sábado, 10 de noviembre de 2018

Platero Y Tu - Hay Poco Rock & Roll (1994)


Considerada como una de las bandas que vino a oxigenar el genero en el rock de España, Platero Y Tu arremete con su quinto disco, para muchos su mejor y mas representativo trabajo, "Hay Poco Rock & Roll". Aunque los Platero mismos se excusan diciendo: "...no hemos inventado nada, tampoco es nuestra intención...", el álbum nos deja ese regocijo de disfrutar cuando las cosas están bien hechas, desde, claro está, la belleza que pueden transmitir las cosas sencillas. Cuenta con la colaboración de algunos próceres de la historia del rock ibérico, como Robe de Extremoduro y Evaristo de La Polla Records, y está dedicado a la memoria de Lee Brilleaux, cantante y guitarrista de la banda de rock británica Dr. Feelgood, que había fallecido el 7 de abril de 1994.

La banda vasca conformada por cuatro amigos, Fito Cabrales en voz y guitarra, Iñaki ‘Uoho’ Antón en guitarras, Juantxu Olano ‘Mongol’ en bajo y Jesús García ‘Maguila’ en bateria, se formó en Bilbao a finales de la década de los 80.  Juantxu y Uoho venían tocando en una banda llamada Qué y tras la disolución de ésta, empezaron a ensayar juntos y Jesús García Castilla se unió más tarde a los ensayos como batería. Un día Juantxu invitó a Fito en diciembre de 1989, que era vecino suyo, al local para ver uno de los ensayos, y éste acabó entrando a formar parte del grupo como voz principal y guitarra. Fue entonces que a principios de 1990 comienzan a dar sus primeras e inexpertas performances en vivo, mas precisamente su debut en los escenarios fue como grupo invitado de un concurso de bandas de rock en Plencia (Vizcaya). A la vez que conseguían sus primeros dineros con sus presentaciones, quedaría impreso el nombre definitivo de la banda como PlateroY Tu , una especie de burla e inocente homenaje a el famosísimo cuento para niños (y no tanto) sobre la vida de un burrito, de Juan Ramón Jiménez (Platero y Yo), con guiños a la famosa banda californiana de los 50's, por supuesto Los PLateros. Su sonido era claro: un rock and roll sencillo y adictivo y un hard rock contundente, influenciado por pesos pesados tanto de su país como Leño, pero mas que nada por leyendas como AC/DC o Status Quo, y guitarristas como John Fogerty de Creedence Clearwater Revival, alejándose del rock radical vasco que triunfaba en el momento de la creación de la banda. Sus temáticas como no podía ser de otra manera, hablan de la vida, la noche, el amor y los excesos, sin olvidar un especial trato hacia las problemáticas sociales. Fue entonces que lograron grabar sus primeras maquetas con un puñado de demos y a mediados de 1990 sale "Burrock`n Roll" de escasas ediciones, solo para los fieles y crecientes seguidores. Esta maqueta proveyó que el sello catalán Welcome Records les produjera su disco debut en 1991 "Voy a acabar borracho", en los estudios Lin, no teniendo mucho éxito fuera de Bilbao. Aun así les valió para que les conocieran unos caza talentos de la multinacional DRO, que reeditó "Burrock`n Roll" en 1992 como su segundo álbum, reconfigurando la lista de canciones y mejorando la producción. A esta altura la banda comenzaba a engrosar su publico, gracias a canciones que se transformarían en clásicos de Los Plateros, como "Si tú te vas", "Ramón", "Un ABC sin letras" o "Voy a acabar borracho". Ese mismo año, entre febrero y marzo de 1992 grabaron su tercer disco, "Muy Deficiente", con algunos de los temas que se harían clásicos en los conciertos de la banda, como "El roce de tu cuerpo" o el inspiradisimo blues "Cantalojas". Además cuentan con la colaboración de un ídolo y gran influencia de la banda, Rosendo Mercado en el tema "Sin Solución". En 1993 se produce un quiebre en la banda con su cuarto disco, "Vamos Tirando" que les da fama en toda España, gracias a un mejor trato desde el punto de vista de la producción. Cuenta con una versión del grupo euskaldún Hertzainak, "R&R Batzokian".

"Somos los Platero (Pa' lo bueno y pa' lo malo)" merece un especial elogio, ya que para el oyente desconocedor de la banda, sirve como una excelente carta de presentación (sin ninguna duda que esa es la intención de la canción). El comienzo arrollador de guitarras predispone a la canción para un desarrollo extenso, los perfectos fraseos de Uoho dan fe de ello, sosteniendo a toda esta declaración de principios en el canto de Fito. Esta filosofía de vida , inmediatamente parece continuar con la excelente "Hay Poco Rock and Roll". Claramente una versión de "High Voltage" de AC/DC. Aquí afirman lo dicho en la canción anterior: "no hemos inventado nada, tampoco esa es nuestra intención". Pero sin dudas que es un arte saber como versionar una canción de otra banda  (y sobre todo cambiarle y traducir toda su letra) . Los Platero nos demuestran lo bien que les sienta este arte, apropiándose y convirtiéndolo en todo un himno de la banda.

Un toque de distinción y de buen humor ácido no debe faltar nunca, "Por Fin...!!!" se encarga de eso . ¿Cuantas veces hemos tenido que "bancar" a un amigo en nuestro hogar hasta puntos terriblemente insospechados?, la canción plasma esos momentos con un humor muy original y sobresaliente. Y con pequeños homenajes incluidos: ..."me has rayado discos de LOU REED y de los STONES,  de la cinta de LEÑO sólo suena una canción...". "Tenemos que Entrar" toca una temática social muy conocida, que tiene como protagonistas a los llamados "Okupas". Y sobre todo reivindica la lucha por aquellos años para que hubiera para el impulso de las bandas nacientes, los llamados "bares de guardia" .

Un correspondiente homenaje de la banda a Rosendo con "Si la tocas otra vez" un rock sumamente movedizo, donde se remontan a los tiempos en que eran fans. La letra apuesta a mencionar como fue la grata influencia del músico de Carabanchel: " Fuiste tú, Rock'n'roll callejero bebiendo blues... Para mí el primero en decir lo que yo sentí. Es igual, ahora he dado la vuelta y puedo cantar ...Y explicar, que tu vieja guitarra me hace vibrar...". Y hace mención a alguna que otra canción de Leño: "El Tren ya no pasa y tú sigues ahí, bebiendo y fumando en Ese Madrid... Nunca cambiaste tu Manera de Vivir... Me contaste tu vida...  ¿¿¡Qué más puedo yo pedirte a ti!?!?!!...". Robe Iniesta y Evaristo Páramos ponen sus voces en la curiosa y divertida historia del punk "Juliette" . El riff en un principio acusa de relegar la canción a un terreno simplón, pero los punteos traviesos atiborrados de "bendings" y "pull offs" de Uoho, junto a la amalgama de las voces de Fito y los invitados, hacen de la canción uno de los mejores momentos del álbum.

"La Vecina" otra peculiar historia que en un principio parece ser un reggae (por como irrumpe la percusión al comienzo) pero el escenario se vuelve rockero de inmediato. El músico vasco Iñigo Muguruza hace un solo de guitarra. "Bebiendo del mismo vaso", un himno de hermandad rockera nos deja un buen sabor de boca, para subir mas las revoluciones con la desenfrenada "La Noche". Adictiva como ella misma, empuja y no deja de empujar. Podemos también disfrutar buenos y pequeños diálogos entre el bajo y la bateria. Ángel Muñoz "El Reverendo" toca el hammond en el gran blues "Maldita Mujer" y pone un poco de "calma" al final de un disco con tanto Rock and roll.

"Hay Poco Rock And Roll" vendió 50.000 unidades y por consiguiente llegó al Disco de Oro. Este trabajo es la respuesta a las críticas que algunos hicieron por el sonido más fino, volviendo a sonar más directo. En palabras del propio Fito Cabrales: "más distorsión y menos reverb". Se convirtió en el disco mas representativo de Platero Y Tu, y uno de sus trabajos con mas "feeling", ayudado también su portada con una graciosa ilustración con los integrantes del grupo caracterizados al estilo "Donde esta Wally?" en medio de una fiesta. Este descomunal éxito generó la famosisima gira con Extremoduro entre 1995 y 1996, llevándolos a publicar el doble llamado "A Pelo" (1996). Platero y Extremo eran los grupos españoles del momento y vivían su momento de gloria. A raíz de ello no era extraño que Robe comenzara a fijarse en Uoho para incluirlo en Extremoduro. En 1997 comenzaban a verse signos de resquebrajamiento entre los integrantes de la banda. Fito empieza a ensayar y a trabajar con su otro grupo Fito y Los Fitipaldis, mientras que Iñaki parece estar más pendiente de Extremoduro que de su propia banda. Pese a todo, acallan los rumores de separación con la salida de "7" (1997). La banda sufriria un parate, pero no una definitiva disolución hasta el año 2000, cuando sale su último trabajo de estudio "Correos". Grabado en "La Casa de Iñaki", y de nuevo con la colaboración de Robe en "Humo de mis pies". Durante la gira de presentación, sale a la venta el excluyente trabajo "Poesía Básica" bajo el nombre de Extrechinato y Tú, proyecto que Fito y Uoho habían ideado junto a Robe y el poeta salamantino Manolo Chinato cinco años antes de su lanzamiento. En agosto de 2001, dan uno de sus últimos conciertos como Platero Y Tú en fiestas de Bilbao con el grupo Marea de teloneros. En 2002 Fito ofreció una entrevista ante la prensa en la que confirmó que abandonaba Platero Y Tú, y como consecuencia, se disuelve definitivamente la banda. Actualmente Fito sigue en actividad con Fito & Fitipaldis dejando buenos trabajos en el camino, mas orientados al pop/rock y alguna que otra gira latinoamericana junto a Andrés Calamaro. Mongol y Maguila forman La Gripe, grupo que hasta ahora ha editado dos trabajos de estudio. Por su parte Iñaki Uoho Antón pasa a formar parte de Extremoduro definitivamente, alternándolo con su labor como productor de muchos otros grupos. Luego de un gran parate de Extremoduro, retoma un viejo proyecto iniciado en 2007: la banda "Inconscientes". Así y todo el espíritu rocanrolero de Platero Y Tu sigue intacto y sus fans aun aguardan con sus "cabezas calientes", soñando con una posible reunión de la banda.



Lista de Temas: 

1. Somos los Platero (pa' lo bueno y pa' lo malo)
2. Hay poco Rock & Roll
3. Por fin...!!
4. Tenemos que entrar
5. Si la tocas otra vez
6. Juliette
7. La vecina
8. Bebiendo del mismo vaso
9. La noche
10. Maldita mujer


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viernes, 28 de septiembre de 2018

Stevie Wonder - Songs In The Key Of Life (1976)


Si se intenta abordar toda la obra del maravilloso genio de Stevie Wonder, seguramente es inevitable caer de bruces ante quizás el mejor álbum de su carrera, estamos hablado por supuesto del vital (valga la redundancia) "Songs In The Key Of Life". Decimoctavo disco y quinto y último de la serie de los "gloriosos cinco" trabajos de Stevie, de su llamada "época clásica". Lo antecedieron "Music Of My Mind" (1972), "Talking Book" (1972), "Innervisions" (1973) y "Fulfillingness' First Finale" (1974). Wonder tardo un poco mas de lo que duran dos largos años en publicar este trabajo. El niño prodigio de la legendaria Motown tenia alrededor de 200 canciones preparadas para este ambicioso álbum por lo que el sello decidió publicar un doble LP acompañado de un EP "A Something's Extra", con cuatro canciones adicionales. Por cierto, por aquella época Stevie venia de realizar una gira con los Rolling Stones y había renovado con el sello por siete años y 13 millones de dólares. Este contrato suponía la cantidad más importante de la historia de la música en aquel momento. Una colorida anécdota recuerda que ante la impaciencia de la discográfica en las sesiones finales del disco, Stevie y gran parte de los 130 músicos que colaboraron, trabajaban con unas remeras impresas con el mas que apropiado lema : "We´re almost finished" ( "ya casi terminamos"). Por todo lo demás... que podemos decir de esta joya del mundo contemporáneo?. Aquel oyente que quiera sintonizar con en esta "clave de la vida" estará transitando un viaje musical pocas veces recorrido. Estilos que van desde el blues y el R&B con su habitual raíz de soul y funk, pasando por el pop, el rock el afrobeat, la música clásica, el jazz fusión, orquestal y experimental. Una vez mas introduciendo la electrónica en sus teclados respaldado por equipamiento como sintetizadores moog, melotrones y mucho mas. El titulo del trabajo se cuenta que le vino a Wonder en un sueño, como una suerte de epifanía, que sin duda abarca una buena cantidad de canciones que reflejan experiencias de vida, como así también una inteligente lectura del paisaje de la cultura negra americana y la conquista de sus derechos, juntas en favor de la utopía. La forma de grabación del álbum era extraordinaria. A menudo Wonder se encerraba en el estudio durante 48 horas ininterrumpidas sin comer ni dormir, mientras que todos alrededor luchaban por seguirle su paso. Decía: "Si las cosas comienzan a fluir, sigo hasta llegar a su punto máximo". Había comenzado a grabar solo, luego convocó a los músicos, que en los créditos finales, llegaron a ser 130. El tecladista Greg Phillinganes, al respecto dijo: "la banda estaba disponible en todo momento, y si él estaba copado con algo, te llamaba y simplemente tenias que ir. Podian ser las 3 de la mañana, pero siempre era bárbaro cuando llegabas allí".

