sábado, 26 de octubre de 2019

Cream - Disraeli Gears (1967)


Hablando de "power tríos" que han cambiado el curso de la historia en el rock, es inevitable citar a la banda británica Cream, que pese a su corto periodo de actividad (casi 3 años, con solo 3 discos de estudio) ayudo a impulsar la música pop de la época, el rock psicodélico, el progresivo y sobre todo el denominado "blues blanco ingles", en la segunda mitad de los años 60´s. Este super trio conformado por Jack Bruce, en bajo y voz principal, Ginger Baker en bateria y voces y Eric Clapton en guitarra y voces, no tardo en abrirse camino de manera arrolladora en el panorama de la música popular de la época. Ademas, en Cream a Clapton se le adjudica junto a un tal Jimi Hendrix, como pionero de la inclusión de el pedal "wah-wah". Si bien "Fresh Cream" (1966), su primer larga duración, fue la chispa inicial que encendió la llama inicial del blues británico y "Wheels Of Fire" (1968) la  revolución sonora que logró con el combo de la dualidad del estudio y el sonido en vivo,  no fue otro que la perfecta mixtura entre la psicodelia y la raíz bluesera de "Disraeli Gears" lo que realmente nos lleva a recordarlos eternamente como la banda mas reveladora y que mas ha marcado con su importante legado.

No había ningún tipo de duda que ya a mediados de 1966 Eric Clapton era el mejor guitarrista de blues en Reino Unido. Ya había ganado tal reputación con su primera formación seria, The Yardbirds, con quienes estuvo activo durante 18 intensos meses grabando 4 álbumes, dos de estudio y dos en directo (un de estos junto con el cantante norteamericano de blues, Sonny Boy Williamson II). También se gano con los Yardbirds el sobrenombre de  "slowhand" ("mano lenta"). El joven Clapton llevaba el blues en la sangre, sus principales influyentes como guitarristas de blues son y fueron Buddy Guy, y dos de los tres reyes del blues, Freddie y B. B. King. Fue así que al ver y considerar que los Yardbirds estaban volcados al pop, decide abrirse uniéndose a John Mayall & The Bluesbreakers en abril de 1965 con quienes grabo el excluyente trabajo "BLUES BREAKERS - JOHN MAYALL WITH ERIC CLAPTON" (1966), que no saldria a la venta sino hasta la salida veloz del guitarrista en julio de 1966, para ser reemplazado por otra leyenda del blues, Peter Green. Aquí asoma el amanecer de Cream, con Clapton uniendo sus fuerzas a el escocés Jack Bruce, ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization, como bajista y Ginger Baker, también ex-miembro de Graham Bond como baterista. Bruce había quedado maravillado con Clapton ya viendo su virtuosismo dentro de los Bluesbreakers y habían tenido juntos una efímera agrupación denominada Powerhouse. Era sabido la lucha de egos que existía entre los tres, ya existían peleas entre Baker y Bruce desde los tiempos de Graham Bond. De hecho esta riña llevo a el baterista a echar de la agrupación a Bruce con amenaza de cuchillo incluida. Clapton les pidió que dejaran a un lado sus diferencias y tocaran juntos. Tras descartar nombres como "Sweet 'n' Sour Rock 'n' Roll", el nombre de Cream lo adoptaron los tres en unánime decisión, ya que se consideraban la "crème de la crème" entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. La primer aparición de Cream sobre las tablas se dió en el "Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival" el 3 de julio de 1966. En octubre de ese año ocurre un hecho significativo para la historia del rock, Jimi Hendrix, fan de Eric Clapton y recién llegado a Londres se les une en una zapada en vivo, dejando boquiabiertos a todo el publico y por supuesto al propio trio. Cream ya venia trabajando en su primer larga duración "Fresh Cream" que por fin salio a la venta en diciembre. Este debut se caracteriza por ser radicalmente blusero donde las composiciones se repartían entre clásicos de ese genero como "Spoonful" de Willie Dixon, "Rollin' and Tumblin'" de Muddy Waters. Quizás la canción emblema del álbum "I'm So Glad" de Skip James y la única con arreglos exclusivos de Clapton: la versión de "Four Until Late" de Robert Johnson. Luego la gran mayoría son composiciones de Bruce y Baker con la ayuda en las letras de la esposa de Jack , Janet Godfrey. También se destaca el instrumental "Toad" del baterista con un solo espectacular incluido. Con gran aceptación del publico británico, "Fresh Cream"  llegó al puesto 6 en el Reino Unido y al 39 en Estados Unidos pero recién en 1968. El debut discográfico de la banda fue un verdadero impulso e inmediatamente viajan a USA a principios de 1967,  haciendo 9 presentaciones en el RKO Theater de Nueva York. Bajo la producción del compositor, bajista, vocalista y productor Felix Pappalardi, graban en los estudios Atlantic de Nueva York su segundo trabajo "Disraeli Gears". Pappalardi no dejo de insistirle a Clapton para que cante la voz principal en algunos temas, para el desagrado de Jack. Aqui la banda propuso mas composiciones propias, salvo dos canciones que son arreglos sobre tradicionales de blues ("Outside Woman Blues" y "Mother's Lament"). Una de las peculiaridades de "Disraeli Gears" fue que sus temas casi no se presentaron en vivo. El trío interpretó los temas "Tales of Brave Ulysses" y "Sunshine of Your Love", pero varias canciones de "Disraeli Gears" fueron excluidas de las listas a mediados de 1967, direccionandose mas hacia las largas improvisaciones. Eran mas que obvias las intenciones de Cream por hacerse escuchar en por entonces los albores de la cultura hippie estadounidense, por eso la impronta psicodélica que embadurna el trabajo inundando no solo el sonido sino también la locuaz portada del vinilo a cargo de el australiano Martin Sharp. El titulo del disco no escapa a las mentes acidas de sus hacedores y su entorno. Los "Derailleur gears", son las múltiples ruedas dentadas de una bicicleta, o lo que comúnmente atribuimos a las coronas y/o los piñones. Un buen día Eric Clapton estaba en el camarín antes de un recital, diciendo que se quería comprar una bicicleta de carreras y Mick Turner, uno de los plomos de la banda le dijo: "Ah... una que tenga `Disraeli gears´...", y hubo una carcajada general ante la mala dicción de este, ya que Benjamin Disraeli había sido un primer ministro inglés durante la era Victoriana.

"Disraeli Gears" se inicia con uno de los dos sencillos que se eligieron para su temprana difusión, "Strange Brew". Excelente ejemplo de la distorsión que comenzaba a utilizar Eric, que ademas adopta la voz principal. Clara dirección hacia la psicodelia y el blues, despuntando una letra surreal, que es una oda a justamente a los "extraños brebajes" tan en boga por aquella época: "...ella es una bruja de mente loca vestida de azul eléctrico… Ella es una especie de demonio jugando con pegamento. Si no te cuidas, se te quedará para ti. ¿Qué clase de tonto eres?...".  En "Strange Brew" se le adjudica la música a Clapton, con letras de Pappalardi y Gail Collins, la mujer de este. "Sunshine of Your Love" es el otro sencillo lanzado de "Disraeli Gears". Es el que obtuvo mas ventas y mas éxito para Cream, no resulta extraño ya que contiene uno de los riffs mas legendarios de la historia del rock. El mismo tan característico y pegadizo, Clapton lo ejecuta con su Gibson SG del 64 y sintetiza el sonido mas adecuado de los años sesenta. Mas tarde el guitarrista se luce con el solo del intermedio del tema. El origen del pegadizo riff, cuenta la leyenda, surgió luego de un concierto de Hendrix en 1967, en el Saville Theatre de Londres, al que Bruce y Clapton asistieron y que terminó en una posterior colocada de alcohol y mucho LSD.  Al llegar a su casa, el bajista compone el riff el cual quedaría eternamente en los anaqueles de la historia del rock n roll, profetizando la llegada de próximos géneros como por ejemplo el heavy. Las letras fueron compuestas en una sesión (la cual duró toda una noche), entre Bruce y el letrista Pete Brown. No había forma de que Bruce no fuera la voz principal en "Sunshine of Your Love", aunque el popular estribillo fue escrito posteriormente por Clapton, el cual colorea con sus coros. El solo de guitarra es de su autoría, además de darle su toque distinción al riff de Jack con excluyentes punteos. Ginger toca un ritmo a base de uso de "toms toms" denominado "ritmo indio", tomado de películas clásicas de Westerns, haciendo caso a lo sugerido por el productor Tom Dowd. Sobre el final la canción va acelerando de ritmo, algo muy innovador para la época.

Un claro interés de la banda de meterse con la música psicodélica reinante, es "World Of Pain". De rasgos melancólicos, encierra una tristeza urbana, con puño y letra una vez mas de Pappalardi y esposa, mientras deja decorarse con los "wah-wah" de Clapton y una buena amalgama vocal con Bruce. Rarezas como "Dance The Night Away" introduce a los tres en un mar revuelto de ácido, producto de un habitual viaje de LSD. Una canción con pasajes dramáticos y climas cruciales de la mano de su letra por supuesto surrealista: "Voy a construirme un castillo en lo alto de las nubes... Me encontraré un océano, navegare hacia el azul Viviré con un pez espada dorado... Bailarme a la nada... Desaparecer de este lugar... Voy a convertirme en sombra". No quedandose atras, Baker aporta una composicion 100% de su autoría, añadiendo la voz principal en "Blue Condition". De condición lenta y respiración blusera, la letra muestra la dirección en las decisiones que tomamos día a día. Aquí Ginger utiliza muy bien las rimas y apunta a nuestra vida contaminada por la rutina diaria y como esta se torna en un tono verdaderamente "azul" oscuro. Un claro ejemplo de como la palabra "blue" ("tristeza"), encaja perfectamente con las canciones del genero "blues".

Momento épico del disco si los hay es "Tales Of Brave Ulysses". La letra está basada en las aventuras de Ulises, héroe de la mitología griega y su famoso encuentro con unas sirenas que con su canto lograron hechizar a toda su tripulación. La canción es quizás como un puntapié, para que luego aquellas bandas de rock progresivo/sinfónico, capturasen historias (o las creearan por si mismos) tomadas de las mitologías e hicieran grandes piezas épicas con sus músicas. Eric Clapton tenia ya la música compuesta inspirado en el éxito de 1966 de Lovin 'Spoonful, "Summer in the City". El escritor y artista plástico Martin Sharp (el mismo que realizo la portada) le había comentado que tenia un poema escrito y que seria bueno para una canción, así quedo formada "Tales Of Brave Ulysses" y con ella la primer colaboración entre Clapton y Sharp. La letra pide una voz aguerrida y Bruce lo logra perfectamente, a la vez que Clapton aporta quizás los mejores punteos con "Wah Wah" de todo el disco. La solida columna ritmica entre Bruce y Ginger es soberbia, para un clima psicodélico/épico alucinante. "SWLABR" no es mas que la abreviación del lisergico titulo "She Walks Like A Bearded Rainbow" ("Ella camina como un arcoíris barbudo"). Fresca, veloz y enérgica, la banda nos introduce en un calidoscopio musical de paisajes que evocan una vez mas a algun viaje de ácido: "Viniendo a mí en la mañana, dejándome solo. Tienes esa sensación de arcoiris pero el arcoiris tiene barba... Te estás acercando a mí con esa mirada conmovedora en tu cara. Vienes como si nunca hubieras hecho algo mal. Tantos colores fantásticos; me siento en un país de maravillas. Tantos colores fantásticos, me hacen sentir tan bien...". La letra es otra colaboración de Pete Brown con música de Bruce, quien años después reveló que la "W" era de "was" ("Era") en lugar de "walk". No hay momento mas oscuro y triste en "Disraeli Gears" como en la depresiva "We're Going Wrong". Una letra repetitiva de Bruce con su voz al máximo nivel de congoja. Detrás de su lánguido lamento, arreglos psicodélicos de Clapton intentan vislumbrar algún que otro chispazo. Pero lo que mas se destaca es el excelente trabajo de Baker, dentro de la estructura irregular de una canción en un compás de 6/8.

Sobre arreglos de Eric Clapton del clásico de Blind Joe Reynolds de 1929 aparece como un solemne momento blusero, "Outside Woman Blues". Una vez mas nos sacamos el sombrero ante la voz principal y las guitarras de Eric "God" Clapton y por supuesto con los solos. Y para continuar con la conveniente e inoxidable cuota blusera, la marchante "Take It Back" con una cepa de blues mas americano y la sorprendente ejecución de armónica a cargo de Jack. Para concluir, un clima distendido y de humor lleno de sarcasmo en un tradicional arreglado por Cream, "Mother's Lament", con los tres cantando, acompañados solo por un piano. Con humor ácido relata la historia de una madre que era pobre y que bañaba a su bebé delgado; tan delgado que "No era más que un esqueleto cubierto de piel", y a causa de su contextura física termina yéndose por la escurridera de la bañera.

