la gira de ese ultimo trabajo que Fish abandona a la banda en 1988, para ser reemplazado por el vocalista Steve Hogarth. Su salida según el propio vocalista, se debió a diferencias en el porcentaje con el manager. Según sus propias palabras: "Hacia 1987 tocábamos demasiado en directo, porque el mánager se llevaba un 20% del total. Estaba reuniendo una cantidad de dinero inmensa mientras nosotros nos dejábamos la piel trabajando. Entonces encontré un papel con una propuesta para una gira por América. Al final del día la banda habría necesitado un préstamo de EMI de 14 000 libras como financiación para realizar el tour. Fue en ese momento cuando supe que, si me quedaba en la banda, probablemente acabara alcohólico empedernido y me hallarían con una sobredosis y muriéndome en una casa grande en Oxford con loberos irlandeses junto a mi cama.". Tras las negativas del resto de la banda ante un ultimátum del cantante, entre elegir continuar con el o con el manager, los abandona definitivamente. Al año siguiente Fish forma su propia banda y comienza su carrera como solista. Cumpliendo con una obligación contractual con EMI, graba su debut solista "Vigil in a Wilderness of Mirrors", primer y ultimo trabajo con dicha compañía. Para ello reunió al siguiente equipo: Mark Brzezicki y John Keeble (bateria), John Giblin (bajo), Mickey Simmonds (teclados), Frank Usher, Hal Lindes y Janick Gers (guitarras), Dave Spillane (gaitas), Phil Cunningham (flautín, bodhran y acordeon), Carol Kenyon y Tessa Niles (coros), Luis Jardim (percusion), Kick Jorns (metales), Aly Bain y Gavin Wright (violines). Los fans y seguidores de Fish, imaginaban que se traía algo bueno entre manos y que tenia mucho mas para dar, sobre todo por como se venían dando los últimos trabajos de Marillion. Nada mas acertado, su debut continuaba con esa esencia, con el plus de unas temáticas aggiornadas a los problemas del mundo contemporáneo, con aun su buen gusto por el el rock neo progresivo y el pop rock (que no empalaga). Si bien no es un álbum de concepto, hay elementos que hacen pensar lo contrario. Fish hace a menudo alusión a "The Hill" ("la colina" o "la montaña"), como una metáfora de la sociedad de consumo y la codicia capitalista.

Es evidente el continuo interés de Fish, aun, por el progresivo, deleitándonos ya con la obertura del trabajo. En la introspectiva intro de "Vigil", apreciamos densas capas de teclados que van colmando la atmósfera creciente de la canción. Con su excepcional estribillo, que se adapta perfectamente a la letra de protesta y de llamado a la conciencia. Se incluyen también, algunos toques celtas, que se podrán apreciar mas tarde en otras piezas, para luego volver una vez mas a el ambiente del principio alcanzando la coda de la canción. Lo que realmente intenta Fish con la letra de "Vigil", es que nos reconozcamos y unamos a su reclamo, ante las amenazas del los tiempos que corren: "Escúchame solo escúchame, si pudiera tener tu atención solo cálmate, para una voz entre la multitud. Estoy tan confundido que no entiendo. Sé que sientes lo mismo, que siempre quisiste decir. Pero no tienes la oportunidad, solo eres una voz entre la multitud..." . Sin embargo el final es de gran aliento y para perdurar: "Día a día se hace más fuerte. Y día a día se hace más fuerte. Pero cuando ya no puedo gritar más y necesito tranquilidad, escucho a la multitud.". El exacto balance entre pop y rock de "Big Wedge" es una explicita, irónica y fuerte critica a la codicia capitalista, la sociedad de consumo, la religión y las políticas , sobretodo estadounidenses. La portada del simple (que fue el segundo en 1989, previo a la salida del álbum) ubicaba a un particular "Tio Sam" ofreciendo una cuña (wedge) de billetes de dólares al espectador. Y nada lo puede expresar tan bien como el video oficial del corte donde vemos a un Fish (siempre tan exuberante y genialmente  desbordante de histrionismo el) hablándole a las masas, encarnando al "Tio Sam", a un pastor y a un político. La letra ya estaba lista en los tiempos de Marillion, pero fue descartada por la banda por ser "antiamericana" y por consiguiente atentar con la entrada al mercado de dicho país. Si bien no la nombra , "State Of Mind"  es un mazazo, directo al tramo final del mandato de Margaret Thatcher: "Nosotros, la gente, nos estamos cansando de tus mentiras. Las personas ahora creemos que es hora. Estamos exigiendo nuestros derechos a las respuestas. Elegimos un precedente a un estado de ánimo. Confío en las conspiraciones, en el poder de los militares. En este desierto de espejos aquí, ni siquiera mi discurso es libre. Todos los días escucho un pequeño grito dentro. Todos los días encuentro que se está haciendo más fuerte. Solo quiero acercarme y tocar a alguien. Porque encuentro que necesito un amigo en esta hora oscura...". Especial atención a los trabajos de percusión de Jardim en combinación con la lucida dupla rítmica de Keeble y Giblin, para una especie de atmósfera "new age" con aires orientales , muy interesante y muy bien lograda.