"El niño prodigio de la Motown" (Tamla - Motown) había nacido el 13 de mayo de 1950, con el nombre de Stevland Hardaway Morris, en Saginaw, estado de Michigan. Por su nacimiento prematuro (siete semanas antes) no desarrolló las retinas, quedando ciego. Era el tercero de seis hermanos y a los cuatro años, su madre dejó a su padre y se trasladó a Detroit con sus hijos adoptando de nuevo su apellido de soltera y cambiando a Morris el de sus hijos. El pequeño Stevie ya de temprano aprendió a ejecutar varios instrumentos, destacándose en el piano, la batería, el bajo y la armónica. En su niñez también sobresalió en el coro de su iglesia. En 1961 a los 11 años canto "Lonely Boy", una canción de su autoría, a Ronnie White de la agrupación The Miracles, quien de inmediato lleva al niño y a su madre a una audición para el sello Motown donde el director ejecutivo Berry Gordy  lo designó a la etiqueta de Motown, Tamla. Ya al momento de firmar contrato Wonder tenia el sobrenombre "Little Stevie Wonder" apodado por el productor Clarence Paul. Al no ser mayor de edad, este primer contrato seria de cinco años en el que las regalías se mantendrían en fideicomiso hasta que Wonder tuviera 21 años. Fue así que el pequeño Stevie fue puesto bajo la tutela del productor y compositor Clarence Paul. Durante un año trabajaron juntos en dos álbumes. "Tribute To Uncle Ray" se grabó primero, cuando Wonder todavía tenía 11 años. Principalmente versiones de las canciones de Ray Charles, el álbum incluía una composición de Wonder y Clarence, "Sunset". Luego se grabó "Jazz Soul of Little Stevie", un trabajo instrumental compuesto principalmente por las composiciones de Clarence, dos de las cuales, "Wondering" y "Session Number 112", fueron co-escritas con el pequeño Stevie. Entrado el año 1962, con 12 años, se une a la "Motortown Revue" recorriendo el "circuito chitlin" de teatros en todo Estados Unidos que aceptaba artistas negros. En una de esas actuaciones en Chicago su presentación de 20 minutos, fue grabada y lanzada en mayo de 1963 como su primer álbum en vivo: "Recorded Live: The 12 Year Old Genius". De esa presentación se extrae el simple "Fingertips", que capta a un eufórico "pequeño Stevie" que regresa para un bis espontáneo que capta al bajista de reemplazo, al que se le escucha gritar: "¿Qué clave? ¿Qué clave?", fue un éxito número 1 en el Billboard Hot 100 cuando Wonder tenía 13 años, lo que lo convierte en el artista más joven en llegar a la cima del ranking. Sus siguientes grabaciones no alcanzaron un gran éxito, su voz estaba cambiando a medida que crecía, y algunos ejecutivos de la Motown estaban considerando cancelar su contrato de grabación. En 1964 Stevie tuvo algunas apariciones en películas y Sylvia Moy persuadió al dueño de la etiqueta,  para darle a Wonder otra oportunidad. A mediados de los 60´s, Wonder obtuvo algunos laureles con canciones como, "With a Child's Heart" y "Blowin 'In the Wind" de Bob Dylan, co-cantada con su mentor, el productor Paul. También comenzó a trabajar en el departamento de composición de Motown, componiendo canciones para él y sus compañeros de sello, incluyendo "The Tears of a Clown", un éxito número 1 para Smokey Robinson y The Miracles. En 1968 grabó un álbum de canciones instrumentales de soul / jazz, principalmente con solos de armónica, bajo el título "Eivets Rednow" (Si!, es "Stevie Wonder" deletreado al revés). El álbum no recibió mucha atención, sin embargo, logró anotar varios éxitos entre 1968 y 1970, tales como "I Was Made to Love Her", "For Once in My Life", "My Cherie Amour" o "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours", esta ultima fue su primera "autoproducida". Arrancada la década de los 70, con 20 años, Wonder se casa con Syreeta Wright, compositora y ex secretaria de la Motown quien le ayudaría con las letras de "Where I'm Coming From", un disco con composiciones mas comprometidas con las problemáticas globales. El álbum en cuestión, tuvo la mala suerte de salir casi al mismo tiempo del magistral "What's Going On" de otra estrella de la Motown: Marvin Gaye, quien también fue muy abarcativo en cuestiones de problemáticas de esa índole. "Where I Coming From" fue opacado por la placa de Gaye. Algunos críticos daban razones como que el disco de Wonder carecía de "unidad y flujo" entre otras cosas. Así y todo la carrera de Stevie comenzaba a ir cuesta arriba ya que comenzaria por entonces su tan aclamada "época clásica". Conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, concediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos, dentro de una compañía tan férrea como era la Motown, la cual le firmaría este nuevo contrato de 120 paginas y asi daria a luz en 1972 a "Music Of My Mind". Esta vez había un hilo conductor mas coherente en su obra. Estas nuevas letras trataban temas sociales, políticos y místicos, así como temas románticos estándar, mientras que musicalmente comenzó a explorar la sobregrabación y la grabación de la mayoría de las partes instrumentales por sí mismo. Por otro lado comenzaría a darle importancia técnica a sus instrumentos (por supuesto y sobretodo con los sintetizadores) gracias al inicio de su larga colaboración junto a la Tonto's Expanding Head Band compuesta por Malcolm Cecil y Robert Margouleff. Con ellos graba hasta "Fulfillingness' First Finale" de 1974 y solo volvería en los 90´s para incluirlos en dos discos mas. A fines de ese mismo año sale a la venta el importante "Talking Book" que daría al artista dos números uno: primero "Superstition" y luego "You Are the Sunshine Of My Life". A raíz de este éxito comienza sus giras con los Rolling Stones. En 1973 "Innervisions" propone otro contundente puñado de composiciones de alto nivel, como la inspiradisima e introspectiva "Visions" o grandes sucesos como "Higher Ground" y la ácida "Living For The City". "Innervisions" ganó tres premios Grammy, incluido álbum del año. El 6 de agosto de 1973, Wonder sufrió un grave accidente automovilístico mientras estaba de gira en Carolina del Norte, cuando un automóvil en el que viajaba chocó contra la parte trasera de un camión. Esto lo dejó en estado de coma durante cuatro días y resultó en una pérdida parcial de su sentido del olfato y pérdida temporal del sentido del gusto. Sinembargo pudo reponerse y en 1974 se embarca en una gira por Europa y al finalizar la misma toca en un concierto con entradas agotadas en el Madison Square Garden, en marzo de 1974. Unos meses luego estaba listo "Fulfillingness 'First Finale" (quizás el menos conocido de esta época, pero no por eso hay que restarle méritos) con éxitos excluyentes como "You Have Not Done Nothin'" (una herida cortante para el presidente Nixon)  y "Boogie On Reggae Woman". El disco una vez mas logra un premio Grammy. Ese mismo año Stevie participa de una conocida "Jam Session", en Los Ángeles, con nombres un tanto importantes en la historia del rock: John Lennon y Paul McCartney, para el pirata "A TOOT AND A SNORE IN ´74". Wonder tenía contrato con la etiqueta (Tamla) de Gordy desde que tenía solo 11 años. Ahora, un adulto seguro de sí mismo con una cadena constante de éxitos que se remonta a una década, comenzó a arrastrar un malestar en la llamada "cuarta crisis de la vida". La superestrella comenzó a discutirse abiertamente la idea de renunciar a la industria de la música y mudarse a Ghana, donde creía que se podía rastrear su linaje ancestral. Allí, él planeó dedicar su considerable energía a ayudar a niños discapacitados y otras causas humanitarias. Las túnicas "dashiki" de colores brillantes reemplazaron sus trajes "mod" estándar estilo de Motown, una expresión exterior de los cambios que sentía dentro.

En este marco se gestó "Songs In The Key Of Life". Con un Stevie en la cima de las listas, en el punto máximo de su carrera artística y con su público hyper-ansioso, al borde de la locura, a la espera de su nuevo álbum. Con su contrato anterior ahora finiquitado, el músico estaba ganando interés de otras compañías discográficas que querían ficharlo. Stevie utilizó esta influencia para enfrentarse cara a cara con el fundador de la Motown, Berry Gordy, para subir la apuesta. Un hombre de negocios inteligente y astuto, en 1975, Wonder negoció un contrato sin precedentes de siete años, siete álbumes con control artístico completo, firmando por $ 13 millones de dólares (con la oportunidad de recaudar hasta $ 37 millones si entregaba más que un mínimo de álbum por año), 20 por ciento de regalías, y control total de su publicación. El asombroso contrato fue el más alto de todos los contratos de grabación de la época. De entrada fue anunciado como un álbum doble con una fecha de lanzamiento inicial para octubre de 1975, "Songs In The Key Of Life" fue posiblemente el álbum más esperado de los años '70s.

"Love's In Need of Love Today" es la canción soul por excelencia del disco. Se destaca el exhaustivo trabajo vocal tanto de Wonder como del numeroso coro, con la facilidades que el género soul brinda para que las voces jueguen y se luzcan al máximo. De mas esta decir que es una oda al optimismo, una canción que debería de ser escuchada todos los días, al comienzo del dia. Un mensaje tan simple y tan puro, la necesidad de brindar amor sin esperar a recibir nada a cambio y así detener al odio y al mal reinante, solo así, solo dentro nuestro estará el poder para detener tal fuerza negativa. "Have A Talk With God" una buena muestra de la sintonía del músico con esta "clave de la vida". Simplemente invita a tener una charla con Dios y por otro lado nos persuade de que "El" es "el único psiquiatra gratuito mas conocido de todo el mundo". Un funk con coros determinantes marcado por una hamaca o una silla mecedora rechinante, le dan ese costado tan original. Es en "Village Ghetto Land" donde Wonder se mete por primera vez en este trabajo el tema de las problemáticas sociales. La canción es pura música clásica pasada por sintetizadores, solo con su voz. Paradójicamente con la belleza de la melodía, Wonder describe a este lugar ficticio que bien podría ser su barrio, con una escena de dolor, corrupción , pobreza y muerte. Un paisaje apocalíptico. Bastará con escuchar las desalentadoras imágenes: "vidrios rotos en todas partes... es una escena sangrienta. Mata la plaga a los ciudadanos... los niños juegan con autos oxidados. Las úlceras le cubren las manos. Los políticos ríen y beben, borrachos a todas las demandas... Las familias compran comida para perros ahora. El hambre vaga por las calles. Los bebés mueren antes de nacer, infectados por el dolor." "Contusion" es un instrumental que corta con un exquisito "jazz rock", es una excelentísima antesala para otro monumental jazz, pero esta vez orquestado y tentadoramente bailable: "Sir Duke". Con bombásticos arreglos de bronces, un debido homenaje a las influencias musicales de Wonder, entre ellos Glenn Miller, Count Basie, Louis Armstrong, la gran Ella Fitzgerald y por supuesto el "rey de todos", Duke Ellington. El cautivante "Funk-soul" de "I Wish" fue el simple promocional del álbum, con "You and I" como cara B. Compuesta por un cumulo de nostalgias del músico de su niñez, cuando era la estrella infantil del sello, que le había servido efectivamente como una escuela gramatical. Particularmente remite a una tarde de diversión en un picnic organizado por el sello, que provocó una ola de nostalgia que le hizo componerla a esta, entre otras mas.
La hermana de Stevie, Renee Hardaway, aparece como invitada con un grito despectivo hacia su hermano: "You Nasty Boy!!" ("repugnante chico!!") .