En suma, el gran "Disraeli Gears" es el "jamón del medio" de este suculento sandwich psicodélico que fue la música de Cream, con sus únicos tres álbumes de estudio (curiosamente este es el álbum del medio). Se las arregló para mantenerse bien arriba, en 1967, ese año tan plagado de trabajos que dejaron una huella imborrable en la música psicodélica y de vanguardia: "Sergeant Pepper", "Forever Changes", "The Piper at the Gates of Dawn", "Surrealistic Pillow", "Are You Experienced?", "The Doors", "Strange Days", "The Velvet Underground & Nico" y para rematar el año, en noviembre "Disraeli Gears" y al mes siguiente "Their Satanic Majesties Request". La edición que les ofrecemos aquí es de 2013, japonesa, que contiene una versión estéreo y otra mono. Ademas dos versiones de "Lawdy Mama" (tambien conocida como "Hey Lawdy Mama" u "Oh Lordy Mama") un tradicional standar de blues que data de 1934, muy popular entre los músicos de jazz. Clapton la adapto, teniendo mas en cuenta la version de Junior Wells y Buddy Guy de 1965, para el álbum "Hoodoo Man Blues". La versión 1 es la mas fiel al tradicional, pero lo peculiar es que la versión 2 es con la letra de Wells pero el acompañamiento que terminaría siendo lo que es hoy "Strange Brew", con su posterior reemplazo de letra y melodía, que había partido de la versión 1. Y la otra perla es la versión de "Blue Condition" de Ginger pero esta vez cantada por Clapton. Algunas grabaciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic de 1967 y otras de 1968, sumandoles algunas en el Filmore West de San Francisco y las de la sala Winterland Ballroom, dieron paso a la conformación de el tercer trabajo de Cream, "Wheels of Fire". Si bien es mas conocido como un vinilo doble, también fue publicado de forma separada como "Wheels Of Fire - In The Studio" y "Wheels Of Fire - Live At The Fillmore", aunque sólo uno de los temas ("Toad") fue grabado en dicha sala. Una obra magistral de la banda, un buen ejemplo para conocer las facetas bipolares de sus integrantes. En el primer disco Felix Pappalardi decidió incluir algunos instrumentos orquestales como vientos, viola y organos, que el mismo ejecutó. "White Room" de Bruce, una vez mas con la colaboración de Brown, fue el mayor éxito del trabajo, una vez mas destacándose el "wah-wah" de la guitarra de Eric y la siempre creativa percusión de Ginger. También podemos destacar algunas piezas acústicas que se adelantan al sonido de Jimmy Page en Led Zeppelin, como en "As You Said" y un "heavy blues" de primera hora en "Politician". Homenajes a viejos gatos del blues están a la orden del día como "BORN UNDER A BAD SIGN" de Booker T. Jones y William Bell, que ya había homenajeado Albert King en su disco homónimo. El segundo LP demuestra las habilidades de improvisación del trio sobre el escenario, destacándose con la guitarra de Clapton en el "Crossroads" de Robert Johnson, la armónica de Bruce en "Traintime" y el indiscutible caudal de virtuosismo de los tres desplegado en los casi 17 minutos de "Spoonful" de Willie Dixon.

Todo parecía estar en la cúspide de la creatividad, pero la banda se estaba resquebrajando. A mitad de 1968 decidieron y anunciaron que cada uno continuaría por separado. Baker comento en 2006 acerca de ese momento: "Llegó un momento en que Eric me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical.". Otro de los factores de la ruptura eran las tensiones que existían entre Bruce y Baker, quedando como mediador Clapton. Cansado de este rol y por un articulo periodistico de la revista Rolling Stone, la cual el admiraba, que lo catalogaba como "el maestro del cliché del blues", decide encausar su carrera hacia otros horizontes. Anunciada oficialmente la separación de Cream , el trio se dio un tiempo para perpetrar un cuarto y ultimo disco, "Goodbye", salido en febrero de 1969 con la banda ya disuelta. Son seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres temas nuevos. Entre ellos se destaca "Badge", co compuesta por Clapton y su buen amigo George Harrison quien también participo como guitarra rítmica con el seudónimo de "L'Angelo Misterioso". Hubo una gira de despedida presentándose en veintidós conciertos en diecinueve lugares en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre. Estas ultimas se editaron por la BBC años mas tarde con el nombre de "Farewell Concert". Luego de Cream, Baker y Clapton pasarían a formar otro supergrupo, Blind Faith, junto a el gran Steve Winwood de Traffic y el bajista y multiinstrumentista de Family, Rick Grech, el cual solo aportaría un único pero excelente trabajo discográfico homónimo en 1969, con un altísimo posicionamiento en las principales listas. Bruce entonces, iniciaría su prolífica carrera en solitario, siendo el puntapié inicial en 1969 con su álbum "Songs for a Tailor". Bruce falleció en 2014 por una complicación del hígado, órgano el cual se le había sido trasplantado en 2003. Luego de Blind Faith, Clapton formará otro legendario super grupo ni mas ni menos que con Duane Allman uno de los mejores guitarristas que dio el rock, nos referimos a Derek and the Dominos, que también registraría un solo y eximio álbum de estudio "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970), para luego emprender su carrera como solista hasta el presente. Ginger Baker tendría el honor de ser la cabeza de su nueva agrupación la Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de los Moody Blues. Entrada la década de los años 70´s Baker se intereso en la música y cultura africana, lo que lo llevo a instalarse en la capital de Nigeria, Lagos, armando su propio estudio de grabación en 1971 al que bautizó "Batakota", Paul McCartney y Wings grabaron material del disco "Band On The Run" alli. Su inquietud por estas culturas lo llevo a emprender un viaje a traves del desierto del Sahara, con documental incluido llamado "Ginger Baker in Africa". También une fuerzas con el músico africano Fela Kuti y registran un disco en vivo en 1971 "Live!", y en 1974 se suman Bobby Tench de The Jeff Beck Group para grabar un álbum de estudio, "Stratavarious". En los 80´s como parte de su proceso de rehabilitación de la heroína, se radica en un pueblito de Italia. En 1980 había participado como músico de sesión de la banda de space rock Hawkwind para su álbum "Levitation" y al poco tiempo se les une como baterista estable, para la gira de 1981, pero los abandonaria ese mismo año. En 1985, participa como baterista de sesion de "Album" de la banda Public Image Ltd., liderada por el cantante John Lydon de los Sex Pistols. Cerrando la década intentó ser actor mudandose a Los Angeles pero esa faceta no prospero. Los 90´s lo encontraron en tres formaciones mas. La primera en 1992, Masters of Reality, encausada hacia el hard rock, la segunda fue en 1994 con The Ginger Baker Trio y un "dream team" blusero en BBM (Bruce-Baker-Moore) con Jack Bruce y el gran Gary Moore. Ginger falleció, no hace mucho, el 6 de octubre de 2019 a los 80 años ya venia acarreando problemas cardiacos siendo operado en 2016. 

Cream tuvo un glorioso regreso el 2, el 3, el 5 y el 6 de mayo de 2005 en el Royal Albert Hall de Londres. No se comentó mucho previo a estas presentaciones por que los estados de salud del bajista y el baterista tambaleaban (Bruce había recibido un trasplante de hígado después de haber sido diagnosticado con cáncer y Baker sufría artrosis).Estas presentaciones se editaron tanto en CD como en DVD con el titulo de "Royal Albert Hall London May 2-3-5-6, 2005 ". A raíz de esta mítica reunión, Cream decide presentarse en Nueva York en el Madison Square Garden el 24 y 26 de octubre de ese mismo año. En 2010 y pese a los rumores que rondaban, Jack Bruce aniquiló la  mínima posibilidad de una vuelta de la formación vaticinando: "Cream está acabada". Abajo veremos una presentación en el Beat Club de "Strange Brew" y dos videos del regreso en el Royal Albert Hall en 2005, el primero "Outside Woman Blues" y el segundo no necesita presentación.


Lista de Temas:

1. Strange Brew
2. Sunshine of Your Love
3. World of Pain
4. Dance the Night Away
5. Blue Condition
6. Tales of Brave Ulysses
7. SWLABR
8. We're Going Wrong
9. Outside Woman Blues
10. Take It Back
11. Mother's Lament
12. Lawdy Mama (version 1)
13. Lawdy Mama (version 2)
14. Blue Condition (version alternativa)


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sábado, 28 de septiembre de 2019

Ayreon - Into The Electric Castle (A Space Opera) (1998)


Ayreon es el proyecto musical que le da nombre a el trabajo del compositor y multiinstrumentista holandés Arjen Anthony Lucassen, quien era antes el guitarrista de un grupo heavy metal llamado Vengeance, entre otros. Se trata de un proyecto principalmente dentro del mundo del rock progresivo, el heavy metal y el metal progresivo y sinfónico, alternando con la música electrónica y el folk rock. En gran parte de los álbumes de Ayreon, Lucassen esculpe sus obras con el formato "opera rock",  para ello recluta siempre músicos diferentes para cada disco, y el mismo compone y toca guitarras eléctricas y canta. Lucassen ha invitado a celebridades de la escena metalera como Andi Deris (Helloween), Bruce Dickinson (Iron Maiden), Fabio Lione (Rhapsody of Fire), Floor Jansen y Marco Hietala (Nightwish), Russell Allen (Symphony X) y James LaBrie (Dream Theater), entre una infinidad de músicos más.

Ayreon tendría su primer prueba de fuego allá por 1995 con su álbum debut "The Final Experiment" considerado una de las primarias operas de la música metal. Se trataría de una obra con costados de ciencia ficción y medievales, ambientada en el año 2084, donde científicos desarrollan un método para enviar mensajes telepáticos a través del tiempo con la esperanza de detener la destrucción de la tierra en manos del hombre. El receptor de estos mensajes es el protagonista de la opera, "Ayreon", un trovador ciego del siglo VI, quien nadie escuchara y que acabara siendo condenado luego de ser tomado por loco. La narracion de la historia esta a cargo de el personaje conocido por todos como el "Mago Merlín", el principal culpable del "silenciamiento" de Ayreon (aunque después es consciente de su error). El segundo álbum "Actual Fantasy" (1996), seria el único trabajo de Ayreon fuera del formato de una opera con narración continua. Pero sus canciones, encierran pequeñas historias que van hilvanando un concepto al fin. El trabajo no gozo del éxito que obtuvo "The Final Experiment", pero sirvió para ir ganando fans de culto y sobre todo para que luego, mas adelante en el tiempo, algunas de estas canciones sirvieran para encajar en el puzzle de otra opera de Ayreon, "Universal Migrator Pt. 1 & 2" (2000). Tras el fracaso "Actual Fantasy" y para hacer prevalecer a Ayreon, Lucassen se propuso componer un álbum doble con la máxima calidad posible. Para "Into the Electric Castle", aparecen 8 excelentes vocalistas a los cuales se les atribuye un personaje a cada uno. Se destaca sobre todo la presencia de  los vocalistas invitados: Fish (ex Marillion), Damian Wilson (ex Rick Wakeman, Threshold, Landmarq), Anneke van Giersbergen (ex The Gathering), Sharon del Adel (Within Temptation), Edwin Balogh (ex Omega), Edward Reekers (ex Kayak) y Jay van Feggelen (ex Bodine). Gran parte de los instrumentos son ejecutados por Lucassen, menos la bateria, que es tratada por Ed Warby (Elegy, Gorefest). Además cuenta con la colaboración de grandes músicos como el mismísimo Thijs van Leer de Focus en flautas y de Clive Nolan (Arena, Pendragon) en teclados. La opera expone una infinidad de géneros musicales, como el rock, el folk con reminiscencias nórdicas, la psicodelia, el space rock y sobre todo el metal progresivo.

La historia comienza con un estruendo y una misteriosa voz en "Welcome to The New Dimension", entre sonidos ambientales propios de la ciencia ficción. Esta es la voz del narrador, Peter Daltrey (ex Kaleidoscope) que nos va a acompañar durante toda la opera. Esta les informa a los 8 personajes de tiempos diferentes, que se encuentran en un lugar sin tiempo ni espacio, que han sido secuestrado por un poder desconocido y que tienen que entrar en El Castillo Eléctrico para sobrevivir y retornar hacia su origen dimensional. Los personajes involucrados en esta odisea son: El Highlander (El Montañés) (Fish), El Caballero (Damian Wilson), La Egipcia (Anneke Van Giersbergen), La india (Sharon den Adel), El Romano (Edwin Balogh), El Bárbaro (Jay van Feggelen), El Hippie (el propio Arjen Lucassen) y El Hombre del futuro (Edward Reekers), mas tres personajes abstractos fuera de la aventura que serian la voz del narrador como "Forever of the Stars" a la vez que Robert Westerholt (Within Temptation) y George Oosthoek (ex Orphanage) encarnan a "La Muerte". La armoniosa "Isis and Osiris" propone la entrada de los personajes, donde algunos intentan dar una explicación ante estos sucesos, según sus creencias y su bagaje cultural. El Highlander proclama que ese lugar es el Infierno y que están allí para pagar por sus pecados; La India dice que es un viaje espiritual; El Caballero cree que ese lugar es la Isla de Ávalon y que están allí para encontrar el Santo Grial, mientras que El Romano cree que es el inframundo, "Las Fauces de Orcus". Finalmente, La Egipcia cree que están en las llanuras de Yaaru, que son "los elegidos" y que están entrando en casa de Isis y Osiris. Negandola, El Romano invoca a los dioses Marte y Júpiter, mientras que El Montañés acepta que están perdidos por no poder ubicar al sol y sobre todo a las constelaciones, esenciales guías para que el viajero encuentre su camino, proclamando que el final esta cerca. "Isis & Osiris" comienza con buenas piezas acústicas de guitarras y mandolina, mientras los personajes van apareciendo en escena, destacándose el protagonismo de la voz de Fish como El Highlander. La canción crece hasta llegar a una exquisita instrumentación, bombástica, acercándose al heavy. Especial atención a las cortinas de teclados apoyados por las cristalinas voces de La India y La Egipcia. El Bárbaro y El Hippie hacen su aparición y dan su punto de vista sobre la situación en la rockera "Amazing Flight". El primero piensa que todo es una prueba en ese lugar maldito, en donde no dudaría de ejercer su condición salvaje de blandir su espada ante cualquier abominación. El segundo, en contraste pacifico, cree que está teniendo alucinaciones por el efecto de las drogas. Un blues rock, que nos va llevando hacia un épico final con un impresionante duelo de teclados y flautas entre Clive Nolan y Thijs van Leer respectivamente. Una visión erudita y tecnológica, provee El Hombre del futuro, en "Time Beyond Time": "De las ciudades submarinas a las vías del cielo en el este. De las estaciones en la luna al planeta Neptuno. Soy un hombre sofisticado y dirías que lo entendería. ¿Es un diseño virtual?. ¿Nos lanzamos a un tiempo más allá del tiempo?. Espacio más allá del espacio. Estamos perdidos aquí en este mundo cibernético. ¿No hay salida?...". Esta visión es rechazada por parte de El Romano que argumenta que de esa forma nunca podrán llegar a los "Campos Elíseos" y también por El Caballero que insiste con la búsqueda del grial, que tiene el poder de curar. Sobre el final una linda fusión de las voces con cada argumento/estrofa de los personajes sobreponiéndose una a otra.