De los temas mas populares y emblemáticos de Fish, "The Company" que exige un embriagante motivo celta de celebración. La canción lo tiene todo, una preciosa sincronía entre lo acústico que aporta lo folk (destacándose el acordeón) y una orquestación sublime, y claro, una poética mas que acertada. El genio de Fish desafiante y mas que oportuno, crea una original comparación, entre el concepto justamente de "La compañía ". Su letra es tan fuerte que llegan a confundirse los conceptos, es decir el de la "compañía" como una empresa y  "la compañía" como lo puede ser la de sus pares o compañeros, amigos, alguna compañía casual e inclusive hay quienes lo codificaron como la desilusión del vocalista tras su salida de Marillion. "A Gentleman's Excuse Me" una pieza de carácter sobrio y melancólico, su instrumentación minimalista (acompañan a Fish solo teclados, guitarras y la excepcional grabación de una orquesta de 23 piezas en Abbey Road Studios) le da ese sabor de elegía.  Entre imágenes épicas Fish, frente a su amada, se arriesga en una actitud de desafío desde una posición prudentemente distante. Es posible que este dedicada a la por aquel entonces su esposa, la modelo alemana Tamara Nowy que aparece en el video clip de la canción, y por supuesto en los videos de Marillion, la exitosa "Kayleigh" y "Lady Nina".  Un groove incisivo para "The Voyeur (I Like To Watch)" que trata sobre el voyeurismo de la TV. Otra canción con burla y cargada de ironía, esta vez al sensacionalismo que arma la TV: "Me gusta ver promesas inverosímiles de políticos educados. Me gusta verlos incluso más que a mis videos desagradables... me gusta mirar. Me gusta ver desastres en repetición y volver a ejecutarlos en cámara lenta. Me gusta ver entrevistas in situ, las patadas en las puertas de entrada... me gusta mirar.".

Con "Family Business", se aborda un tema candente y preocupante incluso al día de hoy, la violencia domestica. Un progresivo tirando hacia el pop, refleja imágenes típicas relacionadas a la problemática en cuestión: "Oí una batalla al otro lado de la pared. Enterré mi cabeza en la almohada y traté de ignorarlo todo. Cada noche, cuando te escucho, sueño con romper tu puerta. Un caballero vengador de brillante armadura, para rescatarte de todo... De esta empresa familiar, empresa familiar... ¿Por cuanto tiempo, este negocio familiar? No es asunto de nadie, este negocio familiar. Pero dime cuánto tiempo seguirá siendo un negocio familiar??...". Con leves destellos de hard rock, "View from the Hill" uno de los momentos mas turbulentos y potentes del trabajo. La letra es una mirada omnisciente (justamente desde las alturas de una colina) sobre las llamadas "cortinas de humo": "Te vendieron la vista desde una colina. Te dijeron que la vista desde la colina sería más lejos de lo que has visto antes. Te vendieron una vista desde una colina... Tu juicio fue cegado por tus visiones y tus sueños. Rezando y esperando en la vista desde la colina. Es más amplio de lo que has visto antes. Por la vista desde la colina sosteníamos nuestras cabezas tan altas (olíamos a rosas)...". Con una intro de teclados que recuerdan mucho al "She Chameleon" de Marillion, la irresistible balada romántica "Cliché", da un emotivo final al álbum. Luego entre notas largas de guitarras y con una letra que da vueltas sobre lo mismo, Fish desnuda sus mas sinceros sentimientos, con la mas fina pero simple vulnerabilidad  que pueden acarrear estos temas, lo que irremediablemente lo hace caer en justamente en un cliché sobre otro cliché. 