"Pastime Paradise" es el tema mas popular y el mas recordado de todo el album. Al igual que en "Village Ghetto Land" el músico utilizó un arma secreta: un sintetizador analógico de última generación, el Yamaha GX-1. El enorme instrumento tenía tres teclados, pedales de pie de varias octavas, controlador de cinta, una galaxia de botones para memorizar sonidos y modular tonos, e incluso un banquito incorporado. "Podría albergar a una familia de ocho personas", comentó por entonces graciosamente el tecladista Phillinganes. Junto con el tamaño gigantesco vino un costo colosal. El GX-1 al por menor valía $ 60,000 (o $ 320,000 ajustados por la inflación). Diseñado como un prototipo para futuros sintetizadores de consumo, solo se fabricaron unos pocos, y mucho menos se vendieron. La mayoría aterrizó en manos de los pesos pesados de la industria como Keith Emerson de las leyendas del rock progresivo Emerson, Lake y Palmer, John Paul Jones de Led Zeppelin y el compositor de ABBA Benny Andersson. Wonder compró dos. El GX-1 tenía mucho para amoldarse a las necesidades del multiinstrumentista. Las muestras de instrumentos realistas (por el momento) le permitieron colocar capas orquestales complejas sin ayuda de nadie. Y a diferencia de otros sintetizadores disponibles en esa época, era polifónico, lo que le permitía tocar varias teclas a la vez y crear pistas de acompañamiento exuberantes en una fracción de tiempo. Stevie apodó al gigante metálico "The Dream Machine" ("La Máquina de Sueños"). "Pastime Paradise" comienza con un loop en fuga citando las primeras ocho notas del "Preludio N° 2 en Do Menor" de Johann Sebastian Bach. La ansiosa frase instrumental se vuelve aún más desorientante con el sonido de un gong hacia atrás que anticipa el canto de Hare Krishnas que se escucha en el desvanecimiento. Los devotos fueron sacados de la calle en una ráfaga de creatividad de improviso. Con respecto a este acto repentino, el ingeniero y productor, Gary Olazabal, quien los había reunido en el Hollywood Boulevard para la grabación, recordaba: "Habíamos decidido que sería genial tenerlos en la canción, así que fue y habló con un montón de esas personas e hizo arreglos para que vinieran al estudio". Crystal Studios estaba ubicado en el lado este de Hollywood, no muy lejos de la sede local. "Caminaron en línea desde la Comunidad de Auto-Realización", agregó Olazabal. "Debe haber habido alrededor de un centenar de ellos, cantando y rezando mientras aparecían y esperaban para tocar en la canción. Pero Stevie nunca apareció. No sabíamos qué hacer, así que los dejamos entrar al estudio. La sala principal no sonaba muy en vivo, pero era muy grande. Bueno, estuvieron allí durante horas, cantando, en realidad no interactuaron mucho de otra manera, y cuando Stevie no apareció, sabíamos que tendrían que caminar todo el camino de regreso y volver otro día ". A pesar de que Wonder no apareció, los Hare Krishna se mantuvieron positivos. "No hubo mucha hostilidad", agregó Olazabal. "Excepto por nosotros. No fue fácil escuchar ese canto durante horas y horas". "The West Angeles Church of God Choir" se mezcló con el coro, interpretando una versión del himno de los derechos civiles "We Shall Overcome" que entraba y salía de los conjuros de Krishna. La mezcla de conciencia superior y conciencia social, lo eterno y lo urgente, dio voz a los sueños arremolinados en el interior del joven maestro con su "Pastime Paradise" y además sintetiza un gran final multicultural. La letra es como una parodia a las canciones de protesta , conteniendo un juego de palabras que aparentan estar inconexas entre si , pero en realidad tienen mucho sentido.

El disco dos comienza con la cromática "Isn't She Lovely". No es extraño que en un momento tan creativo y lleno de luz en la vida del artista, haya un retoño de felicidad extra, que fue el nacimiento de su hija Aisha Morris y he aquí su correspondiente canción dedicada.  La irrefrenable alegría paterna de Stevie hace que la canción brille mas de lo que aparenta, encontrando su mejor expresión en su alegre interpretación de armónica. A pesar de que los sonidos reales del parto editados en la introducción de la canción son de otro bebé, se puede escuchar a Aisha riendo y chapoteando alrededor de la bañera, con su padre en el desvanecimiento extendido, con sus gemidos, risas y sollozos de bebé en cinta, muy bien acompañados por un tamborileo, que suenan como gritos de música ritual africana. Ya sea por su consistente estructura o por atreverse hasta a hacer un reclamo acompañado de un recuento histórico, "Black Man", por poco la canción mas extensa del trabajo (8 minutos y medio), es un reflejo de el inmenso momento compositivo y el compromiso con la unión interracial del artista. Este contundente funk de fina instrumentación, sobre todo con sus arreglos de bronces, es una lección de historia del bicentenario de EE.UU. (que se celebraba justo por la época de la grabación) que reúne a personajes clave en el crisol de Norteamérica, con un estribillo mas que contundente: "Es hora de que aprendamos / Este mundo fue hecho para todos los hombres". La letra cita a gran cantidad de personajes históricos, pero prominentemente a Crispus Attucks, considerado el primer mártir de la revolución estadounidense. Fabulosamente, en su tramo final la canción da cátedra por si sola, ya que como si fuese justamente una clase de la materia "historia" utiliza a modo de pregunta y respuesta, terminología basada en colores, (negro, rojo, amarillo, blanco y marrón) para describir diferentes grupos raciales, y aunque este lenguaje se ha vuelto menos aceptable culturalmente, estos términos se mencionan a continuación, como una forma original para la canción en si misma, junto con la actividad para la cual la canción sostiene cada figura histórica famosa. "Ngiculela / Es Una Historia / I Am Singing", cálida balada romántica de tres movimientos. Wonder canta en zulú, español e inglés y sobre todo se luce por supuesto en el movimiento "Estoy cantando" con el máximo poderío de su voz. El talentoso Herbie Hancock se florea con el Fender Rhodes, en un monumento al amor: "As". Stevie canta: "Te amaré siempre / Hasta que el día sea noche y la noche se convierta en el día"  entre otras imágenes de mero surrealismo infantil: "Hasta que el arcoíris queme las estrellas en el cielo... Hasta que el océano cubra todas las montañas... Hasta que soñemos con la vida y la vida se convierta en un sueño ... hasta que el delfín vuele y los loros vivan en el mar ". Con insistencia, este patrón coral se va repitiendo a lo largo de la canción, al igual que en los tracks extensos del disco, como por ejemplo "Another Star" (pero con un tarareo femenino). Quizás por eso nos resulten cercano a la monotonía, pero los trabajos de voces finisimos y extraordinariamente variados de Wonder y su coro, nos rescatan sin dudarlo de caer en el aburrimiento.

Con "Saturn" inicia "A Something's Extra", el Ep bonus. De las composiciones mas serias y erizantes de Wonder. Al igual que "I Wish", nació de una imagen en retrospectiva. El titulo fue originalmente "Saginaw", el lugar de nacimiento del músico en Michigan, y es un homenaje a su hogar, como un "Georgia On My Mind" de Charles (que en realidad el estado lo adoptó como propio ya que estaba dedicado a la hermana de Ray, de ese mismo nombre) o un "Goin 'Back to Indiana" de los Jackson 5, pero la canción se trasladó al espacio cuando el co-escritor, el guitarrista Mike Sambello, malinterpretó el título como el planeta anillado. Aquí Stevie introduce un elemento utópico. Eso de anhelar y "hablar" desde un planeta que no es la tierra, sin contaminación ambiental, sin guerras y con paz. En medio hay imágenes surreales y alguna que otra verdad indiscutible desde la ciencia: "Hemos venido aquí muchas veces antes, para encontrar que tu estrategia para la paz es la guerra. Matando a hombres, mujeres y niños indefensos. Que ni siquiera saben por qué están muriendo. No podemos confiar en ti cuando tomas una posición con un arma y una biblia en tus manos, y con una expresión fría en tu rostro, diciéndonos, danos lo que queremos o te destruiremos. Estoy... Volviendo a Saturno donde los anillos brillan. Arco iris, rayos de luna y nieve naranja. En Saturno, la gente vive doscientos cinco años. Volviendo a Saturno donde la gente sonríe. No necesitamos automóviles porque hemos aprendido a volar...". La intensa "All Day Sucker" propone ponernos a calentar los pies con un groove extraído de la mismísima pista de baile, para a dar paso a un final instrumental con la armónica reflexiva del propio Stevie en, "Easy Goin' Evening (My Mama's Call)".

Una vez completada la grabación básica, Stevie Wonder insistió en volver a mezclar las pistas en una serie ilimitada de configuraciones. "Fue una maratón, y en ocasiones nos preguntamos si alguna vez terminaría", recordó Olazábal. "Teníamos camisetas con el lema 'Are We finished Yet?' ('¿Ya hemos terminado?') impreso en ellas, y otras con 'Let's Mix' Contusion 'Again' ('Mezclemos Contusion otra vez'). Sin exagerar, debemos haber mezclado esa pista al menos 30 veces. Se convirtió en parte de la broma de nuestras vidas". Wonder llevó estas camisetas a la sede de la Motown para burlar a los ejecutivos sumamente estresados, que nunca esperaron tanto por un producto. "Nadie pensó que este proyecto continuaría tanto como lo hizo", confirma el ingeniero de sonido, Fischbach. Los plazos venían y venían con poca preocupación por parte del artista, ya que el sello se conformaba con más de un millón de pedidos anticipados de un álbum que técnicamente no existía. Tras dos años en proceso, el lanzamiento inminente del álbum fue anunciado varias veces, y cada vez fue retirado para ser regateado, retrabajado, ampliado y chismeado hasta su lanzamiento finalmente, el 28 de septiembre de 1976. La portada del álbum, muestra la imagen de Wonder hundiéndose en un vórtice de lo que se asemeja a un papel crepé anaranjado, completo con libreto de letras con innumerables y curiosos agradecimientos, desde su madre y su padre, hasta vendedores de racks y azafatas, incluyendo una lista alfabética de más de 150 nombres, desde Abdul Jabbar hasta Frank Zappa. El álbum tuvo su presentación en el paraíso pastoral de Long View Farm en la zona rural de North Brookfield, Massachusetts. Long View Farm era un terreno ecuestre de 143 acres que recientemente había sido renovado para incluir un estudio de talla mundial (utilizado por los Rolling Stones, Cat Stevens, Aerosmith y J. Geils Band, entre muchos otros). Los invitados fueron agasajados con comidas copiosas de carne asada, pastel y más champaña, mientras esperaban que Wonder hiciera su entrada. Llegó resplandeciente con un llamativo atuendo de vaquero, completo con un sombrero de 10 galones, flecos de cuero y una pistolera adornada con las palabras "Number One With A Bullet" ("Número uno con una bala"). Toda la gala le costó a la Motown más de $ 30,000. "Vamos a ver lo que está pasando", anunció mientras tocaba en la máquina de cintas de carrete (The Dream Machine), liberando la música que se había estado gestando en el estudio, y en su alma, durante tanto tiempo guardada. El disco salió de un cañonazo directo hacia la cima de las listas, se convirtió en el tercer álbum de la historia en debutar como "Numero Uno", permaneciendo allí durante 14 semanas y fue galardonado con 4 premios Grammy. Fue el álbum con más semanas en el número uno durante el año. En esas once semanas, "Songs In The Key Of Life" logró desplazar a otros cuatro álbumes para llegar a la cima de los rankings. En orden: "Silk Degrees" de Boz Scaggs, "Spirit" de Earth, Wind & Fire, la banda sonora de Led Zeppelin para la película "The Song Remains The Same" y "A Night On The Town" de Rod Stewart. Entre subidas y bajadas, al año siguiente, en 1977 se convirtió en el segundo álbum más vendido en los EE.UU. solo detrás del éxito colosal de Fleetwood Mac, "Rumours" y fue certificado como álbum de diamantes por la RIAA, por ventas de 10 millones de unidades solo en ese país. Su legado e influencia es innegable en reconocidos artistas, sobre todo del ambiente de la música Pop. Citado como favorito por figuras como Prince, Whitney Houston, Michael Jackson y Mariah Carey. La importancia del álbum incluso ha sido reconocida por los heavy metal, con el cantante Phil Anselmo de Pantera describiendo un show en vivo de "Songs In The Key Of Life" como "un milagro viviente, respirando". Por otro lado "Pastime Paradise" vio su renacimiento y correspondiente aggiornamiento a mediados de los 90´s, cuando los raperos Coolio y L.V. utilizan una base sampleada de la misma, a la que bautizaron "Gangsta's Paradise" para la película de 1995 "Dangerous Minds". Coolio ganó un premio Grammy por mejor actuación de rap en solitario por esta canción. En diciembre de 2013, Wonder realizó un concierto en vivo de todo el álbum "Songs In The Key Of Life" en el Nokia Theatre de Los Ángeles. El evento fue su décimo octavo concierto anual para House of Toys Benefit, y contó con algunos de los cantantes y músicos originales del doble álbum de 1976, así como con varios de la escena contemporánea. En noviembre de 2014, Stevie Wonder comenzó a interpretar todo el álbum en una serie de fechas de conciertos en los Estados Unidos y Canadá. El inicio de la gira coincidió con el 38 ° aniversario del lanzamiento de este tan querido album.