Los 8 llegan ante "El Árbol de la Decisión", en "The Decision Tree (We're Alive)". Aquí el narrador les informa que uno debe morir. La canción gira entorno a una pegadiza melodía de sintetizadores al que se le suman guitarras. El Bárbaro hace alarde de su honor y gloria, dice que ha sido seleccionado por el Dios del Rayo para luchar a su lado, y anuncia que el no será el que morirá. Sus palabras instan a hablar del honor y el orgullo de El Montañés. Este no puede ocultar su mercenaria condición y confiesa culpas: "He seguido a los príncipes, he alzado sus pancartas sangrientas. He matado y herido del lado derecho. He cosechado la cosecha, campos dispersos con cenizas. He enterrado niños, sembrado las semillas del odio". Rápidamente el tema se va tornando en un dialogo y discusión entre estos dos personajes y un consenso del resto del grupo cantando al unísono, enfatizando que ellos están vivos y que sobrevivirán. El tono culposo del Highlander hace pensar a El Bárbaro que es el único que no tiene orgullo y por eso debe morir. En la discusión final, El Montañés tilda de mentiroso a El Bárbaro: "No me hables de honor, orgullo y gloria. He probado sangre, he visto tu tipo antes. Hablas de batallas, pero todo lo que cuentas son solo historias...". Los trabajos vocales alcanzan a transmitirnos muy bien las características de los personajes de esta disputa y sus sentimientos, sobre todo Fish que maneja valientemente a su personaje, ante este juego de supervivencia, y de pregunta y respuesta con todo el grupo. El viaje continúa su curso a través de "Tunnel of Light", la voz narradora los invita felizmente a atravesar por este túnel luminoso, dejando que la brillantez cubra sus almas. El Montañés se siente reacio frente a esta luz: "no me ofrezcas la luz, cuando solo conozco la oscuridad ahí es donde quiero esconderme hay un escalofrío en mis huesos que reconozco de otra vida por eso me dirijo a casa...".  En este avance hacia a luz, se alzan una vez mas las creencias de los protagonistas. La encantadora e hipnótica voz de La Egipcia exclama los nombres de Ra, Heliópolis, Ka y Anenti. Insistiendo, El Romano cree que se dirigen a "Los Campos Elíseos" y El Caballero, a la Isla de Avalon. Aquí nos despedimos de El Montañés, que muere al no poder soportar la luminosidad, cayendo al suelo. Ahora la voz los comanda a atravesar "El Puente del Arcoiris" sobre "El Mar de Lágrimas" para llegar a El Castillo Eléctrico, en "Across The Rainbow Bridge". Una cancion de carácter tranquilo en su inicio y de gran agresividad en su segunda mitad. Es por eso que la voz les había advertido que es un puente frágil y fuerte a la vez. La sección tenue de este puente invita a los personajes a vencer sus miedos. El Caballero recuerda un amor perdido, con sus heridas sin cicatrizar por lo que se ve tentado a volver a su dimensión a recuperarlo. El Romano se acerca al puente diciendo que están ante Estigia (una oceánide que personificaba un río de Hades). Mas positivo y audaz, alienta al grupo a continuar y vencer sus miedos. El pasaje fuerte del puente va a ser marcado por El Hippie, que aun sigue perdido y alucinando en un viaje psicodélico: "Escarlata rojo carmesí y rosado... Debo estar muerto o apedreado de mi cabeza. Mandarina amarilla naranja. La Reina del Ácido en una escena psicodélica. Castaño ocre chocolate marrón. Estoy al revés, en un edredón cósmico...". El Romano y El Caballero, gritan que corran y dejen el pasado atrás y que el futuro esta aquí para todos.

El segundo disco comienza con "The Garden of Emotions" otra canción lista para cambiar de climas cuando los eventos así lo requieran. La voz guia ahora a los 7 a cruzar por "El Jardín de las Emociones", justo enfrente de el se ciernen las majestuosas edificaciones de "El Castillo Eléctrico". La voz los invita a deambular por sus enredaderas verdes. Sucumbir a su encanto y respirar profundamente el aroma embriagador de las emociones interminables y entrelazadas. Ahora El Hippie, deslumbrado por el paisaje, se siente mas seguro y agraciado de su destino: "...es algo maravilloso este mundo de fantasía donde nadie más puede ir... Deambulo por el universo en la meditación cósmica para encontrar mi Yo interior. Me estoy drogando con amor y vibraciones espirituales, para liberar así mi mal karma...". La Egipcia espera ver que Amon-Ra venga a llevársela y sellar así su destino. En el segundo movimiento del tema, ocurre una pelea entre El Bárbaro y El Romano por el liderazgo del grupo, haciendo creer a La India que la voz de la narración en plan hostil, provocará la muerte del alma. Luego en el tercer movimiento, El Hombre del futuro, descubre que hay un factor de agresividad que esta alimentándose de las emociones negativas de todos, por medio de algún vil esquema informático, por lo que propone a todos a unirse en grupo para luchar contra estas emociones antagónicas. "The Garden of Emotions" culmina con la la extenuada voz de La Egipcia, repitiendo su llamado a Amon-Ra. Esto profetizaría su inevitable final en la dulce y melancólica "Valley Of The Queens" que retracta con una balada el canto final del derrumbe corporal y espiritual de La Egipcia. En su agonía dice tener rota su voluntad, que su búsqueda ha terminado y que su nombre ya esta tallado en piedra en la pared del templo, más allá del salón de Osiris. Pero su suspiro final esta en regocijo, ya que su deseo es quedarse allí, recostada en "El Valle de las Reinas".

Por fin, los personajes que quedan ingresan triunfantes al hall de entrada de "El Castillo Eléctrico", con uno de los mas enormes y electrizantes (valga la redundancia) momentos de la opera: "The Castle Hall". La voz les dice aquí que deben enfrentar su pasado, y que si han matado que tengan cuidado con la aparición de espíritus. También que el Mundo Astral incorpóreo se vuelve carne una vez más y que siente pena por los hombres de armas, porque allí la sangre corre fría. Los primeros en adelantarse son El Caballero y El Bárbaro. El tema comienza con unas guitarras acústicas que van dando paso a una base bien marcada dando un efecto de eco y de reverberación para emular el gran hall del castillo. Como bien les había indicado la voz, El Bárbaro tiene que luchar contra los fantasmas y demonios de aquellos a los que han asesinado y El Caballero invoca al poder de la espada Excalibur, pide a su rey y a los caballeros de la mesa redonda concederle el valor para soportar esta prueba. También invoca al vidente, Merlín, el hechicero. Los demonios que bailan en el hall de "El Castillo Eléctrico" son bien representados por una pegadiza melodía donde se destaca una vez mas la legendaria flauta de Thijs van Leer. Mientras la batalla continua, El Hippie y El Hombre del futuro se escurren por las escaleras que los dirige a "La Torre de la Esperanza" ("Tower of Hope"). La voz los insta a liberarse del pinaculo electrico y a no perder la esperanza. El Hippie se siente ilusionado por el destino, y alega que son los comienzos de una nueva era donde prevalecen la paz y la armonía. El Hombre del futuro se siente incrédulo y aun piensa que nada de eso puede ser real , que es una ilusión y que aun están atrapados dentro de una maquina de sueños, destinados a desaparecer si fallan en la misión. Se resalta un segmento de teclados y guitarras muy rockero y psicodélico que recuerda a los 60´s. En "Cosmic Fusion" de impronta "space rock", aparece una extraña brisa que capta la atención de La India, mientras permanecen en "La Torre de la Esperanza". Estos sucesos se ven reflejados en el primer movimiento donde esta brisa atrae a La India hacia el sol: "Espíritus voladores Me elevo en la brisa. Moribundos. Me elevo en la brisa... Dentro del sol...". El Hombre del futuro y El Romano intentan salvar a La India alertándola de una muerte segura. Es entonces que hacen su aparición las dos voces que conforman "La muerte", en el segundo movimiento. Aquí el gruñido áspero de "La muerte" se hace pasar por diversos elementos de salvación para La India (la brisa, el sol, la tormenta, el viento, el fuego y su propio destino). Mientras la voz de "La muerte" lo cubre todo, se escucha ínfimamente la voz de La India que va aumentando su intensidad hasta que "La muerte", reclama finalmente con un grito espeluznante de La India, su último aliento. El tercer movimiento, "The Passing of an Eagle", es un tramo instrumental con aristas futuristas que recuerda muchísimo a algunos pasajes del álbum conceptual de Jeff Wayne, basado en la novela "La Guerra de Los Mundos".

"Es hora de reflexionar sobre tu ego. No hay lugar donde esconderse cuando las paredes te hacen eco. Todos lo ven. ¡Ah, las sonrisas se disuelven! El pulso comienza a acelerarse; la cara, un rubor de miedo tan claramente pintado...". Así la voz los introduce ahora hacia "El Laberinto de Espejos", en "The Mirror Maze". Un bellísimo acompañamiento de piano, mellotron, violín y cello, para el primer movimiento donde El Hippie ve reflejado a el niño, solitario, enojado y rebelde que fue. Racionalmente El Hombre del futuro, le aconseja no sucumbir a estos fantasmas del pasado.El segundo movimiento mas fuerte, impregnado por sólidos riffs y solos de guitarras, no hace mas que reflejar que para El Romano este laberinto no le esta resultando nada fácil. Se esta ahogando en la desesperación, no puede vencer sus miedos y dice que esta condenado. Sin embargo El Caballero mas voluntarioso y optimista, con una valiente maniobra, lo ayuda a atravesar los espejos. Un ruido acuático y burbujeante coincide con la coda de "The Mirror Maze" y la intro de "Evil Devolution", donde los 5 salen del laberinto y llegan a una puerta que muestra el futuro al abrirla. Como no podía ser de otra manera la voz se dirige en particular a El Hombre del futuro a abrir esta puerta, diciéndole que allí esta el futuro. Para su sorpresa descubre que el humano evoluciona hacia un estado equivocado del ser, a manos de un "ciber-cerebro", el último en la cadena de alianzas hombre/máquina, que acabara con los sentimientos y emociones del primero, victima de su propia ciencia. La inminente fatalidad descubierta, vislumbra su caótica impronta a través de un pasaje fuerte de teclados y guitarras arrasadoras. Al cruzar esta puerta se encuentran con dos puertas mas, en "The Two Gates". El narrador enuncia que la elección sea guiada por la sabiduría colectiva. Una puerta completara el círculo; a un paso de la Dimensión de cada uno, su preciado tiempo. La otra puerta corta todas las conexiones y que el alma mas valiente tome la primer decisión. Inmediatamente El Bárbaro entra en acción, describiendo que la primera es simple y antigua y la segunda esta forjada en precioso oro. Su valentía, pero su orgullo y arrogancia, lo hacen elegir la puerta dorada: "¡Desafío a la muerte a encontrarme en esta puerta! ¡Desafío a Odin a pronunciar mi destino! Y si prospero, he vencido esta tierra. Pero si fallo, moriré como un hombre digno... Los cobardes se quejan más allá de la antigua puerta. Valhalla brilla más allá de la puerta dorada camino solo, así que no me sigas..." . A la vez El Romano y los demás lo arengan a elegir la puerta de su destino, que por supuesto acabará llevándolo a su muerte. Los demás entonces festejan haber hallado la puerta por donde pasar. El Caballero le exclama a la voz que han sido salvados y le pregunta el sentido de estas pruebas, si han triunfado, si han sido esclavizados y quien es el en realidad. La intro de "The Two Gates" contiene unos teclados que remiten a algunos pasajes de aquella recordada obra de concepto de Rick Wakeman, "Viaje al centro de la Tierra".