El disco se había grabado en 1989, y ademas de contar con su excelente banda, Fish incluyó a varios invitados, entre ellos Janick Gers guitarrista actual de Iron Maiden quien ademas de participar con la guitarra principal en "View from the Hill" ayudo a Fish en la composición de la misma. Otra especial participación es la de el ex Dire Stairs, Hal Lindes, que contribuyó además a la redacción de "State of Mind", "Family Business" y "Cliché". También tocó la guitarra en la mayoría de las pistas, junto con Frank Usher. En 1997 "Vigil In a Wilderness of Mirrors" se reemasterizó, para ser editado en tres oportunidades: el 18 de diciembre de 1997, en el antiguo sello de Fish, "Dick Bros Record Company", el 28 de octubre de 1998 en "Roadrunner Records" y la que ofrecemos aquí, la de 2006, por el actual sello de Fish "Chocolate Frog". Todas estas reediciones contienen las pistas originales y cinco pistas adicionales incluidas originalmente como lados B de los singles lanzados. La primera es "Jack and Jill", lado B del segundo simple del álbum (el primero había sido "State Of Mind" con "The Voyeur" como lado B, lanzados previo a la salida del álbum en 1989); "Big Wedge", donde Fish juega a imaginar como seria su vejez en "la colina". La primera versión de 1989 el himno folk-celta, "Internal Exile", que es la que le daría nombre al siguiente trabajo del cantante, los demos de "The Company" y "A Gentleman's Excuse Me" y la jazzera "Whiplash", lado B del tercer simple "A Gentleman's Excuse Me". Al igual que todos los singles y LPs de Marillion, Fish opta por darle una ilustración a la tapa, realizada por Mark Wilkinson, justamente quien se encargó del arte gráfica de los álbumes y simples de la banda. La pintura de la tapa que abarca la contratapa del LP y parte del folleto del CD, es un collage que contiene muchas referencias a las letras, alusiones políticas y mensajes "ocultos" que los fanáticos (como los rostros del tecladista de Marillion, Mark Kelly y el gerente de EMI, John Arnison) pueden entender. El elemento central es una "colina" que consiste en bienes de consumo de chatarra en un paisaje post-apocalíptico, sobre la cual una pareja vestida con ropa pseudo-oriental mira hacia la distancia, sosteniendo un reloj de arena. La capa del hombre, aleteando en el viento, se asemeja al este de Escocia, con las "Tierras Altas del Sur" (región de Fish) iluminadas por rayos de luz aparentemente emitidos por el reloj de arena, una referencia al interés de Fish en la cultura escocesa. Sólo la pareja y la cima de la colina están en la portada, con los televisores y la computadora Amiga 500 contienen fotos de la cara de Fish. En la versión más grande en el interior, estos son reemplazados por caras de la pintura de Ingres, "La edad de Oro". También se pueden apreciar soldados entre desechos industriales, uno convaleciente y a lo lejos una iglesia que se deja filtrar por los rayos del sol, detrás una especie de Gólgota con una hilera de palos de luz que se van transformando en las tres cruces del día de la crucifixión hasta convertirse en cohetes tele-dirigidos a punto de salir.

Lo extraordinario de "Vigil In a Wilderness Of Mirrors" es que logro marcar toda una época en el mundo, con problemáticas y conceptos que tienen vigencia al día de hoy. La frase "wilderness of mirrors" es originalmente del poema "Gerontion" de T. S. Eliot, pero desde entonces se ha convertido en una metáfora ampliamente utilizada para la desinformación en la ficción espía, de donde Fish la captó. Al respecto, en el artbook podremos leer: "The Wilderness of Mirrors (la selva de espejos) fue una frase dada por la CIA a una era particular en la historia del espionaje a finales de los años 50´s y 60´s, cuando los rusos experimentaron un gran número de deserciones, asociado a un exceso de secretos revelados a agentes que supuestamente se dirigían a sus rivales de la guerra fría, confundiendo así a sus oponentes en cuanto a lo que era verdad y lo que era falso. Los resultados fueron evidentes y el daño causado fue enorme, ya que incluso los desertores de buena fe fueron tratados con gran desconfianza por la confusión que reinaba.". Seria el primer y ultimo trabajo del cantante con EMI, que poseía automáticamente los derechos de sus grabaciones en solitario bajo una cláusula de abandono. Sin embargo, Fish no estaba satisfecho con la promoción y distribución de el sello y trató de dejar el contrato, que finalmente logró después de una demanda prolongada a fines de 1990. Como futuro inmediato a "Vigil In a Wilderness of Mirrors",  y luego de la gira que 1989/1990 , publicaría su segundo álbum solista "Internal Exile" (1991) y el mencionado anteriormente, "Songs from The Mirror" (1993), que contiene canciones con los gustos musicales del músico, cuando tenia entre 12 y 18 años. Este seria su ultimo trabajo con el sello Polydor, lo que lo impulsaría a crear su propio sello discográfico, "Dick Bros Records" debutando con la realización del en directo "Sushi" en 1994. Ese mismo año sale "Suits" seguido de "Yin",  "Yang" y "Yin & Yang" de 1995, todos estos con presentaciones en vivo, remixes de canciones y ediciones de radio. También es bueno destacar el trabajo realizado con el cantante y guitarrista Steve Wilson de Porcupine Tree: "Sunsets on Empire" (1997). Otros destacables trabajos de Fish fueron "Fellini Days" (2001) y "Field of Crows" (2003).  Luego de casi dos décadas, el 26 de agosto de 2007,  Fish se reunió en el escenario con sus cuatro ex compañeros de Marillion de la alineación clásica (Mark Kelly, Steve Rothery, Ian Mosley y Pete Trewavas) en una canción: "Market Square Heroes", en el espectáculo denominado "Hobble on The Cobbles" en Market Square en Aylesbury. En 2008, Fish reveló que se alejaría de la música por algunos meses debido a un crecimiento celular irregular en su garganta. Finalmente se determinó que no se trataba de un tumor canceroso. Sin embargo y pese a sus disminuciones en su registro vocal , debido al tabaquismo, Fish continua en carrera, siendo su ultimo trabajo en estudio "A Feast of Consequences" (2013).



