sábado, 1 de febrero de 2020

El Futre - Sumergido (simple) (2020)


Una exacta fusión entre el jazz, el rock y el folclore es El Futre. Banda formada en Mar del Plata en octubre de 2016 y presentándose a partir de 2017, con el fin de enaltecer y darle rodaje a este tipo de combinaciones de géneros que tanto faltan por estos tiempos. Facundo Cuello en bajo y voz , Alexis Soto en guitarra, Federico Moyano en teclados, Nicolas Pastore en saxo y Nicolás De Angelis en bateria le dan vida a un repertorio por demás excepcional, con variados arreglos en equilibrio y armonía, donde ningún instrumento se ubica por encima de otro.

 Grabado en por Agustín Seresini para Artefacto estudio, el simple adelanto de El Futre "Sumerguido", nos describe con una liquida surrealidad una suerte de paisaje mortecino con el cuerpo de una expresiva voz , en medio arreglos progresivos de teclados, un contundente bajo, sutiles riffs de guitarra , coloridos matices de saxo y  una bateria que sobre el final, sorprendentemente, se disfraza de bombo.



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martes, 28 de enero de 2020

Talking Heads - Fear Of Music (1979)


Un álbum emblemático de una de las bandas pioneras y mas interesantes de la "new wave" neoyorquina, Talking Heads. "Fear Of Music" su tercer trabajo de estudio, es un excelente collage de la original impronta que comenzaba a generar la bestia compositiva de David Byrne. Un disco oscuro y extraño. Ya desde su oscura portada, dentro de esas tinieblas, maneja diferentes estados de ánimos y agrega nuevos elementos a su música. Dentro de las características de la "new wave" (que ya de por si es variada ) veremos, sonidos "funkys" y "post punks" y hasta "afro". El minimalismo a flor de piel se hace notar ya con el simple hecho de que la mayoría de los títulos de las canciones son de una sola palabra. Se dijo en aquella la época, que el álbum es una especie trabajo de concepto sobre los miedos: miedo a la mente, al papel, a perder la memoria, a las ciudades, al aire, a la muerte, a los animales, etc. Brian Eno produjo el álbum, siendo el segundo con la banda (habia producido el segundo larga duración de los Heads, "More Songs About Buildings And Food" de 1978) y continua sumergiendo a la banda en una conveniente experimentación, como así también introduce ritmos "afrobeat" que tan bien les sientan, los mismos que terminarían profundizándose de aquí en mas, en el siguiente álbum, "Remain in Light" (1980) en general.

Talking Heads se formo en 1974 en NYC. David Bryne habia nacido en Escocia en 1952,  al cumplir los dos años sus padres se trasladaron a Canadá, y a los 8 años se mudan, esta vez a las afueras de Baltimore. En septiembre de 1970 ingresó como estudiante en la prestigiosa Escuela de Diseño de Rhode Island. Fue allí dónde conoció a Tina Weymouth y Chris Frantz con quien formaría la efímera  "The Artistics" en 1973 la cual duraría un año. Tina seria la esposa de Frantz y fan de la banda, se les uniría ejecutando el bajo, y así los tres deciden probar suerte en el este de Nueva York, comenzando a realizar importantes ensayos y en mayo de 1975, bautizan a la banda como Talking Heads. Con respecto a como eligieron este curioso nombre para la banda, Tina Weymouth explico alguna vez: "Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el gusto de una persona hablando acerca de 'todo contenido, nada de acción' ". Como gran parte de las bandas de la "New Wave " el ecosistema inicial de la banda era el legendario club CBGB, dando uno de sus primeros grandes pasos teloneando a The Ramones. En 1977, se les une Jerry Harrison. La flamante Talking Heads quedaba conformada entonces por David Byrne en voz principal y guitarra, Chris Frantz en batería y percusión, Tina Weymouth en bajo y coros y Jerry Harrison en guitarra, teclados y voces. Rápidamente consiguen la tan anhelada aceptación tanto del difícil publico under como de las compañías discográficas como Sire Records con la quefirman un contrato para su primer trabajo en estudio el gran "Talking Heads: 77" y al año siguiente "More Songs About Buildings And Food". Estos dos eran una renovación para el panorama del rock de la época, incluso renovaba la idea de el ya de por si "Nuevo" estilo: el punk , llegandosele a atribuir como música "post-punk". También contenían unas interesantes composiciones de Bryne que ya daban que hablar y ya ejecutadas con The Artistics como la gigantesca "Psycho Killer", "Im Not In Love" o "Warning Sign". Entrado el año 1979 estaban listos para encarar su tercer LP, aun con la producción de Eno. "Fear Of Music" supondría mas complejidad en los arreglos y la experimentación, lanzado el 3 de agosto de 1979. Fue grabado en distintos lugares de la ciudad de Nueva York y se lo considera como uno de los mejores trabajos de la banda.

El enfoque en la lírica y poesia de "I Zimbra" fue toda una innovación en la música de la banda que adapta un poema del dadaísta Hugo Ball: "Gadji beri bimba". El costado étnico y tribal de esta música, fue aprovechado al máximo con la oportuna participación de la guitarra del maestro Robert Fripp (King Crimson) que le otorga un sostén de prestigio a esta pieza de experimentación africana futurista. A la excelente ejecución rítmica de Chris Frantz, se le suman percusiones africanas,
congas, un surdo, un yembé y un tambor parlante junto a voces y gritos encimados logrando emular una verdadera danza ritual. En "Mind", con una secuencia rítmica minimalista y psicodélica por donde se la mire, veremos a un Bryne invocando a un cambio radical en nuestras mentes. "La ciencia no te cambiará. Al Parecer yo no puedo cambiarte. Intento hablar contigo para aclarar las cosas pero ni siquiera me estás escuchando ...Y todo esto viene directamente de mi corazón a ti ...". Ante este panorama tan hermético, la intención  de "Mind" con su aire muy "new wave" apunta ademas a tomar un nuevo rumbo en el rock, y así despojarse de un machucado hard rock y rock progresivo de los 70´s. Ciertamente el ritmo funky de "Paper" que cuestiona el encajar o no encajar es cautivador  y prepara el terreno para "Cities" que comienza como si el track viniera ejecutándose desde el silencio y escapando del peligro citadino, con el sonido de una sirena a lo lejos. "Cities" se destaca por una excelente estructura rítmica, sostenida por el espectacular bajo de Tina como así también las habilidades histriónicas de David con voces impostadas y jadeos. La peculiar letra parece mostrar a alguien decidiendo sobre una ciudad donde mudarse, evaluando los puntos a favor y en contra entre las mismas: "Hay mucha gente rica en Birmingham. Muchos fantasmas en muchas casas... Mira hacia allá! ... Una fábrica de hielo seco!. Un buen lugar para reflexionar...".

De las composiciones mas serias del álbum, "Life During Wartime", que aunque pareciera caer en el lugar común de detallar la vida durante una determinada guerra, en realidad con su paso entre lo funky y lo bailable, nos cuenta el punto de vista de alguien involucrado en actividades clandestinas en los Estados Unidos (puntualmente se mencionan las ciudades de Houston y Detroit) durante algún tipo de disturbio civil o ambiente distópico. En esa misma linea de seriedad la caótica e introspectiva "Memories Can't Wait" sintetiza con gran depresión el remolino sin escapatoria en el que se encuentra una persona encerrada en la jaula de sus recuerdos: "Hay una fiesta en mi mente ... Y espero que nunca se detenga. Estoy atrapado aquí en este asiento ... Puede que no me pare. Otras personas pueden irse a casa ... Todos los demás se separarán. Estaré aquí todo el tiempo ... nunca puedo renunciar..." "Air" otro momento altísimo del trabajo, nos demuestra como puede lastimar acaso el peso de las cosas triviales (hasta el aire puede lastimar mi piel). Otra gran muestra del mundo minimalista que puede hacer caber dentro de una canción Byrne y compañía, entre momentos tensos y dramáticos con pasajes hermosos y sensacionales.

"Heaven" la balada por excelencia de "Fear Of Music", es una pieza melódica realmente encantadora. Una vez mas sobresale el bajo de la Weymouth y los arreglos de la guitarra de Jerry Harrison que llegan a florecer, quien también gusta con sus teclados. El costado progresivo  y electrónico/experimental (del lado de Eno) de la guitarra de Bryne y Harrison se ve que calo hondo en la música de los Talking Heads. Las tres ultimas composiciones del álbum, "Animals", "Electric Guitar" y "Drugs" confirman lo dicho. Estas son quizás las mas cercanas a un sonido emparentado al rock progresivo. De alguna manera las estructuras y texturas marcarían notoriamente  la música que perpetraría Robert Fripp, en el espectacular King Crimson fase 4 (el de la  primera parte de la década de los 80´s, con Belew y Levin), ¿O sera acaso que ambos (Talking Heads y Fripp) se  influenciaron mutuamente por  aquel  preciso momento?. Lo cierto es que el sonido en estas tres, es de lo mas experimental y jugado que hizo la banda y no volvería a retomar jamas en siguientes trabajos. Con cierta "ironía poética "la particular letra de "Electric Guitar" critica sin duda alguna censuras o cosas por el estilo  dentro del mundo rock, con metáforas del tipo: "Una guitarra eléctrica es llevada a un tribunal de justicia. El juez y el jurado (doce miembros del jurado) todos escuchando discos. Esto es un crimen contra el estado. Este es el veredicto que alcanzan: Nunca escuches una guitarra eléctrica...". En el final se hace notar la mano de Brian Eno en "Drugs" (de hecho es el co-compositor con Bryne), donde se describe un ambivalente viaje de drogas, sumergido dentro de los tratamientos electrónicos de Eno.

"Fear of Music" corona el final de una decada desenfrenada dejando un final abierto para el futuro de la banda, con una mirada positiva hacia lo que seria la fructífera década de los años 80´s. Cuatro fueron los simples promocionados entre 1979 y 1980: "Air", "Life During Wartime", "I Zimbra" y "Cities". El álbum es aclamado por la critica y fans como uno de los mejores trabajos lanzados por la agrupación , no llegaría a disco de oro en EE.UU. hasta 1985. La influencia "afro" de "I Zimbra" marcaría a fuego la concepción del siguiente LP de los Heads "Remain In Light" (1980) y por supuesto mas adelante en el tiempo induciría a David Byrne a preocuparse por la llamada "world music" en su carrera solista. Para lograr interpretar estos nuevos sonidos la banda hace una gira añadiendo mas músicos en escena e importantes invitados como Adrian Belew y Bernie Worrell, presentándose en el "Heatwave Festival" y luego en el concierto que quedaría plasmado en el vivo "Stop Making Sense" (1984). El single principal de "Remain in Light", "Once in a Lifetime", se convirtió en un éxito entre los 20 mejores en el Reino Unido, pero no así en EE. UU. , igualmente significo un gran empujón para la banda durante los años 80 y también gracias al video de la canción que fue nombrado como uno de los mejores de todos los tiempos. Los siguientes trabajos no harían mas que confirmar y aceitar el éxito de Talking Heads, dejando himnos de gran repercusión. "Speaking in Tongues" (1983), produjo el único hit de la banda en el  Top 10 estadounidense, con "Burning Down the House" una vez más, gracias a un video sorprendente, que fue inevitable no ver, debido a su gran promoción en la MTV. Siguieron tres álbumes más: "Little Creatures" (1985) , "True Stories" (1986) (banda sonora de la película de comedia musical de Byrne, en la cual la banda también apareció) y "Naked" (1988). Luego de este ultimo, la banda entró en "pausa" y en 1991 se anuncia la separación definitiva. En 1996 , y muy a pesar de las negativas y pésima relación de Byrne con los demás integrantes, se reunieron para un álbum único llamado "No Talking, Just Head" bajo el nombre The Heads. Luego de esa separación, David Byrne continua con su riquísima carera en solitario (ya había grabado algo con Brian Eno en 1981 a la par de la banda). Su creciente interés por la "world music" lo lleva e crear su propio sello Luaka Bop, que tiene como único fin el hacerle conocer al publico americano este genero.  Durante las siguientes décadas iniciaría giras mundiales para promocionar sus álbumes, varias bandas de sonido de películas y se involucraría en diferentes trabajos benéficos como el álbum "Red Hot and Lisbon", en dónde hacen a dúo junto al músico brasilero Caetano Veloso un tema llamado "Dreamworld" o como en el del año 2000 "Mantra Mix" escribiendo el tema "Ain't Got So Far to Go". Por otro lado Frantz y Weymouth habían ya estado grabando y presentándose con la banda Tom Tom Club desde 1981, lograron varios éxitos pop / rap durante la era del auge cultural de ese genero durante buena parte de los 80´s. También se dieron el lujo ambos de producir artistas como Happy Mondays y Ziggy Marley. Tom Tom Club continuó grabando y de gira de forma intermitente, y mas esporádicamente aun desde 1991, siendo su ultimo trabajo de estudio "Downtown Rockers" en 2012.

