jueves, 24 de mayo de 2018

Bob Dylan - Oh Mercy (1989)


Dylan cerraba la década de los 80´s con un regreso mas que significativo, su vigésimo sexto trabajo en estudio "Oh Mercy". Decimos que fue destacable por que  venia de publicar, los años anteriores, trabajos de poca trascendencia y de gran fracaso comercial como "Knocked Out Loaded" (1986) y "Down in the Groove" (1988). El álbum enamoró a la critica de entonces y ubicó al artista en una mejor posición en las listas de éxitos en años. Parte de este regreso al éxito de Bob, se debió a la inteligente elección de hacerse de los servicios de el productor y músico canadiense Daniel Lanois quien tenía una forma innovadora de hacer música, organizando un estudio móvil allá donde le fuese bien al artista y un sello inconfundible, que imprime a las composiciones un tono oscuro y pantanoso. Al estudio móvil lo ubicaron en una especie de mansión victoriana en Nueva Orleans, Luisiana. Utilizaban la mesa de control que se encontraba en la misma habitación que los músicos, sin que hubiese una pantalla que las separase, lo que creaba una atmósfera mucho mas estrecha entre todos los participantes, en el proceso de elaboración del disco. Decía Lanois que: "tenía un tono de casa de citas, pusimos la sala de control en una ciénaga... teníamos musgo por toda la casa y cabezas de lagartijas y cabezas disecadas". Dylan se sintió liberado de horarios por el tono relajado de Lanois. "Daniel estaba disponible para grabar a cualquier hora del día o de la noche”, comentó en una entrevista. Este productor era conocido por sus trabajos con Peter Gabriel en "So" y con U2 en “The Joshua Tree” (Bono fue el de la recomendación a Dylan) y otorgo un "sonido atmosférico y nebuloso", cargado de ecos, según el crítico Stephen Erlweine, similar al conseguido ocho años después en el álbum "Time Out of Mind", en el que ambos volvieron a colaborar. Bob se deshizo de las convencionalidades que le otorgaba grabar con su banda, y confió a Lanois que reclutara a músicos locales, entre los que figuraron los guitarristas Mason Ruffner y Brian Stoltz, el bajista Tony Hall y el baterísta Willie Green. Aun así, la mayor actividad en las grabaciones recayó en tres personas: Dylan, Lanois, y el ingeniero musical Malcolm Burn. Lanois tocó el dobro, varias guitarras e hizo arreglos en algunas canciones, mientras que Durn usó ocasionalmente la pandereta, los teclados y el bajo.

Después de una agotadora gira de dieciocho meses con el gran "Tom Petty & The Heartbreakers", a fines de  1987, Bob Dylan se habia lesionado la mano y durante su recuperación compone varias canciones, entre la cuales se encuentra la que abre "Oh Mercy", la acertada "Political World", una mirada mas aggiornada a aquellos tiempos de un músico pura y exclusivamente de protesta. Según el propio Dylan , la canción fue concebida de forma espontánea, con veinte versos y sin una melodía determinada. También fue la primera en grabarse, Lanois le aporto un inteligente arreglo "funky" a la guitarra de Mason, al que Bob se mostro insatisfecho con el resultado. El productor había tomado las riendas de la canción sin el consentimiento del artista. Dylan recordaría: "La noche anterior habían
seguido trabajando después de que me fuera. Ruffner añadió frases demoledoras sobre el ritmo que yo marcaba con la Telecaster. Mi guitarra había sido eliminada de la mezcla. La canción había sido narcotizada". La letra no es mas que una cruel visión de los tiempos que corren, con un mensaje que puede circular el día de hoy, por ejemplo: "Vivimos en un mundo político, donde el amor no tiene lugar. Vivimos tiempos en que el hombre comete crímenes, y el crimen no tiene cara..." o ..."Vivimos en un mundo político. El que podemos ver y sentir, pero no hay nadie para comprobarlo, todo es una baraja marcada y sabemos que es real... Vivimos en un mundo político, donde la paz no es bienvenida, se le cierra la puerta para que vagabundee algo más. O se la coloca contra la pared".
La temperatura poética de "Where Teardrops Fall" lleva la marca registrada de Dylan. La típica teatral o cinematográfica historia de los amantes dentro de un paisaje que el únicamente sabe crear: "Por ríos de ceguera, enamorados y con cariño, podríamos brindar si nos encontráramos, por el corte de las alambradas... Las rosas son rojas, las violetas azules, el tiempo empieza a arrastrarse. Puede que tenga que ir a verte...donde caen las lágrimas.".  La concepción encierra una anécdota casi trasformada en accidente. Remite a cuando Bob estaba grabando la descartada "Dignity", canción compuesta tras haberse enterado de la muerte de Pete Maravich, leyenda del baloncesto. La grabación estaba reducida a Bob solo con el guitarrista  Brian Stoltz y la bateria de Willie Green, por lo que Lanois sugirió que acompañara la canción con una banda "cajún". Motivado por la curiosidad, Dylan aceptó y regrabó "Dignity", al día siguiente con la "Rockin' Dopsie and His Cajun Band". Tras varias tomas con diferentes tonos y tempos, el y Lanois desistieron y dedicaron la noche a versionar clásicos del country como "Jambalaya" y "There Stands The Glass". Según escribió Dylan en "Chronicles": "En medio de todo aquello, toqué otra canción, "Where Teardrops Fall". Se la enseñé a Dopsie y la grabamos en cinco minutos, sin ensayarla antes. Hacia el final de la canción, John Hart, el saxofonista de Dopsie, interpretó un solo sollozante que me dejó sin resuello. De repente, caí en la cuenta de que me encontraba en el sitio justo, haciendo lo que debo, y de que Lanois era el hombre idóneo para el trabajo".

A la repentina inspiración de Bob durante ese periodo de rehabilitación se sumarían "What Good Am I?", y "Dignity". Una vez mas descontento con el resultado, termino por omitirla de la configuración final, "Dignity" sería interpretada en directo para la MTV y publicada en el correspondiente album "MTV Unplugged" (1995). El mes siguiente su creciente inspiración daria cerca de una veintena de canciones, incluyendo "Disease of Conceit",  "What Was It You Wanted?" y "Everything Is Broken". Esta ultima originalmente llamada "Broken Days"  publicada como primer sencillo promocional del álbum, con "Death Is Not the End" como cara B. Otra mirada a los inciertos tiempos que corren pero de una manera mas personal , muestra el desapego de Dylan hacia su mundo material o no: "Líneas rotas, cuerdas rotas, hilos rotos, muelles rotos, ídolos rotos, cabezas rotas. Gente durmiendo en camas rotas. De nada sirve bailar,  de nada sirve bromear... Todo está roto...". Sin embargo le debemos adjudicar un mensaje de fé y bienaventuranza con "Ring Them Bells", sin dudas pesados vestigios de su época de interés religioso y de su conversión al cristianismo.