Lista de Temas:

1. Vigil
2. Big Wedge
3. State of Mind
4. The Company
5. A Gentleman's Excuse Me
6. The Voyeur (I Like To Watch)
7. Family Business
8. View From The Hill
9. Cliché

Bonus tracks de la versión remasterizada:

10. Jack and Jill (lado B de Big Wedge)
11. Internal Exile (versión 1989)
12. The Company (demo)
13. A Gentleman's Excuse Me (demo)
14. Whiplash (lado B de A Gentleman's Excuse Me)


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miércoles, 30 de enero de 2019

Gilberto Gil (1969) (Cérebro Eletrônico)


En aquel momento de pleno auge del movimiento del "tropicalismo", el influyente cantante y compositor Gilberto Gil da a conocer su tercer álbum de estudio y segundo de su trilogía de los discos homónimos (Gilberto Gil 1968 y 1970). Muchos críticos y fans del autor coinciden en que es el LP mas experimental y futurista de su carrera. Será por eso que el trabajo es más conocido como "Cérebro Eletrônico" y en referencia a la canción de apertura del trabajo; a su vez contiene (paradojicamente con la impronta del trabajo), su primer gran éxito masivo, "Aquele Abraço". Contribuyó a simentar las bases de este interesante movimiento en Brasil y así llegar a desarrollar lo que se derivo en el MPB (música popular do Brasil). Recordemos que el "Tropicalismo" o "Movimiento tropicalista", revolucionó  la música de Brasil con una característica fusión entre a bossa-nova, el rock'n roll, la psicodelia, la música tradicional de Bahía y el fado portugués. Alguno de sus personajes celebres dentro del movimiento fueron Caetano Veloso, Os Mutantes, Gal Costa, María Bethânia y por supuesto Gilberto Gil. El músico declaro sobre la perpetración de este trabajo: "Yo estaba preso hace unas tres semanas, cuando el sargento Juárez me preguntó si yo no quería una guitarra, dije: Quiero!, y él me trajo una. Ahí, yo, que hasta entonces no había tenido estímulo para componer, hice "Cerebro electrónico", "Vitrines" y "Futurível", además de otra, también bajo ese enfoque, o delirio, científico-esotérico.". Ya sea por el éxito considerable a nivel nacional que supuso "Aquele Abraço" o el mote de "himno tropicalista" que se le otorgó a "Volks-Volkswagen Blue", o por su incansable y bien ponderado sentido de la experimentación, lo acertado es decir que el álbum marca sin duda alguna, toda una época en la música popular y el inminente exilio de Gil a Londres, ante el preocupante panorama dictatorial de fines de la década del 60 en Brasil.