Antes de cruzar esta puerta final la voz revela su identidad como "Forever of the Stars". También les dice que es de una raza extraterrestre llamada "Forever". Estos tomaron a nuestro planeta Tierra como un experimento de las emociones humanas. Vencieron a los dinosaurios por la trayectoria descuidada de un meteorito perdido de un niño de su planeta. La elección de los 8, arrancados de "Time" no fue al azar, ya que representan la turbulenta historia de nuestro mundo. Mientras avanza en su relato la voz de Forever se va robotizando y haciéndose mas débil hasta desaparecer. En un ultimo hálito les dice: "El experimento ha terminado. Estoy cansado ahora. Tan cansado. Yo también estoy lejos de casa. Abre la puerta, completa el círculo. No recordarás, no recordarás. Porque solo soy el aire que respiras, después de todo ...".  "Another Time, Another Space" cierra la opera con el erizante y familiar sentimiento que nos provoca el final de una buena pelicula con la musica y sus creditos finales. Aquí, una vez devueltos los 4 al tiempo real, se preguntan que ocurrió realmente. El Hippie cree que es un sueño o bien un mal viaje por las drogas. El Hombre del futuro, dice no recordar nada y que su memoria ha sido borrada, siendo reemplazada con mentiras. Para El Romano ha sido un verdadero renacer, que le ha ayudado a vencer sus miedos. El Caballero por su parte dice haber encontrado "El Santo Grial" en un sueño mágico. En la sección final como una cinta pasada al revés, se emula una especie de torbellino sonoro que parece arrastrar las voces de los personajes desaparecidos desde sus respectivas dimensiones. "Another Time, Another Space" se apaga con la voz de Forever, pidiéndoles recordarlo, ya que que todo pudo haber sido una mentira y haber sido solamente un juego, dejando un final totalmente abierto. Nada mas acertado ya que en una futura obra de Ayreon, "Universal Migrator Part 2: Flight of the Migrator" (2000), "Forever of The Stars" reaparece y revela que es originario del Planeta "Y", en otra como "01011001" (2008). 

"Into The Electric Castle (A Space Opera)", la opera maestra de Ayreon, salio a la venta el 30 de agosto de 1998, ganando gran aceptación comercial. Recibió críticas abrumadoramente positivas a manos de los especializados, que elogiaron las habilidades de composición y escritura de Lucassen y la ductilidad de los cantantes. La opera se gano un merecido lugar junto a grandes obras de la música progresiva contemporánea y ayudo a que el "Universo Ayreon" prevaleciera. La producción y mezcla estuvo a cargo de Arjen Lucassen. El álbum es uno de los favoritos del propio músico, pues comenta que de todos los que ha grabado es uno de los mejores, en gran parte debido al equipo análogo de los años setenta que utilizó, ya que no quería sonidos sintéticos o prefabricados. Para festejar el 20 aniversario de la opera Lucassen remezclo "Into The Electric Castle" y lo relanzo en octubre de 2018. Los formatos fueron en 3 LP´s, 5 discos Earbook, en conjunto con una caja "deluxe" de edición limitada. Dentro de la misma se incluye una escultura en 3D enmarcada de la portada, 4 CDs con el álbum remezclado con una versión instrumental, un DVD con una remezcla en 5.1 del álbum y documentales, 3 LPs en vinilo de color dorado, una tarjeta de descarga y un certificado de autenticidad, firmado por Lucassen. Sobre este lindo trabajo que se tomo, comentaria: "Fue una tarea particularmente intimidante. Mi objetivo era darle un toque más contemporáneo, sin perder el encanto del original. Por casualidad, incluso encontré algunas pequeñas sorpresas en las cintas originales que no se habían utilizado en el original. Para que este relanzamiento fuera aún más especial, no me detuve después de terminar la mezcla estéreo, sino que también hice una mezcla 5.1. Este álbum prácticamente mendigaba que se mezclara en formato 5.1, debido a todos sus efectos espaciales, sonidos extraños y voces extrañas. Hice todo lo posible para que el oyente se sintiera como parte de la experiencia, como si hubiera entrado físicamente a esta ‘nueva dimensión'". Las presentaciones del disco, como no podía ser de otra manera, contaban con una gran producción de vestuario, escenas ambientadas y efectos visuales/especiales a la orden del dia. Sin ir mas lejos en el tiempo, Ayreon se presentó en 013 Poppodium de Tilburg (Países Bajos), los días 13, 14 y 15 de septiembre de 2019, para celebrar el vigésimo aniversario de "Into The Electric Castle" con una serie de vocalistas y músicos invitados, reuniendo a la mayoría de los músicos que aparecieron en el disco de 1998. 


Vocalistas:

Edwin Balogh como El Romano
Sharon den Adel como La India
Jay van Feggelen como El Bárbaro
Fish como El Montañés
Anneke van Giersbergen como La Egipcia
Arjen Anthony Lucassen como El Hippie
Edward Reekers como El Hombre del futuro
Damian Wilson como El Caballero
Robert Westerholt y George Oosthoek como La Muerte
Peter Daltrey como Forever

Instrumentistas:

Roland Bakker - órgano Hammond
Taco Kooistra - cello
Arjen Lucassen - guitarras eléctricas y acústicas, mandolina, bajo, Minimoog, melotrón y teclados
Rene Merkelbach - sintetizador 
Clive Nolan (Arena) -  sintetizador 
Erno Oláh - violín
Jack Pisters - sitara
Ton Scherpenzeel (Kayak) - sintetizador 
Robby Valentine - piano, sintetizador y melotrón 
Thijs van Leer (Focus) - flauta 
Ed Warby (Gorefest) - batería




Lista de Temas:

CD I:

1. Welcome to the New Dimension
2. Isis and Osiris
A) Let the Journey Begin
B) The Hall of Isis and Osiris
C) Strange Constellations
D) Reprise
3. Amazing Flight
A) Amazing Flight in Space
B) Stardance
C) Flying Colours
4. Time Beyond Time
5. The Decision Tree (We're Alive)
6. Tunnel of Light
7. Across the Rainbow Bridge

CD II:

1. The Garden of Emotions
A) In The Garden of Emotions
B) Voices in the Sky
C) The Aggression Factor
2. Valley of the Queens
3. The Castle Hall
4. Tower of Hope
5. Cosmic Fusion
A) I Soar on the Breeze
B) Death's Grunt
C) The Passing of an Eagle
6. The Mirror Maze
A) Inside the Mirror Maze
B) Through the Mirror
7. Evil Devolution
8. The two Gates
9. "Forever" of the Stars
10. Another Time, Another Space



jueves, 22 de agosto de 2019

Divididos - Vengo Del Placard De Otro (2002)


"Vengo del Placard de otro", el séptimo disco de estudio la banda "paisana" de Hurlingham, Divididos, tuvo la difícil tarea de esbozar una caótica época en la Argentina, infundada por una creciente crisis económica y política. Fue así que en gran parte de los 14 temas que componen el trabajo se abordan las diferentes problemáticas de entonces, todo visto desde el particular cristal de Mollo y de Arnedo, principales cabezas compositivas de la banda. Ricardo Mollo, guitarrista y cantante,  había definido al álbum como el sucesor directo de "Narigon del Siglo" (2000), dándonos a entender que sería una continuación del mismo. Lo cierto es que si bien por la época de "Narigón del siglo" ya el país estaba sumergido en diversas problemáticas, en este álbum terminan de asentarse muchisimo mas, dándole un gusto particular a las composiciones. Sin olvidarnos del plus de que este es mucho mas ecléctico que su antecesor. Hay momentos de un pesado y/o denso hard rock ("Cajita Musical", "Miente el After Hour", "Despiertate Nena" o "Libre el jabalí"),  lindas baladas "setenteras" y muy bien logradas ("Pepe Lui, "Vengo del placard de otro") y por supuesto su habitual y exquisita dosis de "Rock folklórico" que tan bien les sienta ("Casitas inundadas, a votar", "Guanuqueando").

Los comienzos de Divididos remiten al año 1988, año posterior a la disolución de Sumo quedando atrás la muerte del legendario Luca Prodan, el 22 de diciembre de 1987. Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto "Superman" Troglio y Germán Daffunchio comienzan a plantearse sus futuros, no sin antes dar un concierto final con el nombre Sumo, el 5 de marzo de 1988 en el Chateau Rock en Córdoba. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Prodan), uniendoseles luego Troglio y estando en las sierras cordobesas, forman Las Pelotas. Al poco tiempo Pettinato se va a España y forma una banda llamada Pachuco Cadáver. Mollo Y Arnedo unen sus fuerzas con el baterista de la banda La Sobrecarga, Gustavo Collado, para formar La División, que al poco tiempo se transformaría en Divididos. El primer manager de la banda fue Poppy Macedo, logra un contrato para la CBS, iniciando las gestiones del álbum debut "40 dibujos ahi en el piso" (1989). Mediando el año 1988, Divididos ya contaba con un serio repertorio para salir al ruedo. Una gran parte del publico que seguía a Sumo asistió a El Rouge Pub de Flores siendo testigo de la primera presentación en vivo del trío. Ademas de tocar, obviamente canciones de Sumo (como "Divididos por la felicidad", "Mañana en el abasto" o "Mejor no hablar de ciertas cosas"), en estos primeros shows darían a conocer canciones como "Haciendo Cosas Raras", "Los hombres huecos" o "Camarón Bombay". Temas que luego aparecerán en el álbum debut "40 dibujos ahi en el piso". El trabajo seguía la linea de álbumes de Sumo, con dosis de reggae, funk, hard rock y algo de punk. El power trio comienza también a alimentar la clara influencia de Hendrix. "40 dibujos ahi en el piso" dejaría canciones memorables en el repertorio de la banda como "Haciendo cosas raras", "Camaron Bombay, "Che, que esperas", "Gárgara larga" o el muy bien logrado clásico de los californianos The Doors: "Light My Fire". Seria el debut y despedida de Collado. La presentación de "40 dibujos ahí en el piso" se llevó a cabo en Cemento, el reducto porteño del empresario Omar Chabán, donde compartieron escenario con Germán Daffunchio y Alejandro Sokol (Las Pelotas), demostrando que la paz entre los dos grupos hermanos estaba sellada. "40 dibujos ahi en el piso" no gozo de un alto nivel de ventas pero quedo en la memoria de los fans de la banda como un gran puntapié para lo que luego vendría . En 1990 se encontraron perpetrando lo que seria su segundo disco "Acariciando Lo Áspero" con cambio de bateria , ingresaría Federico Gil Solá. Corriendo ya el año 1991 bajo la discográfica EMI, Divididos saca del horno "Acariciando lo aspero". "El 38", "Ala delta", "Qué tal?", "Sisters" "Sábado" y "Azulejo" son temas que van conformando el mosaico creativo de la banda de Hurlingham. La influencia "hendrixiana" comienza a emanar mas fluida y directa que nunca con el cover de The Experience, "Voodoo Child (Slight Return)". Y el "folk rock" marca registrada de Divididos comienza dar destellos de gran creatividad con "El Burrito", "Haciendo Cola Para Nacer" y por que no "Cielito lindo". Las presentaciones en vivo comenzaban a dar que hablar. Mollo comienza a homenajear a Jimi Hendrix en "Voodoo Child" , tocando la guitarra con los dientes, y por su particular forma de tocar influenciada por el mismo, con un plus de funk,  hard rock , blues rock , punk y reggae, sumado al solido trabajo rítmico de la destreza de los dedos de Arnedo, siempre predispuesto a abarcar cualquier variedad de estilos que se le presente, esto comienza a labrar la personalidad arrolladora de la banda. Para promocionarlo el grupo ya se había presentado meses antes en el "Festival por los Seis Años de la Rock & Pop", el 6 y 7 de abril de 1991 en el estadio Obras. Divididos se presenta en la segunda fecha junto a Rata Blanca, Illya Kuryaki and The Valderramas y Attaque 77. Poco después siguen con la gira de este disco, llegando a tocar nuevamente en el estadio Obras como teloneros de Faith No More en su visita a la Argentina. La gira en cuestión fue denominada "Tour áspero" con una serie de 13 conciertos durante todo 1992 finalizando a principios de 1993, en el Estadio Obras y en Cemento. Fue durante gran parte de estos shows que Federico Gil Solá se había quemado todo su cuerpo, y  fue reemplazado por Andrea Álvarez (quien había sido percusionista de Soda Stereo), participando durante casi toda la gira. El 18 de enero, después de dos años, la banda vuelve al Teatro Arpegios. En ese recital estrenaron material de lo que sería el álbum consagratorio "La era de la boludez", con Gil Solá nuevamente en las baquetas. Sostenido por los hiper populares cortes "¿Qué ves?" y "El Arriero", de Atahualpa Yupanqui, el tercer trabajo "La era de la boludez" consolida definitivamente la popularidad de la banda  masivamente en Argentina y ademas lo abre de cara al mercado latinoamericano y al mundo. Mezclado en EE. UU y con el excluyente aporte como productor y director artístico de el "Rey Midas" de la música latina, Gustavo Santaolalla. Con "La era de la boludez" la banda llega a un nivel consagratorio con un sonido redondo, compacto y propio, alejando los fantasmas de Sumo definitivamente. En retrospectiva el disco hace un sondeo exhaustivo de las problemáticas de la Argentina "menemista" con cierta jocosidad en ocasiones y seriedad en otras, sin olvidarse tampoco de defender las raíces, que que se extienden no solo en Argentina, sino que también de punta a punta, en todos los pueblos originarios de latinoamérica. Semejante producción y aceptación del publico llevo a el tour a hacer una cantidad de 41 shows entre 1993 y 1995 en varias provincias del pais, llenado una vez mas 13 Obras entre abril y diciembre de 1993 y en 1994 ante 20.000 personas en el estadio de Vélez Sarsfield. Es aquí donde la banda realmente se gana el nombre de "Aplanadora del Rock". El 18 de febrero tocan en la Plaza de las Américas en Buenos Aires, siendo este el último recital con Federico Gil Solá en la batería. Se percibía cierta tensión en general, entre Arnedo y Mollo para con este ultimo, pero mas particularmente en este recital cuando momento de tocar "Roadhouse Blues", Ricardo Mollo se encargó de la voz negándole la participación al baterista, quien lo hacia habitualmente en el tema. Monos con navajas era la banda que despidió al baterista Jorge Araujo, quien reemplazaría a Gil Solá para los shows pendientes y para la grabación de "Otroletravaladna" el siguiente trabajo en estudio de 1995. Un disco raro hasta para la banda misma, por una impronta adrede "anticomercial", debido a el síntoma que muchos artistas padecen luego de un desbordante éxito, y sobretodo en respuesta a las sofocantes demandas de las discográficas. El mismo Mollo dijo sobre este que era "horrible por dentro". Aun así es uno de los mejores álbumes de Divididos, mas variado aun que los anteriores. Se le animan a un tango con "Volver ni a palos", a un "hard rock hendrixiano" que a esta altura llega a una exquisita complejidad única en su estilo, como lo es en "Basta Fuerte", baladas simples y deliciosas en "15-5", extractos caóticos, jocosos  y  hasta experimentales en "Bolero coya/Por el aire como un tiburón" y "Por el aire como un tiburón/Pachanga coya" y una cuota bizarra con folclore en "Anda a lavartelos", entre otras perlas mas. Una vez mas el estadio Obras fue testigo de la presentación del nuevo material el 15 de diciembre de 1995. Llegando a tocar en Puerto Rico y Chile y haciendo un "enchufado" (contrariando los acústicos Unplugged) para la MTV en Miami. El tour de "Otroletravaladna" se extendió hasta principios de 1998, donde ya se comenzaban a presentar temas de su siguiente disco "Gol de mujer" (1998). Este album se presento el 25 de julio de 1998 en el Parque Sarmiento. "Gol de mujer" ahonda mas aun en la diversificación de estilos que siempre nos trae la banda. Expone mas cantidad de climas folclóricos (a veces son muy bien logradas parodias) con, "El gordo legüero", "Clavador de Querubín", "Niño hereje" y "Vientito del Tucumán", esta ultima es un poema inédito de Atahualpa Yupanqui. Los temas potentes dan mucho que hablar, basta con escuchar "Nene de antes", "Cabeza de maceta", "Sobrio a las piñas / Quién se ha tomado todo el vino?", "Cosas de Baboon" o la critica religiosa "Zombie" y por supuesto el bien logrado cover  Billy Bond y la pesada del rock and roll "Salgan al sol". La gira del álbum culminaría triunfalmente en Obras en 1999. Rebosantes de éxito en el verano de 2000 se presentan en la costa atlántica (Mar del Plata, Necochea y Mar de Ajó) con nuevo material, el cual partiría pronto hacia Inglaterra, para documentarlo en Abbey Road Studios con "Narigon del siglo". "Par Mil" y "Spaghetti del rock" impulsaron notablemente uno de los mejores y mas maduros trabajos de Divididos. La gira que los llevo a recorrer buena parte del territorio Argentino y varios paises de sudamerica y europa también (Reino Unido, España y Francia) se extendió hasta 2002 con la particularidad de participar de festivales con muchas bandas y solistas y de contar con varios invitados a saber: León Gieco, Illya Kuryaki and The Valderramas, Jaime Torres, Víctor Heredia, Verónica Condomí, Chango Spasiuk, Manu Chao, Los Pericos, Gillespi, Alambre González, Tito Fargo, Pappo, Machi Rufino, Juan Rodríguez, Mimi Maura, Kapanga, Pez, El Otro Yo y Bersuit Vergarabat, Catupecu Machu, Riff, Los Piojos, La Renga, Callejeros, Pappo's Blues, MAM (la banda de el hermano de Mollo, Omar) y La Mississippi, entre otros.