Una de las tantas versiones remasterizadas de "Fear Of Music", incluye un track que había quedado fuera en 1979, "Dancing For Money" como así también versiones alternativas de "Life During Wartime", "Cities" y "Mind". De aquella gira de 1980 junto a Adrian Belew, vemos mas abajo "I Zimbra" en "German Rockpop TV show" en 1980 y una presentacion en Los Angeles, donde ejecutan  "Cities" y "Life During Wartime" en 1983.



Lista de Temas:

1. I Zimbra
2. Mind
3. Paper
4. Cities
5. Life During Wartime
6. Memories Can't Wait
7. Air
8. Heaven
9. Animals
10. Electric Guitar
11. Drugs

Bonus tracks:

12. Dancing for Money
13. Life During Wartime (Alternate Version)
14. Cities (Alternate Version)
15. Mind (Alternate Version)

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jueves, 5 de diciembre de 2019

Eric Clapton - Happy Xmas (Deluxe) (2018)


Continuando con la clásica costumbre navideña del blog y para seguir cautivándonos con la música de Mr."Slowhand" Clapton, aprovechamos a celebrar las fiestas a todo blues con su álbum navideño de 2018, que da la casualidad que es su vigésimo y ultimo trabajo de estudio hasta la fecha.
Un trabajo donde por supuesto abundan clásicos tradicionales navideños, los llamados "christmas carols", comúnmente conocidos por estas tierras como "villancicos", que esta vez respiran blues , rock, country y alguna que otra sorpresa "TECNO" o "EDM" (electronic dance music).

En estos últimos años, para cada navidad y fin de año, el señor Clapton, estando delicado de salud, venia grabando de forma casera con su celular canciones navideñas , que conformaron su extensa lista de reproducción. La historia cuenta que su esposa Melia, fue la verdadera impulsora del disco, ya que venia escuchando y aplaudiendo en privado este material hace tiempo. Es así que convence al guitarrista de dar forma a un álbum de estas características. En un principio el guitarrista no estaba del todo convencido sobre el proyecto, pero comenzó a trabajar con el pianista y tecladista Walt Richmond (de The Tractors), quien ideó armonizaciones y arreglos iniciales y no convencionales para la mayoría de estas pistas. La idea termino de cristalizarse cuando Clapton se junta con un viejo conocido, el músico británico Simon Climie para la co produccion de "Happy Xmas" con quien ya había trabajado en discos como "Pilgrim" (1998), "Riding with the King" (2000), y "Reptile"  (2001). Juntos le dan forma a 14 villancicos que suenan desde todos los tiempos. Hallaremos tradicionales de viejos bluseros (y no tan viejos), otros del country, del soul y una nueva co-composicion ("For Love on Christmas Day"), atrapándonos con la buena química entre ambos cuando de arreglos se trata. El guitarrista había declarado al poco tiempo de que el álbum estuviera listo: "Tenía en mi cabeza que estas canciones navideñas podían hacerse con un ligero tinte de blues, y comencé a descubrir cómo tocar las líneas de blues entre las voces. Lo intenté y una de las canciones más identificables en el álbum, la que se convirtió en el estilo fundacional, es ‘Have Yourself a Merry Little Christmas'".

La dupla arregladora hace valer sus dotes ya con el villancico "White Christmas" de Irving Berlin que popularizó Bing Crosby en 1941 y que según el famoso Libro Guinness de los Récords, esa versión, es el sencillo más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en más de 50 millones de copias en todo el mundo. Una versión con toda la perspicacia blusera que pueda otorgarle el "swing" de Eric. Exactos solos y un conveniente coro femenino para la ocasión festiva, sin olvidarnos de un bello acompañamiento de cuerdas, para cerrar un perfecto circulo. "Happy Xmas" tiene la particularidad de presentarnos villancicos no tan conocidos. Es el caso de "Away in a Manger" que data del siglo XIX, con varias dudas acerca de su origen y autoría. Por mucho tiempo se le adjudico al teólogo y fraile alemán Martin Lutero, pero luego se supo que era de origen americano a manos del músico y profesor de escuela William James Kirkpatrick. La letra sufrió variaciones a través de los años, pero no por eso deja de ser el relato del momento de la Navidad, lejos en ese famoso pesebre. "For Love on Christmas Day" es una canción compuesta exclusivamente para este disco. Melancólica y sufrida, Clapton plasma un desengaño amoroso en plena época de Navidad: "La nieve está en la acera, hace frío dentro de mi corazón. Miro hacia arriba y me pregunto, ¿he perdido mi estrella guía?. Y todo es blanco afuera, ¿cómo puede ser tan oscuro? Reza y agradece a Dios que tu amor es solo mío. Y nunca seas otro que pueda honrar nuestro hogar feliz. Reza en la mañana de Navidad para que esta vez te quedes...". Aun así no es todo congoja en esta navidad de "Slowhand". La navidad implica también la alegría de estar en vacaciones. Y nada mejor para describir la esencia de esta festividad que con un clásico en tono soul, "Everyday Will Be Like a Holiday" de William Bell y Booker T. Jones, este ultimo gran influencia en la carrera de Clapton. "Christmas Tears" de R.C. Wilson y Sonny Thompson se refresca y mantiene la condición tristona que el blues nunca pierde.  Tuvo su primer aparición en 1961 con la interpretación de el gran  Freddie King quien trabajo co-escribiendo con el mismo Thompson durante los años 60´s. Extraído del álbum homónimo de el joven promesa del R&B y el soul Anthony Hamilton, "Home for the Holidays" de pegadiza melodía, es una buena adaptación para seguir con el tono vacacional, donde Clapton se luce en todo su esplendor de su guitarra acústica.

Los fundamentalistas del blues y por ende seguidores de Eric Clapton, podrán llegar a generar controversias al toparse con "Jingle Bells (In Memory of Avicii)". Una versión de música electrónica mezclada con majestuosas guitarras bluseras, del quizás el villancico mas popular de todos los tiempos. Esta dedicada a la memoria de Dj Avicii, un disc jockey sueco, cuyo verdadero nombre era Tim Bergling quien se había suicidado meses antes de la salida de "Happy Xmas", en abril de 2018 a los jóvenes 28 años y el cual Clapton admiraba. Los arreglos de este experimento  (animado por Climie) que empujan a Clapton a acercarse a las nuevas generaciones, se le acreditan a el propio guitarrista, a Simon Climie y sorprendentemente para bien, al excelente músico afro Salif Keita  junto a Manifla Kante otro músico de esa etnia. La cuota country se refleja en "Christmas in My Hometown" de Sonny James. La letra condecora el dulce anhelo de una persona que añora la navidad de su pueblo natal a la distancia: "Me encantaría pasar esta Navidad con la gente de mi ciudad natal. Solo para tener a la pandilla, gente amigable en mi ciudad natal. Anhelo ver que las velas en las ventanas brillen tanto Y los árboles de navidad brillan en la brisa parecen decirme: bienvenido a casa esta noche. Villancicos cantados suavemente junto al hogar todo radiante, (hogar todo radiante).
La risa de los niños suena alegremente como luchando en la nieve...".

Unos cascabeles imitando las campanadas de un trineo preceden el inicio de "It's Christmas", otro villancico rebosante de funk y soul, sacado de el álbum navideño de Anthony Hamilton, "Home for the Holidays" (2014), que según las propias palabras de Clapton es "el mejor cantante de soul del planeta en la actualidad". De los momentos mas emotivos del trabajo sin dudas, "Sentimental Moments", una balada que muestra una melancolía como sacada de alguna película en blanco y negro. No por nada se le acredita a Frederick Hollaender compositor de música cinematográfica y al letrista y productor de TV Ralph Freed.  Uno de los grandes villancicos de la historia de el Blues y el R&B, es sin duda la arrasante "Lonesome Christmas" del pianista y arreglador Lloyd Glenn y de una de las leyendas y pioneros del denominado "West Coast blues" (un blues que se caracteriza por una marcada influencia del jazz, sobre todo en los solos de piano), Lowell Fulson. Y como no podía ser de otra manera, no podía faltar la clásica "Silent Night" ("Noche de Paz"), en un trabajo de estas características. Una buena pieza con arreglos cercanos a un reggae con costados country, con coros donde se realzan las voces femeninas para darle paso a la voz principal del guitarrista. El blues del bueno vuelve a estar a flor de piel en "Merry Christmas Baby", un estándar navideño de rhythm and blues de 1947 compuesto por Lou Baxter y Johnny Moore, popularizado por la banda de este ultimo, Three Blazers junto con el cantante y pianista Charles Brown. "Happ Xmas" cierra con el encantador arreglo "jazz blues" de "Have Yourself a Merry Little Christmas" compuesta por Hugh Martin y Ralph Blane en 1944 y popularizada en aquella película musical "Cita en San Luis" y posteriormente cantada por Frank Sinatra, con la letra modificada.

La simple y a la vez original portada  fue diseñada por el mismo Eric Clapton con la soltura de firmar un autógrafo. Aquí les ofrecemos la versión salida unos meses después, el 12 de diciembre de 2018, en Europa (la versión deluxe), con dos bonus tracks "A Little Bit of Christmas Love" y "You Always Hurt the One You Love". El primero adapta una pequeña petición navideña, sincera y cálida, del pianista de blues Rosco Gordon: "No quiero mucho, solo quiero un poquito. No lo quiero todo, solo quiero un poquito... Solo un poquito... Un poco de amor navideño...". La segunda, un clásico del jazz cantado, popularizado por The Mills Brothers e interpretado por un sinúmero de artistas de ese genero, entre ellos el actor y músico canadiense Ryan Gosling.