"Man in the Long Black Coat" un de las ultimas grabaciones de "Oh Mercy", recuerda las ficciones tipo (y al ritmo) "far west" (al estilo "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts de "Blood On The Tracks"). Dylan crea una suerte de imaginería apocalíptica,  surgida quizás de la inspiración que le provocó ver paisajes de localidades tales como Amelia y Raceland en el estado de Luisiana, tras una excursión con su esposa. De sin igual efecto resulta ser la atmósfera lograda en unos de los mejores momentos del álbum, "Most Of the Time", donde la linea del bajo resalta sobre los demás instrumentos. De por si la letra con sus elocuentes metáforas y comparaciones, imprime una mirada ya experimentada del poeta Dylan. Sobretodo con respecto a las relaciones amorosas: "La mayor parte del tiempo estoy centrado. La mayor parte del tiempo consigo tener los pies sobre la tierra. Puedo seguir el camino, leer las señales, seguir cuando la carretera se endereza, puedo hacer frente a cualquier imprevisto. Ni siquiera advierto que ella se ha ido, la mayor parte del tiempo... la mayor parte del tiempo... No me hago ilusiones hasta volverme loco, ni temo a la confusión por grande que sea. Puedo sonreírle a la humanidad. Ni siquiera recuerdo cómo sentía sus labios sobre los míos. No me engaño, no corro a esconderme de los sentimientos que he enterrado en mi. No hago concesiones, no finjo. Ni siquiera me importa si no la vuelvo a ver... La mayor parte del tiempo...". "What Good Am I?" surge a pesar de ser un punto de discrepancia entre Lanois y Dylan, quien dejo que el productor le brinde su impronta, por cierto muy pausada, y con capas de sonidos, para imprimir su marca. La letra es de corte existencial: "¿De qué sirvo si soy como los demás? ¿Si me doy la vuelta cuando veo cómo vas vestida? ¿Si me encierro en mi mismo para no oírte llorar? ¿De qué sirvo?...¿De qué sirvo si digo tonterías y me río en la cara de lo que trae el pesar, y te doy la espalda mientras mueres en silencio? ¿De qué sirvo?...".

De las letras mas serias "Disease of Conceit" ("La enfermedad de la arrogancia"). Basta con indagar en su mirada omnisciente, para alertar su certera dirección en las estrofas finales: "Hay un montón de gente en apuros esta noche por la enfermedad de la arrogancia. Un montón de gente ve doble esta noche por la enfermedad de la arrogancia. Te provoca delirios de grandeza y mal de ojo. Te hace creer que eres demasiado bueno para morir...". En parte de su autobiografía, muchos al analizarla, coinciden que fue inspirada  por la exprocación de Jimmy Swaggart  predicador pentecostal estadounidense, uno de los pioneros del naciente por entonces, "televangelismo". Con una sacudida similar a "Most Of The Time" y a "What Good Am I?" (pero con una pizca mas de resentimiento), el narrador de "What Was It You Want?", despotrica a esa persona o "amante" la cual no puede alejar de sus recuerdos. El gancho de la canción es sin duda la sobresaliente ejecución de armónica de Bob, pero hay buenos arreglos de guitarras que no debemos dejar ir.

El álbum culmina con "Shooting Star" que coincidiría con ser una de las ultimas en grabarse. Como varias de las canciones de Dylan parece estar dedicada a alguien especifico, y en este caso da la impresión de estar dedicado a alguien que ya no esta en la vida del músico, mas precisamente a su primer esposa Sara Lownds , tantas veces homenajeada en canciones del pasado. Se encuentran diferentes opiniones entre los fans, (sobretodo por que Bob nunca lo ha declarado que era para ella), quienes coinciden que la canción habla de Dios y "la tentación" y "el sermón de la montaña", relacionado con la transición en su vida que Dylan experimentó diez años antes dando como resultado la trilogía de álbumes en su período de Evangelio, comenzando con "Slow Train Coming" (1979), "Saved" (1980) y "Shot Of Love" (1981). La melancólica balada es quizás la muestra de la perdida en la fé cristiana por la que paso por entonces el músico, que en este caso parece dirigirse a Cristo: "He visto una estrella fugaz esta noche y pensé en mí si yo todavía fuera el mismo si alguna vez me convertí en lo que querías que fuera". La siguiente línea dice: "¿Alguna vez extrañé la marca o rebasé la línea que solo tú podías ver?" A continuación hace una referencia aparente a un poema de Joseph Addison Alexander: "Hay una línea que no vemos que cruza cada camino. El límite oculto entre Dios, paciencia y su ira". Para aquellos que estén mas familiarizados con el álbum podrán encontrar una intima relación entre "Shooting Star" y "Ring Them bells". Algunos versos pueden empalmarse y funcionar perfectamente entre si. Este ejercicio puede resultar interesante. La parte en "Shoting Star" que dice: "Listen to the engine, listen to the bell..." ("Escucha el motor, escucha la campana ...") y que continua con: "The last radio is playing..." ( "La última radio está sonando..."). Es aquí  donde deberíamos saltar a la canción "Ring Them Bells", tomando cualquier estrofa a nuestro gusto. Por ejemplo: "Ring them bells Saint Peter where the four winds blow. Ring them bells with an iron hand. So the people will know. Oh it's rush hour now. On the wheel and the plow.  And the sun is going down upon the sacred cow..." ("Toca las campanas de San Pedro donde soplan los cuatro vientos. Toca las campanas con una mano de hierro. Entonces la gente sabrá. Oh, es la hora pico ahora. En la rueda y el arado. Y el sol se pone sobre la vaca sagrada."). Ambas canciones se mezclan entre si y se sintetizan. Solo la genialidad de Bob Dylan con su inimitable poesía, nos puede regalar descubrir la convivencia entre dos canciones a la vez!.

El material de "Oh Mercy" proporcionó canciones las cuales podrían rivalizar con cualquiera de las composiciones más celebradas de la carrera de Dylan. Obtuvo buena recepción por parte de la critica musical y se lo supuso como un regreso de un clásico en un momento en el que varios veteranos del panorama musical publicaron álbumes con el respaldo de la crítica tras una década nefasta, como Paul McCartney con "Flowers In The Dirt", The Rolling Stones con "Steel Wheels", Neil Young con "Freedom" y Bonnie Raitt con "Nick Of Time".  Fue mas que un verdadero aliciente extra la opinión y aprobación de su gran amigo George Harrison, con quien formó meses antes de la salida del disco, el grupo Traveling Wilburys y grabó un primer trabajo, "Vol.1". Según el escritor Clinton Heylin: "Harrison se mostró entusiasmado con las nuevas canciones de Dylan... poniéndole al corriente de alguna palabra escéptica que se le había ocurrido durante la experiencia en la grabación con Traveling Wilburys". A su vez existieron no incluidas en el álbum circularon al poco tiempo en  los clásicos bootlegs, estas fueron "Series Of Dreams" y "Dignity", como así también "Born In Time" y "God Knows", que fueron re-grabadas en las sesiones del siguiente trabajo de estudio, "Under The Red Sky" (1990). Como es habitual, podremos también encontrar los correspondientes "rarezas" y/o "outakes" de "Oh Mercy" en "The Oh Mercy Outtakes". 