La banda venia aceitada de conciertos en europa. Habían participado en el Festival Latinoamericano de Toulouse, que tuvo lugar en la Ribera Río Garonne, el 25 de junio de 2002. Tres días después se presentan en Madrid, para regresar a Argentina a comenzar a grabar su séptimo trabajo. Grabado en los estudios "Del Abasto al Pasto" fue producido por Divididos, con el experimentado aporte del ingeniero Alvaro Villagra en la grabacion, masterizacion y mezcla. Un comienzo enérgico acusa "Cajita Musical" con un solido trabajo en la linea de bajo de Arnedo, siendo una mirada del artista sobre la crisis del momento. Un gran aliciente para el músico alentandolo a ser positivo a pesar de la crisis: " Con pedales sulfatados, la bronca linda arranco, hiervo cuerdas para siempre..." o "...con docencia y sadismo, cultura de lo nacional esta guerra de los sueños el artista del engrudo la pinto...".  "Ay que dios boludo!" y "Brillo triste de un canchero", se enganchan convenientemente, el segundo va sumergido en una tranquilidad que va dilatándose de a poco. Ambos van de la mano exhibiendo un hard rock y una prosa bien Divididos que en sus temáticas no dejan de ser la crónica de las problemáticas sociales y de las pequeñas parcas personales y colectivas del momento en el país.

Cierto aire de burla a las canciones de fin de año con la parodia "Villancico del Horror", con clima acústico cercano a la baguala, adornado por excelentes toques de psicodelia, gracias a los aportes de sintetizadores al mando de Juan "Pollo" Raffo, a la vez que se va haciendo eléctrico poco a poco. De inmediato "Pepe Lui", un tema destinado a ser un clásico de fogón , año tras año. Trata de un personaje que podría catalizar en su personalidad a muchos fans y/o aficionados del rock de los 70´s , pero puntualmente del "rock nacional". La velocidad arrolladora de "Miente el After Hour " perfecta demostración de lo que un power trío puede generar y es la exacta definición del "calavera" contemporáneo. Con la visceral "Despiertate Nena", Divididos buscó desempolvar el viejo tema de Pescado Rabioso, para darle un enfoque hacia estos tiempos y animar la llama Hendrix que destila esta canción. Mollo comentaria sobre la versión: "Es devolver un poco de lo que tomamos, es como darle una ventilación a eso para que no quede en el olvido".

La ambición musical de Divididos en contar con gran variedad de instrumentos se vé en el hecho de implementar una amplia sección de cuerdas con doce violines y cuatro cellos, así también vientos como fagot, clarinetes y flautas. La balada desnuda de tapujos que le da nombre al disco, "Vengo del placard de otro", es una clara muestra de la inclusión de estos instrumentos, bajo arreglos y dirección de Juan "Pollo" Raffo. También es notable el rango de la voz de Mollo, como trabaja las notas bajas hacia las altas, de los mejores trabajos vocales del álbum. Con una intro hindú con Jorge Araujo implementando percusiones como el udú y el tambor marroquí, "Casitas inundadas, a votar", refleja otra triste realidad lamentablemente vigente al día de hoy, las inundaciones. Expresa ese contraste entre el avance de la naturaleza y la ausencia de políticas eficientes (y sobre todo de las riquezas "mal distribuidas") ante estas problemáticas: "Desde arriba ya, sabe su lugar lentamente va llegando acá. No es venganza, es sólo natural Madre agua busca su lugar. Por el bendito afán de una moneda más, aguas danzantes sobre la ciudad montes chaqueños hoy como canchas de golf..." . "Es el disco de las ganas, si bien estamos viviendo una crisis social muy fuerte, esto fue hecho por el entusiasmo de personas que quieren seguir haciendo las cosas con ganas.", esto había comentado Mollo sobre el álbum y nada mejor para sintetizar lo dicho que la abominable "Un alegre en este infierno". Rock orquestado en su maximo esplendor , una vez mas con violines y cellos y sobretodo la potencia y el brillo del corno.

"Libre el jabalí" compacta y potente refleja varias problemáticas y nos invita a alimentar el amor a la cultura: "La Argentina y su tatuaje del error. Mentí, mentí, mentí que es verdad. Hoy me duele la cultura. Si no sueño quedo sin estribillo. En esta canción de amor." . Un coro de niños para el apropiado reggae "Aburridos peligrosos" una especie de crítica a las generaciones nuevas, a las "generaciones de la internet " quizás. Sobre el final un enfoque existencial con "Puertas"  una suerte de "stoner rock" que va derivando en exquisitos arreglos orquestales que sorpresivamente van tornándose experimentales con un final desconcertante. A las preguntas que Mollo se hacia con la directa letra de "Puertas" ("Que puertas abrir ??, Que puertas cerrar??") se le puede atribuir como una epifanía o por que no un regalo, en el final del disco marcado por la breve introducción de el clásico "El Reloj" del compositor mexicano Roberto Cantora, marcando la apertura de una puerta hacia la cautivante "Guanuqueando". Canción de el ya fallecido compositor, músico y maestro rural jujeño, Ricardo Vilca. "Guanuqueando" fue grabado en vivo en el Pucará de Tilcara en agosto de 2002, con el mismo Vilca en guitarra y sus músicos, añadiendo quena, charango, bombo, y zampoñas. Canción norteña por excelencia. Alude al paisaje, flora, fauna e instrumentos musicales autóctonos. "Zampoña" es un instrumento de viento, rústico, compuesto por varias quenas y "Airampo" es una planta andina. Por eso dice "Siento quenas que en el viento huyen" o "Entre airampos de luna, zampoñas que en el viento huyen". Como es una zona seca la gente que vive ahí tiene los labios quebrajeados por el viento seco y la tierra, a eso se refiere con "verteros de labios quebrados" o "Besos de mi raza". El cóndor es un animal característico del norte, por eso dice "En viaje, buscando el cielo un cóndor va, como mi ser resucitará, buscando la luz" (haciendo referencia al sol). El termino "guanuqueando" refiere a un amigo de Vilca, también músico, Carlos Guanuco. En la época en que Vilca compuso el tema se hallaba también tocando con un grupo llamado Raza, que era un encuentro de todos los músicos idóneos de la quebrada donde actuaban con Raúl Torre, Bicho Díaz, y otros más. Para Vilca fue una dedicación de corazón para Carlos. Ademas la canción alberga una anécdota colorida. Cuando Ricardo Vilca se iba a lo que comúnmente llamamos "de gira" o "de parranda", su esposa lo interrogaba : - "donde estuviste??" y el respondía: "guanuqueando", se refería a que había salido con Guanuco. Al finalizar la canción se oye un fragmento de la canción "Ue Paisano" del italiano Nicola Paone.

El primer corte de difusión fué "Cajita Musical" y el segundo "Pepe Lui", ambos con un correspondiente videoclip de gran popularidad. "Vengo del placard de otro" se presento en la inauguración del estadio Orfeo Superdomo de la ciudad de Córdoba. La banda vuelve a Obras los días 27 y 28 de septiembre para la presentación oficial del disco en Buenos Aires. La gira no estaría finalizada sino hasta el 13 de marzo de 2010, ya que no solo se presento este trabajo sino que también su segundo disco oficial en vivo "Vivo Acá" (2003) (el primero había sido "Viveza criolla" (2000)), que fue grabado en formato acústico en el Teatro Gran Rex, los días 16, 17 y 18 de julio del año 2003 para los festejos de los 15 años de la banda. El arte de tapa a cargo de Alejandro Ros, muestra una morcilla en el frente que abarca hasta la parte trasera que según Ricardo Mollo "Es un poco como el moretón argentino. La morcilla es un argentino, cagado a palo. ¿Hay algo más argentino que una morcilla? Representa el machucón de los que vivimos acá". Seria el ultimo trabajo con Jorge Araujo quien abandonaría Divididos en 2004, para ser reemplazado por el actual baterista Catriel Ciavarella. Tras 8 años de parate en lo que refiere a la actividad en estudio, el 17 de marzo de 2010 y por parte de la discográfica propia de la banda "La calandria" y  la Distribuidora Belgrano Norte (DBN), lanzan el octavo álbum de estudio "Amapola del '66". Un disco que demuestra aun mas la madurez compositiva de Mollo y Arnedo. Momentos de folklore habitual , funk y rock aplanador veremos en "Hombre en U", "La Flor Azul" , "Amapola del '66", "Jujuy" , "El perro funk" y "Todos", esta ultima dedicada a las victimas y a los familiares de accidentes de transito. La gira de presentación comenzó el 27 de marzo de 2010 en el Cerro Pucará de Provincia de Jujuy. El 2 y 3 de junio del mismo año se presentan en el Luna Park su primer y único DVD oficial en vivo, "Audio y agua". Poco después anuncian una segunda edición del disco en formato de vinilo. Son dos LP  con un orden de canciones distinto a la versión CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker del tema de Los Beatles, "With a Little Help from My Friends" con invitados de lujo como Ciro Fogliatta en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es la inédita "Pereta Voyeur". Sorpresivamente en 2015 Divididos anuncia una tercera edición de "Amapola del '66" que incluye ademas de los 13 temas originales, los dos bonus del vinilo y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película "Infancia Clandestina", del director Benjamín Ávila. "Haciendo cosas raras" (2018) acusa ser el noveno álbum de estudio de la banda. En realidad es la regrabación  y homenaje a "40 dibujos ahí en el piso" (1989), álbum debut de la banda que conmemora sus 30 años de vida con esta regrabación. Tiene la peculiaridad de añadirle letra al anteultimo track del álbum "La Foca" rebautizándolo como "Caballos de la noche". La presentación fue el 15 de septiembre de 2018 en el Hipódromo de Palermo, siendo este el show más grande de la banda, como el que hicieron el 10 de septiembre de 1994 en el estadio de Vélez. Actualmente Divididos se encuentra trabajando en nuevas composiciones para un futuro álbum de estudio, una de ellas titulada "Mundo ganado" puede disfrutarse en la pagina oficial de la banda.