Lista de Temas:


Disco uno:

1. Love's in Need of Love Today
2. Have a Talk with God
3. Village Ghetto Land
4. Contusion
5. Sir Duke
6. I Wish
7. Knocks Me Off My Feet
8. Pastime Paradise
9. Summer Soft
10. Ordinary Pain

Disco dos:

1. Isn't She Lovely
2. Joy Inside My Tears
3. Black Man
4. Ngiculela - Es Una Historia - I Am Singing
5. If It's Magic
6. As
7. Another Star
8. Saturn
9. Ebony Eyes
10. All Day Sucker
11. Easy Goin' Evening (My Mama's Call)


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viernes, 20 de julio de 2018

Budgie - Never Turn Your Back On A Friend (1973)


"Nunca le des la espalda a un amigo" es el mas que acertado titulo del bien logrado tercer trabajo de los galeses Budgie. Banda infravalorada por demás, pero bien considerada de culto y precursora del heavy metal, del hard rock y del metal progresivo y por que no con una sorpresiva faceta stoner que indefectiblemente ayudo a impulsar a el denominado "NWOBHM" (New Wave Of British Heavy Metal: Nueva Ola De Heavy Metal Británico). Su influencia fue determinante para grandes y mas bien disímiles bandas de la talla de Iron Maiden, Soundgarden, Judas Priest o Metallica, estos últimos versionaron la arrasadora "Breadfan" en 1988. Y es inevitable resaltar la obvia similitud con los canadienses Rush, ya sea por los elementos progresivos en su música, alternando la suavidad de algunos pasajes de las canciones, y por supuesto la colorida tonalidad de la voz de Geddy Lee con la de Burke Shelley, el parecido físico entre ambos o también el hecho de tener la misma estructura en su alineación, coincidiendo en ser un poderoso "power trío" con un bajista como cantante. "Never Turn Your Back On A Friend " fue su tercer LP de gran trascendencia y buena recepción por parte de la exigente crítica de aquel momento. El larga duración registró canciones que quedaron sin ninguna duda impresas en la historia del rock para la toda la eternidad y que hoy ya son leyenda, por ejemplo dos de las mas populares del album, "Breadfan" y "Parents". Lamentablemente acabaría siendo el último álbum con el baterista original Ray Philips.

Los comienzos de la banda remiten al año 1967 en la localidad de Cardiff, con Burke Shelley (bajo y voz), Ray Phillips (batería), Tony Bourge (guitarra y voces) y Brian Goddard (guitarra). Por aquel entonces su nombre era Hills Contemporary Grass y luego cambian a Six Ton Budgie. Con el abandono de Goddard en 1968 y debido a la imposibilidad de la banda para encontrar discográfica, el nombre para el naciente power trío se reduciría a simplemente Budgie (periquito). Sin embargo en la perseverancia esta la clave, y en 1971 logran registrar su flamante primer long play bautizado simplemente "Budgie". Un disco con memorables canciones, con un fuerte hard rock orientado al blues, algo mas que  novedoso para entonces marcando los cimientos del heavy metal con costados de prog rock. Podremos vislumbrar contundentes e introspectivos temas como "Nude Disintegrating Parachutist Woman" y "Homicidal Suicidal", esta ultima versionada alguna vez por Soundgarden, o buenas baladas como la minimalista "Everything in my heart" o "You and I". Las pretensiones de Budgie se expandirán al año siguiente con su segundo trabajo "Squawk", aplicando aun mas pasajes experimentales. También seguiría la formula de ofrecer un sobresaliente hard rock como "Whiskey River", "Rocking Man" junto a la pegadiza y cambiante "Hot as a Docker's Armpit" o con baladas erizantes como "Make Me Happy". Para mediados de 1973 ya la banda estaba cosechando una buena cantidad de fans, (la cantidad que una banda de culto suele reunir) y se vería un gran mayor incremento aun, cuando en junio de ese año sale a la venta "Never Turn Your Back On A Friend" el disco mas aclamado por la critica hasta entonces. Ese reconocimiento era de esperarse, el power trío estaba aceitado. Estaba todo listo, era un gran momento para que la característica Gibson SG de Tony Bourge, sumamente influenciada por una escuela jazzera, pusiera sus inolvidables pinceladas. Mas que grato le resultaría, al tener ese solido sostén rítmico de los riffs del bajo fender de Shelley, que supo estar a la altura de las melodías mas austeras del propio Bourge, y por supuesto, de las firmes baquetas heavy blues de Ray Philips.

Pocos discos tienen la suerte de abrir con tan sublime y arrasadora canción como lo es sin ninguna duda "Breadfan". Irrumpe con un riff potentísimo e hipnótico a la vez, se convertiría en cita obligada para sus shows en vivo y no tardaría en ser un clásico de Budgie. "Breadfan" captura el espíritu de lo que en un principio deseaba expresar la banda: un sonido a tono de lo mas "heavy" que se pueda conseguir, con partes mas tenues. Es por eso llegando a los 3 minutos podremos disfrutar de un segmento acústico con guitarra clásica. No debemos restarle valor al significado real de la letra, que ya desde su titulo hace referencia al amor por el dinero, donde el término "bread" (pan) es el argot del dinero. El filo irónico de su principio es mas que sugerente y claro está que critica a esa ambición siempre tan presente en la naturaleza humana: "Breadfan, sácalo todo. Nunca des una pulgada. Tengo que hacer una menta. Tengo que hacer un millón...". Luego en la parte acústica introspectiva, deja bien claro su verdadero cometido: "Perdedor, dalo todo Porque nunca me voy a quedar, porque no lo necesito. ¿No lo sientes en tus venas?... Todo el dinero en este mundo, yo  no lo necesito...". Una toma primaria de la canción contenía un extracto inicial de 17 segundos del  famoso discurso de aceptación del primer ministro británico Winston Churchill hacia la Cámara de los Comunes británica del 13 de mayo de 1940. Citando las palabras en su discurso: "No tengo nada más que ofrecer que sangre, trabajo, lágrimas y sudor". Pero por problemas de derecho de autor, finalmente se opto por excluirla.

La archifamosa "Baby, Please Don't Go" aparece como una acertada versión del cantante y guitarrista de blues Big Joe Williams que por otro lado, es una de las mas reconocidas de la historia del blues mas primario. Ocupa un importante lugar en influyentes solistas como por ejemplo Ted Nugent, John Lee Hooker o el gran Van Morrison quien la versionó como lado B del simple del famosísimo corte "Gloria" junto a su primogénita agrupación Them. Y no  nos debemos olvidar de las versiones de legendarias bandas como AC/DC que la incluyó ni mas ni menos como apertura de su  LP debut de 1975 "High Voltage", como asi también Aerosmith para aquel recordado álbum de covers de 2004 "Honkin' on Bobo". "You Know I'll Always Love You", es la primera de las dos únicas baladas del álbum. Buen acompañamiento de guitarra acústica y la voz de Shelly con rescatables trabajos de falsete. Es un buen preludio de calma para uno de los momentos mas duros del album: "You're The Biggest Thing Since Powdered Milk". Ya desde su poético y hasta gracioso titulo ("Tu eres lo mas grande desde la leche en polvo") nos alerta que nos adentraremos en un gran tema. De cambiante estructura comienza con un interesante solo de bateria, atravesando descarnados gritos de Burke, para que llegando a la mitad de la canción comience un dialogo instrumental pautado por Bourge donde ambos instrumentos al máximo de energía (bajo y bateria) le responden a la perfección. El factor progresivo que Budgie comenzaba a cosechar se hace valer cuando pasados los 5 minutos de la canción , la misma se quiebra , y es ahora el bajo el que marca la pauta, dando vía libre a otra linea vocal a cargo de Bourge, de lo mejor del disco.

Otro momento impregnado del mas puro hard rock, lo brindan los candentes riffs de Bourge en "In the Grip of a Tyrefitter's Hand" que abria la cara B de la edición del vinilo. Una letra que habla sobre las fuerzas perniciosas que manejan a este mundo, con una original forma poética de expresarlo, al emular a estas fuerzas en un "Tyreman", lo que vendría a ser un "colocador de neumáticos" o bien un gomero. Este gomero entonces, en su fuerte agarre (grip) nos tendrá agarrados hasta la muerte: "...Creo que estamos atrapados en un laberinto. Y todo saqueado... Esa sensación que tiende a roerte. Estamos aferrados a un eclipse total. El instalador de neumáticos te tiene... Esta sensación de dolor proviene del hombre en la cima. Su agarre es tan apretado... Su poder político... Él está desangrando tu cerebro... Él te volverá loco... Nadie hace un movimiento... Él te dará un bolígrafo... Pero tiene consigo un arma...". Un pequeño impasse acústico con la muy buen balada "Riding My Nightmare", con fugaces toques folks , podremos apreciar una vez mas los rangos de vocales de Burke en su gran esplendor.

Una de las composiciones mas serias de Budgie, es la apoteosis de este trabajo. Estamos hablando de la épica e inquietante "Parents", que nos propone un juego musical único, con un trabajo determinante de guitarras, la sublime ejecución vocal de Burke y su feliz bajo, con Ray ayudando a encajar la última pieza de esta especie de rompecabezas musical. Es aquí donde se puede apreciar la gran influencia del jazz en el guitarrista con efímeros punteos, sin dejar de ser penetrantes y hasta un efecto de aves que arreglan a la canción de una manera extraordinaria. "Parents" es una semblanza y/o añoranza a la niñez y la adolescencia y por su`puesto un homenaje a los padres, expresada en una  mini-suite de 10 minutos. Burke recuerda como era todo en un principio, y de alguna manera siempre hace hincapié en ese deseo contenido de volver a aquella época: ..."Cuando era pequeño, me decían: No vayas por el mundo jugando, es mala compañía.... Todo lo que tenían era un hijo y fe. Déjalo crecer y déjalo esperar. Solo para encontrar lo que era ser libre... Lávate las manos y sube a la cama. Cuidado con tus modales o estás muerto. Cuidado con los autos porque tienes que ir a la escuela el lunes... Pon tu confianza en Dios, ¿quién es él?... No lo sé... Algo que me dijo mamá un domingo... Tal vez el amor es la vida, pero la vida no es algo que necesite mucho Oh, desearía nunca haber vivido ese día. Ahora no hay nadie cerca de mí... dime qué hacer y cómo... Llévame, déjame cantar mis preocupaciones... Oh, ese camino sigue ahí.... Regresa, vuelve!!".