Lista de Temas :

1. Political World
2. Where teardrops Fall
3. Everything is Broken
4. Ring Them Bells
5. Man in the Long Black Coat
6. Most of the Time
7. What Good Am I?
8. Disease of Conceit
9. What Was It You Wanted
10. Shooting Star


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sábado, 28 de abril de 2018

Carlos Gardel - Bandoneón Arrabalero (Su Obra Integral Vol.15)


Llegando al volumen 15 de la obra integral de "el Morocho del Abasto", nos tropezaremos con un compendio que ubica a la temática mas autentica hasta ahora. Simplemente un Gardel puramente arrabalero. En esta ocasión le canta a el tango del arrabal, y en especial a este instrumento típico en el genero: el bandoneón. El arrabal, es como comúnmente llamaban a los suburbios o a los "barrios bajos". No estaban dentro de las jurisdicciones urbanísticas o municipales. Tantas veces aparecido en las letras e historias tangueras, se desglosan un gran numero de historias arrabaleras que decoran los tangos de este decimoquinto volumen. El bandeoneón, instrumento por excelencia en el tango y sus vertientes, había llegado a el Rio de La Plata desde Alemania a través de marineros e inmigrantes. Un prototipo inicial o quizás un familiar directo fue la concertina. Fue diseñado inicialmente como evolución de instrumentos de lengüetas sueltas. En Bs As, Rosario y Uruguay se lo vincula estrechamente al tango, pero en zonas de la Mesopotamia argentina, contribuyo a caracterizar el sonido de interesantes géneros como lo es el Chamamé.

"Taconeando" la angustia arrabalera hecha canción y por supuesto, el bandoneón, participante de lujo. De Pedro Maffia y José Horacio Staffolani, una descripción única de los tiempos del arrabal. Un tango milonga, de marcado ritmo, muy bailable. Se enfocaba en típicas vivencias arrabaleras: "Vengan a ver... el bailongo se formó en su ley a la luz de un gran farol medioeval. Todo el barrio se volcó en aquel caserón, bajo el parral, a bailar, y al quejarse el bandoneón se escuchó, tristes las notas de un tango, que nos hablaba de amor, de mujer, de traición, de milongas manchadas de sangre, de sus malevos y el Picaflor... Tango brujo de arrabal, triste son que se agita en el misal de un querer y en la lírica pasión del matón". Se estrenó el 14 de Febrero de 1931 en el Teatro San Martín con la propia orquesta típica de Maffia. De allí este tango pasaría a la inmortalidad, ya sea por la mano de Gardel, y por su característica impronta bailable, pero mas que nada cuando el 15 de agosto de 1979, Beba Bidart inauguraba "Taconeando", su coqueto local, haciendo de él un reducto de tangueros y amantes de esta bella y sensual música. Ubicado en Balcarce al 700, en el corazón del barrio de San Telmo. Traía una novedad: además del espectáculo artístico, la posibilidad de que el público bailara, convirtiéndose en todo un clásico de la noche porteña.

Con música de Enrique Delfino y letra de Julio Cantuarias, el tango "Padrino pelao", una particular historia arrabalera hecha sainete. Forma parte de una serie de quince cortometrajes cada uno sobre una canción, con dirección de Eduardo Morera y producción de Federico Valle, uno de los pioneros del cine sonoro latinoamericano con sonido óptico, fue así uno de los primeros "videoclips" de la historia del cine. Se lo ve a Gardel interpretando el tango junto a Aguilar, Ángel Domingo Riverol y Guillermo Barbieri, pero sin que estos guitarristas aparezcan en escena. Se trata de una imagen fija de Gardel cantando, con un fondo negro, que saluda con su particular sonrisa, al finalizar como si estuviera en el teatro.

La bonanza que acredita la historia de "Giuseppe el Zapatero", no es otra que la viva imagen de la vida de los honestos trabajadores (inmigrantes en este caso) de las primeras décadas del siglo XX en el país. Un ejemplo de honestidad que deberíamos recuperar. Aquella posibilidad de ascenso social, para los sectores populares, que únicamente es posible a partir del esfuerzo personal:"É tique, tuque, taque. Se pasa todo el día, Giuseppe el zapatero, alegre remendón. Masticando el toscano “Per far la economía” Pues quiere que su hijo estudie de doctor. El hombre en su alegría no teme al sacrificio... así pasa la vida contento y bonachón...". "Al Mundo le falta un tornillo" gran tango argentino uruguayo con música José María Aguilar Porrás (uno de los sobrevivientes del viaje final de Gardel) y letra de  Enrique Cadícamo, una semblanza de la crisis de 1930 con los modismos del lunfardo a flor de piel. Seria una profecía para Discépolo esta especie de "proto-cambalache" (por que saldría al año siguiente en el 34) que data de 1933, parece haberse escrita ayer nomas, y nos invita con su semántica a descubrir este riquísimo  lunfardo entre varias de sus lineas. Ya desde el titulo la expresión tiene un toque lunfardesco, desde su origen español. En efecto, "tener flojos los tornillos" o "faltarle a uno un tornillo", para los españoles ha significado "tener poco seso'"; para los argentinos, quiere decir, derechamente, "estar loco". Es una frase lunfarda, por adopción y con tal modificación impuesta por el uso, sin eufemismo. Y tiene sinnúmero de equivalencias, como "andar mal de la azotea", tener "gente o pájaros en el altillo", "estar rayado" o por supuesto, estar "piantao" o "piantado", o andar "mal de la perilla" o tener "flojas las chapas" y muchas más. Luego, ya desde las primeras frases: "Todo el mundo esta en la estufa, triste, amargao y sin garufa... Neurastenico y cortao, se acabaron los robustos..." vemos que "estar en la estufa" quiere decir estufado, "fastidiado", de el italiano "stufare" tiene la misma semántica, pero igualmente significa "aburrido". "Cortao" es "falto de dinero", que es lo mismo que "andar pato", "ciego", "de la cuarta al pértigo", "sin luz", "seco" o "forfái" o  bien, "en pampa y la vía". Es claro que, en la letra de "Al mundo le falta un tornillo" no se trata del "mondongo" sino del "puchero", y por eso escribió Don Enrique: "Hoy no hay guita ni de asalto/ y el puchero está tan alto/ que hay que usar el trampolín.../ Si habrá crisis, bronca y hambre/ que el que compra diez de fiambre/ hoy se morfa hasta el piolín."

De las mas dolientes historias arrabaleras: "Si se Salva el Pibe" de Caledonio Flores. Cuenta la desdichada fatalidad en la que cae un niño preso de las crueles garras de una terrible enfermedad. El acongojado motivo, parece entenebrecer todo el arrabal. Solo se podría teñir de farra con una milagrosa cura: "Si se salva el pibe, si el pibe se salva, vas a ver la farra que vamos a dar... Traeremos los pibes de todo el contorno y así, en una tarde repleta de sol, llenaremos toda la casa de adornos y daremos juntos las gracias a Dios...". Pero mas triste aun resulta ser "Salto mortal". Cuenta la engañosa historia de amor entre el alegre y suicida payaso y la preciosa écuyère (la amazona o caballista de circo). La relación venia muy bien, hasta que, ambiciosa ella, lo traiciona con "un estanciero". El funesto desenlace, como bien imaginamos , es con el clown saltando desde el trapecio entre sollozos decidido a ser uno con la arena del circo.