Lista de Temas:


1. White Christmas
2. Away in a Manger (Once in Royal David's City)
3. For Love on Christmas Day
4. Everyday Will Be Like a Holiday
5. Christmas Tears
6. Home for the Holidays
7. Jingle Bells (In Memory of Avicii)
8. Christmas in My Hometown
9. It's Christmas
10. Sentimental Moments
11. Lonesome Christmas
12. Silent Night
13. Merry Christmas Baby
14. Have Yourself a Merry Little Christmas
15. A Little Bit of Christmas Love (bonus track)
16. You Always Hurt the One You Love (bonus track)


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Otras Navidades:

Chicago - Christmas, What's It Gonna Be, Santa? (2003)
Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)
Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)






sábado, 26 de octubre de 2019

Cream - Disraeli Gears (1967)


Hablando de "power tríos" que han cambiado el curso de la historia en el rock, es inevitable citar a la banda británica Cream, que pese a su corto periodo de actividad (casi 3 años, con solo 3 discos de estudio) ayudo a impulsar la música pop de la época, el rock psicodélico, el progresivo y sobre todo el denominado "blues blanco ingles", en la segunda mitad de los años 60´s. Este super trio conformado por Jack Bruce, en bajo y voz principal, Ginger Baker en bateria y voces y Eric Clapton en guitarra y voces, no tardo en abrirse camino de manera arrolladora en el panorama de la música popular de la época. Ademas, en Cream a Clapton se le adjudica junto a un tal Jimi Hendrix, como pionero de la inclusión de el pedal "wah-wah". Si bien "Fresh Cream" (1966), su primer larga duración, fue la chispa inicial que encendió la llama inicial del blues británico y "Wheels Of Fire" (1968) la  revolución sonora que logró con el combo de la dualidad del estudio y el sonido en vivo,  no fue otro que la perfecta mixtura entre la psicodelia y la raíz bluesera de "Disraeli Gears" lo que realmente nos lleva a recordarlos eternamente como la banda mas reveladora y que mas ha marcado con su importante legado.

No había ningún tipo de duda que ya a mediados de 1966 Eric Clapton era el mejor guitarrista de blues en Reino Unido. Ya había ganado tal reputación con su primera formación seria, The Yardbirds, con quienes estuvo activo durante 18 intensos meses grabando 4 álbumes, dos de estudio y dos en directo (un de estos junto con el cantante norteamericano de blues, Sonny Boy Williamson II). También se gano con los Yardbirds el sobrenombre de  "slowhand" ("mano lenta"). El joven Clapton llevaba el blues en la sangre, sus principales influyentes como guitarristas de blues son y fueron Buddy Guy, y dos de los tres reyes del blues, Freddie y B. B. King. Fue así que al ver y considerar que los Yardbirds estaban volcados al pop, decide abrirse uniéndose a John Mayall & The Bluesbreakers en abril de 1965 con quienes grabo el excluyente trabajo "BLUES BREAKERS - JOHN MAYALL WITH ERIC CLAPTON" (1966), que no saldria a la venta sino hasta la salida veloz del guitarrista en julio de 1966, para ser reemplazado por otra leyenda del blues, Peter Green. Aquí asoma el amanecer de Cream, con Clapton uniendo sus fuerzas a el escocés Jack Bruce, ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization, como bajista y Ginger Baker, también ex-miembro de Graham Bond como baterista. Bruce había quedado maravillado con Clapton ya viendo su virtuosismo dentro de los Bluesbreakers y habían tenido juntos una efímera agrupación denominada Powerhouse. Era sabido la lucha de egos que existía entre los tres, ya existían peleas entre Baker y Bruce desde los tiempos de Graham Bond. De hecho esta riña llevo a el baterista a echar de la agrupación a Bruce con amenaza de cuchillo incluida. Clapton les pidió que dejaran a un lado sus diferencias y tocaran juntos. Tras descartar nombres como "Sweet 'n' Sour Rock 'n' Roll", el nombre de Cream lo adoptaron los tres en unánime decisión, ya que se consideraban la "crème de la crème" entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. La primer aparición de Cream sobre las tablas se dió en el "Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival" el 3 de julio de 1966. En octubre de ese año ocurre un hecho significativo para la historia del rock, Jimi Hendrix, fan de Eric Clapton y recién llegado a Londres se les une en una zapada en vivo, dejando boquiabiertos a todo el publico y por supuesto al propio trio. Cream ya venia trabajando en su primer larga duración "Fresh Cream" que por fin salio a la venta en diciembre. Este debut se caracteriza por ser radicalmente blusero donde las composiciones se repartían entre clásicos de ese genero como "Spoonful" de Willie Dixon, "Rollin' and Tumblin'" de Muddy Waters. Quizás la canción emblema del álbum "I'm So Glad" de Skip James y la única con arreglos exclusivos de Clapton: la versión de "Four Until Late" de Robert Johnson. Luego la gran mayoría son composiciones de Bruce y Baker con la ayuda en las letras de la esposa de Jack , Janet Godfrey. También se destaca el instrumental "Toad" del baterista con un solo espectacular incluido. Con gran aceptación del publico británico, "Fresh Cream"  llegó al puesto 6 en el Reino Unido y al 39 en Estados Unidos pero recién en 1968. El debut discográfico de la banda fue un verdadero impulso e inmediatamente viajan a USA a principios de 1967,  haciendo 9 presentaciones en el RKO Theater de Nueva York. Bajo la producción del compositor, bajista, vocalista y productor Felix Pappalardi, graban en los estudios Atlantic de Nueva York su segundo trabajo "Disraeli Gears". Pappalardi no dejo de insistirle a Clapton para que cante la voz principal en algunos temas, para el desagrado de Jack. Aqui la banda propuso mas composiciones propias, salvo dos canciones que son arreglos sobre tradicionales de blues ("Outside Woman Blues" y "Mother's Lament"). Una de las peculiaridades de "Disraeli Gears" fue que sus temas casi no se presentaron en vivo. El trío interpretó los temas "Tales of Brave Ulysses" y "Sunshine of Your Love", pero varias canciones de "Disraeli Gears" fueron excluidas de las listas a mediados de 1967, direccionandose mas hacia las largas improvisaciones. Eran mas que obvias las intenciones de Cream por hacerse escuchar en por entonces los albores de la cultura hippie estadounidense, por eso la impronta psicodélica que embadurna el trabajo inundando no solo el sonido sino también la locuaz portada del vinilo a cargo de el australiano Martin Sharp. El titulo del disco no escapa a las mentes acidas de sus hacedores y su entorno. Los "Derailleur gears", son las múltiples ruedas dentadas de una bicicleta, o lo que comúnmente atribuimos a las coronas y/o los piñones. Un buen día Eric Clapton estaba en el camarín antes de un recital, diciendo que se quería comprar una bicicleta de carreras y Mick Turner, uno de los plomos de la banda le dijo: "Ah... una que tenga `Disraeli gears´...", y hubo una carcajada general ante la mala dicción de este, ya que Benjamin Disraeli había sido un primer ministro inglés durante la era Victoriana.

"Disraeli Gears" se inicia con uno de los dos sencillos que se eligieron para su temprana difusión, "Strange Brew". Excelente ejemplo de la distorsión que comenzaba a utilizar Eric, que ademas adopta la voz principal. Clara dirección hacia la psicodelia y el blues, despuntando una letra surreal, que es una oda a justamente a los "extraños brebajes" tan en boga por aquella época: "...ella es una bruja de mente loca vestida de azul eléctrico… Ella es una especie de demonio jugando con pegamento. Si no te cuidas, se te quedará para ti. ¿Qué clase de tonto eres?...".  En "Strange Brew" se le adjudica la música a Clapton, con letras de Pappalardi y Gail Collins, la mujer de este. "Sunshine of Your Love" es el otro sencillo lanzado de "Disraeli Gears". Es el que obtuvo mas ventas y mas éxito para Cream, no resulta extraño ya que contiene uno de los riffs mas legendarios de la historia del rock. El mismo tan característico y pegadizo, Clapton lo ejecuta con su Gibson SG del 64 y sintetiza el sonido mas adecuado de los años sesenta. Mas tarde el guitarrista se luce con el solo del intermedio del tema. El origen del pegadizo riff, cuenta la leyenda, surgió luego de un concierto de Hendrix en 1967, en el Saville Theatre de Londres, al que Bruce y Clapton asistieron y que terminó en una posterior colocada de alcohol y mucho LSD.  Al llegar a su casa, el bajista compone el riff el cual quedaría eternamente en los anaqueles de la historia del rock n roll, profetizando la llegada de próximos géneros como por ejemplo el heavy. Las letras fueron compuestas en una sesión (la cual duró toda una noche), entre Bruce y el letrista Pete Brown. No había forma de que Bruce no fuera la voz principal en "Sunshine of Your Love", aunque el popular estribillo fue escrito posteriormente por Clapton, el cual colorea con sus coros. El solo de guitarra es de su autoría, además de darle su toque distinción al riff de Jack con excluyentes punteos. Ginger toca un ritmo a base de uso de "toms toms" denominado "ritmo indio", tomado de películas clásicas de Westerns, haciendo caso a lo sugerido por el productor Tom Dowd. Sobre el final la canción va acelerando de ritmo, algo muy innovador para la época.

Un claro interés de la banda de meterse con la música psicodélica reinante, es "World Of Pain". De rasgos melancólicos, encierra una tristeza urbana, con puño y letra una vez mas de Pappalardi y esposa, mientras deja decorarse con los "wah-wah" de Clapton y una buena amalgama vocal con Bruce. Rarezas como "Dance The Night Away" introduce a los tres en un mar revuelto de ácido, producto de un habitual viaje de LSD. Una canción con pasajes dramáticos y climas cruciales de la mano de su letra por supuesto surrealista: "Voy a construirme un castillo en lo alto de las nubes... Me encontraré un océano, navegare hacia el azul Viviré con un pez espada dorado... Bailarme a la nada... Desaparecer de este lugar... Voy a convertirme en sombra". No quedandose atras, Baker aporta una composicion 100% de su autoría, añadiendo la voz principal en "Blue Condition". De condición lenta y respiración blusera, la letra muestra la dirección en las decisiones que tomamos día a día. Aquí Ginger utiliza muy bien las rimas y apunta a nuestra vida contaminada por la rutina diaria y como esta se torna en un tono verdaderamente "azul" oscuro. Un claro ejemplo de como la palabra "blue" ("tristeza"), encaja perfectamente con las canciones del genero "blues".

Momento épico del disco si los hay es "Tales Of Brave Ulysses". La letra está basada en las aventuras de Ulises, héroe de la mitología griega y su famoso encuentro con unas sirenas que con su canto lograron hechizar a toda su tripulación. La canción es quizás como un puntapié, para que luego aquellas bandas de rock progresivo/sinfónico, capturasen historias (o las creearan por si mismos) tomadas de las mitologías e hicieran grandes piezas épicas con sus músicas. Eric Clapton tenia ya la música compuesta inspirado en el éxito de 1966 de Lovin 'Spoonful, "Summer in the City". El escritor y artista plástico Martin Sharp (el mismo que realizo la portada) le había comentado que tenia un poema escrito y que seria bueno para una canción, así quedo formada "Tales Of Brave Ulysses" y con ella la primer colaboración entre Clapton y Sharp. La letra pide una voz aguerrida y Bruce lo logra perfectamente, a la vez que Clapton aporta quizás los mejores punteos con "Wah Wah" de todo el disco. La solida columna ritmica entre Bruce y Ginger es soberbia, para un clima psicodélico/épico alucinante. "SWLABR" no es mas que la abreviación del lisergico titulo "She Walks Like A Bearded Rainbow" ("Ella camina como un arcoíris barbudo"). Fresca, veloz y enérgica, la banda nos introduce en un calidoscopio musical de paisajes que evocan una vez mas a algun viaje de ácido: "Viniendo a mí en la mañana, dejándome solo. Tienes esa sensación de arcoiris pero el arcoiris tiene barba... Te estás acercando a mí con esa mirada conmovedora en tu cara. Vienes como si nunca hubieras hecho algo mal. Tantos colores fantásticos; me siento en un país de maravillas. Tantos colores fantásticos, me hacen sentir tan bien...". La letra es otra colaboración de Pete Brown con música de Bruce, quien años después reveló que la "W" era de "was" ("Era") en lugar de "walk". No hay momento mas oscuro y triste en "Disraeli Gears" como en la depresiva "We're Going Wrong". Una letra repetitiva de Bruce con su voz al máximo nivel de congoja. Detrás de su lánguido lamento, arreglos psicodélicos de Clapton intentan vislumbrar algún que otro chispazo. Pero lo que mas se destaca es el excelente trabajo de Baker, dentro de la estructura irregular de una canción en un compás de 6/8.