Al año siguiente de "Never Turn Your Back On a Friend", la bateria de Ray Phillips se retira del grupo e ingresa la de Pete Boot, para la grabación del álbum "In for the Kill". Album que reaviva mas aun la eterna llama "hard rock" de la banda sin perder elementos progresivos, que tan bien le sientan. Allí se destacan canciones como "Zoom Club", "Crash Course in Brain Surgery", la misma es conocida por formar parte del E.P. de Metallica "The $5.98 E.P.: Garage Days Re-Revisited", o el homónimo "In for The Kill" , versionada en sus inicios por Van Halen. Desafortunadamente a este nuevo baterista, Pete Boot, le diagnosticaron mal de parkinson, lo que daría paso a Steve Williams quien seguiría hasta el dia de hoy. En 1975 grabaron "Bandolier", continuando la linea de su antecesor y acentuándose en pasajes instrumentales con temas valiosos como "Napoleon Bona-part I & II" y "I Can't See My Feelings", esta ultima  sería interpretada por los míticos Iron Maiden. Con esta nueva formación la banda registraría dos álbumes mas, de importante calibre: "If I Were Brittania I'd Waive the Rules" (1976) e "Impeckable" (1978)", con un formato de rock mas directo. En 1978, 2/4 de la formación de Budgie veria como la importantísima pieza Tony Burge los abandonaba. Esto suponía una herida mortal para Budgie, sin embargo John Thomas llega para tomar el puesto de guitarrista y en 1980 sale a la venta "Power Supply" que en pleno auge del "NWOBHM" (que ellos mismos habían impulsado en sus inicios), no hace mas que confirmar el nuevo cambio de rumbo de la banda hacia un total heavy metal. En 1981 sale a la venta "Nightflight", disco que marcaría el comienzo del camino de un sendero mas "pop" y/o "new wave" por donde transitaba Budgie, que terminaría en 1982 con el aceptable "Deliver Us From Evil". Ultimo trabajo bajo una importante discográfica, la RCA, dejando en ese camino grandes canciones como "I Turned to Stone", "Hold on to Love" o "Bored with Russia". A partir de esos tempranos años 80, la banda hace un gigantesco parate en lo que concierne a la actividad en estudio. Sinembargo continuarán participando en  multitudinarios festivales como el "Reading Rock Festival" de 1980 junto a UFO, Whitesnake y Iron Maiden y de soporte para la primer gira como solista del "Príncipe de las tinieblas", Ozzy Osbourne, en la "Blizzard of Ozz Tour" de 1982. La banda continuaría dando shows durante gran parte de la década de los 80 , hasta el año 1988. Luego de 24 años sin entrar a un estudio de grabación, en 2006 Budgie publica el álbum "You're All Living in Cuckooland" con el guitarrista Simon Lees, un año después él se retira y el guitarrista de Dio, Craig Goldy se une como músico de giras, hasta 2010, año en el que la banda decide suspender su actividad luego de que Shelley tuviera que ser internado para operar un aneurisma, impidiéndole poder tocar el bajo y cantar al mismo tiempo. Por su parte el guitarrista Tony Bourge decide formar la banda de heavy metal Tredegar junto a su ex-compañero de Budgie, el baterista Ray Phillips, lanzando un álbum en 1986. Dos años despues Bourge se retira de la música y Tredegar permanece activo hasta 1991, tiempo en el que Ray Phillips disuelve la banda y resucita a el embrión de Budgie, Six Ton Budgie junto a su hijo Justin Phillips y el ex-bajista de Tredegar, Tom Prince.

La edición de este álbum de Budgie es la remasterizada de el año 2004 con tres bonus tracks: un "Breadfan" registrado durante los ensayos de una gira de 2003, una versión acústica de "Parents" registrada en 2004 por Shelley y Bourge y otra versión de la misma registrada durante el programa de la BBC TV,  Old Grey Whisltle Test, en 1975. La versión en CD contiene un video de dicha presentación. Tras haber diseñado el arte de tapa del segundo LP de la banda ,"Squawk", el legendario Roger Dean, una vez mas impuso su arte. No volvería a trabajar con Budgie sino hasta 1996 con la antología "An Ecstasy of Fumbling - The Definitive Anthology". En 2013 Tony Bourge regresa sorpresivamente publicando un álbum de estudio llamado "Crank It Up", enfocado hacia sus tempranas influencias en el blues y el Rock n' Roll .



Lista de Temas:

1. Breadfan
2. Baby, Please Don't Go... (Big Joe Williams)
3. You Know I'll Always Love You
4. You're the Biggest Thing Since Powdered Milk
5. In the Grip of a Tyrefitter's Hand
6. Riding My Nightmare
7. Parents

Bonus Tracks (remasterizado 2004):

8. Breadfan (versión de 2003)
9. Parents (versión acústica 2004)
10. Breadfan (En vivo, 1973)


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jueves, 24 de mayo de 2018

Bob Dylan - Oh Mercy (1989)


Dylan cerraba la década de los 80´s con un regreso mas que significativo, su vigésimo sexto trabajo en estudio "Oh Mercy". Decimos que fue destacable por que  venia de publicar, los años anteriores, trabajos de poca trascendencia y de gran fracaso comercial como "Knocked Out Loaded" (1986) y "Down in the Groove" (1988). El álbum enamoró a la critica de entonces y ubicó al artista en una mejor posición en las listas de éxitos en años. Parte de este regreso al éxito de Bob, se debió a la inteligente elección de hacerse de los servicios de el productor y músico canadiense Daniel Lanois quien tenía una forma innovadora de hacer música, organizando un estudio móvil allá donde le fuese bien al artista y un sello inconfundible, que imprime a las composiciones un tono oscuro y pantanoso. Al estudio móvil lo ubicaron en una especie de mansión victoriana en Nueva Orleans, Luisiana. Utilizaban la mesa de control que se encontraba en la misma habitación que los músicos, sin que hubiese una pantalla que las separase, lo que creaba una atmósfera mucho mas estrecha entre todos los participantes, en el proceso de elaboración del disco. Decía Lanois que: "tenía un tono de casa de citas, pusimos la sala de control en una ciénaga... teníamos musgo por toda la casa y cabezas de lagartijas y cabezas disecadas". Dylan se sintió liberado de horarios por el tono relajado de Lanois. "Daniel estaba disponible para grabar a cualquier hora del día o de la noche”, comentó en una entrevista. Este productor era conocido por sus trabajos con Peter Gabriel en "So" y con U2 en “The Joshua Tree” (Bono fue el de la recomendación a Dylan) y otorgo un "sonido atmosférico y nebuloso", cargado de ecos, según el crítico Stephen Erlweine, similar al conseguido ocho años después en el álbum "Time Out of Mind", en el que ambos volvieron a colaborar. Bob se deshizo de las convencionalidades que le otorgaba grabar con su banda, y confió a Lanois que reclutara a músicos locales, entre los que figuraron los guitarristas Mason Ruffner y Brian Stoltz, el bajista Tony Hall y el baterísta Willie Green. Aun así, la mayor actividad en las grabaciones recayó en tres personas: Dylan, Lanois, y el ingeniero musical Malcolm Burn. Lanois tocó el dobro, varias guitarras e hizo arreglos en algunas canciones, mientras que Durn usó ocasionalmente la pandereta, los teclados y el bajo.

Después de una agotadora gira de dieciocho meses con el gran "Tom Petty & The Heartbreakers", a fines de  1987, Bob Dylan se habia lesionado la mano y durante su recuperación compone varias canciones, entre la cuales se encuentra la que abre "Oh Mercy", la acertada "Political World", una mirada mas aggiornada a aquellos tiempos de un músico pura y exclusivamente de protesta. Según el propio Dylan , la canción fue concebida de forma espontánea, con veinte versos y sin una melodía determinada. También fue la primera en grabarse, Lanois le aporto un inteligente arreglo "funky" a la guitarra de Mason, al que Bob se mostro insatisfecho con el resultado. El productor había tomado las riendas de la canción sin el consentimiento del artista. Dylan recordaría: "La noche anterior habían
seguido trabajando después de que me fuera. Ruffner añadió frases demoledoras sobre el ritmo que yo marcaba con la Telecaster. Mi guitarra había sido eliminada de la mezcla. La canción había sido narcotizada". La letra no es mas que una cruel visión de los tiempos que corren, con un mensaje que puede circular el día de hoy, por ejemplo: "Vivimos en un mundo político, donde el amor no tiene lugar. Vivimos tiempos en que el hombre comete crímenes, y el crimen no tiene cara..." o ..."Vivimos en un mundo político. El que podemos ver y sentir, pero no hay nadie para comprobarlo, todo es una baraja marcada y sabemos que es real... Vivimos en un mundo político, donde la paz no es bienvenida, se le cierra la puerta para que vagabundee algo más. O se la coloca contra la pared".
La temperatura poética de "Where Teardrops Fall" lleva la marca registrada de Dylan. La típica teatral o cinematográfica historia de los amantes dentro de un paisaje que el únicamente sabe crear: "Por ríos de ceguera, enamorados y con cariño, podríamos brindar si nos encontráramos, por el corte de las alambradas... Las rosas son rojas, las violetas azules, el tiempo empieza a arrastrarse. Puede que tenga que ir a verte...donde caen las lágrimas.".  La concepción encierra una anécdota casi trasformada en accidente. Remite a cuando Bob estaba grabando la descartada "Dignity", canción compuesta tras haberse enterado de la muerte de Pete Maravich, leyenda del baloncesto. La grabación estaba reducida a Bob solo con el guitarrista  Brian Stoltz y la bateria de Willie Green, por lo que Lanois sugirió que acompañara la canción con una banda "cajún". Motivado por la curiosidad, Dylan aceptó y regrabó "Dignity", al día siguiente con la "Rockin' Dopsie and His Cajun Band". Tras varias tomas con diferentes tonos y tempos, el y Lanois desistieron y dedicaron la noche a versionar clásicos del country como "Jambalaya" y "There Stands The Glass". Según escribió Dylan en "Chronicles": "En medio de todo aquello, toqué otra canción, "Where Teardrops Fall". Se la enseñé a Dopsie y la grabamos en cinco minutos, sin ensayarla antes. Hacia el final de la canción, John Hart, el saxofonista de Dopsie, interpretó un solo sollozante que me dejó sin resuello. De repente, caí en la cuenta de que me encontraba en el sitio justo, haciendo lo que debo, y de que Lanois era el hombre idóneo para el trabajo".

A la repentina inspiración de Bob durante ese periodo de rehabilitación se sumarían "What Good Am I?", y "Dignity". Una vez mas descontento con el resultado, termino por omitirla de la configuración final, "Dignity" sería interpretada en directo para la MTV y publicada en el correspondiente album "MTV Unplugged" (1995). El mes siguiente su creciente inspiración daria cerca de una veintena de canciones, incluyendo "Disease of Conceit",  "What Was It You Wanted?" y "Everything Is Broken". Esta ultima originalmente llamada "Broken Days"  publicada como primer sencillo promocional del álbum, con "Death Is Not the End" como cara B. Otra mirada a los inciertos tiempos que corren pero de una manera mas personal , muestra el desapego de Dylan hacia su mundo material o no: "Líneas rotas, cuerdas rotas, hilos rotos, muelles rotos, ídolos rotos, cabezas rotas. Gente durmiendo en camas rotas. De nada sirve bailar,  de nada sirve bromear... Todo está roto...". Sin embargo le debemos adjudicar un mensaje de fé y bienaventuranza con "Ring Them Bells", sin dudas pesados vestigios de su época de interés religioso y de su conversión al cristianismo.

"Man in the Long Black Coat" un de las ultimas grabaciones de "Oh Mercy", recuerda las ficciones tipo (y al ritmo) "far west" (al estilo "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts de "Blood On The Tracks"). Dylan crea una suerte de imaginería apocalíptica,  surgida quizás de la inspiración que le provocó ver paisajes de localidades tales como Amelia y Raceland en el estado de Luisiana, tras una excursión con su esposa. De sin igual efecto resulta ser la atmósfera lograda en unos de los mejores momentos del álbum, "Most Of the Time", donde la linea del bajo resalta sobre los demás instrumentos. De por si la letra con sus elocuentes metáforas y comparaciones, imprime una mirada ya experimentada del poeta Dylan. Sobretodo con respecto a las relaciones amorosas: "La mayor parte del tiempo estoy centrado. La mayor parte del tiempo consigo tener los pies sobre la tierra. Puedo seguir el camino, leer las señales, seguir cuando la carretera se endereza, puedo hacer frente a cualquier imprevisto. Ni siquiera advierto que ella se ha ido, la mayor parte del tiempo... la mayor parte del tiempo... No me hago ilusiones hasta volverme loco, ni temo a la confusión por grande que sea. Puedo sonreírle a la humanidad. Ni siquiera recuerdo cómo sentía sus labios sobre los míos. No me engaño, no corro a esconderme de los sentimientos que he enterrado en mi. No hago concesiones, no finjo. Ni siquiera me importa si no la vuelvo a ver... La mayor parte del tiempo...". "What Good Am I?" surge a pesar de ser un punto de discrepancia entre Lanois y Dylan, quien dejo que el productor le brinde su impronta, por cierto muy pausada, y con capas de sonidos, para imprimir su marca. La letra es de corte existencial: "¿De qué sirvo si soy como los demás? ¿Si me doy la vuelta cuando veo cómo vas vestida? ¿Si me encierro en mi mismo para no oírte llorar? ¿De qué sirvo?...¿De qué sirvo si digo tonterías y me río en la cara de lo que trae el pesar, y te doy la espalda mientras mueres en silencio? ¿De qué sirvo?...".