El tango que hace honor al titulo de este decimoquinto volumen. "Bandoneón Arrabalero", fue grabado por Carlos Gardel en 1928. Un tango dedicado expresamente a este instrumento por excelencia en el genero. La letra hace foco en el paralelismo de la vida del narrador con el instrumento desde el momento de su encuentro. De los tangos donde aparece el bandonenòn, quizás el mas recordado sea "La Ultima Curda". Pero este ha quedado impreso en el alma tanguera, junto a otros como "Fueye", "Mi bandoneón y yo" o "Che, bandoneón". Pero volviendo a nuestro "Bandoneón arrabalero", su origen encierra una peculiar historia que vale la pena mencionar. El tango es con letra de Pascual Contursi y música de Juan Bautista "Bachicha" Deambroggio, técnicamente. Según Don Enrique Cadícamo esta obra no sería de Bachicha sino de Horacio Pettorossi. Este es el relato de Cadícamo extraido de el libro "Cien tangos fundamentales", (de Oscar del Priore e Irene Amuchástegui): "Al año (1925) de hallarse Pettorossi actuando en la orquesta de Bianco-Bachicha, realizó con el segundo de ellos un negocio no muy recomendable para los autores. El joven guitarrista era un inspirado autor de tangos y una madrugada, cuando ya se habían retirado los habitués y el Palermo comenzaba a levantar las mesas y a cerrar sus puertas, esperó a que terminaran sus compañeros de orquesta de enfundar sus instrumentos hasta emprender la retirada, le propuso al bueno de Bachicha que le escuchara un tango recientemente compuesto por él. Bachicha, extenuado por las horas de tarea, complaciéndole el deseo, se dispuso a escucharlo. El autor comenzó a hacerle escuchar en su guitarra un tema de inspirada línea melódica que despertó sincera admiración en su oyente. Al terminar de ejecutarlo, Pettorossi le preguntó:
—¿Qué te pareció?...
—¡Muy inspirado. Te felicito!... —respondió Bachicha dándole a entender con un enorme bostezo que era hora de irse a dormir—. Pettorossi le respondió a boca de jarro:
—Mil francos...
—¿Qué cosa?... preguntó sorprendido Bachicha.
—Te lo vendo... Esta noche o nunca... —dijo sonriendo el guitarrista.
Bachicha creyendo sacar de un imperioso apuro al bohemio sacó los mil francos y sin darle mayor importancia al préstamo, se lo ofreció gentilmente, pero el guitarrista, sabiendo que no era de los que tenían buena memoria para saldar deudas, desistió del ofrecimiento y repitió inflexible:
—Nada de deudas... Vengan los mil...
Mediante esa suma, la obra "Bandoneón arrabalero", tal era su título, cambió de dueño. Operación cumplida. Hallándose Pascual Contursi, el inspirado vate de paso por París, Bachicha le hizo adaptar los versos y el tango fue mandado a imprimir". Contursi había viajado en 1921 a París y luego volvió en 1927, por lo que seguramente el hecho citado en la versión de Cadícamo no pudo haber ocurrido sino ese año. La sífilis que padecía hizo perder la razón a Contursi, quien con la mente muy afectada fue enviado por sus amigos a Buenos Aires en 1930, permaneciendo internado hasta su muerte.

Es sabido que la frase "Naipe Marcado" alude a hacer trampa en el juego de cartas, pero tambien pasò a ser una especie de persona conocida algo similar a "figurita repetida". Por otro lado puede tratarse  de un individuo dedicado a la trampa, la picardía o el mal comportamiento en la vida social, alguien que debe retirarse de los lugares frecuentados: ..."naipe marcado cuando ya es junao tiene que rajar". De todas formas este tango de letra y música de Ángel Greco se compone por una sabia conjunción entre ese concepto de persona y lo mas significativo, con el hecho de homenajear al mismísimo tango. El tango que bien era lo mas respirable en la porteñeidad misma de calles como Florida y Corrientes, por aquella época estaba desapareciendo. Es así que "Naipe Marcado" con su letra intenta revindicar el genero. Greco como en una estratagema para una amplia difusión (a lo "hit" radiofónico si se quiere) nombra 17 clásicos tangos como para reforzar la pregunta que habita en su estribillo : "¿Dónde te fuiste tango que te busco siempre y no te puedo 'hayar'?". A saber, esos tangos son: "Alma porteña" de Vicente Greco de 1914, "El Chamuyo" de Francisco Canaro de 1913, "De mi flor" de Roberto Firpo de 1914, "Derecho viejo" de Eduardo Arolas de 1913, "El entrerriano" de Rosendo Mendizábal de 1897, "Felicia" de Enrique Saborido de 1907, "El flete" de Vicente Greco de 1913, "Un lamento" de Graciano De Leone de 1917, "Lorenzo" de Agustín Bardi de 1920, "Mano a mano" de Celedonio Flores, Carlos Gardel y José Razzano de 1920, "Pampa" de Francisco Pracánico de 1913, "La payada" de José Luis Roncallo de 1910, "El pensamiento" de José Martínez de 1914, "Rodríguez Peña" de Vicente Greco de 1911, "Sentimiento criollo" de Roberto Firpo de 1913, "El taita" de Salvador Grupillo de 1920, y "Zorro gris "de Rafael Tuegols y Francisco García Jiménez de 1921. En 1943, diez años después de la grabación de Gardel, una campaña de censura impulsada por el régimen militar de ese mismo año, comenzo a censurar algunos tangos, con lenguaje lunfardo, como así también cualquier referencia a la embriaguez y demás hierbas. Se censuró, por ejemplo, parte de la letra de "Cafetín de Buenos Aires" por su supuesto pesimismo y por la comparación entre el cafetín y la madre. Durante el gobierno de Perón, algunas restricciones siguieron y otras quedaron sin efecto. Durante los años 50, continua la censura. En octubre de 1953 se aprobó la "Ley de Radiodifusión n° 14 241" que no tenía previsiones sobre el uso del lenguaje popular en radio, pero las restricciones en alguna medida continuaron. La versión de 1948 de "Naipe Marcado", la de Franscisco Canaro, sufrió varios reemplazos en sus frases, cambiándole totalmente el sentido, por ejemplo: ..."me han informado que te habías piantao" fue reemplazado por "que te has consagrado", o sea que en lugar de haberse ido ("piantao") ahora está "consagrado". Ademas se les cambió los títulos de 2 de los 17 tangos que mencionábamos: "Lorenzo" fue cambiado por "Don Juan" y "Sentimiento criollo" por "Sentimiento gaucho", de autoría de Juan y Rafael Canaro, dos de los hermanos del director de la orquesta que hizo la grabación, Francisco.

Otro tango que sufrió censura y posterior sustitución de letra fue "Al Pie de la Santa Cruz". En la década que fue compuesto este tango, la del 30, las circunstancias políticas, económicas y sociales en la Argentina finisecular, generaron movimientos huelguísticos de singular trascendencia, principalmente en Buenos Aires. A fines del siglo XIX, comenzaron a establecerse los primeros sindicatos y federaciones gremiales. Estos movimientos fueron un tanto espontáneos y en parte liderados por activistas locales pero más extranjeros, que llegaron con la inmigración y traían experiencia y cultura sindical adquirida en los países de origen. Las primeras organizaciones sindicales fueron de ideología socialista y anarquista (en las dos vertientes, roja y azul; la primera, violenta; y la segunda, pacífica y literaria, pero sobre todo huelguística). Las huelgas frecuentes muchas veces eran con desenlaces dolorosos como "la semana roja", "la huelga de inquilinos" y, en la campaña, "El Grito de Alcorta", en 1912 . Se presume que los hechos desatados en este tango fueron en el marco de la llamada "Semana Trágica" de 1919. Mario Battistella (cuyo verdadero nombre fue Mario Z. Battes Stella) letrista de este tango, nació en Verona, Italia, llego a Argentina hacia 1910, el año en que comenzaban a conocerse los primeros tangos de Enrique Pedro Delfino ("Delfy"). Delfy, responsable de la música de este tango, conoció muy bien la deportación de extranjeros -militantes sindicales y otros, porque durante su niñez y parte de su juventud tuvo las vivencias de la aplicación de la negra ley de residencia ("la ley patronal"), sancionada a tal efecto. Entre 1902 y 1916 comenzó la primera etapa de esta famosa ley, la 4.144, denominada de "residencia", para deportar activistas y trabajadores extranjeros. "Al Pie de la Santa Cruz" relata la desdichada experiencia de un obrero deportado. Al igual que "Naipe marcado" sufrió un reemplazo en su letra por parte de la campaña iniciada por la dictadura del 43. La versión de Alfredo De Ángelis con la voz de Carlos Dante de 1946, muestra la inminente sustitución por considerarse inmorales o negativas para el idioma o para el país: "Declaran la huelga, hay hambre en las casas. Es mucho el trabajo y poco el jornal... Y en ese entrevero de lucha sangrienta, se venga de un hombre, La ley patronal" fue cambiada por: "Corría la caña y en medio del baile la gresca se armó. Y en ese entrevero de mozos compadres un naipe marcado su audacia pagó.".