Sobre arreglos de Eric Clapton del clásico de Blind Joe Reynolds de 1929 aparece como un solemne momento blusero, "Outside Woman Blues". Una vez mas nos sacamos el sombrero ante la voz principal y las guitarras de Eric "God" Clapton y por supuesto con los solos. Y para continuar con la conveniente e inoxidable cuota blusera, la marchante "Take It Back" con una cepa de blues mas americano y la sorprendente ejecución de armónica a cargo de Jack. Para concluir, un clima distendido y de humor lleno de sarcasmo en un tradicional arreglado por Cream, "Mother's Lament", con los tres cantando, acompañados solo por un piano. Con humor ácido relata la historia de una madre que era pobre y que bañaba a su bebé delgado; tan delgado que "No era más que un esqueleto cubierto de piel", y a causa de su contextura física termina yéndose por la escurridera de la bañera.

En suma, el gran "Disraeli Gears" es el "jamón del medio" de este suculento sandwich psicodélico que fue la música de Cream, con sus únicos tres álbumes de estudio (curiosamente este es el álbum del medio). Se las arregló para mantenerse bien arriba, en 1967, ese año tan plagado de trabajos que dejaron una huella imborrable en la música psicodélica y de vanguardia: "Sergeant Pepper", "Forever Changes", "The Piper at the Gates of Dawn", "Surrealistic Pillow", "Are You Experienced?", "The Doors", "Strange Days", "The Velvet Underground & Nico" y para rematar el año, en noviembre "Disraeli Gears" y al mes siguiente "Their Satanic Majesties Request". La edición que les ofrecemos aquí es de 2013, japonesa, que contiene una versión estéreo y otra mono. Ademas dos versiones de "Lawdy Mama" (tambien conocida como "Hey Lawdy Mama" u "Oh Lordy Mama") un tradicional standar de blues que data de 1934, muy popular entre los músicos de jazz. Clapton la adapto, teniendo mas en cuenta la version de Junior Wells y Buddy Guy de 1965, para el álbum "Hoodoo Man Blues". La versión 1 es la mas fiel al tradicional, pero lo peculiar es que la versión 2 es con la letra de Wells pero el acompañamiento que terminaría siendo lo que es hoy "Strange Brew", con su posterior reemplazo de letra y melodía, que había partido de la versión 1. Y la otra perla es la versión de "Blue Condition" de Ginger pero esta vez cantada por Clapton. Algunas grabaciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic de 1967 y otras de 1968, sumandoles algunas en el Filmore West de San Francisco y las de la sala Winterland Ballroom, dieron paso a la conformación de el tercer trabajo de Cream, "Wheels of Fire". Si bien es mas conocido como un vinilo doble, también fue publicado de forma separada como "Wheels Of Fire - In The Studio" y "Wheels Of Fire - Live At The Fillmore", aunque sólo uno de los temas ("Toad") fue grabado en dicha sala. Una obra magistral de la banda, un buen ejemplo para conocer las facetas bipolares de sus integrantes. En el primer disco Felix Pappalardi decidió incluir algunos instrumentos orquestales como vientos, viola y organos, que el mismo ejecutó. "White Room" de Bruce, una vez mas con la colaboración de Brown, fue el mayor éxito del trabajo, una vez mas destacándose el "wah-wah" de la guitarra de Eric y la siempre creativa percusión de Ginger. También podemos destacar algunas piezas acústicas que se adelantan al sonido de Jimmy Page en Led Zeppelin, como en "As You Said" y un "heavy blues" de primera hora en "Politician". Homenajes a viejos gatos del blues están a la orden del día como "BORN UNDER A BAD SIGN" de Booker T. Jones y William Bell, que ya había homenajeado Albert King en su disco homónimo. El segundo LP demuestra las habilidades de improvisación del trio sobre el escenario, destacándose con la guitarra de Clapton en el "Crossroads" de Robert Johnson, la armónica de Bruce en "Traintime" y el indiscutible caudal de virtuosismo de los tres desplegado en los casi 17 minutos de "Spoonful" de Willie Dixon.

Todo parecía estar en la cúspide de la creatividad, pero la banda se estaba resquebrajando. A mitad de 1968 decidieron y anunciaron que cada uno continuaría por separado. Baker comento en 2006 acerca de ese momento: "Llegó un momento en que Eric me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical.". Otro de los factores de la ruptura eran las tensiones que existían entre Bruce y Baker, quedando como mediador Clapton. Cansado de este rol y por un articulo periodistico de la revista Rolling Stone, la cual el admiraba, que lo catalogaba como "el maestro del cliché del blues", decide encausar su carrera hacia otros horizontes. Anunciada oficialmente la separación de Cream , el trio se dio un tiempo para perpetrar un cuarto y ultimo disco, "Goodbye", salido en febrero de 1969 con la banda ya disuelta. Son seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres temas nuevos. Entre ellos se destaca "Badge", co compuesta por Clapton y su buen amigo George Harrison quien también participo como guitarra rítmica con el seudónimo de "L'Angelo Misterioso". Hubo una gira de despedida presentándose en veintidós conciertos en diecinueve lugares en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre. Estas ultimas se editaron por la BBC años mas tarde con el nombre de "Farewell Concert". Luego de Cream, Baker y Clapton pasarían a formar otro supergrupo, Blind Faith, junto a el gran Steve Winwood de Traffic y el bajista y multiinstrumentista de Family, Rick Grech, el cual solo aportaría un único pero excelente trabajo discográfico homónimo en 1969, con un altísimo posicionamiento en las principales listas. Bruce entonces, iniciaría su prolífica carrera en solitario, siendo el puntapié inicial en 1969 con su álbum "Songs for a Tailor". Bruce falleció en 2014 por una complicación del hígado, órgano el cual se le había sido trasplantado en 2003. Luego de Blind Faith, Clapton formará otro legendario super grupo ni mas ni menos que con Duane Allman uno de los mejores guitarristas que dio el rock, nos referimos a Derek and the Dominos, que también registraría un solo y eximio álbum de estudio "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970), para luego emprender su carrera como solista hasta el presente. Ginger Baker tendría el honor de ser la cabeza de su nueva agrupación la Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de los Moody Blues. Entrada la década de los años 70´s Baker se intereso en la música y cultura africana, lo que lo llevo a instalarse en la capital de Nigeria, Lagos, armando su propio estudio de grabación en 1971 al que bautizó "Batakota", Paul McCartney y Wings grabaron material del disco "Band On The Run" alli. Su inquietud por estas culturas lo llevo a emprender un viaje a traves del desierto del Sahara, con documental incluido llamado "Ginger Baker in Africa". También une fuerzas con el músico africano Fela Kuti y registran un disco en vivo en 1971 "Live!", y en 1974 se suman Bobby Tench de The Jeff Beck Group para grabar un álbum de estudio, "Stratavarious". En los 80´s como parte de su proceso de rehabilitación de la heroína, se radica en un pueblito de Italia. En 1980 había participado como músico de sesión de la banda de space rock Hawkwind para su álbum "Levitation" y al poco tiempo se les une como baterista estable, para la gira de 1981, pero los abandonaria ese mismo año. En 1985, participa como baterista de sesion de "Album" de la banda Public Image Ltd., liderada por el cantante John Lydon de los Sex Pistols. Cerrando la década intentó ser actor mudandose a Los Angeles pero esa faceta no prospero. Los 90´s lo encontraron en tres formaciones mas. La primera en 1992, Masters of Reality, encausada hacia el hard rock, la segunda fue en 1994 con The Ginger Baker Trio y un "dream team" blusero en BBM (Bruce-Baker-Moore) con Jack Bruce y el gran Gary Moore. Ginger falleció, no hace mucho, el 6 de octubre de 2019 a los 80 años ya venia acarreando problemas cardiacos siendo operado en 2016. 

Cream tuvo un glorioso regreso el 2, el 3, el 5 y el 6 de mayo de 2005 en el Royal Albert Hall de Londres. No se comentó mucho previo a estas presentaciones por que los estados de salud del bajista y el baterista tambaleaban (Bruce había recibido un trasplante de hígado después de haber sido diagnosticado con cáncer y Baker sufría artrosis).Estas presentaciones se editaron tanto en CD como en DVD con el titulo de "Royal Albert Hall London May 2-3-5-6, 2005 ". A raíz de esta mítica reunión, Cream decide presentarse en Nueva York en el Madison Square Garden el 24 y 26 de octubre de ese mismo año. En 2010 y pese a los rumores que rondaban, Jack Bruce aniquiló la  mínima posibilidad de una vuelta de la formación vaticinando: "Cream está acabada". Abajo veremos una presentación en el Beat Club de "Strange Brew" y dos videos del regreso en el Royal Albert Hall en 2005, el primero "Outside Woman Blues" y el segundo no necesita presentación.


Lista de Temas:

1. Strange Brew
2. Sunshine of Your Love
3. World of Pain
4. Dance the Night Away
5. Blue Condition
6. Tales of Brave Ulysses
7. SWLABR
8. We're Going Wrong
9. Outside Woman Blues
10. Take It Back
11. Mother's Lament
12. Lawdy Mama (version 1)
13. Lawdy Mama (version 2)
14. Blue Condition (version alternativa)


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sábado, 28 de septiembre de 2019

Ayreon - Into The Electric Castle (A Space Opera) (1998)


Ayreon es el proyecto musical que le da nombre a el trabajo del compositor y multiinstrumentista holandés Arjen Anthony Lucassen, quien era antes el guitarrista de un grupo heavy metal llamado Vengeance, entre otros. Se trata de un proyecto principalmente dentro del mundo del rock progresivo, el heavy metal y el metal progresivo y sinfónico, alternando con la música electrónica y el folk rock. En gran parte de los álbumes de Ayreon, Lucassen esculpe sus obras con el formato "opera rock",  para ello recluta siempre músicos diferentes para cada disco, y el mismo compone y toca guitarras eléctricas y canta. Lucassen ha invitado a celebridades de la escena metalera como Andi Deris (Helloween), Bruce Dickinson (Iron Maiden), Fabio Lione (Rhapsody of Fire), Floor Jansen y Marco Hietala (Nightwish), Russell Allen (Symphony X) y James LaBrie (Dream Theater), entre una infinidad de músicos más.