De las letras mas serias "Disease of Conceit" ("La enfermedad de la arrogancia"). Basta con indagar en su mirada omnisciente, para alertar su certera dirección en las estrofas finales: "Hay un montón de gente en apuros esta noche por la enfermedad de la arrogancia. Un montón de gente ve doble esta noche por la enfermedad de la arrogancia. Te provoca delirios de grandeza y mal de ojo. Te hace creer que eres demasiado bueno para morir...". En parte de su autobiografía, muchos al analizarla, coinciden que fue inspirada  por la exprocación de Jimmy Swaggart  predicador pentecostal estadounidense, uno de los pioneros del naciente por entonces, "televangelismo". Con una sacudida similar a "Most Of The Time" y a "What Good Am I?" (pero con una pizca mas de resentimiento), el narrador de "What Was It You Want?", despotrica a esa persona o "amante" la cual no puede alejar de sus recuerdos. El gancho de la canción es sin duda la sobresaliente ejecución de armónica de Bob, pero hay buenos arreglos de guitarras que no debemos dejar ir.

El álbum culmina con "Shooting Star" que coincidiría con ser una de las ultimas en grabarse. Como varias de las canciones de Dylan parece estar dedicada a alguien especifico, y en este caso da la impresión de estar dedicado a alguien que ya no esta en la vida del músico, mas precisamente a su primer esposa Sara Lownds , tantas veces homenajeada en canciones del pasado. Se encuentran diferentes opiniones entre los fans, (sobretodo por que Bob nunca lo ha declarado que era para ella), quienes coinciden que la canción habla de Dios y "la tentación" y "el sermón de la montaña", relacionado con la transición en su vida que Dylan experimentó diez años antes dando como resultado la trilogía de álbumes en su período de Evangelio, comenzando con "Slow Train Coming" (1979), "Saved" (1980) y "Shot Of Love" (1981). La melancólica balada es quizás la muestra de la perdida en la fé cristiana por la que paso por entonces el músico, que en este caso parece dirigirse a Cristo: "He visto una estrella fugaz esta noche y pensé en mí si yo todavía fuera el mismo si alguna vez me convertí en lo que querías que fuera". La siguiente línea dice: "¿Alguna vez extrañé la marca o rebasé la línea que solo tú podías ver?" A continuación hace una referencia aparente a un poema de Joseph Addison Alexander: "Hay una línea que no vemos que cruza cada camino. El límite oculto entre Dios, paciencia y su ira". Para aquellos que estén mas familiarizados con el álbum podrán encontrar una intima relación entre "Shooting Star" y "Ring Them bells". Algunos versos pueden empalmarse y funcionar perfectamente entre si. Este ejercicio puede resultar interesante. La parte en "Shoting Star" que dice: "Listen to the engine, listen to the bell..." ("Escucha el motor, escucha la campana ...") y que continua con: "The last radio is playing..." ( "La última radio está sonando..."). Es aquí  donde deberíamos saltar a la canción "Ring Them Bells", tomando cualquier estrofa a nuestro gusto. Por ejemplo: "Ring them bells Saint Peter where the four winds blow. Ring them bells with an iron hand. So the people will know. Oh it's rush hour now. On the wheel and the plow.  And the sun is going down upon the sacred cow..." ("Toca las campanas de San Pedro donde soplan los cuatro vientos. Toca las campanas con una mano de hierro. Entonces la gente sabrá. Oh, es la hora pico ahora. En la rueda y el arado. Y el sol se pone sobre la vaca sagrada."). Ambas canciones se mezclan entre si y se sintetizan. Solo la genialidad de Bob Dylan con su inimitable poesía, nos puede regalar descubrir la convivencia entre dos canciones a la vez!.

El material de "Oh Mercy" proporcionó canciones las cuales podrían rivalizar con cualquiera de las composiciones más celebradas de la carrera de Dylan. Obtuvo buena recepción por parte de la critica musical y se lo supuso como un regreso de un clásico en un momento en el que varios veteranos del panorama musical publicaron álbumes con el respaldo de la crítica tras una década nefasta, como Paul McCartney con "Flowers In The Dirt", The Rolling Stones con "Steel Wheels", Neil Young con "Freedom" y Bonnie Raitt con "Nick Of Time".  Fue mas que un verdadero aliciente extra la opinión y aprobación de su gran amigo George Harrison, con quien formó meses antes de la salida del disco, el grupo Traveling Wilburys y grabó un primer trabajo, "Vol.1". Según el escritor Clinton Heylin: "Harrison se mostró entusiasmado con las nuevas canciones de Dylan... poniéndole al corriente de alguna palabra escéptica que se le había ocurrido durante la experiencia en la grabación con Traveling Wilburys". A su vez existieron no incluidas en el álbum circularon al poco tiempo en  los clásicos bootlegs, estas fueron "Series Of Dreams" y "Dignity", como así también "Born In Time" y "God Knows", que fueron re-grabadas en las sesiones del siguiente trabajo de estudio, "Under The Red Sky" (1990). Como es habitual, podremos también encontrar los correspondientes "rarezas" y/o "outakes" de "Oh Mercy" en "The Oh Mercy Outtakes". 



Lista de Temas :

1. Political World
2. Where teardrops Fall
3. Everything is Broken
4. Ring Them Bells
5. Man in the Long Black Coat
6. Most of the Time
7. What Good Am I?
8. Disease of Conceit
9. What Was It You Wanted
10. Shooting Star


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sábado, 28 de abril de 2018

Carlos Gardel - Bandoneón Arrabalero (Su Obra Integral Vol.15)


Llegando al volumen 15 de la obra integral de "el Morocho del Abasto", nos tropezaremos con un compendio que ubica a la temática mas autentica hasta ahora. Simplemente un Gardel puramente arrabalero. En esta ocasión le canta a el tango del arrabal, y en especial a este instrumento típico en el genero: el bandoneón. El arrabal, es como comúnmente llamaban a los suburbios o a los "barrios bajos". No estaban dentro de las jurisdicciones urbanísticas o municipales. Tantas veces aparecido en las letras e historias tangueras, se desglosan un gran numero de historias arrabaleras que decoran los tangos de este decimoquinto volumen. El bandeoneón, instrumento por excelencia en el tango y sus vertientes, había llegado a el Rio de La Plata desde Alemania a través de marineros e inmigrantes. Un prototipo inicial o quizás un familiar directo fue la concertina. Fue diseñado inicialmente como evolución de instrumentos de lengüetas sueltas. En Bs As, Rosario y Uruguay se lo vincula estrechamente al tango, pero en zonas de la Mesopotamia argentina, contribuyo a caracterizar el sonido de interesantes géneros como lo es el Chamamé.

"Taconeando" la angustia arrabalera hecha canción y por supuesto, el bandoneón, participante de lujo. De Pedro Maffia y José Horacio Staffolani, una descripción única de los tiempos del arrabal. Un tango milonga, de marcado ritmo, muy bailable. Se enfocaba en típicas vivencias arrabaleras: "Vengan a ver... el bailongo se formó en su ley a la luz de un gran farol medioeval. Todo el barrio se volcó en aquel caserón, bajo el parral, a bailar, y al quejarse el bandoneón se escuchó, tristes las notas de un tango, que nos hablaba de amor, de mujer, de traición, de milongas manchadas de sangre, de sus malevos y el Picaflor... Tango brujo de arrabal, triste son que se agita en el misal de un querer y en la lírica pasión del matón". Se estrenó el 14 de Febrero de 1931 en el Teatro San Martín con la propia orquesta típica de Maffia. De allí este tango pasaría a la inmortalidad, ya sea por la mano de Gardel, y por su característica impronta bailable, pero mas que nada cuando el 15 de agosto de 1979, Beba Bidart inauguraba "Taconeando", su coqueto local, haciendo de él un reducto de tangueros y amantes de esta bella y sensual música. Ubicado en Balcarce al 700, en el corazón del barrio de San Telmo. Traía una novedad: además del espectáculo artístico, la posibilidad de que el público bailara, convirtiéndose en todo un clásico de la noche porteña.

Con música de Enrique Delfino y letra de Julio Cantuarias, el tango "Padrino pelao", una particular historia arrabalera hecha sainete. Forma parte de una serie de quince cortometrajes cada uno sobre una canción, con dirección de Eduardo Morera y producción de Federico Valle, uno de los pioneros del cine sonoro latinoamericano con sonido óptico, fue así uno de los primeros "videoclips" de la historia del cine. Se lo ve a Gardel interpretando el tango junto a Aguilar, Ángel Domingo Riverol y Guillermo Barbieri, pero sin que estos guitarristas aparezcan en escena. Se trata de una imagen fija de Gardel cantando, con un fondo negro, que saluda con su particular sonrisa, al finalizar como si estuviera en el teatro.

La bonanza que acredita la historia de "Giuseppe el Zapatero", no es otra que la viva imagen de la vida de los honestos trabajadores (inmigrantes en este caso) de las primeras décadas del siglo XX en el país. Un ejemplo de honestidad que deberíamos recuperar. Aquella posibilidad de ascenso social, para los sectores populares, que únicamente es posible a partir del esfuerzo personal:"É tique, tuque, taque. Se pasa todo el día, Giuseppe el zapatero, alegre remendón. Masticando el toscano “Per far la economía” Pues quiere que su hijo estudie de doctor. El hombre en su alegría no teme al sacrificio... así pasa la vida contento y bonachón...". "Al Mundo le falta un tornillo" gran tango argentino uruguayo con música José María Aguilar Porrás (uno de los sobrevivientes del viaje final de Gardel) y letra de  Enrique Cadícamo, una semblanza de la crisis de 1930 con los modismos del lunfardo a flor de piel. Seria una profecía para Discépolo esta especie de "proto-cambalache" (por que saldría al año siguiente en el 34) que data de 1933, parece haberse escrita ayer nomas, y nos invita con su semántica a descubrir este riquísimo  lunfardo entre varias de sus lineas. Ya desde el titulo la expresión tiene un toque lunfardesco, desde su origen español. En efecto, "tener flojos los tornillos" o "faltarle a uno un tornillo", para los españoles ha significado "tener poco seso'"; para los argentinos, quiere decir, derechamente, "estar loco". Es una frase lunfarda, por adopción y con tal modificación impuesta por el uso, sin eufemismo. Y tiene sinnúmero de equivalencias, como "andar mal de la azotea", tener "gente o pájaros en el altillo", "estar rayado" o por supuesto, estar "piantao" o "piantado", o andar "mal de la perilla" o tener "flojas las chapas" y muchas más. Luego, ya desde las primeras frases: "Todo el mundo esta en la estufa, triste, amargao y sin garufa... Neurastenico y cortao, se acabaron los robustos..." vemos que "estar en la estufa" quiere decir estufado, "fastidiado", de el italiano "stufare" tiene la misma semántica, pero igualmente significa "aburrido". "Cortao" es "falto de dinero", que es lo mismo que "andar pato", "ciego", "de la cuarta al pértigo", "sin luz", "seco" o "forfái" o  bien, "en pampa y la vía". Es claro que, en la letra de "Al mundo le falta un tornillo" no se trata del "mondongo" sino del "puchero", y por eso escribió Don Enrique: "Hoy no hay guita ni de asalto/ y el puchero está tan alto/ que hay que usar el trampolín.../ Si habrá crisis, bronca y hambre/ que el que compra diez de fiambre/ hoy se morfa hasta el piolín."

De las mas dolientes historias arrabaleras: "Si se Salva el Pibe" de Caledonio Flores. Cuenta la desdichada fatalidad en la que cae un niño preso de las crueles garras de una terrible enfermedad. El acongojado motivo, parece entenebrecer todo el arrabal. Solo se podría teñir de farra con una milagrosa cura: "Si se salva el pibe, si el pibe se salva, vas a ver la farra que vamos a dar... Traeremos los pibes de todo el contorno y así, en una tarde repleta de sol, llenaremos toda la casa de adornos y daremos juntos las gracias a Dios...". Pero mas triste aun resulta ser "Salto mortal". Cuenta la engañosa historia de amor entre el alegre y suicida payaso y la preciosa écuyère (la amazona o caballista de circo). La relación venia muy bien, hasta que, ambiciosa ella, lo traiciona con "un estanciero". El funesto desenlace, como bien imaginamos , es con el clown saltando desde el trapecio entre sollozos decidido a ser uno con la arena del circo.