Sobre el final otro sensacional tango con música de "Delfy" y letra de Mario Rada, "Araca la cana!". Otra gran vidriera de la influencia del lunfardo, tan imponente, que se ha convertido en una "sublengua" que se montó en lo popular y también entre delincuentes. En esta pócima que es el lunfardo, se mezclan entre si diferentes dialectos especialmente de italianos, pero también portugueses, españoles y franceses. Es sabido que en Argentina "cana" significa policía. "Araca", es una voz de alerta, un llamado de atención. Proviene del caló aracatanó: guardián (término usado para advertirse entre los presos entre sí  acerca de la proximidad de un guardián. Este tango se realizó para la película "Los tres berretines", estrenada el 19 de mayo de 1933. El sencillo argumento de la película se basa en los tres fervores (berretines) de los porteños: El tango, el fútbol y el turf. Luis Sandrini protagoniza la parte en que aparece este tango, quien se pasa todo el tiempo silbando la melodía de este tango. En la letra de "Araca la cana!" aparece la palabra "bardo", tan utilizada al día de hoy, mas de 80 años después. "...Yo que al bardo me he jugao entero el corazón..." en este contexto, significa jugarse sin motivo alguno. Algo así como decir: "me he jugado el corazón sin ninguna necesidad".



Lista de Temas:

1. Taconeando
2. Yo No Se Que Me Han Hecho Tus ojos
3. Padrino Pelado
4. Giuseppe El Zapatero
5. Senda Florida
6. Al Mundo Le Falta Un Tornillo
7. Si Se Salva El Pibe
8. Salto Mortal
9. Calor De Hogar
10. Bandoneón Arrabalero
11. Rosa De Otoño
12. Lo Han Visto Con Otra
13. Naipe Marcado
14. Al Pie De La Santa Cruz
15. Una Lagrima
16. Araca La Cana
17. Corazón De Papel
18. No Te Quiero Mas


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Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"
Volumen XV: "Bandoneón Arrabalero"

sábado, 10 de marzo de 2018

Phil Collins - Face Value (1981) (Deluxe Edition 2015)


Aquella vieja, recurrente y sobre todo rentable temática de amores rotos, rupturas o mismo frustraciones, se repite una y otra vez en trabajos de artistas por demás consagrados. El álbum debut en solitario del gran Phil Collins no escapa a la regla y nos regala un buen compendio de canciones de muy buen gusto sin perder esa dosis de melancolía ante lo que suponía ser su inminente divorcio.
Lo peculiar fue que esta situación sentimental de el baterista y cantante de Genesis fue el disparador principal para la iniciación de su carrera solista paralela a la banda, motivado a que su único refugio o consuelo que era la composición de música para un disco por su propia cuenta. Estas situaciones parecen ser una formula satisfactoria para un éxito arrollador para ciertos artistas. Un ejemplo claro fue el "RUMOURS" de Fleetwood Mac, un disco compuesto y grabado en medio de la separación de los integrantes de la banda, logrando ser uno de los álbumes mas vendidos de todos los tiempos, y aquí el glorioso debut de Collins en solitario, que por otro lado generó algo de controversia y envidia por parte de sus compañeros en Genesis al ver que Phil en solitario había conseguido un éxito mayor que el que la banda había logrado hasta la fecha. Sobre "Face Value", Phil dijo: "Tenía una esposa, dos hijos, dos perros, y al día siguiente no tenía nada. Por lo que muchas de estas canciones fueron escritas porque iba a través de estos cambios emocionales".

Collins había entrado como baterista a la fundamental banda británica de rock sinfónico progresivo Genesis, en reemplazo de John Mayhew, coincidiría con la entrada del gran maestro Steve Hackett quien reemplazaría a otro maestro, Ant Phillips en guitarras. En 1970 Phil respondió a un anuncio de la revista Melody Maker donde se buscaba "un baterísta sensible a la música acústica, y un guitarrista de acústica de doce cuerdas". La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel y consistió en tocar algunas pistas del segundo álbum del grupo, "Trespass" (1970). Como Collins llegó temprano, pudo memorizar las piezas escuchando a los demás. Así quedaba el mejor Genesis de los años 70´s. Al año siguiente comenzaba una seguidilla de discos inolvidables como lo son "Nursery Crime"(1971), "Foxtrot" (1972), o "SELLING ENGLAND BY THE POUND"(1973). Para cuando se va Gabriel , tras la gira de "THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY" en 1976 y luego de que más de 400 aspirantes que acudieran a la audición para ser la voz principal de Genesis (donde Phil se ocupó de la segunda voz), no fueran elegidos, Collins se convertiría finalmente en la voz principal de la banda, sin dejar su lugar en las baquetas, obviamente. Comenzaría aquí entonces una nueva etapa (de entre las tantas que vendrían luego) marcada por el gran álbum  "A Trick of the Tail" (1976). Mas adelante en el tiempo, mas exactamente en el año 1979, Genesis estaba acabando la gira del disco "...And Then There Were Three" (1978) y Phil Collins ya estaba teniendo problemas personales. Su primer matrimonio estaba acabándose principalmente por la "adicción al trabajo" que tenía el músico. Aparte de Genesis, trabajaba con su banda de jazz fusión Brand X, y repartía su talento como músico de estudio para gente como Peter Gabriel y Robert Fripp, entre otros. Su esposa no pudo aguantar más la falta de atención y lo dejó mudándose a Canadá para luego pedirle el divorcio. Así es que pronto se crea un hueco en la vida de Phil que le permite abordar la composición de algunos demos que los hizo, según él, de puro aburrimiento y sin pretender en ningún momento grabar un disco netamente comercial con ellos. Phil le muestra estas composiciones al manager de Genesis, Tom Smith, y éste al escucharlas, vio claramente la posibilidad de editar un nuevo álbum. Resulta muy graciosa la expresión de desidia y de desgana que muestra el baterista como respuesta a esa afirmación por parte del manager de su banda, diciendo en una entrevista que pensó algo como: "oh Dios mío, otra vez a hacer lo mismo!!". Fue justo entonces que luego de la salida del álbum "Duke" de Genesis en 1980, en 1981 lanzaría "Face Value". Un disco donde abunda un sentimiento lúgubre de depresión, frustración y también catarsis. Un trabajo que en resumen expresa las experiencias de vida de aquellos años. Un álbum que se la juega, que es directo y claro, acarrea todo el  "punch" que tiene que tener un trabajo de este nivel de carga emocional. Es destacable que "Face Value" escapa a las convencionalidades que arrastraba el genero donde se destacaba Phil hasta entonces: el rock progresivo. Decide elegir otras variantes (ya había escogido experimentar con el jazz fusión con Brand X), incluyendo un viejo amor de la infancia, el reconocido genero "Motown". Aquel inspirado en el sello homónimo que albergo artistas de color como Stevie Wonder, Jackson 5, Diana Ross & The Supremes, entre tantos mas. De ahí no es raro que el músico haya reclutado a la sección de bronces del reconocido grupo americano de funk, Earth, Wind & Fire.