Lista de Temas:

1. Cajita Musical
2. Ay, que Dios boludo
3. Brillo triste de un canchero
4. Villancico del horror
5. Pepe Lui
6. Miente el After Hour
7. Despiértate Nena
8. Vengo del placard de otro
9. Casitas inundadas, a votar
10. Un alegre en este infierno
11. Libre el jabalí
12. Aburridos peligrosos
13. Puertas
14. Guanuqueando (en vivo en Tilcara) (Incluye fragmentos de "El Reloj" de Roberto Cantoral y "Ue Paisano" de Nicola Paone)


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jueves, 18 de julio de 2019

Carlos Gardel - Tango Argentino (Su Obra Integral Vol. 16)


"Marca registrada", eso es lo primero que se nos ocurre al adentrarnos en este vol. 16 de la obra integral del zorzal criollo. Una selección de tangos que bien funcionaron y pueden funcionar como una excelente vidriera para las masas foráneas que quieran empaparse del género más popular de la Argentina. Por sus pasarelas desfilan grandes hitos como "Yira yira", "Me Da pena confesarlo", "Clavel del aire" o "De todo te olvidas".

El botánico tango que nació en 1929 y fue grabado por Gardel en 1930, "Clavel del aire" arranca esta selección. Particular version, con coros y acompañamiento de guitarras, que no solo hace un paralelismo entre la amada y esta flor, sino que también se le atribuye connotaciones de la naturaleza a el mismo narrador: ..." en esta región, igual que un ombú solito y sin flor así era yo... Y mi ramazón secándose iba, cuando ella una tarde mi sombra buscó. Un ave cantó en mi ramazón, y el árbol sin flores tuvo su flor." El tango pertenece a la bien llamada corriente "nativista", donde la prosa gauchesca nos presenta temas campesinos y si bien esta poesía nativista no progreso en el tango, "Clavel del aire" es uno de los pocos ejemplos de esta corriente dejando su legado. La letra pertenece al poeta uruguayo Fernán Silva Valdés y la música es de Juan de Dios Filiberto. Su estreno fue en el Teatro Argentino en 1929 por la cantante española Tania, en la famosa temporada de Armando y Enrique Santos Discépolo. De Juan José Guichandut y Armando Tagini, "Misa de Once", un tango rebosante de nostalgias. Remite a historias de amoríos juveniles y marcan toda una época del país: "Entonces tu tenías diez y ocho primaveras, yo veinte y el tesoro preciado de cantar... En un colegio adusto vivías prisionera y sólo los domingos salías a pasear. Del brazo de la abuela llegabas a la misa, airosa y deslumbrante de gracia juvenil y yo te saludaba con mi mejor sonrisa, que tu correspondías, con ademán gentil...". La autentica "alma del arrabal" se ve reflejada en el tango que da titulo a este volumen "Tango Argentino". La letra de Alfredo Bigeschi esboza con el aire arrabalero, recuerdos de como se fue forjando el estilo, remitiendo al alma misma de la propia miseria del arrabal: "¡Tango argentino!, Sos el himno del suburbio y en jaranas o disturbios siempre supiste tallar. Y que en los patios con querosén alumbrados los taitas te han proclamado el alma del Arrabal.". Y luego enaltece al estilo idolatrando viejos éxitos: "De tus buenos tiempos aún hoy palpitan "El choclo", "Pelele", "El taita", "El caburé", "La morocha", "El catre" y "La cumparsita", aquel "Entrerriano" y el "Sábado inglés". Una curiosidad es que la letra de este tango fue modificada en una de sus estrofas, donde se resalta el inevitable disfraz que le tocó vestir: "Inútil que quieran cambiarte de rango y en la aristocracia te mezclen con jazz, en tu inconfundible rareza de tango, se pinta la historia del viejo arrabal...". Pero singularmente, la version aqui nos dice lo mismo, escapando de la aristócrata obviedad:  "¡Qué quieren aquellos jaileifes del Centro que te han disfrazao y te han hecho un bacán; serás siempre extraño en la aristocracia, en cambio sos hijo acá en tu Arrabal!!!!".

De su autoría musical, "Me da pena confesarlo". Un tangazo de 1932. Alfredo Le Pera y Mario Battistella arriban con una una letra de costado existencial, reavivando nostalgias inextirpables y sobretodo enfocados en el paso del tiempo. Se canto en la pelicula "Esperame" de 1933 filmada en Saint-Maurice, Francia, acompañado por la orquesta dirigida por Juan Cruz Mateo. Por supuesto que el tango tuvo muchas versiones, pero la mas recordada por el público más joven o de rock, es la versión que de la banda Almafuerte en la voz de Ricardo Iorio y arreglos de guitarra de Claudio "El Tano" Marciello, para el álbum "Profeta en su tierra" (1998). Otros sentimientos de antaño con gusto a despedida se entonan en "Barra querida": "Me voy, compadre, sin rumbo fijo, mas no sin antes visitar el bodegón, que ayer nos viera siempre reunidos contando hazañas entre copas de pernod. Venga compadre, bebamos juntos, que a mi barrio, tal vez, ya no vuelva nunca, y antes quiero brindar por mi barra de ayer que jamás he de ver.". César Vedani, el responsable de la letra, había escrito un año antes, en 1927, la famosa "Adios Muchachos", tango donde encontraremos paralelismos, y justamente de allí se extrajo el título: "Adiós, muchachos, compañeros de mi vida, barra querida de aquellos tiempos.". Otra con música de su autoría es "Desdén" con letra de Mario Battistella. Fue el primer tango en el cual trabajaron juntos. Gardel lo estrenaría en 1933 en Radio Nacional, coincidiendo con el regreso del poeta a Buenos Aires. Y lo grabó el 17 de junio de ese año, con las guitarras de Pettorossi, Barbieri, Riverol y Vivas. La trágica letra, pone al narrador relatando sus penurias ante un supuesto "juzgado divino" y ante posibles hechos aberrantes: " El día que comparezca ante el tribunal de Dios, a dar cuenta de mi vida, que me complicaste vos; el día que francamente tenga yo que declarar,la verdad clara y culpable que a Dios no puede escapar y le diga que he faltado a su ley, de mala fe, al hacer de vos un culto, ¡al amarte más que a él! ¡que robé por tu cariño! ¡que maté ciego de amor!...".

Otro de los grandes poetas que dio el tango, fue Enrique Cadícamo y una de sus mas recordadas letras aparece en este vol.16 : "De Todo te Olvidas (Cabeza de novia)". La letra no hace mas que referencia a una persona, en este caso a una muchachita, que no está concentrada, que esta "ida" o que está pasando por una etapa de distracción. En los tiempos previos a una boda, resulta muy común observar que la novia sólo tiene cabeza para pensar en su enamorado y en los incontables detalles que supone la producción de tan esperado acontecimiento. Esta situación provoca que la novia incurra en numerosas distracciones antes del gran momento. Pero es obvia la influencia de Don Enrique a partir del poema del entrerriano Evaristo Carriego, "Tu secreto". De hecho el tango invita a revisar el poema en cuestión:  ¿Qué es lo que te pasa? Cuéntame; te ruego que me confidencias tu preocupación... Acaso tu pena es la que Carriego, rimando cuartetas, a todos contó. `De todo te olvidas, cabeza de novia´...". El sufrido hasta hasta la enfermedad vals, "Rosa de Otoño", con letra de José Rial (hijo) y música de Guillermo Barbieri, fue un vals que sirvió para la realización del cortometraje "Rosas de otoño" (1931) dirigido por Eduardo Morera, con producción de Federico Valle. Fue filmado en 1930 en Buenos Aires pero estrenado al año siguiente. Forma parte del grupo de quince cortometrajes (todos sobre una canción cada uno) pioneros del cine sonoro con sonido óptico, marcando así el inicio de los primeros "videoclips". Se lo puede ver a Gardel cantando el vals luego de un pequeño dialogo con Francisco Canaro. Sin embargo durante la interpretación no se ve en ningún momento a Canaro y a su orquesta.

Del mismo grupo de cortometrajes el archifamoso tango de 1929 con letra y música de ni mas ni menos que Enrique Santos Discépolo, "Yira yira". Un tango repleto de lunfardos, ya desde su sugestivo titulo, que es una castellanización del italiano "girare", que puede ser traducido como andar, callejear,vagar, en el sentido de buscar algo en vano. Un tango que pese a este concepto que sugiere su titulo, y que a lo largo del tango ubica a la irrevocable y abominable naturaleza del hombre, como resultado del mundo en que vive, nos confía una inmensa enseñanza. Y maravillosamente la moraleja que nos deja es de carácter atemporal. Según algunos pasajes del libro "Escritos inéditos de Enrique Santos Discépolo", el poeta, compositor y actor venia de una gira con "mala racha" en 1927 y volvía a Bs As luego de trabajos, fatigas, luchas y contratiempos y ademas sin un centavo. En medio de las dificultades diarias, del trabajo amargo, de la injusticia, del esfuerzo que no rinde, de la sensación de que se nublan todos los horizontes, de que están cerrados todos los caminos. Pero en aquel momento, el tango no salió. No se produce en medio de un gran dolor, sino con el recuerdo de ese dolor. Agrega Discépolo que "Yira… yira… nació en la calle. Me la inspiraron las calles de Buenos Aires, el hombre de Buenos Aires, la rabia de Buenos Aires… La soledad internacional del hombre frente a sus problemas…Yo viví la letra de esa canción. Más de una vez. La padecí, mejor dicho, más de una vez. Pero nunca tanto como en la época en que la escribí. Hay un hambre que es tan grande como el hambre del pan. Y es el hambre de la injusticia, de la incomprensión. Y la producen siempre las grandes ciudades donde uno lucha, solo, entre millones de hombres indiferentes al dolor que uno grita y ellos no oyen. Londres gris, Nueva York gris, Buenos Aires…, todas deben ser iguales… Y no por crueldad preconcebida sino porque en el fárrago ruidoso de su destino gigante, los hombres de las grandes ciudades no pueden detenerse para atender las lágrimas de un desengaño. Las ciudades grandes no tienen tiempo para mirar el cielo… El hombre de las ciudades se hace cruel. Caza mariposas de chico. De grande, no. Las pisa… No las ve… No lo conmueven…Yo no escribí “Yira… yira…” con la mano. La padecí con el cuerpo. Quizás hoy no la hubiera escrito porque los golpes y los años serenan. Pero entonces tenía veinte años menos y mil esperanzas más. Tenía un contrato importante con una casa filmadora que equivocadamente se empeñaba en hacerme hacer cosas que me desagradaban como artista… Como hombre digno. Y me jugué. Rompí el contrato y me quedé en la calle. En la más honda de las pobrezas y en la más honrada soledad… “Yira… yira…” fue una canción de la calle, nacida en la calle cuando le mordía el talón a los pasos de los hombres. Grité el dolor de muchos, no porque el dolor de los demás me haga feliz, sino porque de esa manera estoy más cerca de ellos. Y traduzco ese silencio de angustia que adivino. Usé un lenguaje poco académico porque los pueblos son siempre anteriores a las academias. Los pueblos claman, gritan, ríen y lloran sin moldes. Y una canción popular debe ser siempre el problema de uno padecido por muchos…". ¿Que es entonces lo que realmente quiere trasmitirnos Discépolo , con tanto lunfardo, por otra parte?. El primero en aparecer es "grela" como adjetivo de la suerte, que es la que falla y falla. En lunfardo "grela" se le atribuye a la Mujer perteneciente a un rufián. La suerte aqui, sustantivo femenino, es mujer. Por eso falla, y larga al hombre "duro" o "parao", esta expresión significa que lo deja excitado y frustrado, sin darle lo que deseaba. Luego "cuando estes bien en la via" con un modismo a estar "en Pampa y la vía", significa quedar en bancarrota, "seco", como los linyeras que iban vagando entre las vías del tren. Por eso mismo el cuero de los zapatos los "tamangos" se va a rajar buscando "ese mango (dinero) que te haga morfar". Entonces el poeta se encuentra en y ante un mundo que le es indiferente, a nadie le importa nada del otro y no debe esperar nada de nadie, pues: "...la indiferencia del mundo, que es sordo y es mudo, recién sentirás. Verás que todo es mentira, verás que nada es amor, que al mundo nada le importa, yira...!! yira...!!. Aunque te quiebre la vida, aunque te muerda un dolor, no esperes nunca una ayuda, ni una mano, ni un favor.". A las casas de buen nivel económico no se llamaba golpeando las manos, ni con los nudillos sobre la puerta, sino apretando el botón de un timbre que andaba con dos pilas muy grandes, Eveready Nº6, que todavía se venden. El "esperanzado" busca respuesta en los demás, el afecto de alguien en quien abandonarse confiado y no morir solo. Algún día no va a poder siquiera pedir ayuda: las pilas van a estar gastadas "secas" y no se va a oír su llamado. El cantor dice todo esto con fundamento, sin pedantería, reconociendo con humildad que a él ya le pasó: "cuando te dejen tirado, lo mismo que a mí". Cuando comprendas "manyés" ("mangiare" en italiano es "comer", en este caso "meterse algo adentro" o "comprender") que los demás están esperando tu derrota para ocupar tu lugar ("se prueban la ropa que vas a dejar"), te vas a acordar de mí, dice el cantor, de este tonto u "otario" que, harto de todo, renegó de su condición humana y "se puso a ladrar", sintiéndose un perro abandonado. Así como otros tantos tangos "Yira yira" sufrió parte de la censura, supresion y posterior sustitución de su lenguaje "inequívoco", "inmoral", "antinacionalista" y/o "lunfardista" por parte del gobierno militar de 1943 en Argentina, por lo que "Yira Yira", paso a llamase "Camina, camina". En 1949, y felizmente, durante la presidencia del Gral. Juan Domingo Perón, se anularon las restricciones hechas a este tango. Por otro lado el cortometraje de 1931, que luego veremos mas abajo, comienza con un histórico dialogo entre Gardel y Discépolo para luego interpretar el tango acompañado por los guitarristas Ángel Domingo Riverol, Guillermo Barbieri y José María Aguilar, aunque este último no aparece en escena. Por supuesto que contó con numerosas versiones, de las mas cercanas a la de Carlitos, fueron las versiones de Tania, la de Ignacio Corscini, mas adelante la de las otras dos voces pilares del genero: Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche. Pero sin ninguna duda la mas recordada para las generaciones mas jóvenes fue la versión de la banda de rock Los Piojos en su álbum debut "Chactuchac" (1992) , en la particular voz de Andrés Ciro Martinez.