El tango que hace honor al titulo de este decimoquinto volumen. "Bandoneón Arrabalero", fue grabado por Carlos Gardel en 1928. Un tango dedicado expresamente a este instrumento por excelencia en el genero. La letra hace foco en el paralelismo de la vida del narrador con el instrumento desde el momento de su encuentro. De los tangos donde aparece el bandonenòn, quizás el mas recordado sea "La Ultima Curda". Pero este ha quedado impreso en el alma tanguera, junto a otros como "Fueye", "Mi bandoneón y yo" o "Che, bandoneón". Pero volviendo a nuestro "Bandoneón arrabalero", su origen encierra una peculiar historia que vale la pena mencionar. El tango es con letra de Pascual Contursi y música de Juan Bautista "Bachicha" Deambroggio, técnicamente. Según Don Enrique Cadícamo esta obra no sería de Bachicha sino de Horacio Pettorossi. Este es el relato de Cadícamo extraido de el libro "Cien tangos fundamentales", (de Oscar del Priore e Irene Amuchástegui): "Al año (1925) de hallarse Pettorossi actuando en la orquesta de Bianco-Bachicha, realizó con el segundo de ellos un negocio no muy recomendable para los autores. El joven guitarrista era un inspirado autor de tangos y una madrugada, cuando ya se habían retirado los habitués y el Palermo comenzaba a levantar las mesas y a cerrar sus puertas, esperó a que terminaran sus compañeros de orquesta de enfundar sus instrumentos hasta emprender la retirada, le propuso al bueno de Bachicha que le escuchara un tango recientemente compuesto por él. Bachicha, extenuado por las horas de tarea, complaciéndole el deseo, se dispuso a escucharlo. El autor comenzó a hacerle escuchar en su guitarra un tema de inspirada línea melódica que despertó sincera admiración en su oyente. Al terminar de ejecutarlo, Pettorossi le preguntó:
—¿Qué te pareció?...
—¡Muy inspirado. Te felicito!... —respondió Bachicha dándole a entender con un enorme bostezo que era hora de irse a dormir—. Pettorossi le respondió a boca de jarro:
—Mil francos...
—¿Qué cosa?... preguntó sorprendido Bachicha.
—Te lo vendo... Esta noche o nunca... —dijo sonriendo el guitarrista.
Bachicha creyendo sacar de un imperioso apuro al bohemio sacó los mil francos y sin darle mayor importancia al préstamo, se lo ofreció gentilmente, pero el guitarrista, sabiendo que no era de los que tenían buena memoria para saldar deudas, desistió del ofrecimiento y repitió inflexible:
—Nada de deudas... Vengan los mil...
Mediante esa suma, la obra "Bandoneón arrabalero", tal era su título, cambió de dueño. Operación cumplida. Hallándose Pascual Contursi, el inspirado vate de paso por París, Bachicha le hizo adaptar los versos y el tango fue mandado a imprimir". Contursi había viajado en 1921 a París y luego volvió en 1927, por lo que seguramente el hecho citado en la versión de Cadícamo no pudo haber ocurrido sino ese año. La sífilis que padecía hizo perder la razón a Contursi, quien con la mente muy afectada fue enviado por sus amigos a Buenos Aires en 1930, permaneciendo internado hasta su muerte.

Es sabido que la frase "Naipe Marcado" alude a hacer trampa en el juego de cartas, pero tambien pasò a ser una especie de persona conocida algo similar a "figurita repetida". Por otro lado puede tratarse  de un individuo dedicado a la trampa, la picardía o el mal comportamiento en la vida social, alguien que debe retirarse de los lugares frecuentados: ..."naipe marcado cuando ya es junao tiene que rajar". De todas formas este tango de letra y música de Ángel Greco se compone por una sabia conjunción entre ese concepto de persona y lo mas significativo, con el hecho de homenajear al mismísimo tango. El tango que bien era lo mas respirable en la porteñeidad misma de calles como Florida y Corrientes, por aquella época estaba desapareciendo. Es así que "Naipe Marcado" con su letra intenta revindicar el genero. Greco como en una estratagema para una amplia difusión (a lo "hit" radiofónico si se quiere) nombra 17 clásicos tangos como para reforzar la pregunta que habita en su estribillo : "¿Dónde te fuiste tango que te busco siempre y no te puedo 'hayar'?". A saber, esos tangos son: "Alma porteña" de Vicente Greco de 1914, "El Chamuyo" de Francisco Canaro de 1913, "De mi flor" de Roberto Firpo de 1914, "Derecho viejo" de Eduardo Arolas de 1913, "El entrerriano" de Rosendo Mendizábal de 1897, "Felicia" de Enrique Saborido de 1907, "El flete" de Vicente Greco de 1913, "Un lamento" de Graciano De Leone de 1917, "Lorenzo" de Agustín Bardi de 1920, "Mano a mano" de Celedonio Flores, Carlos Gardel y José Razzano de 1920, "Pampa" de Francisco Pracánico de 1913, "La payada" de José Luis Roncallo de 1910, "El pensamiento" de José Martínez de 1914, "Rodríguez Peña" de Vicente Greco de 1911, "Sentimiento criollo" de Roberto Firpo de 1913, "El taita" de Salvador Grupillo de 1920, y "Zorro gris "de Rafael Tuegols y Francisco García Jiménez de 1921. En 1943, diez años después de la grabación de Gardel, una campaña de censura impulsada por el régimen militar de ese mismo año, comenzo a censurar algunos tangos, con lenguaje lunfardo, como así también cualquier referencia a la embriaguez y demás hierbas. Se censuró, por ejemplo, parte de la letra de "Cafetín de Buenos Aires" por su supuesto pesimismo y por la comparación entre el cafetín y la madre. Durante el gobierno de Perón, algunas restricciones siguieron y otras quedaron sin efecto. Durante los años 50, continua la censura. En octubre de 1953 se aprobó la "Ley de Radiodifusión n° 14 241" que no tenía previsiones sobre el uso del lenguaje popular en radio, pero las restricciones en alguna medida continuaron. La versión de 1948 de "Naipe Marcado", la de Franscisco Canaro, sufrió varios reemplazos en sus frases, cambiándole totalmente el sentido, por ejemplo: ..."me han informado que te habías piantao" fue reemplazado por "que te has consagrado", o sea que en lugar de haberse ido ("piantao") ahora está "consagrado". Ademas se les cambió los títulos de 2 de los 17 tangos que mencionábamos: "Lorenzo" fue cambiado por "Don Juan" y "Sentimiento criollo" por "Sentimiento gaucho", de autoría de Juan y Rafael Canaro, dos de los hermanos del director de la orquesta que hizo la grabación, Francisco.

Otro tango que sufrió censura y posterior sustitución de letra fue "Al Pie de la Santa Cruz". En la década que fue compuesto este tango, la del 30, las circunstancias políticas, económicas y sociales en la Argentina finisecular, generaron movimientos huelguísticos de singular trascendencia, principalmente en Buenos Aires. A fines del siglo XIX, comenzaron a establecerse los primeros sindicatos y federaciones gremiales. Estos movimientos fueron un tanto espontáneos y en parte liderados por activistas locales pero más extranjeros, que llegaron con la inmigración y traían experiencia y cultura sindical adquirida en los países de origen. Las primeras organizaciones sindicales fueron de ideología socialista y anarquista (en las dos vertientes, roja y azul; la primera, violenta; y la segunda, pacífica y literaria, pero sobre todo huelguística). Las huelgas frecuentes muchas veces eran con desenlaces dolorosos como "la semana roja", "la huelga de inquilinos" y, en la campaña, "El Grito de Alcorta", en 1912 . Se presume que los hechos desatados en este tango fueron en el marco de la llamada "Semana Trágica" de 1919. Mario Battistella (cuyo verdadero nombre fue Mario Z. Battes Stella) letrista de este tango, nació en Verona, Italia, llego a Argentina hacia 1910, el año en que comenzaban a conocerse los primeros tangos de Enrique Pedro Delfino ("Delfy"). Delfy, responsable de la música de este tango, conoció muy bien la deportación de extranjeros -militantes sindicales y otros, porque durante su niñez y parte de su juventud tuvo las vivencias de la aplicación de la negra ley de residencia ("la ley patronal"), sancionada a tal efecto. Entre 1902 y 1916 comenzó la primera etapa de esta famosa ley, la 4.144, denominada de "residencia", para deportar activistas y trabajadores extranjeros. "Al Pie de la Santa Cruz" relata la desdichada experiencia de un obrero deportado. Al igual que "Naipe marcado" sufrió un reemplazo en su letra por parte de la campaña iniciada por la dictadura del 43. La versión de Alfredo De Ángelis con la voz de Carlos Dante de 1946, muestra la inminente sustitución por considerarse inmorales o negativas para el idioma o para el país: "Declaran la huelga, hay hambre en las casas. Es mucho el trabajo y poco el jornal... Y en ese entrevero de lucha sangrienta, se venga de un hombre, La ley patronal" fue cambiada por: "Corría la caña y en medio del baile la gresca se armó. Y en ese entrevero de mozos compadres un naipe marcado su audacia pagó.".

Sobre el final otro sensacional tango con música de "Delfy" y letra de Mario Rada, "Araca la cana!". Otra gran vidriera de la influencia del lunfardo, tan imponente, que se ha convertido en una "sublengua" que se montó en lo popular y también entre delincuentes. En esta pócima que es el lunfardo, se mezclan entre si diferentes dialectos especialmente de italianos, pero también portugueses, españoles y franceses. Es sabido que en Argentina "cana" significa policía. "Araca", es una voz de alerta, un llamado de atención. Proviene del caló aracatanó: guardián (término usado para advertirse entre los presos entre sí  acerca de la proximidad de un guardián. Este tango se realizó para la película "Los tres berretines", estrenada el 19 de mayo de 1933. El sencillo argumento de la película se basa en los tres fervores (berretines) de los porteños: El tango, el fútbol y el turf. Luis Sandrini protagoniza la parte en que aparece este tango, quien se pasa todo el tiempo silbando la melodía de este tango. En la letra de "Araca la cana!" aparece la palabra "bardo", tan utilizada al día de hoy, mas de 80 años después. "...Yo que al bardo me he jugao entero el corazón..." en este contexto, significa jugarse sin motivo alguno. Algo así como decir: "me he jugado el corazón sin ninguna necesidad".



Lista de Temas:

1. Taconeando
2. Yo No Se Que Me Han Hecho Tus ojos
3. Padrino Pelado
4. Giuseppe El Zapatero
5. Senda Florida
6. Al Mundo Le Falta Un Tornillo
7. Si Se Salva El Pibe
8. Salto Mortal
9. Calor De Hogar
10. Bandoneón Arrabalero
11. Rosa De Otoño
12. Lo Han Visto Con Otra
13. Naipe Marcado
14. Al Pie De La Santa Cruz
15. Una Lagrima
16. Araca La Cana
17. Corazón De Papel
18. No Te Quiero Mas


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Otras Gardelerias de LGV:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"
Volumen XV: "Bandoneón Arrabalero"

sábado, 10 de marzo de 2018

Phil Collins - Face Value (1981) (Deluxe Edition 2015)


Aquella vieja, recurrente y sobre todo rentable temática de amores rotos, rupturas o mismo frustraciones, se repite una y otra vez en trabajos de artistas por demás consagrados. El álbum debut en solitario del gran Phil Collins no escapa a la regla y nos regala un buen compendio de canciones de muy buen gusto sin perder esa dosis de melancolía ante lo que suponía ser su inminente divorcio.
Lo peculiar fue que esta situación sentimental de el baterista y cantante de Genesis fue el disparador principal para la iniciación de su carrera solista paralela a la banda, motivado a que su único refugio o consuelo que era la composición de música para un disco por su propia cuenta. Estas situaciones parecen ser una formula satisfactoria para un éxito arrollador para ciertos artistas. Un ejemplo claro fue el "RUMOURS" de Fleetwood Mac, un disco compuesto y grabado en medio de la separación de los integrantes de la banda, logrando ser uno de los álbumes mas vendidos de todos los tiempos, y aquí el glorioso debut de Collins en solitario, que por otro lado generó algo de controversia y envidia por parte de sus compañeros en Genesis al ver que Phil en solitario había conseguido un éxito mayor que el que la banda había logrado hasta la fecha. Sobre "Face Value", Phil dijo: "Tenía una esposa, dos hijos, dos perros, y al día siguiente no tenía nada. Por lo que muchas de estas canciones fueron escritas porque iba a través de estos cambios emocionales".