Gilberto Passos Gil Moreira nace hace 76 años el 26 de junio de 1942 en Salvador de Bahía, y pasa sus primeros años en Ituaçu, una pequeña ciudad de Bahía a 530 km de la capital del estado. En diciembre de 1951 vuelve a Salvador a la casa de una tía paterna para terminar la primaria. Su inquietud por la música en los primeros años 60´s se da a conocer con su primera agrupación seria,
Os Desafinados, tocando el acordeón, entre 1959 y 1961. A partir de la separación de la banda y sumamente influenciado por altos próceres de la samba y la bossa nova como  João Gilberto, opta por cambiar su instrumento a la guitarra. Entonces, para sostenerse económicamente comienza a componer jingles mientras trabaja como cobrador de impuestos. Su primer EP con cuatro canciones de su autoría, lo graba en 1963 con el nombre de "Gilberto Gil: sua música, sua interpretação". Es ese mismo año en que conoce a  Caetano Veloso, Maria Bethânia, Gal Costa y Tom Zé,  con quiénes forma un grupo que sería fundamental para la historia del tropicalismo, presentando al año siguiente el espectáculo musical,  "Nós, Por Exemplo...", en la inauguración de las instalaciones del Teatro Vila Velha, de Salvador, con la dirección general de João Augusto. Dicho show en si era un catarata de nueva música, con el único objetivo de renovar la música popular de Brasil. Aunque por dicha inauguración, hubieron diferentes presentaciones, "Nós, Por Exemplo..." fue la mas aclamada de todas. El momento cumbre del show era la canción "Sol negro", de Caetano, en la que las voces contrastantes de Gal Costa, (que en esa época usaba el nombre artístico de María da Graça), y María Bethânia dialogaban en el escenario. Esta canción, al año siguiente, marcó el estreno discográfico de Gal, cuando ella participó en el primer disco de Maria Bethânia. Al año siguiente Gilberto presenta su primera show como solista, "Individual", una vez mas en Vila Velha, bajo la dirección de Caetano. Comenzando el año 1966 se destacó en el programa "O Fino da Bossa", exhibido por la Record y con la conducción de Elis Regina, a quien mostró sus composiciones "Yo vine de Bahía" y "Alabado". Su éxito rindió un contrato para lanzar un álbum por Philips Records. En ese momento, Gil abandona su trabajo y decide vivir solo de la música y se muda a Río de Janeiro con Belinda y su hija, Nara. "Procesión", primer single oficial del cantante, fue lanzado en 1965. Al año siguiente, 1966, la discográfica ofreció "Ensayo General", segunda canción de trabajo de Gil. Pero en 1967 sale su primer LP, mas reconocido. El álbum contiene arreglos de Dorival Caymmi hijo (Dori Caymmi), y composiciones de Caetano Veloso, José Carlos Capinam, Torquato Neto, Geraldo Vandré y João Augusto. Un disco "bahiano" por donde se lo mire con la canción "Agua de Meninos", por ejemplo, que retrata un incendio ocurrido en un muelle del puerto, cerca de combustibles y de molinos de trigo. También comenzó a participar en variados festivales promovidos por la Record y TV Rio, como "I Festival Internacional de la Canción", promovido por la TV Rio y "II Festival de Música Popular Brasileña", de la Record. Volviendo a el marco histórico del país, comenzaba a iniciarse una fase de ultra nacionalismo. Rechazaba características de otras culturas como las guitarras eléctricas, que eran una "marca de la cultura estadounidense e inglesa, además de representar el comercialismo", como recuerda Caetano Veloso. En contrapartida Gil, influenciado por los Beatles, resolvió incluir el rock y la música brasileña en la canción "Domingo en el Parque", interpretado junto a Os Mutantes. Fue así que a partir de canciones como esa o como "Alegría, Alegría", de Caetano Veloso comienzan a dividirse las aguas, hasta fines de 1968, con el Tropocalismo en contestación a aquel golpe militar, iniciado en 1964. Este nuevo estilo musical, cobijado por la música pop-ular, resultaba chocante para el gobierno de aquella época. De esa manera, la música popular debería convertirse en el vehículo de disensión política. A partir de 1968 todos esos artistas comienzan a salir por TV. Caetano y Gil, con Os Mutantes, pasaron a participar, especialmente en los conducidos por Chacrinha, presentador que se convirtió en icono del movimiento. Gil comenzó a trabajar con su nuevo álbum en solitario y otro proyecto unido a otros tropicalistas, como Caetano, Gal Costa, Tom Zé, Nara León, Os Mutantes y Rogério Duprat. Ese proyecto no fue otro que "Tropicalia ou Panis et Circencis" (1968). Con soporte vocal de Os Mutantes ese mismo año sale su segundo larga duración, Gilberto Gil (1968), (también conocido como "Frevo Rasgado") convirtiéndose en uno de los álbumes fundamentales del tropicalismo. Este movimiento, a raiz de sus apariciones mas seguidas en festivales y en TV , comenzaba a ser una amenaza para el régimen militar de Brasil. Fue así que el 13 de diciembre de 1968 Veloso y Gil son llevados a prisión para ser liberados en febrero de 1969 y ante la real posibilidad de exiliarse ambos hacia Europa. Fue entonces que comenzó a elaborar su tercer disco de estudio, como una despedida de Brasil. Antes de partir ambos brindan un show de despedida en el Teatro Castro Alves. De cuya grabación saldrá el disco "Barra 69". Inicialmente el exilio de Gil y Caetano, con sus esposas desembarcó en Lisboa y París, concluyendo con su asentamiento definitivo en Chelsea, Londres. Gil dijo que William, entonces gerente del dúo: "había estado en Europa antes que nosotros, para ver dónde alojarnos. Lisboa y Madrid estaban fuera de cuestión porque, Portugal y España estaban bajo la dictadura pesada. París tenía un ambiente musical aburrido. Londres, era el mejor lugar para ser músico". Fue bastante atípico como se fue abriendo paso el álbum. Como la dictadura militar brasileña no le permitió a Gil abandonar Salvador de Bahía, antes de ser exiliado a Londres, grabó voces y guitarra acústica en Salvador, y Rogério Duprat grabó los otros instrumentos en Río de Janeiro y São Paulo. Son obvias las influencias del rock psicodelico con una cargada dosis de experimentación y con alguna que otra buenas e innovadoras técnicas de grabación en estudio.