Co-compuesta con Razzano y letra de Battistella, Gardel canta con la calida candidez que le remiten objetos tan preciados del pasado (incluso de un pasado inmemorial, desde la misma cuna) en "Medallita de la suerte". Y el típico y cruel desengaño amoroso que se da en nuestro tan querido tango argentino, (ya es otra "marca registrada" entre sus lineas) lo encontraremos en el tango final de este volumen : "Tras cartón". Un tango grabado por Gardel en 1929 con música de Anselmo Aieta y letra de Santiago Adamini. A este último se lo involucra en una anécdota con un gran gesto de camaradería y amistad, con este tango. Era sabido que Adamini ademas de poeta, cantor y guitarrero, era milonguero. Durante un tiempo fue compañero de un sinnúmero de milongas junto al famoso bailarín de tango Benito Bianquet (Ovidio José Bianquet) mas conocido como "El Cachafaz". En una oportunidad, estando con él en una milonga, éste lo anoticio que le "venían mal los borrados" y estaba "fallo al oro". Adamini, que creó tangos exitosos (como "Trasnochando", "A las 7 en el Café", "Señores yo soy del centro", "El cocherito" y "Para mí lo mismo da") le prometió tirarle un cable. Justo acababa de componer con Anselmo Aieta este tango: "Tras cartón". Hablaron con Anselmo y decidieron agregarlo como compositor de la música de dicho tango, para que se llevara unos pesos. Como Adamini era amigo de Gardel, fueron a verlo con el Cacha y Aieta,  le llevaron el tema y le explicaron la historia. El morocho del abasto se lo grabó sin dudarlo. Luego Canaro supo de tal maniobra y también lo registró. Gardel lo hizo en 1929 con las guitarras de Aguilar y Barbieri y Canaro el 2 de Abril de 1930. Pirincho (Canaro), incluso lo grabó en versión instrumental para mayor beneficio del Cacha.

Mas abajo vemos los dos cortometrajes de 1931 que se incluyen en este volumen. Donde se podrán apreciar los legendarios y clásicos diálogos que Gardel mantenía con sus colegas antes de cada interpretación . Primero "Rosa de Otoño" con Francisco Canaro y luego "Yira Yira" con Enrique Santos Discépolo.


Lista de Temas:

1. Clavel del aire
2. Alma en pena
3. Misa de once
4. Tango argentino
5. Palomita blanca
6. Una tarde
7. Me da pena confesarlo
8. Barra querida
9. Desdén
10. No te engañes corazón
11. Farolito de papel
12. De todo te olvidas
13. Rosa de otoño
14. Yira yira
15. Senda florida
16. Dicha pasada
17. Medallita de la suerte
18. Tras cartón


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Volumen XVI: "Tango Argentino"

viernes, 24 de mayo de 2019

Bob Dylan - Bringing It All Back Home (1965)


Siendo su quinto trabajo en estudio, Bob Dylan decide inyectarle rock a su habitual repertorio de canciones folk. Esto no es otra cosa mas que el resultado de la influencia de los grupos británicos como los Beatles que comenzaban a abrirse paso. Aquí comienza su escalada de consagración pasando por revolucionarios álbumes como este,HIGHWAY 61 REVISITED (1965), hasta llegar al gran BLONDE ON BLONDE (1966), atenuando las temáticas de sus líricas a un costado mas simbolista, surrealista y no tan de protesta. Canciones que dan fe de su nuevo romance con el rock serian por supuesto "Subterranean Homesick Blues", "Maggie's Farm" o "Outlaw Blues". El disco fue uno de los mas influyentes de su época y su titulo ineludible ("Trayéndolo todo a casa") planta a Bob como el caballito de batalla de este lado del gran charco, que por aquel momento era el héroe de la música country, para hacerle frente a la creciente invasión de musica inglesa de los "sixties"."Es muy complicado tocar con electricidad," dijo en el verano de 1965. "Te relacionas con otras personas… La mayoría de personas que no gustan del rock and roll no se pueden relacionar con otras personas". Producido por Tom Wilson, "Bringing It All Back Home" fue grabado en solo tres días, en los Columbia Recording Studios de Nueva York , sirviendo para comenzar a proyectar la nueva obsesión de Dylan por el sonido eléctrico y largar toda su vorágine literaria y sus nuevas formas poéticas.

Si vamos a la realidad del marco histórico Dyliano, su anterior larga duración "Another Side of Bob Dylan" (1964), no había logrado el éxito de sus anteriores trabajos, es así que el cantautor opta por profundizar sus letras y por supuesto comenzar a electrificar su sonido. Aquí también comienza su largo idilio con esa famosa localidad llamada Woodstock, pasando gran parte del verano de 1964 allí. Albert Grossman, representante de Dylan, también tenía una casa en Woodstock, y cuando Joan Báez visitó al músico en agosto, se hospedaron en su casa. Báez comento sobre aquella época: "gran parte del mes o así estuvimos ahí, Bob estaba en la máquina de escribir en la esquina de su habitación, bebiendo vino y fumando y tecleando sin descanso durante horas. Y en la oscuridad de la noche, se despertaba, ronco, fumaba un cigarrillo y tropezaba de nuevo con la máquina de escribir". "Mr. Tambourine Man" ya la tenia lista (había sido descartada de "Another Side of Bob Dylan") como así también "Gates of Eden". De esa estancia en Woodstock se vio el nacimiento de canciones como "If You Gotta Go, Go Now" e "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding), esta ultima incluida en "Bringing It All Back Home" y la primera descartada. Las canciones de Dylan comenzaron a arrimarse a el surrealismo. Además, su prosa se hizo más estilística, y a menudo utilizó el monólogo, quizás producto de su acercamiento al poeta Allen Ginsberg, de quien se hizo amigo. Realmente lo que desencadena la electricidad en este nuevo sonido de las canciones de Bob, es su famoso encuentro con Los Beatles (ocasión en la que Dylan les dio de probar por primera vez la marihuana), el 28 de agosto cuando regresa a Nueva York en un hotel. Este trascendental encuentro es la transformación radical en los métodos compositivos del grupo, que evolucionó hacia un estilo más introspectivo, especialmente en John Lennon. Así se gesta la grabación de "Bringing It All Back Home" , disco en su primera mitad eléctrico (la cara A) y la segunda mitad acústico (la cara B). El primer dia de grabacion estaba acompañado por una banda integrada por los guitarristas Al Gorgoni y Kenny Rankin, el pianista Paul Griffin, los bajistas Joseph Macho, Jr. y William E. Lee y el batería Bobby Gregg en los Columbia 30th Street Studios en diciembre de 1964. El día anterior había estado con algunos de los integrantes de la banda The Hawks, (que luego se convertirían en The Band, banda con la cual Dylan realizaría varios discos en vivo, mas adelante) con quienes grabo diez temas y varios bosquejos de canciones que fueron finalmente descartados. Pero volviendo a la grabación definitiva, ese primer día, después de tres horas y media, el grupo grabó cinco canciones: "Love Minus Zero/No Limit", "Subterranean Homesick Blues", "Outlaw Blues", "She Belongs to Me" y "Bob Dylan's 115th Dream". Horas después continuó grabando con otros músicos, entre los cuales figuraban John Hammond Jr., y el cantautor country  y John Sebastian, pero ninguna de esas canciones fueron incluidas en el trabajo. La ultima sesion, donde se testimoniaron la mayoria de los temas acusticos de la cara B, se realizo con los mismos musicos a exepcion del tecladista Griffin y se completo con los temas "Maggie's Farm", "On the Road Again", "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)", "Gates of Eden", "Mr. Tambourine Man" e "It's All Over Now, Baby Blue".

Con el "punch" inicial necesario que abren casi todos sus álbumes de esta era, "Subterranean Homesick Blues" irrumpe en el comienzo como el primer rap de los tiempos modernos y el primer videoclip de la música rock, donde Dylan expone y desecha de tarjetas con distintas palabras y frases de la canción. Mete en la coctelera la poesía rockanrollera del "Too Much Monkey Business", de Chuck Berry, las influencias del poeta Jack Kerouac y la canción de Woody Guthrie y Pete Seeger "Taking It Easy" creando una ametralladora verbal que apunta a varios sectores de la política de la época, frente a la creciente contracultura de los 60´s, entre otras cosas. También hace alusión a el uso generalizado de drogas recreativas y la confusión que rodeaba a la guerra de Vietnam, también se refiere a las luchas que rodean al movimiento de derechos civiles en Estados Unidos ("Mejor no te acerques a aquellos que llevan una manguera de bomberos": durante el movimiento de derechos civiles, los manifestantes pacíficos fueron golpeados y rociados con mangueras de bomberos de alta presión). "She Belongs to Me" de las primeras letras simbolistas de Dylan, que comienza a romper ese esquema en que no solo habla de alguien puntualmente, si no que hay alguien o "algo" mas detrás: "...ella tiene todo lo que necesita es una artista, no mira atrás, puede quitar la oscuridad a la noche y pintar de negro el día... Lleva un anillo egipcio que brilla antes de que hable... Inclínate ante ella el Domingo, salúdale cuando llegue su cumpleaños, cómprale una trompeta por Halloween y por Navidad regálale un tambor.". Y una dosis de ironía queda plasmada: ."... no es la niña de nadie, la ley no puede ni tocarla.".  Por lo enigmático de la canción se piensa que las letras  pueden referirse a Suze Rotolo, la novia de Dylan hasta 1964 o al ex amante de Dylan, la cantante folk Joan Baez, en particular por la línea sobre la mujer que lleva un "anillo egipcio", ya que Dylan le había regalado a Báez tal anillo. Aunque John Cale, de The Velvet Underground, ha declarado que cree que la canción es sobre la legendaria Nico, cantante de ese grupo, con quien Dylan pasó algún tiempo en la época de la composición de la canción. Lo cierto es que también podemos asignarla a una musa anónima de Dylan, alguien inasible y/o algo que lo domina.