La melancolía encerrada en el alma de Phil se va drenando ya en el inicio del LP con una de sus canciones mas famosas y exitosas, "In The Air Tonight". Una pieza que se luce en lo rítmico, oscura y mística como la noche. Cuentan que surgió mientras el baterista jugueteaba con una caja de ritmos y empezó a improvisar una letra mientras tocaba algunos acordes en un piano, instrumento que comenzaría a ser su nuevo amor. El hecho de utilizar la caja de ritmos fue el causante de muchas criticas alrededor del músico, no entendían como uno de los mejores bateristas que había dado el rock progresivo pudiera utilizarla. Sin embargo marcaría tendencia entre batristas de el genero durante los años siguientes, por ejemplo en Bill Bruford. La canción claramente se puede dividir en dos marcadas mitades. La primer parte comienza en un estado de desnudez y tristeza realmente cautivadores, con estos sonidos electrónicos tanto percusivos como efectos en la voz y unas atmósferas de guitarras muy al estilo Robert Fripp y violines a cargo del gran Shankar. El comienzo de la segunda parte esta marcada por una fortísima aparición de la bateria que es la encargada en sostener la canción hasta el final. La letra es una especie de reclamo de una persona a otra, una catarsis o comúnmente llamado un acto de "sacar los trapitos al sol". Salen a la luz traiciones, mentiras y odios: "si tu me dijeras que te estas ahogando, no te daría una mano, he visto tu cara antes amiga, pero no se si sabes quien soy. Yo estaba allí y vi lo que hiciste... lo vi con mis propios ojos...". Le sigue la balada "This Must Be Love", delicada y directa por lo que se nos presenta un poco mas iluminada que su predecesora. "Behind The Lines" persuade al oyente de lo que traia entre manos Collins, ya que la misma es una reversión con toques de jazz, rythm‘n’blues y por que no soul, de esta canción, que ya había aparecido un año antes en el disco de Genesis "Duke".

Con la misma áurea de depresión que "In The Air Tonight", "The Roof is Leaking", buena muestra de el nuevo apego a los teclados por parte de Phil. A medida que va describiendo un panorama invernal en su hogar que al parecer era también de sus padres. Una guitarra, ejecutada ni mas ni menos que por el gran Eric Clapton y un banjo por Daryl Stuermer, imponen un toque country a la pieza. La poética melancólica lo enfría todo a su paso: "...El techo está goteando y el viento está aullando. Los niños lloran porque las sábanas son tan frías. Me desperté esta mañana descubrí que mis manos estaban congeladas. Intenté arreglar el hogar, pero ya sabes las cosas son muy viejas...". Con "Droned" primero y "Hand in Hand" después, se inicia el binomio instrumental mas que sugestivo del disco. El primero es de una riqueza percusiva única, sumado a los coros, parece transportarnos a la selva en medio de un  ritual tribalista. El hilo rítmico mágicamente se convierte en el segundo instrumental, "Hand in hand", la canción mas alegre del disco. La bateria es primordial y al igual que su antecesora su carácter al principio es experimental, con toques de jazz fusión (por la linea coral) hasta tornarse al estilo soul/pop gracias a la melodía lograda por las trompetas. Un poco de esa "alegría" de  "Hand in Hand" se repite con una base similar de corte soul/pop en sus vientos con "I Missed Again", destacándose un bellisimo solo de saxo antes del fin. 

"You Know What I Mean" tubo el destino de ser una de las baladas tradicionales de "Face Value". Lenta, simple, lacrimógena y emotiva, acompañada por un piano y unos arreglos de cuerdas que se tornan irregulares dándole paso a un final algo inconcluso. De inmediato Phil nos regala sus sobresalientes recursos como cantante con "Thunder and Lightning". Otra buena predisposición del baterista para con su nuevo amor, el genero "Motown". La canción toma especial fuerza por los arreglos de vientos y un buen solo de guitarra lo acerca a costados mas jazzeros. La irónica "I’m Not Moving" alterna entre un disco/pop cantado a lo Bee Gees y un alegre funk que se presta para bailar y todo. Se destaca en la producción por las mezclas de las voces del propio Collins, utilizando vocoders, sirviéndole como coros. Luego de ese climax bailable, el lloriqueo de Phil vuelve con "If Leaving Me Is Easy" una linda balada quizás la mas triste del álbum, donde recae otra vez en su estado tras el divorcio. Cerrando el trabajo una grata sorpresa, el cover los Beatles "Tomorrow Never Knows" con lo novedoso de un enfoque mas "electrónico". Si bien a muchos les resulto chocante el final, y si bien es una canción de naturaleza compleja, su mensaje es uno de los mas esperanzadores de la historia del rock . Al terminar la canción se le escucha cantar "Somewhere Over The Rainbow" por lo bajo, se dice que fue en referencia al reciente asesinato de Lennon en NYC.

"Face Value" salio a la venta el 9 de febrero de 1981. Se convirtió en un éxito inmediato, alcanzando el número uno en el Reino Unido, Canadá y otros países europeos, mientras que en horas pico en el top ten en los Estados Unidos. El primer simple, "In the Air Tonight" se convirtió en el mayor éxito del álbum. Los siguientes simples gozaron de un buen éxito: "I Missed Again" alcanzando el número catorce en el Reino Unido y el número diecinueve en los EE.UU., mientras que el tercer single," If Leaving Me Is Easy ", alcanzó el número diecisiete en el Reino Unido. Asi comenzaría el camino hacia el éxito total de la carrera solista de Phil Collins, sobre todo en la decada de los años 80, su continuidad como cantante y baterista de Genesis, su buena predisposicion  en el mundo de la interpretación, su participación en eventos tan importantes como el "Live Aid" de 1985, tocando tanto en Philadelphia como en Londres utilizando un Concorde para ir de continente a continente en tiempo récord, proezas así, labrarían su leyenda. Su siguiente trabajo "Hello, I Must Be Going" (1982), siguió por los mismos caminos sonoros que había marcado "Face Value", ya que promovían problemas maritales con su primera esposa. "I Don't Care Anymore", "I Cannot Believe It's True", "Do You Know and Do You Care?", dan muestra verídica de esto. En 1983 recuperó a Genesis y se embarcó en el tour de “Three Sides Live”. En 1984 vería su regreso a la “soledad” con el lanzamiento de aquella brutal "Against All Odds" y al año siguiente con su exitoso tercer LP "No Jacket Required", iniciaba su primer gira mundial en solitario con su propia banda. Tras ello, regresó con Genesis para editar su masivo "Invisible Touch" y celebrar un multitudinario tour mundial junto a Rutherford y Banks. El publico de Genesis lo critico bastante por entonces, quizás por "venderse" a un estilo comercial, con sus discos solistas. Lo cierto es que con su cuarto álbum "…But Seriously" llegó a transformase en el máximo representante del estilo conocido en los charts como "Adult Contemporary", esa mezcla entre pop, jazz y soul, dirigida a un publico "romanticón", mas maduro.