El innovador y exuberante funk "Cérebro Eletrônico" abre el trabajo, con una exhibición de sonidos y ruidos extraños que alimentan a un visceral groove. La letra una declaración de libertad y bien contestataria a la vez: "El cerebro electrónico comanda. Manda y desmanda. Él es quien manda. Pero él no camina. Sólo puedo pensar. Si Dios existe, soy yo. Sólo puedo llorar cuando estoy triste, Soy yo. Yo con mis botones de carne y hueso. Yo hablo y oigo.". El amorfo "Volks-Volkswagen Blue" considerado un himno de la tropicalia, aparece con una estructura visionaria con secciones de metales acompañando a los punteos, cautivando con una atmósfera de pura psicodelia. Gil habla de un auto azul que compro su padre, quizás sean vestigios de cuando componía jingles.

"Esta samba va para Dorival Caymmi, João Gilberto y Caetano Veloso...". Gilberto presenta así a "Aquele Abraço", con los nombres de tres de los mas importantes e influyentes músicos de Brasil. Esta dedicatoria tiene algo curioso (no tanto si se la analiza el día de hoy): los dos primeros Caymmi y Gilberto ya eran de una generación anterior a Gil y ya se podría darles el mote de consagrados, pero Veloso recién comenzaba sus primeras armas y Gil ya lo ubicaba a la altura de estos dos. Así es como la dedicatoria tiene un carácter mas que profético. La discográfica lo lanzo con Gil ya exiliado, como primer simple del álbum. El dijo que la canción representaba un "bye bye" al país. La compuso, tras tratar la cuestión de su salida del país con el ejército. Recordó que los soldados del cuartel le saludaban diciendo: "¡Aquel abrazo, Gil!". El compositor se desplaza por todo Rio De Janeiro , evocando sus personajes, sus barrios, sus escuelas de samba, sus figuras cotidianas y hasta una provocación a una de la mas grandes hinchadas del país, la del Flamengo (Gil es de Fluminenese y el canto "alô, torcida do Flamengo" todos la relacionan con la victoria en la final del Campeonato Carioca de Fútbol de 1969, cuando el Fluminense se consagró campeón venciendo por 3 a 2 a dicho rival. Pero fue compuesta y grabada antes de la final, que tuvo lugar el 15 de junio de 1969, la canción puede referirse a algún juego anterior.). Queriendo no solo quedar en las partes bellas de Rio también se despide del barrio del lugar donde fue encarcelado (Realengo), en la frase "alô, alô, Realengo".  Otras voces opinan que el "abrazo" descrito en esta canción remite a los brazos del Cristo Redentor que bendice toda la ciudad de Rio. Se convirtió en una de las canciones más conocidas y exitosas de la carrera del cantante. Es su canción más ejecutada y regrabada, y es reconocida como un símbolo de la lucha contra la dictadura militar en Brasil. En una entrevista en O Pasquim, poco después de su exilio, él explicó que la música era su manera de captar la alegría y la felicidad que había visto en las calles, que él no sentía hace algún tiempo. "Mi intención era, en realidad, muy simple, para dar un abrazo al pueblo de Río ... Era una canción de encontrar, no de despedir.".