Ayreon tendría su primer prueba de fuego allá por 1995 con su álbum debut "The Final Experiment" considerado una de las primarias operas de la música metal. Se trataría de una obra con costados de ciencia ficción y medievales, ambientada en el año 2084, donde científicos desarrollan un método para enviar mensajes telepáticos a través del tiempo con la esperanza de detener la destrucción de la tierra en manos del hombre. El receptor de estos mensajes es el protagonista de la opera, "Ayreon", un trovador ciego del siglo VI, quien nadie escuchara y que acabara siendo condenado luego de ser tomado por loco. La narracion de la historia esta a cargo de el personaje conocido por todos como el "Mago Merlín", el principal culpable del "silenciamiento" de Ayreon (aunque después es consciente de su error). El segundo álbum "Actual Fantasy" (1996), seria el único trabajo de Ayreon fuera del formato de una opera con narración continua. Pero sus canciones, encierran pequeñas historias que van hilvanando un concepto al fin. El trabajo no gozo del éxito que obtuvo "The Final Experiment", pero sirvió para ir ganando fans de culto y sobre todo para que luego, mas adelante en el tiempo, algunas de estas canciones sirvieran para encajar en el puzzle de otra opera de Ayreon, "Universal Migrator Pt. 1 & 2" (2000). Tras el fracaso "Actual Fantasy" y para hacer prevalecer a Ayreon, Lucassen se propuso componer un álbum doble con la máxima calidad posible. Para "Into the Electric Castle", aparecen 8 excelentes vocalistas a los cuales se les atribuye un personaje a cada uno. Se destaca sobre todo la presencia de  los vocalistas invitados: Fish (ex Marillion), Damian Wilson (ex Rick Wakeman, Threshold, Landmarq), Anneke van Giersbergen (ex The Gathering), Sharon del Adel (Within Temptation), Edwin Balogh (ex Omega), Edward Reekers (ex Kayak) y Jay van Feggelen (ex Bodine). Gran parte de los instrumentos son ejecutados por Lucassen, menos la bateria, que es tratada por Ed Warby (Elegy, Gorefest). Además cuenta con la colaboración de grandes músicos como el mismísimo Thijs van Leer de Focus en flautas y de Clive Nolan (Arena, Pendragon) en teclados. La opera expone una infinidad de géneros musicales, como el rock, el folk con reminiscencias nórdicas, la psicodelia, el space rock y sobre todo el metal progresivo.

La historia comienza con un estruendo y una misteriosa voz en "Welcome to The New Dimension", entre sonidos ambientales propios de la ciencia ficción. Esta es la voz del narrador, Peter Daltrey (ex Kaleidoscope) que nos va a acompañar durante toda la opera. Esta les informa a los 8 personajes de tiempos diferentes, que se encuentran en un lugar sin tiempo ni espacio, que han sido secuestrado por un poder desconocido y que tienen que entrar en El Castillo Eléctrico para sobrevivir y retornar hacia su origen dimensional. Los personajes involucrados en esta odisea son: El Highlander (El Montañés) (Fish), El Caballero (Damian Wilson), La Egipcia (Anneke Van Giersbergen), La india (Sharon den Adel), El Romano (Edwin Balogh), El Bárbaro (Jay van Feggelen), El Hippie (el propio Arjen Lucassen) y El Hombre del futuro (Edward Reekers), mas tres personajes abstractos fuera de la aventura que serian la voz del narrador como "Forever of the Stars" a la vez que Robert Westerholt (Within Temptation) y George Oosthoek (ex Orphanage) encarnan a "La Muerte". La armoniosa "Isis and Osiris" propone la entrada de los personajes, donde algunos intentan dar una explicación ante estos sucesos, según sus creencias y su bagaje cultural. El Highlander proclama que ese lugar es el Infierno y que están allí para pagar por sus pecados; La India dice que es un viaje espiritual; El Caballero cree que ese lugar es la Isla de Ávalon y que están allí para encontrar el Santo Grial, mientras que El Romano cree que es el inframundo, "Las Fauces de Orcus". Finalmente, La Egipcia cree que están en las llanuras de Yaaru, que son "los elegidos" y que están entrando en casa de Isis y Osiris. Negandola, El Romano invoca a los dioses Marte y Júpiter, mientras que El Montañés acepta que están perdidos por no poder ubicar al sol y sobre todo a las constelaciones, esenciales guías para que el viajero encuentre su camino, proclamando que el final esta cerca. "Isis & Osiris" comienza con buenas piezas acústicas de guitarras y mandolina, mientras los personajes van apareciendo en escena, destacándose el protagonismo de la voz de Fish como El Highlander. La canción crece hasta llegar a una exquisita instrumentación, bombástica, acercándose al heavy. Especial atención a las cortinas de teclados apoyados por las cristalinas voces de La India y La Egipcia. El Bárbaro y El Hippie hacen su aparición y dan su punto de vista sobre la situación en la rockera "Amazing Flight". El primero piensa que todo es una prueba en ese lugar maldito, en donde no dudaría de ejercer su condición salvaje de blandir su espada ante cualquier abominación. El segundo, en contraste pacifico, cree que está teniendo alucinaciones por el efecto de las drogas. Un blues rock, que nos va llevando hacia un épico final con un impresionante duelo de teclados y flautas entre Clive Nolan y Thijs van Leer respectivamente. Una visión erudita y tecnológica, provee El Hombre del futuro, en "Time Beyond Time": "De las ciudades submarinas a las vías del cielo en el este. De las estaciones en la luna al planeta Neptuno. Soy un hombre sofisticado y dirías que lo entendería. ¿Es un diseño virtual?. ¿Nos lanzamos a un tiempo más allá del tiempo?. Espacio más allá del espacio. Estamos perdidos aquí en este mundo cibernético. ¿No hay salida?...". Esta visión es rechazada por parte de El Romano que argumenta que de esa forma nunca podrán llegar a los "Campos Elíseos" y también por El Caballero que insiste con la búsqueda del grial, que tiene el poder de curar. Sobre el final una linda fusión de las voces con cada argumento/estrofa de los personajes sobreponiéndose una a otra.

Los 8 llegan ante "El Árbol de la Decisión", en "The Decision Tree (We're Alive)". Aquí el narrador les informa que uno debe morir. La canción gira entorno a una pegadiza melodía de sintetizadores al que se le suman guitarras. El Bárbaro hace alarde de su honor y gloria, dice que ha sido seleccionado por el Dios del Rayo para luchar a su lado, y anuncia que el no será el que morirá. Sus palabras instan a hablar del honor y el orgullo de El Montañés. Este no puede ocultar su mercenaria condición y confiesa culpas: "He seguido a los príncipes, he alzado sus pancartas sangrientas. He matado y herido del lado derecho. He cosechado la cosecha, campos dispersos con cenizas. He enterrado niños, sembrado las semillas del odio". Rápidamente el tema se va tornando en un dialogo y discusión entre estos dos personajes y un consenso del resto del grupo cantando al unísono, enfatizando que ellos están vivos y que sobrevivirán. El tono culposo del Highlander hace pensar a El Bárbaro que es el único que no tiene orgullo y por eso debe morir. En la discusión final, El Montañés tilda de mentiroso a El Bárbaro: "No me hables de honor, orgullo y gloria. He probado sangre, he visto tu tipo antes. Hablas de batallas, pero todo lo que cuentas son solo historias...". Los trabajos vocales alcanzan a transmitirnos muy bien las características de los personajes de esta disputa y sus sentimientos, sobre todo Fish que maneja valientemente a su personaje, ante este juego de supervivencia, y de pregunta y respuesta con todo el grupo. El viaje continúa su curso a través de "Tunnel of Light", la voz narradora los invita felizmente a atravesar por este túnel luminoso, dejando que la brillantez cubra sus almas. El Montañés se siente reacio frente a esta luz: "no me ofrezcas la luz, cuando solo conozco la oscuridad ahí es donde quiero esconderme hay un escalofrío en mis huesos que reconozco de otra vida por eso me dirijo a casa...".  En este avance hacia a luz, se alzan una vez mas las creencias de los protagonistas. La encantadora e hipnótica voz de La Egipcia exclama los nombres de Ra, Heliópolis, Ka y Anenti. Insistiendo, El Romano cree que se dirigen a "Los Campos Elíseos" y El Caballero, a la Isla de Avalon. Aquí nos despedimos de El Montañés, que muere al no poder soportar la luminosidad, cayendo al suelo. Ahora la voz los comanda a atravesar "El Puente del Arcoiris" sobre "El Mar de Lágrimas" para llegar a El Castillo Eléctrico, en "Across The Rainbow Bridge". Una cancion de carácter tranquilo en su inicio y de gran agresividad en su segunda mitad. Es por eso que la voz les había advertido que es un puente frágil y fuerte a la vez. La sección tenue de este puente invita a los personajes a vencer sus miedos. El Caballero recuerda un amor perdido, con sus heridas sin cicatrizar por lo que se ve tentado a volver a su dimensión a recuperarlo. El Romano se acerca al puente diciendo que están ante Estigia (una oceánide que personificaba un río de Hades). Mas positivo y audaz, alienta al grupo a continuar y vencer sus miedos. El pasaje fuerte del puente va a ser marcado por El Hippie, que aun sigue perdido y alucinando en un viaje psicodélico: "Escarlata rojo carmesí y rosado... Debo estar muerto o apedreado de mi cabeza. Mandarina amarilla naranja. La Reina del Ácido en una escena psicodélica. Castaño ocre chocolate marrón. Estoy al revés, en un edredón cósmico...". El Romano y El Caballero, gritan que corran y dejen el pasado atrás y que el futuro esta aquí para todos.

El segundo disco comienza con "The Garden of Emotions" otra canción lista para cambiar de climas cuando los eventos así lo requieran. La voz guia ahora a los 7 a cruzar por "El Jardín de las Emociones", justo enfrente de el se ciernen las majestuosas edificaciones de "El Castillo Eléctrico". La voz los invita a deambular por sus enredaderas verdes. Sucumbir a su encanto y respirar profundamente el aroma embriagador de las emociones interminables y entrelazadas. Ahora El Hippie, deslumbrado por el paisaje, se siente mas seguro y agraciado de su destino: "...es algo maravilloso este mundo de fantasía donde nadie más puede ir... Deambulo por el universo en la meditación cósmica para encontrar mi Yo interior. Me estoy drogando con amor y vibraciones espirituales, para liberar así mi mal karma...". La Egipcia espera ver que Amon-Ra venga a llevársela y sellar así su destino. En el segundo movimiento del tema, ocurre una pelea entre El Bárbaro y El Romano por el liderazgo del grupo, haciendo creer a La India que la voz de la narración en plan hostil, provocará la muerte del alma. Luego en el tercer movimiento, El Hombre del futuro, descubre que hay un factor de agresividad que esta alimentándose de las emociones negativas de todos, por medio de algún vil esquema informático, por lo que propone a todos a unirse en grupo para luchar contra estas emociones antagónicas. "The Garden of Emotions" culmina con la la extenuada voz de La Egipcia, repitiendo su llamado a Amon-Ra. Esto profetizaría su inevitable final en la dulce y melancólica "Valley Of The Queens" que retracta con una balada el canto final del derrumbe corporal y espiritual de La Egipcia. En su agonía dice tener rota su voluntad, que su búsqueda ha terminado y que su nombre ya esta tallado en piedra en la pared del templo, más allá del salón de Osiris. Pero su suspiro final esta en regocijo, ya que su deseo es quedarse allí, recostada en "El Valle de las Reinas".