El 6 de noviembre de 2015 salen a la venta los remasterizados de "Face Value" (1981) y "Both Sides" (1993), por supuesto con su correspondiente CD extra con demos, rarezas y versiones en directo. Ambos serian parte de una etapa de remasterización de todos sus trabajos solistas en los siguientes años. La curiosidad es que optó por renovar el arte de tapa original con fotos idénticas pero actuales, dándonos a saber que bien le sientan sus arrugas aun. Aquí les ofrecemos la versión "deluxe" de "Face Value" con su correspondiente CD extra el "extra values" donde nos deleitaremos con varias canciones en vivo, las versiones de Collins de "Misunderstanding" (en vivo y demo) y "Please Don't Ask", ambas aparecidas en el disco "Duke" de Genesis. También la rareza de la versión demo de la exitosisima "Against All Odds" que fue una canción descartada de "Face Value" y se iba a llamar "How Can You Just Sit There?", asi y todo "Against All Odds" aparecería en la película del mismo nombre en 1984. En 2016 el músico publica su autobiografía: "Not Dead Yet: The Autobiography". Actualmente Phil se encuentra de gira con el Tour llamado "The Legendary Phil Collins" que lo traerá a la Argentina en este mes de marzo de 2018, primero el 19 a Córdoba y luego el 20 en "Campo de Polo" de la ciudad de Buenos Aires.



Lista de Temas:



Face Value:

1. In the Air Tonight
2. This Must Be Love
3. Behind the Lines
4. The Roof is Leaking
5. Droned
6. Hand in Hand
7. I Missed Again
8. You Know What I Mean
9. Thunder and Lightning
10. I'm Not Moving
11. If Leaving Me Is Easy
12. Tomorrow Never Knows


Extra Values:

1. Misunderstanding (Live)
2. If Leaving Me Is Easy (Live)
3. In the Air Tonight (Live)
4. Behind the Lines (live)
5. The Roof is Leaking (live)
6. Hand in Hand (Live)
7. I Missed Again (Live)
8. ...And So To F (Live)
9. This Must Be Love (Demo)
10. Please Don´t Ask (Demo)
11. Misunderstanding (Demo)
12. Against All Odds (Demo)


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miércoles, 21 de febrero de 2018

Javier Martínez - Corrientes (1993)


Grandísimo entre los grandes exponentes del blues criollo y a la vez pionero del rock argentino. Ya había levantando con su banda Manal, uno de los tres pilares fundacionales del mismo (junto con Los Gatos y Almendra). Javier Martinez, con su inimitable swing, renueva con este álbum sus intenciones de seguir enalteciendo el genero cantado en castellano, con su segundo trabajo en solitario "Corrientes", una interesante vidriera para el mundo entero, de lo que es y de como se formo el blues en hispanoamérica e iluminando también lo que será.

Baterista, percusionista, compositor y cantante, los inicios musicales de Javier se remontan a "La Cueva" donde le dio vida a la banda Manal junto a Claudio Gabis en guitarra  y Alejandro Medina en bajo, entre 1967 y 1973. Juntos fueron los culpables de el gran pero sobre todo influyente álbum debut de la banda el homónimo "Manal" en 1970, o como se lo había denominado habitualmente "La Bomba". Un disco que ayudo potencialmente a solidificar la piedra fundacional del rock y sobretodo
de el blues cantado en español. Gran parte (por no decir todas) de las composiciones de ese magistral LP quedaron catapultadas como verdaderos himnos del rock argentino, por ejemplo: "Jugo de tomate frío", "Informe de un día", "Casa con diez pinos", "Porque hoy nací" y "Avellaneda Blues". Esta primera etapa de Manal se daría entre 1967 y 1973. Tras separase la banda ingresaría a aquel novedoso e importante conglomerado que conformó el músico, compositor y productor italiano Giuliano Canterini mejor conocido como Billy Bond: "La Pesada del Rock and Roll", registrando dos álbumes ("Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll vol I y II"). Después de su exilio en Barcelona volvería a Argentina para reconstruir Manal , era el año 1980 y el proyecto se derrumbo antes de finalizar dicho año. En 1981 se abriría paso con su carrera en solitario, dándole vida en 1983 a su primer disco "Sol del sur". Otra vez volvería a Europa, mas precisamente a Francia, para volver definitivamente a Argentina en 1987. En 1993 formó la "Javier Martínez Blues Band" , acompañado de Antonio García Lopez (bajo), Enrique Weimann (armónica), Pino Callejas (guitarra) y Carlos "Patan" Vidal (teclados). "Estoy rodeado por un seleccionado de los mejores músicos de blues de la Argentina", declararía Martinez. Esta formación seria la que nos traería "Corrientes" que según Javier es " un disco de rocanrol y letras porteñas, de ahí que haya tanto lunfardo".

"Corrientes" abre el trabajo, una particular visión de esta mítica calle de la ciudad de Buenos Aires. Javier sale a caminar para despejarse por esta avenida, describiendo lo que sucede con un conveniente lunfardo que amerita tal situación y lugar. Ahí están sus visiones, con personajes incluidos: "Una mina sin igual", "El choborra matinal", "La bohemia intelectual", "Los chochamus del billar" y hasta el mismísimo Pappo, todos desfilan por esta particular y hasta jocosa descripción urbana que rebalsa de porteñeidad.  La precede "Amor secreto", con una típica base R&B con destacables teclados, sin pasar por alto grandes solos de guitarras.  Algunas partes de la letras recaen en una poesía setentera que remite a los años con Manal: ..."Oro en pensamientos y diamantes en sentimientos, infinito amor secreto, llamas del sol central". El riff pegadizo de "Quiero estar mejor" es otra muestra del compromiso de Javier con el genero,  su época y su país. "Nací en La reina del plata, ahora Reina sin plata, soy del Rio de La Plata pero no me rio de la plata". Un original juego de palabras que se potencia por su voz única.

Volviendo a ponerse en la piel de esta especie de cronista, Javier utiliza todo su poderoso swing en "Los Tipos de La Cueva" . Una interesante descripción en tiempo de jazz de los personajes que frecuentaban aquel legendario bar donde nació el llamado "Rock Nacional". Recuerda las noches de este viejo reducto llamado "La Cueva". Aquella que acogía en un sótano ubicado en Avenida Pueyrredón al 1723, a grandes exponentes de este movimiento que formaban parte de la contracultura de la BS AS de por aquel entonces. Javier "se copa con la noche" y describe el accionar nocturno del lugar. Nombres como "Rocky", "Pajarito", "Moris", "Pipo", Tango", "Bravo", "Billy" o "Roberto" son algunos personajes que se forman como en imágenes de humo en el recuerdo de Martínez. Muchos de ellos serian famosos ya sea como solistas o con sus respectivas bandas. Sobretodo este ultimo "Roberto" que sin ninguna duda se refiere a Roberto Sanchez , "Sandro" el Elvis Presley argentino por excelencia ("Roberto que desciende, saltando la escalera, como el rey del rock and roll de La Cueva"). Allí esta Javier Martinez el baterista y cantante de Manal junto a su "bohemia fiel" charlando sobre marcas de tambores, dejándose invitar una ginebra, y por supuesto "zapando". Sobre el final sus recuerdos se van contagiando de una desdichada añoranza de aquellos tiempos de gloria, pero con una pizca de esperanza al fin : "...los tipos de La cueva, vivimos hoy sin ella. Yo quiero, ahora volver a tenerla". Sin embargo toda su experiencia (en este caso en temas del amor) reconoce "que el tiempo nunca vuelve", y hace gala portando un magistral blues justamente con "El tiempo nunca vuelve". En la misma linea, pero con toques mas"funkies", "Amor intemporal", relata con total caballerosidad un amor fuera de tiempo, valga la redundancia. Así como en el tango, si hablamos de amor no todo es color de rosas en el blues. "Casanova" un ejemplo de su swing innato otra vez y un sentido desgarrador en su aguardentosa voz.