Collins había entrado como baterista a la fundamental banda británica de rock sinfónico progresivo Genesis, en reemplazo de John Mayhew, coincidiría con la entrada del gran maestro Steve Hackett quien reemplazaría a otro maestro, Ant Phillips en guitarras. En 1970 Phil respondió a un anuncio de la revista Melody Maker donde se buscaba "un baterísta sensible a la música acústica, y un guitarrista de acústica de doce cuerdas". La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel y consistió en tocar algunas pistas del segundo álbum del grupo, "Trespass" (1970). Como Collins llegó temprano, pudo memorizar las piezas escuchando a los demás. Así quedaba el mejor Genesis de los años 70´s. Al año siguiente comenzaba una seguidilla de discos inolvidables como lo son "Nursery Crime"(1971), "Foxtrot" (1972), o "SELLING ENGLAND BY THE POUND"(1973). Para cuando se va Gabriel , tras la gira de "THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY" en 1976 y luego de que más de 400 aspirantes que acudieran a la audición para ser la voz principal de Genesis (donde Phil se ocupó de la segunda voz), no fueran elegidos, Collins se convertiría finalmente en la voz principal de la banda, sin dejar su lugar en las baquetas, obviamente. Comenzaría aquí entonces una nueva etapa (de entre las tantas que vendrían luego) marcada por el gran álbum  "A Trick of the Tail" (1976). Mas adelante en el tiempo, mas exactamente en el año 1979, Genesis estaba acabando la gira del disco "...And Then There Were Three" (1978) y Phil Collins ya estaba teniendo problemas personales. Su primer matrimonio estaba acabándose principalmente por la "adicción al trabajo" que tenía el músico. Aparte de Genesis, trabajaba con su banda de jazz fusión Brand X, y repartía su talento como músico de estudio para gente como Peter Gabriel y Robert Fripp, entre otros. Su esposa no pudo aguantar más la falta de atención y lo dejó mudándose a Canadá para luego pedirle el divorcio. Así es que pronto se crea un hueco en la vida de Phil que le permite abordar la composición de algunos demos que los hizo, según él, de puro aburrimiento y sin pretender en ningún momento grabar un disco netamente comercial con ellos. Phil le muestra estas composiciones al manager de Genesis, Tom Smith, y éste al escucharlas, vio claramente la posibilidad de editar un nuevo álbum. Resulta muy graciosa la expresión de desidia y de desgana que muestra el baterista como respuesta a esa afirmación por parte del manager de su banda, diciendo en una entrevista que pensó algo como: "oh Dios mío, otra vez a hacer lo mismo!!". Fue justo entonces que luego de la salida del álbum "Duke" de Genesis en 1980, en 1981 lanzaría "Face Value". Un disco donde abunda un sentimiento lúgubre de depresión, frustración y también catarsis. Un trabajo que en resumen expresa las experiencias de vida de aquellos años. Un álbum que se la juega, que es directo y claro, acarrea todo el  "punch" que tiene que tener un trabajo de este nivel de carga emocional. Es destacable que "Face Value" escapa a las convencionalidades que arrastraba el genero donde se destacaba Phil hasta entonces: el rock progresivo. Decide elegir otras variantes (ya había escogido experimentar con el jazz fusión con Brand X), incluyendo un viejo amor de la infancia, el reconocido genero "Motown". Aquel inspirado en el sello homónimo que albergo artistas de color como Stevie Wonder, Jackson 5, Diana Ross & The Supremes, entre tantos mas. De ahí no es raro que el músico haya reclutado a la sección de bronces del reconocido grupo americano de funk, Earth, Wind & Fire.

La melancolía encerrada en el alma de Phil se va drenando ya en el inicio del LP con una de sus canciones mas famosas y exitosas, "In The Air Tonight". Una pieza que se luce en lo rítmico, oscura y mística como la noche. Cuentan que surgió mientras el baterista jugueteaba con una caja de ritmos y empezó a improvisar una letra mientras tocaba algunos acordes en un piano, instrumento que comenzaría a ser su nuevo amor. El hecho de utilizar la caja de ritmos fue el causante de muchas criticas alrededor del músico, no entendían como uno de los mejores bateristas que había dado el rock progresivo pudiera utilizarla. Sin embargo marcaría tendencia entre batristas de el genero durante los años siguientes, por ejemplo en Bill Bruford. La canción claramente se puede dividir en dos marcadas mitades. La primer parte comienza en un estado de desnudez y tristeza realmente cautivadores, con estos sonidos electrónicos tanto percusivos como efectos en la voz y unas atmósferas de guitarras muy al estilo Robert Fripp y violines a cargo del gran Shankar. El comienzo de la segunda parte esta marcada por una fortísima aparición de la bateria que es la encargada en sostener la canción hasta el final. La letra es una especie de reclamo de una persona a otra, una catarsis o comúnmente llamado un acto de "sacar los trapitos al sol". Salen a la luz traiciones, mentiras y odios: "si tu me dijeras que te estas ahogando, no te daría una mano, he visto tu cara antes amiga, pero no se si sabes quien soy. Yo estaba allí y vi lo que hiciste... lo vi con mis propios ojos...". Le sigue la balada "This Must Be Love", delicada y directa por lo que se nos presenta un poco mas iluminada que su predecesora. "Behind The Lines" persuade al oyente de lo que traia entre manos Collins, ya que la misma es una reversión con toques de jazz, rythm‘n’blues y por que no soul, de esta canción, que ya había aparecido un año antes en el disco de Genesis "Duke".

Con la misma áurea de depresión que "In The Air Tonight", "The Roof is Leaking", buena muestra de el nuevo apego a los teclados por parte de Phil. A medida que va describiendo un panorama invernal en su hogar que al parecer era también de sus padres. Una guitarra, ejecutada ni mas ni menos que por el gran Eric Clapton y un banjo por Daryl Stuermer, imponen un toque country a la pieza. La poética melancólica lo enfría todo a su paso: "...El techo está goteando y el viento está aullando. Los niños lloran porque las sábanas son tan frías. Me desperté esta mañana descubrí que mis manos estaban congeladas. Intenté arreglar el hogar, pero ya sabes las cosas son muy viejas...". Con "Droned" primero y "Hand in Hand" después, se inicia el binomio instrumental mas que sugestivo del disco. El primero es de una riqueza percusiva única, sumado a los coros, parece transportarnos a la selva en medio de un  ritual tribalista. El hilo rítmico mágicamente se convierte en el segundo instrumental, "Hand in hand", la canción mas alegre del disco. La bateria es primordial y al igual que su antecesora su carácter al principio es experimental, con toques de jazz fusión (por la linea coral) hasta tornarse al estilo soul/pop gracias a la melodía lograda por las trompetas. Un poco de esa "alegría" de  "Hand in Hand" se repite con una base similar de corte soul/pop en sus vientos con "I Missed Again", destacándose un bellisimo solo de saxo antes del fin. 

"You Know What I Mean" tubo el destino de ser una de las baladas tradicionales de "Face Value". Lenta, simple, lacrimógena y emotiva, acompañada por un piano y unos arreglos de cuerdas que se tornan irregulares dándole paso a un final algo inconcluso. De inmediato Phil nos regala sus sobresalientes recursos como cantante con "Thunder and Lightning". Otra buena predisposición del baterista para con su nuevo amor, el genero "Motown". La canción toma especial fuerza por los arreglos de vientos y un buen solo de guitarra lo acerca a costados mas jazzeros. La irónica "I’m Not Moving" alterna entre un disco/pop cantado a lo Bee Gees y un alegre funk que se presta para bailar y todo. Se destaca en la producción por las mezclas de las voces del propio Collins, utilizando vocoders, sirviéndole como coros. Luego de ese climax bailable, el lloriqueo de Phil vuelve con "If Leaving Me Is Easy" una linda balada quizás la mas triste del álbum, donde recae otra vez en su estado tras el divorcio. Cerrando el trabajo una grata sorpresa, el cover los Beatles "Tomorrow Never Knows" con lo novedoso de un enfoque mas "electrónico". Si bien a muchos les resulto chocante el final, y si bien es una canción de naturaleza compleja, su mensaje es uno de los mas esperanzadores de la historia del rock . Al terminar la canción se le escucha cantar "Somewhere Over The Rainbow" por lo bajo, se dice que fue en referencia al reciente asesinato de Lennon en NYC.

"Face Value" salio a la venta el 9 de febrero de 1981. Se convirtió en un éxito inmediato, alcanzando el número uno en el Reino Unido, Canadá y otros países europeos, mientras que en horas pico en el top ten en los Estados Unidos. El primer simple, "In the Air Tonight" se convirtió en el mayor éxito del álbum. Los siguientes simples gozaron de un buen éxito: "I Missed Again" alcanzando el número catorce en el Reino Unido y el número diecinueve en los EE.UU., mientras que el tercer single," If Leaving Me Is Easy ", alcanzó el número diecisiete en el Reino Unido. Asi comenzaría el camino hacia el éxito total de la carrera solista de Phil Collins, sobre todo en la decada de los años 80, su continuidad como cantante y baterista de Genesis, su buena predisposicion  en el mundo de la interpretación, su participación en eventos tan importantes como el "Live Aid" de 1985, tocando tanto en Philadelphia como en Londres utilizando un Concorde para ir de continente a continente en tiempo récord, proezas así, labrarían su leyenda. Su siguiente trabajo "Hello, I Must Be Going" (1982), siguió por los mismos caminos sonoros que había marcado "Face Value", ya que promovían problemas maritales con su primera esposa. "I Don't Care Anymore", "I Cannot Believe It's True", "Do You Know and Do You Care?", dan muestra verídica de esto. En 1983 recuperó a Genesis y se embarcó en el tour de “Three Sides Live”. En 1984 vería su regreso a la “soledad” con el lanzamiento de aquella brutal "Against All Odds" y al año siguiente con su exitoso tercer LP "No Jacket Required", iniciaba su primer gira mundial en solitario con su propia banda. Tras ello, regresó con Genesis para editar su masivo "Invisible Touch" y celebrar un multitudinario tour mundial junto a Rutherford y Banks. El publico de Genesis lo critico bastante por entonces, quizás por "venderse" a un estilo comercial, con sus discos solistas. Lo cierto es que con su cuarto álbum "…But Seriously" llegó a transformase en el máximo representante del estilo conocido en los charts como "Adult Contemporary", esa mezcla entre pop, jazz y soul, dirigida a un publico "romanticón", mas maduro.

El 6 de noviembre de 2015 salen a la venta los remasterizados de "Face Value" (1981) y "Both Sides" (1993), por supuesto con su correspondiente CD extra con demos, rarezas y versiones en directo. Ambos serian parte de una etapa de remasterización de todos sus trabajos solistas en los siguientes años. La curiosidad es que optó por renovar el arte de tapa original con fotos idénticas pero actuales, dándonos a saber que bien le sientan sus arrugas aun. Aquí les ofrecemos la versión "deluxe" de "Face Value" con su correspondiente CD extra el "extra values" donde nos deleitaremos con varias canciones en vivo, las versiones de Collins de "Misunderstanding" (en vivo y demo) y "Please Don't Ask", ambas aparecidas en el disco "Duke" de Genesis. También la rareza de la versión demo de la exitosisima "Against All Odds" que fue una canción descartada de "Face Value" y se iba a llamar "How Can You Just Sit There?", asi y todo "Against All Odds" aparecería en la película del mismo nombre en 1984. En 2016 el músico publica su autobiografía: "Not Dead Yet: The Autobiography". Actualmente Phil se encuentra de gira con el Tour llamado "The Legendary Phil Collins" que lo traerá a la Argentina en este mes de marzo de 2018, primero el 19 a Córdoba y luego el 20 en "Campo de Polo" de la ciudad de Buenos Aires.



Lista de Temas:



Face Value:

1. In the Air Tonight
2. This Must Be Love
3. Behind the Lines
4. The Roof is Leaking
5. Droned
6. Hand in Hand
7. I Missed Again
8. You Know What I Mean
9. Thunder and Lightning
10. I'm Not Moving
11. If Leaving Me Is Easy
12. Tomorrow Never Knows


Extra Values:

1. Misunderstanding (Live)
2. If Leaving Me Is Easy (Live)
3. In the Air Tonight (Live)
4. Behind the Lines (live)
5. The Roof is Leaking (live)
6. Hand in Hand (Live)
7. I Missed Again (Live)
8. ...And So To F (Live)
9. This Must Be Love (Demo)
10. Please Don´t Ask (Demo)
11. Misunderstanding (Demo)
12. Against All Odds (Demo)


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