Por fin, los personajes que quedan ingresan triunfantes al hall de entrada de "El Castillo Eléctrico", con uno de los mas enormes y electrizantes (valga la redundancia) momentos de la opera: "The Castle Hall". La voz les dice aquí que deben enfrentar su pasado, y que si han matado que tengan cuidado con la aparición de espíritus. También que el Mundo Astral incorpóreo se vuelve carne una vez más y que siente pena por los hombres de armas, porque allí la sangre corre fría. Los primeros en adelantarse son El Caballero y El Bárbaro. El tema comienza con unas guitarras acústicas que van dando paso a una base bien marcada dando un efecto de eco y de reverberación para emular el gran hall del castillo. Como bien les había indicado la voz, El Bárbaro tiene que luchar contra los fantasmas y demonios de aquellos a los que han asesinado y El Caballero invoca al poder de la espada Excalibur, pide a su rey y a los caballeros de la mesa redonda concederle el valor para soportar esta prueba. También invoca al vidente, Merlín, el hechicero. Los demonios que bailan en el hall de "El Castillo Eléctrico" son bien representados por una pegadiza melodía donde se destaca una vez mas la legendaria flauta de Thijs van Leer. Mientras la batalla continua, El Hippie y El Hombre del futuro se escurren por las escaleras que los dirige a "La Torre de la Esperanza" ("Tower of Hope"). La voz los insta a liberarse del pinaculo electrico y a no perder la esperanza. El Hippie se siente ilusionado por el destino, y alega que son los comienzos de una nueva era donde prevalecen la paz y la armonía. El Hombre del futuro se siente incrédulo y aun piensa que nada de eso puede ser real , que es una ilusión y que aun están atrapados dentro de una maquina de sueños, destinados a desaparecer si fallan en la misión. Se resalta un segmento de teclados y guitarras muy rockero y psicodélico que recuerda a los 60´s. En "Cosmic Fusion" de impronta "space rock", aparece una extraña brisa que capta la atención de La India, mientras permanecen en "La Torre de la Esperanza". Estos sucesos se ven reflejados en el primer movimiento donde esta brisa atrae a La India hacia el sol: "Espíritus voladores Me elevo en la brisa. Moribundos. Me elevo en la brisa... Dentro del sol...". El Hombre del futuro y El Romano intentan salvar a La India alertándola de una muerte segura. Es entonces que hacen su aparición las dos voces que conforman "La muerte", en el segundo movimiento. Aquí el gruñido áspero de "La muerte" se hace pasar por diversos elementos de salvación para La India (la brisa, el sol, la tormenta, el viento, el fuego y su propio destino). Mientras la voz de "La muerte" lo cubre todo, se escucha ínfimamente la voz de La India que va aumentando su intensidad hasta que "La muerte", reclama finalmente con un grito espeluznante de La India, su último aliento. El tercer movimiento, "The Passing of an Eagle", es un tramo instrumental con aristas futuristas que recuerda muchísimo a algunos pasajes del álbum conceptual de Jeff Wayne, basado en la novela "La Guerra de Los Mundos".

"Es hora de reflexionar sobre tu ego. No hay lugar donde esconderse cuando las paredes te hacen eco. Todos lo ven. ¡Ah, las sonrisas se disuelven! El pulso comienza a acelerarse; la cara, un rubor de miedo tan claramente pintado...". Así la voz los introduce ahora hacia "El Laberinto de Espejos", en "The Mirror Maze". Un bellísimo acompañamiento de piano, mellotron, violín y cello, para el primer movimiento donde El Hippie ve reflejado a el niño, solitario, enojado y rebelde que fue. Racionalmente El Hombre del futuro, le aconseja no sucumbir a estos fantasmas del pasado.El segundo movimiento mas fuerte, impregnado por sólidos riffs y solos de guitarras, no hace mas que reflejar que para El Romano este laberinto no le esta resultando nada fácil. Se esta ahogando en la desesperación, no puede vencer sus miedos y dice que esta condenado. Sin embargo El Caballero mas voluntarioso y optimista, con una valiente maniobra, lo ayuda a atravesar los espejos. Un ruido acuático y burbujeante coincide con la coda de "The Mirror Maze" y la intro de "Evil Devolution", donde los 5 salen del laberinto y llegan a una puerta que muestra el futuro al abrirla. Como no podía ser de otra manera la voz se dirige en particular a El Hombre del futuro a abrir esta puerta, diciéndole que allí esta el futuro. Para su sorpresa descubre que el humano evoluciona hacia un estado equivocado del ser, a manos de un "ciber-cerebro", el último en la cadena de alianzas hombre/máquina, que acabara con los sentimientos y emociones del primero, victima de su propia ciencia. La inminente fatalidad descubierta, vislumbra su caótica impronta a través de un pasaje fuerte de teclados y guitarras arrasadoras. Al cruzar esta puerta se encuentran con dos puertas mas, en "The Two Gates". El narrador enuncia que la elección sea guiada por la sabiduría colectiva. Una puerta completara el círculo; a un paso de la Dimensión de cada uno, su preciado tiempo. La otra puerta corta todas las conexiones y que el alma mas valiente tome la primer decisión. Inmediatamente El Bárbaro entra en acción, describiendo que la primera es simple y antigua y la segunda esta forjada en precioso oro. Su valentía, pero su orgullo y arrogancia, lo hacen elegir la puerta dorada: "¡Desafío a la muerte a encontrarme en esta puerta! ¡Desafío a Odin a pronunciar mi destino! Y si prospero, he vencido esta tierra. Pero si fallo, moriré como un hombre digno... Los cobardes se quejan más allá de la antigua puerta. Valhalla brilla más allá de la puerta dorada camino solo, así que no me sigas..." . A la vez El Romano y los demás lo arengan a elegir la puerta de su destino, que por supuesto acabará llevándolo a su muerte. Los demás entonces festejan haber hallado la puerta por donde pasar. El Caballero le exclama a la voz que han sido salvados y le pregunta el sentido de estas pruebas, si han triunfado, si han sido esclavizados y quien es el en realidad. La intro de "The Two Gates" contiene unos teclados que remiten a algunos pasajes de aquella recordada obra de concepto de Rick Wakeman, "Viaje al centro de la Tierra".

Antes de cruzar esta puerta final la voz revela su identidad como "Forever of the Stars". También les dice que es de una raza extraterrestre llamada "Forever". Estos tomaron a nuestro planeta Tierra como un experimento de las emociones humanas. Vencieron a los dinosaurios por la trayectoria descuidada de un meteorito perdido de un niño de su planeta. La elección de los 8, arrancados de "Time" no fue al azar, ya que representan la turbulenta historia de nuestro mundo. Mientras avanza en su relato la voz de Forever se va robotizando y haciéndose mas débil hasta desaparecer. En un ultimo hálito les dice: "El experimento ha terminado. Estoy cansado ahora. Tan cansado. Yo también estoy lejos de casa. Abre la puerta, completa el círculo. No recordarás, no recordarás. Porque solo soy el aire que respiras, después de todo ...".  "Another Time, Another Space" cierra la opera con el erizante y familiar sentimiento que nos provoca el final de una buena pelicula con la musica y sus creditos finales. Aquí, una vez devueltos los 4 al tiempo real, se preguntan que ocurrió realmente. El Hippie cree que es un sueño o bien un mal viaje por las drogas. El Hombre del futuro, dice no recordar nada y que su memoria ha sido borrada, siendo reemplazada con mentiras. Para El Romano ha sido un verdadero renacer, que le ha ayudado a vencer sus miedos. El Caballero por su parte dice haber encontrado "El Santo Grial" en un sueño mágico. En la sección final como una cinta pasada al revés, se emula una especie de torbellino sonoro que parece arrastrar las voces de los personajes desaparecidos desde sus respectivas dimensiones. "Another Time, Another Space" se apaga con la voz de Forever, pidiéndoles recordarlo, ya que que todo pudo haber sido una mentira y haber sido solamente un juego, dejando un final totalmente abierto. Nada mas acertado ya que en una futura obra de Ayreon, "Universal Migrator Part 2: Flight of the Migrator" (2000), "Forever of The Stars" reaparece y revela que es originario del Planeta "Y", en otra como "01011001" (2008). 

"Into The Electric Castle (A Space Opera)", la opera maestra de Ayreon, salio a la venta el 30 de agosto de 1998, ganando gran aceptación comercial. Recibió críticas abrumadoramente positivas a manos de los especializados, que elogiaron las habilidades de composición y escritura de Lucassen y la ductilidad de los cantantes. La opera se gano un merecido lugar junto a grandes obras de la música progresiva contemporánea y ayudo a que el "Universo Ayreon" prevaleciera. La producción y mezcla estuvo a cargo de Arjen Lucassen. El álbum es uno de los favoritos del propio músico, pues comenta que de todos los que ha grabado es uno de los mejores, en gran parte debido al equipo análogo de los años setenta que utilizó, ya que no quería sonidos sintéticos o prefabricados. Para festejar el 20 aniversario de la opera Lucassen remezclo "Into The Electric Castle" y lo relanzo en octubre de 2018. Los formatos fueron en 3 LP´s, 5 discos Earbook, en conjunto con una caja "deluxe" de edición limitada. Dentro de la misma se incluye una escultura en 3D enmarcada de la portada, 4 CDs con el álbum remezclado con una versión instrumental, un DVD con una remezcla en 5.1 del álbum y documentales, 3 LPs en vinilo de color dorado, una tarjeta de descarga y un certificado de autenticidad, firmado por Lucassen. Sobre este lindo trabajo que se tomo, comentaria: "Fue una tarea particularmente intimidante. Mi objetivo era darle un toque más contemporáneo, sin perder el encanto del original. Por casualidad, incluso encontré algunas pequeñas sorpresas en las cintas originales que no se habían utilizado en el original. Para que este relanzamiento fuera aún más especial, no me detuve después de terminar la mezcla estéreo, sino que también hice una mezcla 5.1. Este álbum prácticamente mendigaba que se mezclara en formato 5.1, debido a todos sus efectos espaciales, sonidos extraños y voces extrañas. Hice todo lo posible para que el oyente se sintiera como parte de la experiencia, como si hubiera entrado físicamente a esta ‘nueva dimensión'". Las presentaciones del disco, como no podía ser de otra manera, contaban con una gran producción de vestuario, escenas ambientadas y efectos visuales/especiales a la orden del dia. Sin ir mas lejos en el tiempo, Ayreon se presentó en 013 Poppodium de Tilburg (Países Bajos), los días 13, 14 y 15 de septiembre de 2019, para celebrar el vigésimo aniversario de "Into The Electric Castle" con una serie de vocalistas y músicos invitados, reuniendo a la mayoría de los músicos que aparecieron en el disco de 1998. 