Una de las características particulares de la música influenciada por la psicodelia es sin duda, la ciencia ficción, la canción se adelanta en el tiempo y sueña con un mundo de futuro. Algo así como Los Stones en "Their Satanic Majestic Request", con su "2,000 man" (hombre del 2000) o David Bowie en "Space Oddity". Y no solo en la música, Stanley Kubrick había sacado el año anterior "2001: A Space Odyssey". Justamente Gil se dejo influenciar de estos conceptos y sobre todo en la película, en los temas "A Voz do Vivo", "Vitrines", "Futurivel", por que no en "Cérebro Eletrônico" y por supuesto en "2001". Esta ultima la mas enérgica y eléctrica de ese grupo, compuesta por Rita Lee y Tom Zé, para Os Mutantes.  Gil, en varias de estas hace alusión a astronautas. La excéntrica y reluciente armonía de "Vitrines", entre toques de flautas y cuerdas emuladas, por ejemplo, describe exhaustivamente lo que seria el interior de un trasbordador espacial: "Un astronauta risueño como un muñeco parlante en un pequeño escaparate, de plástico transparente. Una pequeña vitrina la escotilla de la cabina... Mundo del exterior. En el exterior, la isla. La isla de la tierra lejana pequeña esfera rodante... La Tierra bola azulada...En un escaparate gigante...". Pero mas extraña aun resulta "Futurível" donde entre los arreglos de bronces que rompen con la experimentación tornándola jazzera, describe lo que parece ser una transmutación, es decir el paso de un humano a mutante. Dentro de lo que podría ser un OVNI, Gil canta: "Usted ha sido llamado, va a ser transmutado en energía. Su segunda etapa de humanoide hoy se inicia. Manténgase tranquilo, vamos a empezar la transmisión. Mi sistema cambiará su dimensión, su cuerpo se transformará... No se preocupe, mi sistema mantendrá su conciencia de ser, la mente, sera más inteligente. Todo en superdimensión, el mutante es más feliz. Feliz porque en la nueva mutación, la felicidad está hecha de metal...".

Cuando había comenzado con sus discos solistas, era sabido que Gilberto era muy fanatico de Los Beatles. Varios relatos recuerdan que había escuchado casi obsesivamente "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band". Su álbum de 1968 incluye en la portada al músico con su atuendo de imitación militar en la portada, que no podía ser un homenaje más explícito a los Beatles y por supuesto en los arreglos musicales. Como siguiendo con su admiración por los 4 de Liverpool, aquí se anima a hacer su propia "Revolution #9": "Objeto Semi-Identificado". Aqui podremos apreciar un abanico de ruidos y efectos especiales de voces aceleradas (que remiten también al "Suzie Creamcheese" en The Return of the Son of Monster Magnet, del debut de The mothers of Invention, "Freak Out"!) y hasta una especie de sampleo de un tema ya incluido en el disco: "Volks-Volkswagen Blue". En este experimento compuesto por Gil,  con la colaboración de Rogério Duarte y Rogério Duprat, nos invita a descifrar el verdadero misterio que es este objeto, con la ayuda de fragmentos leídos por el mismo Gilberto, entre los cuales se puede distinguir una parte de un evangelio del nuevo testamento, "Los Hechos de los Apóstoles ". Aquella parte en que unas "lenguas de fuego" se apoderan de los apóstoles: "Y lenguas como de fuego se tornaron invisibles. Y se distribuyeron y sobre cada uno de ellos, se asentó una. Y todos ellos se llenaron de espíritu santo y empezaron a hablar en lenguas diferentes." Abarca con una visión surrealista/espacial, varias inquietudes filosóficas y numerológicas relacionándolas con el amor, la muerte, la cultura y la civilización.  Describe que Dios, es un Dios desconocido: ..."el encubierto, el objeto semi-identificado, el des-objeto, el Dios-objeto"  y por lo tanto es infinito. Y es allí, en el infinito, donde decide al fin quedarse: "El número 8 es el infinito, el infinito en pie, el infinito vivo, como mi conciencia ahora...  El número 8 dividido es el infinito a la mitad. Mi objetivo ahora es mi infinito. Es decir: la mitad del infinito, de la cual la mitad soy yo, y otra mitad es más allá de mí.".