Este nuevo sonido eléctrico de Dylan ejerce su rebelión entre afiladas armónicas con "Maggie's Farm". Aquí se atreve a criticar a cualquier institución donde se ejerce racismo, explotación , trabajo esclavo y otras formas de maltrato: "No, no voy a trabajar más en la granja de Maggie. Bueno, despierto en la mañana, doblo mis manos y rezo para que llueva... Es una vergüenza la manera en que me hace fregar el piso. No voy a trabajar más en la granja de Maggie...". No solo es Maggie la apuntada sino que también el resto de su alienante familia: "No, no voy a trabajar más para el hermano de Maggie. Bueno, te da una moneda de cinco, te da una moneda de diez... te pregunta con una mueca si la estás pasando bien, luego te castiga cada vez que tocas la puerta. No, no voy a trabajar más para el papá de Maggie. Bueno, él pone su cigarro en tu cara por pura diversión. La ventana de su dormitorio está hecha de ladrillos. La Guardia Nacional vigila su puerta...". Otras campanas, como la del critico Tim Riley, afirman: "es la queja de una estrella de rock a su compañía discográfica, la queja de un compositor a su editor, y la queja de un cantante como mercancía, a su audiencia como mercado ". La verdad es que  ha calado hondo como grito de guerra de la contracultura, llegando en los años 80´s a adoptarse como un himno de los opositores de Margaret (Maggie) Tatcher, primer ministra británica. La canción es protagonista de otro hecho memorable que merece la pena recordar. Represento un gran revuelo tanto para los fans como para el entorno del músico, después de su montaje eléctrico en el "Festival Folk de Newport" de 1965; fue la interpretación en ese set, mucho más rápida y agresiva que en la grabación del disco, sin poderse escuchar la voz de Bob y destacándose la guitarra eléctrica de Mike Bloomfield, lo que causó la mayor controversia. El gerente de producción del festival, Joe Boyd, argumentó que: "esa primera nota de 'Maggie's Farm' fue la cosa más ruidosa que alguien haya escuchado". Todavía se desconoce si fue a proposito o no, pero muchos informes sugieren que el problema se debió a inconvenientes de sonido. Dedicada a la que pronto se convertiría en su esposa, Sara Lownds "Love Minus Zero / No Limit", refleja un apego contradictorio: "Mi amor, ella habla como el silencio. Sin ideales de violencia. No tiene que decir que es fiel. Si embargo es sincera como el hielo,  como el fuego". Algunas de las imágenes confirman el surrealismo naciente en Bob: "El viento aúlla como un martillo. El viento de la noche sopla frío y lluvioso".  Y la imagen final en que la amante es como un cuervo en la ventana del músico, con un ala rota, es un símbolo de vulnerabilidad en contraste a su fuerza: "Mi amor, ella es como algún cuervo En mi ventana, con una ala rota". El titulo de la canción , "Love Minus Zero / No Limit" (que se puede interpretar como "amor absolutamente ilimitado") habla de la aceptación del escritor a asumir que todo amor implica un riesgo. Concentrado en el deseo de abandonar la "cancioncita folk de protesta", y darle su flama eléctrica, a la grata influencia que obtuvo de el blues rock de Chicago, aparece "Outlaw blues". La letra  habla de viajeros, tal vez una canción acerca del estilo de vida del bandido, el cual poseían, en algún grado, los cantantes originales de blues. Es quizás una expresión de deseo a que su propio estilo de vida cambie y se torne mas bohemio, mas "fuera de la ley". La poesía psicodélica gana terreno en "On the road again", donde con una especie de rebelión ante lo establecido, (y quizás al consumo de ácido) al estilo "Maggie´s Farm", el narrador describe un dia comun, por la mañana: "Desperté en la mañana. Habían sapos en mis calcetines. Tu mamá se escondía dentro de la heladera. Tu papá entra usando una máscara de Napoleón Bonaparte... El bastón de tu abuelo se convierte en una espada. Tu abuela reza a imágenes que están pegadas en un tablero. Todo lo que tengo en los bolsillos lo roba tu tío. Luego me preguntas por qué no vivo aquí... Querida, no puedo creer que eres de verdad.".

Nada parece escapársele a la narrativa de "Bringing It All Back Home". "Bob Dylan's 115th Dream" que cierra el eléctrico lado A, es una parodia burlona de otro tema del propio Dylan, "Bob Dylan's Dream", de "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963) y se traslada satíricamente a los tiempos del descubrimiento de América, creando una linea temporal paralela a la historia de "Moby-Dick" y otra linea (de presente) con la actualidad de entonces. De hecho, gran parte de la narrativa de la canción parece estar relatada por un tripulante de el  legendario "Mayflower", que estaba al mando de el Capitán Ahab, uno de los protagonistas de la historia de la ballena. El narrador, que se hace llamar "Capitán Kidd" sortea un sinnúmero de dificultades y aventuras luego de desembarcar en tierra firme, para luego volver a la embarcación. La sátira, sin perder el humor, contiene una de las partes mas graciosas que se da sobre el final. Nada es lo que parece, el pasado está disponible para reinventarse, solo porque es nuevo no significa que sea bueno: "Pero lo más gracioso fue Cuando salí de la bahía... Vi tres barcos a vela. Todos se dirigían hacia mí. Le pregunté al capitán cuál era su nombre. ¿Y por qué no manejó un camión?. Dijo que su nombre era Colón. Yo solo le dije: `buena suerte´". Comienza con Dylan tocando la canción solo (a su vieja usanza de cantante folk) después de que el resto del grupo entrase a destiempo, antes de romper a reír y volver a comenzar con toda la banda, reivindicando su nuevo sonido eléctrico.

Y el acústico lado B, se inicia con la canción mas popular del LP, nos referimos por supuesto a la exquisita "Mr. Tambourine Man". Canción importantísima si las hay, ya que se le atribuye la creación del llamado "folk rock", pero paradójicamente no gracias Bob Dylan su padre biológico, sino que a The Byrds. Si bien Dylan ya la había interpretado en 1964, fue el sencillo de la banda californiana el real hit. Lanzado el 12 de abril de 1965 por Columbia Records, daría título al álbum debut de la banda, "Mr. Tambourine Man", de 1965. Disco y sencillo que fueron un impulso importantísimo para ese genero durante la década de los 60´s. De la composición de "Mr. Tambourine Man" se dice que surgió a raíz del primer viaje de LSD de Dylan y de la fuertisima inspiración que le bajó al leer a Rimbaud. Ademas fue toda una innovacion en la estructura de las canciones folks de hasta entonces. Fue una de las primeras canciones que pasó a conjugar los verbos y la música de la tercera a la primera persona. Quizás de las letras mas surreales y comprometedoras del trabajo, "Gates Of  Eden". Las imágenes de ensueño, los personajes tétricos e irreales, en contraposición al titulo, hacen pensar mas en un infierno que en un paraíso, como si fuera la versión del libro del "Apocalipsis" de Dylan. La estrofa final: "Al amanecer mi amante acude a mi y me cuenta sus sueños, sin intentar enterrar la mirada en la zanja de lo que cada uno quiere decir. A veces pienso en que no hay palabras aparte de éstas, para decir lo que es verdad... Y no hay verdades fuera de las puertas del Edén.". Da la impresión de que en realidad el Edén no existe, apuntandonos a buscar la verdad del espíritu. Cuando la interpreto por primera vez en el Halloween de 1964 en el Philharmonic Hall de Nueva York, bromeó a su audiencia: "Esto se llama 'una canción de cuna sacrílega en Re menor". Ademas de su primera salida en "Bringing It All Back Home" (y grabada en una toma), "Gates Of Eden" tuvo el honor de ser el lado B (y acústico), de ni mas ni menos que la monumental "Like a Rolling Stone", unos meses después. Con "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)" llegamos al olimpo del disco. 7 minutos y medio del mejor "folk-blues" catártico que se le haya ocurrido a Dylan hasta entonces. La tocó por primera vez en vivo el 10 de octubre de 1964 en el ayuntamiento de Filadelfia. La versión incluida en "Bringing It All Back Home" se grabó el 15 de enero de 1965, el mismo día que las otras tres canciones de la segunda cara del álbum ("Mr. Tambourine Man", "Gates of Eden" y "It's All Over Now , Baby Blue"). Entre acordes en progresión y un extenso juego de rimas, con Bob a punto de perder el aliento, la letra de "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" expresa la ira y su propio desangramiento por lo que ve como la hipocresía, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra inherentes a la cultura estadounidense contemporánea. A diferencia de las canciones de protesta que venia ofreciendo, aqui Bob no deja ninguna luz de esperanza al final del túnel, ninguna solución, ni política. Por supuesto que el surrealismo sigue latente, ya desde el comienzo: "Oscuridad al caer el mediodía. Las sombras opacan la cuchara de plata. La cuchilla hecha a mano, el globo del niño, eclipsan tanto al sol como a la luna. Para entendernos: sabes que muy pronto no tendrá sentido enfrentarlo.". El panorama es espantoso, es oscuro, es un caos... pero hay un camino. Todo lo  que hay que hacer es ver el mundo a tu manera, no a su manera: "Y aunque las reglas del camino han sido interpuestas. Solo tienes que esquivar los juegos de la gente... Aunque los amos hacen las reglas para los sabios y los tontos. No tengo nada, Mamá, que cumplir.".  Deleita observar, también como en pocas lineas Dylan desliza el apego a su nueva etapa eléctrica confundiendola dentro de la reinante ira de la canción: "Entonces no temas si escuchas un sonido extraño en tu oído. Todo está bien, Mamá, solo estoy suspirando". "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una obra maestra de Dylan y de la poesía primal en el rock. Una de las versiones mas recordadas fue la que hizo Roger McGuinn de The Byrds, para la banda sonora de la película de 1969, "Easy Rider" ("En Busca de Mi Destino"). Una despedida acongojada con la abrumadora desolación de "It´s All Over Now Baby Blue", esta mas que a la altura de la calidad del álbum. La ultima grabada ese magico dia que grabo el lado B, con Dylan en la guitarra acústica y armónica y William Lee en bajo. El mismo Dylan cita la "Baby Blue" de Gene Vincent como fuente de inspiración. Es inevitable pensar a quien apunta esta despedida de Dylan, hay versiones que involucran una vez mas a Joan Baez, y otras insisten en una especie de despedida de la gente como que se esta yendo al rock. Igualmente en el caso de referirse a la despedida de alguien en particular, es extraño el acompañamiento tan arrullador, suave y que hasta llega a ser alegre. Porque su mensaje es claro y fuerte: "Debes irte ahora, lleva lo que necesites, lo que creas que durará... El pintor con las manos vacías de tus calles está dibujando locas figuras en tus pliegos... El amante que acaba de salir por tu puerta, se ha llevado todas sus sábanas del piso... La vagabunda que está golpeando a tu puerta lleva puestos las vestidos que alguna vez usaste..." Es así como Dylan apunta al final, al final de todo, el final de la esperanza, o a el final, por que no, de su vida como trovador folk de protesta. Muchas de estas canciones de despedidas, tienen un punto en común, el salir adelante a pesar de todo. "No, eso no sucederá", dice Dylan. No lo hará en mi vida, no lo hará en tu vida, simplemente no lo hará y punto. Quiere que nos hagamos responsables de nuestras propias vidas. Aquel vagabundo que golpea la puerta debe ser despreciado tanto como que la "nena triste" necesita seguir adelante. Quiere que tomemos el control, sin culpar al destino: "La ruta es para los apostadores, mejor usa la lógica. Lleva todo lo que has aprendido de las casualidades" o "Enciende otro fósforo, anda y empieza desde cero y ya todo ha terminado, Nena Triste...". 

"Bringing It All Back Home" seria el primer escalón de los tres discos "revolucionarios" del duluteño, que por entonces tenia solo 26 años. Su portada  fue diseñada por Daniel Kramer y muestra a la mujer de Albert Grossman, el manager de Dylan, Sally Grossman en segundo plano en una habitación con un fondo lleno de mensajes y/o significados. Vemos discos de The Impressions ("Keep on Pushing"), Robert Johnson ("King of the Delta Blues Singers"), Ravi Shankar ("India's Master Musician"), Lotte Lenya ("Sings Berlin Theatre Songs by Kurt Weill") y Eric Von Schmidt ("The Folk Blues of Eric Von Schmidt"). Considerándose a la altura de estos, se puede apreciar que incluyo, parte de la portada de su "Another Side of Bob Dylan". Debajo del brazo derecho de Sally hay una revista Time con la foto del presidente Lyndon B. Johnson. Sobre el hogar hay un cuadro con el retrato de Lord Buckley, una copia de la revista GNAOUA, dedicada al exorcismo y a la poesía del escritor de la generación Beat, Ira Cohen. Sobre la mesa se aprecia una armónica, con un cartel de "Fallout Shelter" ("Refugio Nuclear") apoyado en ella.  Dylan está sentado con su gato, llamado "Rolling Stone", sobre su regazo, y tiene sobre una pierna una revista abierta que incluye un anuncio de Jean Harlow con la columnista Louella Parsons. Los gemelos que Dylan lleva en la imagen fueron un regalo de Joan Baez, tal y como recalcó la cantante en su canción "Diamonds & Rust". A la idea que el propio Dylan tuvo de las tarjetas de las palabras de "Subterranean Homesick Blues", se la decidió materializar en el famoso video clip. La versión original del mismo, precursor de lo que más tarde se conoció como el video musical, fue el segmento de apertura de la película de D. A. Pennebaker "Don't Look Back", un documental sobre la gira de Dylan en Inglaterra en 1965. Las tarjetas de referencia fueron escritas por Donovan, Allen Ginsberg, Bob Neuwirth y el mismo Dylan. El video fue filmado en un callejón cerca del Hotel Savoy en Londres. Allen Ginsberg (la nueva amistad poética de Dylan) y Neuwirth aparecen brevemente en el fondo. Mas abajo compartimos el video y la memorable versión de "Maggie's Farm" en el "Newport Folk Festival 1965" que sin duda marca un antes y un después en la historia del rock and roll. En su cumpleaños número 78 brindamos con el tío Bob recordando el legado que imprimió "Bringing It All Back Home" que fue implacable. Considerado uno de los mejores álbumes de la historia del rock, básicamente por comenzar a llevar la poesía de alto vuelo en el genero y demostrar el feedback de influencias que ni mas ni menos mantuvo con sus grandes amigos, los Beatles.



Lista de Temas:

1. Subterranean Homesick Blues
2. She Belongs to Me
3. Maggie's Farm
4. Love Minus Zero/No Limit
5. Outlaw Blues
6. On the Road Again
7. Bob Dylan's 115th Dream
8. Mr. Tambourine Man
9. Gates of Eden
10. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)
11. It's All Over Now, Baby Blue


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Más de Bob Dylan:

1965 - Bringing It All Back Home
1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
1989 - Oh Mercy
2006 - Modern Times