Vocalistas:

Edwin Balogh como El Romano
Sharon den Adel como La India
Jay van Feggelen como El Bárbaro
Fish como El Montañés
Anneke van Giersbergen como La Egipcia
Arjen Anthony Lucassen como El Hippie
Edward Reekers como El Hombre del futuro
Damian Wilson como El Caballero
Robert Westerholt y George Oosthoek como La Muerte
Peter Daltrey como Forever

Instrumentistas:

Roland Bakker - órgano Hammond
Taco Kooistra - cello
Arjen Lucassen - guitarras eléctricas y acústicas, mandolina, bajo, Minimoog, melotrón y teclados
Rene Merkelbach - sintetizador 
Clive Nolan (Arena) -  sintetizador 
Erno Oláh - violín
Jack Pisters - sitara
Ton Scherpenzeel (Kayak) - sintetizador 
Robby Valentine - piano, sintetizador y melotrón 
Thijs van Leer (Focus) - flauta 
Ed Warby (Gorefest) - batería




Lista de Temas:

CD I:

1. Welcome to the New Dimension
2. Isis and Osiris
A) Let the Journey Begin
B) The Hall of Isis and Osiris
C) Strange Constellations
D) Reprise
3. Amazing Flight
A) Amazing Flight in Space
B) Stardance
C) Flying Colours
4. Time Beyond Time
5. The Decision Tree (We're Alive)
6. Tunnel of Light
7. Across the Rainbow Bridge

CD II:

1. The Garden of Emotions
A) In The Garden of Emotions
B) Voices in the Sky
C) The Aggression Factor
2. Valley of the Queens
3. The Castle Hall
4. Tower of Hope
5. Cosmic Fusion
A) I Soar on the Breeze
B) Death's Grunt
C) The Passing of an Eagle
6. The Mirror Maze
A) Inside the Mirror Maze
B) Through the Mirror
7. Evil Devolution
8. The two Gates
9. "Forever" of the Stars
10. Another Time, Another Space



jueves, 22 de agosto de 2019

Divididos - Vengo Del Placard De Otro (2002)


"Vengo del Placard de otro", el séptimo disco de estudio la banda "paisana" de Hurlingham, Divididos, tuvo la difícil tarea de esbozar una caótica época en la Argentina, infundada por una creciente crisis económica y política. Fue así que en gran parte de los 14 temas que componen el trabajo se abordan las diferentes problemáticas de entonces, todo visto desde el particular cristal de Mollo y de Arnedo, principales cabezas compositivas de la banda. Ricardo Mollo, guitarrista y cantante,  había definido al álbum como el sucesor directo de "Narigon del Siglo" (2000), dándonos a entender que sería una continuación del mismo. Lo cierto es que si bien por la época de "Narigón del siglo" ya el país estaba sumergido en diversas problemáticas, en este álbum terminan de asentarse muchisimo mas, dándole un gusto particular a las composiciones. Sin olvidarnos del plus de que este es mucho mas ecléctico que su antecesor. Hay momentos de un pesado y/o denso hard rock ("Cajita Musical", "Miente el After Hour", "Despiertate Nena" o "Libre el jabalí"),  lindas baladas "setenteras" y muy bien logradas ("Pepe Lui, "Vengo del placard de otro") y por supuesto su habitual y exquisita dosis de "Rock folklórico" que tan bien les sienta ("Casitas inundadas, a votar", "Guanuqueando").

Los comienzos de Divididos remiten al año 1988, año posterior a la disolución de Sumo quedando atrás la muerte del legendario Luca Prodan, el 22 de diciembre de 1987. Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto "Superman" Troglio y Germán Daffunchio comienzan a plantearse sus futuros, no sin antes dar un concierto final con el nombre Sumo, el 5 de marzo de 1988 en el Chateau Rock en Córdoba. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Prodan), uniendoseles luego Troglio y estando en las sierras cordobesas, forman Las Pelotas. Al poco tiempo Pettinato se va a España y forma una banda llamada Pachuco Cadáver. Mollo Y Arnedo unen sus fuerzas con el baterista de la banda La Sobrecarga, Gustavo Collado, para formar La División, que al poco tiempo se transformaría en Divididos. El primer manager de la banda fue Poppy Macedo, logra un contrato para la CBS, iniciando las gestiones del álbum debut "40 dibujos ahi en el piso" (1989). Mediando el año 1988, Divididos ya contaba con un serio repertorio para salir al ruedo. Una gran parte del publico que seguía a Sumo asistió a El Rouge Pub de Flores siendo testigo de la primera presentación en vivo del trío. Ademas de tocar, obviamente canciones de Sumo (como "Divididos por la felicidad", "Mañana en el abasto" o "Mejor no hablar de ciertas cosas"), en estos primeros shows darían a conocer canciones como "Haciendo Cosas Raras", "Los hombres huecos" o "Camarón Bombay". Temas que luego aparecerán en el álbum debut "40 dibujos ahi en el piso". El trabajo seguía la linea de álbumes de Sumo, con dosis de reggae, funk, hard rock y algo de punk. El power trio comienza también a alimentar la clara influencia de Hendrix. "40 dibujos ahi en el piso" dejaría canciones memorables en el repertorio de la banda como "Haciendo cosas raras", "Camaron Bombay, "Che, que esperas", "Gárgara larga" o el muy bien logrado clásico de los californianos The Doors: "Light My Fire". Seria el debut y despedida de Collado. La presentación de "40 dibujos ahí en el piso" se llevó a cabo en Cemento, el reducto porteño del empresario Omar Chabán, donde compartieron escenario con Germán Daffunchio y Alejandro Sokol (Las Pelotas), demostrando que la paz entre los dos grupos hermanos estaba sellada. "40 dibujos ahi en el piso" no gozo de un alto nivel de ventas pero quedo en la memoria de los fans de la banda como un gran puntapié para lo que luego vendría . En 1990 se encontraron perpetrando lo que seria su segundo disco "Acariciando Lo Áspero" con cambio de bateria , ingresaría Federico Gil Solá. Corriendo ya el año 1991 bajo la discográfica EMI, Divididos saca del horno "Acariciando lo aspero". "El 38", "Ala delta", "Qué tal?", "Sisters" "Sábado" y "Azulejo" son temas que van conformando el mosaico creativo de la banda de Hurlingham. La influencia "hendrixiana" comienza a emanar mas fluida y directa que nunca con el cover de The Experience, "Voodoo Child (Slight Return)". Y el "folk rock" marca registrada de Divididos comienza dar destellos de gran creatividad con "El Burrito", "Haciendo Cola Para Nacer" y por que no "Cielito lindo". Las presentaciones en vivo comenzaban a dar que hablar. Mollo comienza a homenajear a Jimi Hendrix en "Voodoo Child" , tocando la guitarra con los dientes, y por su particular forma de tocar influenciada por el mismo, con un plus de funk,  hard rock , blues rock , punk y reggae, sumado al solido trabajo rítmico de la destreza de los dedos de Arnedo, siempre predispuesto a abarcar cualquier variedad de estilos que se le presente, esto comienza a labrar la personalidad arrolladora de la banda. Para promocionarlo el grupo ya se había presentado meses antes en el "Festival por los Seis Años de la Rock & Pop", el 6 y 7 de abril de 1991 en el estadio Obras. Divididos se presenta en la segunda fecha junto a Rata Blanca, Illya Kuryaki and The Valderramas y Attaque 77. Poco después siguen con la gira de este disco, llegando a tocar nuevamente en el estadio Obras como teloneros de Faith No More en su visita a la Argentina. La gira en cuestión fue denominada "Tour áspero" con una serie de 13 conciertos durante todo 1992 finalizando a principios de 1993, en el Estadio Obras y en Cemento. Fue durante gran parte de estos shows que Federico Gil Solá se había quemado todo su cuerpo, y  fue reemplazado por Andrea Álvarez (quien había sido percusionista de Soda Stereo), participando durante casi toda la gira. El 18 de enero, después de dos años, la banda vuelve al Teatro Arpegios. En ese recital estrenaron material de lo que sería el álbum consagratorio "La era de la boludez", con Gil Solá nuevamente en las baquetas. Sostenido por los hiper populares cortes "¿Qué ves?" y "El Arriero", de Atahualpa Yupanqui, el tercer trabajo "La era de la boludez" consolida definitivamente la popularidad de la banda  masivamente en Argentina y ademas lo abre de cara al mercado latinoamericano y al mundo. Mezclado en EE. UU y con el excluyente aporte como productor y director artístico de el "Rey Midas" de la música latina, Gustavo Santaolalla. Con "La era de la boludez" la banda llega a un nivel consagratorio con un sonido redondo, compacto y propio, alejando los fantasmas de Sumo definitivamente. En retrospectiva el disco hace un sondeo exhaustivo de las problemáticas de la Argentina "menemista" con cierta jocosidad en ocasiones y seriedad en otras, sin olvidarse tampoco de defender las raíces, que que se extienden no solo en Argentina, sino que también de punta a punta, en todos los pueblos originarios de latinoamérica. Semejante producción y aceptación del publico llevo a el tour a hacer una cantidad de 41 shows entre 1993 y 1995 en varias provincias del pais, llenado una vez mas 13 Obras entre abril y diciembre de 1993 y en 1994 ante 20.000 personas en el estadio de Vélez Sarsfield. Es aquí donde la banda realmente se gana el nombre de "Aplanadora del Rock". El 18 de febrero tocan en la Plaza de las Américas en Buenos Aires, siendo este el último recital con Federico Gil Solá en la batería. Se percibía cierta tensión en general, entre Arnedo y Mollo para con este ultimo, pero mas particularmente en este recital cuando momento de tocar "Roadhouse Blues", Ricardo Mollo se encargó de la voz negándole la participación al baterista, quien lo hacia habitualmente en el tema. Monos con navajas era la banda que despidió al baterista Jorge Araujo, quien reemplazaría a Gil Solá para los shows pendientes y para la grabación de "Otroletravaladna" el siguiente trabajo en estudio de 1995. Un disco raro hasta para la banda misma, por una impronta adrede "anticomercial", debido a el síntoma que muchos artistas padecen luego de un desbordante éxito, y sobretodo en respuesta a las sofocantes demandas de las discográficas. El mismo Mollo dijo sobre este que era "horrible por dentro". Aun así es uno de los mejores álbumes de Divididos, mas variado aun que los anteriores. Se le animan a un tango con "Volver ni a palos", a un "hard rock hendrixiano" que a esta altura llega a una exquisita complejidad única en su estilo, como lo es en "Basta Fuerte", baladas simples y deliciosas en "15-5", extractos caóticos, jocosos  y  hasta experimentales en "Bolero coya/Por el aire como un tiburón" y "Por el aire como un tiburón/Pachanga coya" y una cuota bizarra con folclore en "Anda a lavartelos", entre otras perlas mas. Una vez mas el estadio Obras fue testigo de la presentación del nuevo material el 15 de diciembre de 1995. Llegando a tocar en Puerto Rico y Chile y haciendo un "enchufado" (contrariando los acústicos Unplugged) para la MTV en Miami. El tour de "Otroletravaladna" se extendió hasta principios de 1998, donde ya se comenzaban a presentar temas de su siguiente disco "Gol de mujer" (1998). Este album se presento el 25 de julio de 1998 en el Parque Sarmiento. "Gol de mujer" ahonda mas aun en la diversificación de estilos que siempre nos trae la banda. Expone mas cantidad de climas folclóricos (a veces son muy bien logradas parodias) con, "El gordo legüero", "Clavador de Querubín", "Niño hereje" y "Vientito del Tucumán", esta ultima es un poema inédito de Atahualpa Yupanqui. Los temas potentes dan mucho que hablar, basta con escuchar "Nene de antes", "Cabeza de maceta", "Sobrio a las piñas / Quién se ha tomado todo el vino?", "Cosas de Baboon" o la critica religiosa "Zombie" y por supuesto el bien logrado cover  Billy Bond y la pesada del rock and roll "Salgan al sol". La gira del álbum culminaría triunfalmente en Obras en 1999. Rebosantes de éxito en el verano de 2000 se presentan en la costa atlántica (Mar del Plata, Necochea y Mar de Ajó) con nuevo material, el cual partiría pronto hacia Inglaterra, para documentarlo en Abbey Road Studios con "Narigon del siglo". "Par Mil" y "Spaghetti del rock" impulsaron notablemente uno de los mejores y mas maduros trabajos de Divididos. La gira que los llevo a recorrer buena parte del territorio Argentino y varios paises de sudamerica y europa también (Reino Unido, España y Francia) se extendió hasta 2002 con la particularidad de participar de festivales con muchas bandas y solistas y de contar con varios invitados a saber: León Gieco, Illya Kuryaki and The Valderramas, Jaime Torres, Víctor Heredia, Verónica Condomí, Chango Spasiuk, Manu Chao, Los Pericos, Gillespi, Alambre González, Tito Fargo, Pappo, Machi Rufino, Juan Rodríguez, Mimi Maura, Kapanga, Pez, El Otro Yo y Bersuit Vergarabat, Catupecu Machu, Riff, Los Piojos, La Renga, Callejeros, Pappo's Blues, MAM (la banda de el hermano de Mollo, Omar) y La Mississippi, entre otros.