Con semejante material grabado, en una época donde se tenia mucho que decir, era de esperarse que haya quedado material extra dando vueltas. La remasterización del álbum incluye dos demos, dos temas extra y una versión alternativa de "Aquele Abraço". Ya escapando de la pomposidad y la parafernalia psicodelica/espacial/electrónica, y arrimándose mas a la canción folk de protesta, de este material se destacan "Com Medo, Com Pedro" un grito de coraje y resistencia del músico: "Ahora no tengo más miedo estoy con Pedro... El mundo es fondo. Quien quiera en el fondo, encuentra la puerta del fin de todo... Bien junto a la puerta está San Pedro". Y la extensa y experimental, "Cultura e Civilização". Gil, al estilo de las largas canciones de Dylan de sus primeros trabajos o de Richie Heavens, extiende su canto de desinterés (o no) ante estas dos, para recorrer un terreno de pura experimentación. No solo de su guitarra, si no que también de su voz, dejándonos algún que otro grito cercano a lo tribal, si se quiere. Y no debemos olvidar a la tan graciosa como irónica, "Queremos guerra", con la colaboración de Caetano Veloso y del compositor de la misma, Jorge Ben.

 A pesar de la buena recepción del álbum, éste sólo tuvo un single, considerado el primer gran éxito de Gil, "Aquel Abrazo", mientras que traía un repertorio de nueve pistas, además de la canción ya citada. El disco marco una fuerte influencia para las próximas generaciones de músicos venideros, por ejemplo, "Cerebro Electrónico" obtuvo algún destaque mas que "Aquele Abraço" , años después, con la regrabación de Marisa Monte en 1996. Marisa también la interpreto junto Seu Jorge en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres, como parte de la visualización de los Juegos Olímpicos de Verano de 2016 en Río de Janeiro, en enero. Estando aun en exilio, Gil, Caetano y otros músicos brasileños participaron en el mítico Festival de la Isla de Wight, que reunió a unas 600.000 personas. Los dos subieron al escenario a cantar en portugués, acompañados de tambores y flautas africanas, pero minutos más tarde comenzaron a usar guitarras y reproducir canciones que mezclaban el rock psicodélico, funk y la samba. Otros gustos que tuvo, fue el ser invitado a producir la banda sonora de la película "Copacabana Mon Amour", de Rogério Sganzerla. Al lado de músicos como David Gilmour de Pink Floyd, y Jim Capaldi, fundador del grupo Traffic, entre otros, Gil fue invitado a participar en una jam session, realizada en el club Revolution. Su participación, se repitió al año siguiente, cuando se involucró en la organización del Festival de Glastonbury, en 1971 donde tuvo mayor contacto con el reggae, estilo que estaba en efervescencia en el Londres de la época. Bob Marley, Jimmy Cliff y Burning Spear, se convirtieron en inspiraciones para el compositor brasileño y también el jazz, asistiendo a presentaciones de gigantes como Miles Davis y Sun Ra. Gilberto regresa a Brasil a principios de 1972, atrás de la vuelta de Caetano. Ya había estado en Nueva York presentando su álbum de composiciones en ingles conocido como "Nêga". Su regreso al país marco su exitosa gira por las principales capitales, llamado "Gilberto Gil: En Concierto", que duró dos años y contenía repertorio de álbumes futuros. Su carrera, los años venideros, fue igual de fructífera sacando importantes trabajos como "Expresso 2222", "Refazenda" y "Refavela" o el recordado homenaje de reversiones de canciones de Bob Marley; "Kaya N'Gan Daya" de 2002. A la par de su carrera de músico, se dió tiempo para la actividad política. En 1987 es elegido como presidente de la "Fundação Gregório de Matos", algo así como la Secretaría Municipal de la Cultura de Salvador, cargo que ocuparía hasta el año siguiente, cuando lo abandona para dedicarse a su campaña como candidato a concejal por el Partido del Movimiento Democrático Brasileño (PMDB). Pero lo mas importante y recordado de esta faceta política, fue sin duda alguna el cargo de Ministro de cultura, que obtuvo hasta 2008, durante el mandato del presidente Luís Ignácio Lula da Silva. Su mandato se caracterizó por una perspectiva antropológica de la cultura, para que estimulara la diversidad cultural y la participación ciudadana en las políticas públicas. Su gestión también fue conocida internacionalmente por su defensa del software libre y por sus intentos de flexiblizar los derechos de autor.


Lista de Temas:

1. Cérebro Eletrônico
2. Volks-Volkswagen Blue
3. Aquele Abraço
4. 17 Légua e Meia
5. A Voz do Vivo
6. Vitrines
7. 2001
8. Futurível
9. Objeto Semi-Identificado
10. Omã Iaô
11. Aquele Abraço (Version Integral)
12. Com Medo, Com Pedro (Demo)
13. Cultura e Civilização (Demo)
14. Queremos Guerra (con Caetano Veloso y Jorge Ben)


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