La banda venia aceitada de conciertos en europa. Habían participado en el Festival Latinoamericano de Toulouse, que tuvo lugar en la Ribera Río Garonne, el 25 de junio de 2002. Tres días después se presentan en Madrid, para regresar a Argentina a comenzar a grabar su séptimo trabajo. Grabado en los estudios "Del Abasto al Pasto" fue producido por Divididos, con el experimentado aporte del ingeniero Alvaro Villagra en la grabacion, masterizacion y mezcla. Un comienzo enérgico acusa "Cajita Musical" con un solido trabajo en la linea de bajo de Arnedo, siendo una mirada del artista sobre la crisis del momento. Un gran aliciente para el músico alentandolo a ser positivo a pesar de la crisis: " Con pedales sulfatados, la bronca linda arranco, hiervo cuerdas para siempre..." o "...con docencia y sadismo, cultura de lo nacional esta guerra de los sueños el artista del engrudo la pinto...".  "Ay que dios boludo!" y "Brillo triste de un canchero", se enganchan convenientemente, el segundo va sumergido en una tranquilidad que va dilatándose de a poco. Ambos van de la mano exhibiendo un hard rock y una prosa bien Divididos que en sus temáticas no dejan de ser la crónica de las problemáticas sociales y de las pequeñas parcas personales y colectivas del momento en el país.

Cierto aire de burla a las canciones de fin de año con la parodia "Villancico del Horror", con clima acústico cercano a la baguala, adornado por excelentes toques de psicodelia, gracias a los aportes de sintetizadores al mando de Juan "Pollo" Raffo, a la vez que se va haciendo eléctrico poco a poco. De inmediato "Pepe Lui", un tema destinado a ser un clásico de fogón , año tras año. Trata de un personaje que podría catalizar en su personalidad a muchos fans y/o aficionados del rock de los 70´s , pero puntualmente del "rock nacional". La velocidad arrolladora de "Miente el After Hour " perfecta demostración de lo que un power trío puede generar y es la exacta definición del "calavera" contemporáneo. Con la visceral "Despiertate Nena", Divididos buscó desempolvar el viejo tema de Pescado Rabioso, para darle un enfoque hacia estos tiempos y animar la llama Hendrix que destila esta canción. Mollo comentaria sobre la versión: "Es devolver un poco de lo que tomamos, es como darle una ventilación a eso para que no quede en el olvido".

La ambición musical de Divididos en contar con gran variedad de instrumentos se vé en el hecho de implementar una amplia sección de cuerdas con doce violines y cuatro cellos, así también vientos como fagot, clarinetes y flautas. La balada desnuda de tapujos que le da nombre al disco, "Vengo del placard de otro", es una clara muestra de la inclusión de estos instrumentos, bajo arreglos y dirección de Juan "Pollo" Raffo. También es notable el rango de la voz de Mollo, como trabaja las notas bajas hacia las altas, de los mejores trabajos vocales del álbum. Con una intro hindú con Jorge Araujo implementando percusiones como el udú y el tambor marroquí, "Casitas inundadas, a votar", refleja otra triste realidad lamentablemente vigente al día de hoy, las inundaciones. Expresa ese contraste entre el avance de la naturaleza y la ausencia de políticas eficientes (y sobre todo de las riquezas "mal distribuidas") ante estas problemáticas: "Desde arriba ya, sabe su lugar lentamente va llegando acá. No es venganza, es sólo natural Madre agua busca su lugar. Por el bendito afán de una moneda más, aguas danzantes sobre la ciudad montes chaqueños hoy como canchas de golf..." . "Es el disco de las ganas, si bien estamos viviendo una crisis social muy fuerte, esto fue hecho por el entusiasmo de personas que quieren seguir haciendo las cosas con ganas.", esto había comentado Mollo sobre el álbum y nada mejor para sintetizar lo dicho que la abominable "Un alegre en este infierno". Rock orquestado en su maximo esplendor , una vez mas con violines y cellos y sobretodo la potencia y el brillo del corno.

"Libre el jabalí" compacta y potente refleja varias problemáticas y nos invita a alimentar el amor a la cultura: "La Argentina y su tatuaje del error. Mentí, mentí, mentí que es verdad. Hoy me duele la cultura. Si no sueño quedo sin estribillo. En esta canción de amor." . Un coro de niños para el apropiado reggae "Aburridos peligrosos" una especie de crítica a las generaciones nuevas, a las "generaciones de la internet " quizás. Sobre el final un enfoque existencial con "Puertas"  una suerte de "stoner rock" que va derivando en exquisitos arreglos orquestales que sorpresivamente van tornándose experimentales con un final desconcertante. A las preguntas que Mollo se hacia con la directa letra de "Puertas" ("Que puertas abrir ??, Que puertas cerrar??") se le puede atribuir como una epifanía o por que no un regalo, en el final del disco marcado por la breve introducción de el clásico "El Reloj" del compositor mexicano Roberto Cantora, marcando la apertura de una puerta hacia la cautivante "Guanuqueando". Canción de el ya fallecido compositor, músico y maestro rural jujeño, Ricardo Vilca. "Guanuqueando" fue grabado en vivo en el Pucará de Tilcara en agosto de 2002, con el mismo Vilca en guitarra y sus músicos, añadiendo quena, charango, bombo, y zampoñas. Canción norteña por excelencia. Alude al paisaje, flora, fauna e instrumentos musicales autóctonos. "Zampoña" es un instrumento de viento, rústico, compuesto por varias quenas y "Airampo" es una planta andina. Por eso dice "Siento quenas que en el viento huyen" o "Entre airampos de luna, zampoñas que en el viento huyen". Como es una zona seca la gente que vive ahí tiene los labios quebrajeados por el viento seco y la tierra, a eso se refiere con "verteros de labios quebrados" o "Besos de mi raza". El cóndor es un animal característico del norte, por eso dice "En viaje, buscando el cielo un cóndor va, como mi ser resucitará, buscando la luz" (haciendo referencia al sol). El termino "guanuqueando" refiere a un amigo de Vilca, también músico, Carlos Guanuco. En la época en que Vilca compuso el tema se hallaba también tocando con un grupo llamado Raza, que era un encuentro de todos los músicos idóneos de la quebrada donde actuaban con Raúl Torre, Bicho Díaz, y otros más. Para Vilca fue una dedicación de corazón para Carlos. Ademas la canción alberga una anécdota colorida. Cuando Ricardo Vilca se iba a lo que comúnmente llamamos "de gira" o "de parranda", su esposa lo interrogaba : - "donde estuviste??" y el respondía: "guanuqueando", se refería a que había salido con Guanuco. Al finalizar la canción se oye un fragmento de la canción "Ue Paisano" del italiano Nicola Paone.

El primer corte de difusión fué "Cajita Musical" y el segundo "Pepe Lui", ambos con un correspondiente videoclip de gran popularidad. "Vengo del placard de otro" se presento en la inauguración del estadio Orfeo Superdomo de la ciudad de Córdoba. La banda vuelve a Obras los días 27 y 28 de septiembre para la presentación oficial del disco en Buenos Aires. La gira no estaría finalizada sino hasta el 13 de marzo de 2010, ya que no solo se presento este trabajo sino que también su segundo disco oficial en vivo "Vivo Acá" (2003) (el primero había sido "Viveza criolla" (2000)), que fue grabado en formato acústico en el Teatro Gran Rex, los días 16, 17 y 18 de julio del año 2003 para los festejos de los 15 años de la banda. El arte de tapa a cargo de Alejandro Ros, muestra una morcilla en el frente que abarca hasta la parte trasera que según Ricardo Mollo "Es un poco como el moretón argentino. La morcilla es un argentino, cagado a palo. ¿Hay algo más argentino que una morcilla? Representa el machucón de los que vivimos acá". Seria el ultimo trabajo con Jorge Araujo quien abandonaría Divididos en 2004, para ser reemplazado por el actual baterista Catriel Ciavarella. Tras 8 años de parate en lo que refiere a la actividad en estudio, el 17 de marzo de 2010 y por parte de la discográfica propia de la banda "La calandria" y  la Distribuidora Belgrano Norte (DBN), lanzan el octavo álbum de estudio "Amapola del '66". Un disco que demuestra aun mas la madurez compositiva de Mollo y Arnedo. Momentos de folklore habitual , funk y rock aplanador veremos en "Hombre en U", "La Flor Azul" , "Amapola del '66", "Jujuy" , "El perro funk" y "Todos", esta ultima dedicada a las victimas y a los familiares de accidentes de transito. La gira de presentación comenzó el 27 de marzo de 2010 en el Cerro Pucará de Provincia de Jujuy. El 2 y 3 de junio del mismo año se presentan en el Luna Park su primer y único DVD oficial en vivo, "Audio y agua". Poco después anuncian una segunda edición del disco en formato de vinilo. Son dos LP  con un orden de canciones distinto a la versión CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker del tema de Los Beatles, "With a Little Help from My Friends" con invitados de lujo como Ciro Fogliatta en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es la inédita "Pereta Voyeur". Sorpresivamente en 2015 Divididos anuncia una tercera edición de "Amapola del '66" que incluye ademas de los 13 temas originales, los dos bonus del vinilo y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película "Infancia Clandestina", del director Benjamín Ávila. "Haciendo cosas raras" (2018) acusa ser el noveno álbum de estudio de la banda. En realidad es la regrabación  y homenaje a "40 dibujos ahí en el piso" (1989), álbum debut de la banda que conmemora sus 30 años de vida con esta regrabación. Tiene la peculiaridad de añadirle letra al anteultimo track del álbum "La Foca" rebautizándolo como "Caballos de la noche". La presentación fue el 15 de septiembre de 2018 en el Hipódromo de Palermo, siendo este el show más grande de la banda, como el que hicieron el 10 de septiembre de 1994 en el estadio de Vélez. Actualmente Divididos se encuentra trabajando en nuevas composiciones para un futuro álbum de estudio, una de ellas titulada "Mundo ganado" puede disfrutarse en la pagina oficial de la banda.




Lista de Temas:

1. Cajita Musical
2. Ay, que Dios boludo
3. Brillo triste de un canchero
4. Villancico del horror
5. Pepe Lui
6. Miente el After Hour
7. Despiértate Nena
8. Vengo del placard de otro
9. Casitas inundadas, a votar
10. Un alegre en este infierno
11. Libre el jabalí
12. Aburridos peligrosos
13. Puertas
14. Guanuqueando (en vivo en Tilcara) (Incluye fragmentos de "El Reloj" de Roberto Cantoral y "Ue Paisano" de Nicola Paone)


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