Su constante devoción por seguir en los escenarios y en la ruta del rock and roll se plasma en "Como siempre" una oda a la libertad en tiempos de boogie.  Javier canta: "como siempre yo y mi libertad... mañana me pertenece, mañana de mañana también..." o " como siempre el swing es sensacional, con eso no hace falta más...". "San Telmo Harlem", una descripción de como se origino el rock en Argentina y en América, sobre todo por la importante corriente de la música afro. El músico desgrana todos los estilos que contribuyeron a esta gestación, para terminar ubicando al fin a "América con el mundo entero".

"Juan despierta ya" quizás uno de los momentos mas importantes del disco. Para alertar a los rockeros, oyentes o fanáticos, Javier crea este personaje un pseudo rockero ficticio esbozando todas sus funestas actitudes, para justamente saber como NO tiene que ser un "rocker de verdad". Una buena conjunción de coros femeninos en el estribillo, armónicas y un bajo sobresaliente para la frutilla del postre: el gran solo de batería llegando la mitad. Sobre el final del álbum se destacan dos muy buenos instrumentales la versión sin voz de "Los Tipos de La Cueva" y el blusero y soulero a la vez "Rouge et champagne" con la colaboración del Negro Garcia Lopez en guitarra.

Además de ser precursor del blues cantado en castellano y si bien no lo registra el famoso "Libro Guiness de los récords", Javier puede jactarse de ser el único baterista en el mundo que tiene el récord mundial de permanencia en la batería: 41 horas y media, parando solamente 5 minutos por hora para comer. El evento tuvo lugar en 1985, fue auspiciado por la Municipalidad de la ciudad de Toulón y apoyado por muchos músicos de todo el mundo que se acercaron para acompañarlo. La formación que lo acompaña en este disco (Javier Martínez Blues Band) se vio levemente interrumpida tras la salida del disco para dar lugar a la tercera reunión de Manal en 1994, pero con la ausencia de Claudio Gabis. Junto al guitarrista de jazz y blues, Jorge Cariglino, registrarían en 1998 "Swing". Los temas de este ultimo se reeditarían en 2003 anexándoles dos canciones más para un nuevo trabajo denominado "Basta de Boludos" con la agrupación  "Manal Javier Martínez". Esta banda, que lo acompaña, son Marcelo Roascio en guitarra y voces y Héctor "Clavito" Actis en bajo y voces. Seguiría hasta la actualidad presentando shows esporádicos y presentando en 2013, "Por la vuelta", su primer DVD, con dirección de Fabio Scaturchio. Ese mismo año lanza también  el libro "Yo Soy Buenos Aires" otra vez por Fabio Scaturchio. Una suerte de autobiografía que relata en un estilo coloquial, el anecdotario y el pensamiento de este referente del rock en español, pionero y vanguardista del movimiento rioplatense surgido a mediados de década de los 60´s. "Manal Javier Martínez" dejaría en el camino un trabajo de estudio mas en 2015: "Pensá Positivo".


Formación:

Javier Martinez: Bateria, voz
Antonio García Lopez: Bajo
Enrique Weimann: Harmonica
Pino Callejas: Guitarra
Carlos "Patán" Vidal: Teclados

Invitados:

Pappo: solos de guitarra en "Corrientes" y "San Telmo Harlem"
Negro Carlos García Lopez: solo de guitarra en "Rouge Et Champagne"
Willy Crook: saxo en "Como siempre"
Blues Roll Band - Rino & Cia - Pappo: coros



Lista de Temas:

01- Corrientes
02- Amor secreto
03- Quiero estar mejor
04- Los tipos de la Cueva
05- El tiempo nunca vuelve
06- Como siempre
07- Amor intemporal
08- Casanova
09- San Telmo Harlem
10- Hoy dejé el escabio
11- Juan despierta ya
12- La felicidad de las almas
13- Mujer del viento
14- Rouge et champagne
15- Los tipos de la Cueva (Instrumental)



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viernes, 8 de diciembre de 2017

Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)



Al igual que cada año LGV no rompe con su habitual costumbre de vestirse de Papá Noel y publicar una entrada con un álbum navideño. Para esta ocasión, el turno de la madre de nuestro folclore Argentino, la gran Mercedes Sosa, con esta, su visión tan diferente de este especial momento del año: la navidad vista y contada desde el cono sur. Fue necesario nutrirse de un buen puñado de compositores, poetas y escritores, a saber: Ariel Ramirez, Félix Luna, el recientemente fallecido Daniel Viglietti, Miguel de Unamuno y muchos más. Su canto hondo, festivo, doloroso, humilde a la vez, pero sobre todo perdurablemente eterno, nos describe una buena cantidad de historias navideñas acompañadas por varios de los ritmos que nos ofrece nuestro folklore, zambas, bagualas , chacareras y su especial predilección por las canciones de cuna.

Luego de su primer gira internacional en el año 1969, Mercedes graba un LP mas que importante en su carrera bajo la dirección de Ariel Ramírez, el fundamental "Mujeres Argentinas", que reúne piezas al día de hoy clásicas del folklore nacional, como "Juana Azurduy", "Rosarito Vera, maestra" y "Alfonsina y el mar", todas con letra del historiador Félix Luna. Al año siguiente vendrían dos discos importantes más para "La Negra", "El grito de la tierra" que contenía las populares "Canción con todos" y "Cuando tenga la tierra" y el presente aqui "Navidad con Mercedes Sosa". A su única y cálida voz se le suman para la grabación del LP,  la guitarra de Kelo Palacios y la orquesta dirigida por Óscar Cardozo Ocampo.

Esa particular visión autóctona, patriótica y sureña de la navidad, no se nos hace esperar y desde el comienzo nos deleitaremos y nos daremos un espacio para meditar, escuchando "Navidad En Verano" de Félix Luna y música de Ariel Ramírez. Una original manera de cantarle y contarle al mundo los aires navideños desde su lugar: "Mi navidad está metida en el verano no tiene pino ni la nieve le da luces, mi navidad con el calor va de la mano...". Es realmente significativo como el canto de Mercedes sobre la navidad se encuentra fuertemente relacionado al "nacimiento" y al "niño". De ahí a tantas canciones de cuna, por supuesto. Pero sobretodo como se asocia a la pobreza y a la humildad del niño que debe cargar "la cruz", como por ejemplo, claro está, en "La Cruz Del Niño" (de Cerretti y el pianista y contrabajista argentino Oscar Alem, recientemente fallecido, el 26 de noviembre de este año) o la humilde historia de noche de reyes en "Negrita Martina" del compositor uruguayo Daniel Viglietti.

De el doctor en Musicología, Sergio Aschero y poesía de Don Miguel De Unamuno, la única y exacta "La Media Luna". Canción de cuna por excelencia, musicalmente de una delicadeza pocas veces escuchadas, el oboe y violín saben entenderse a la perfección. Su garganta no le escapa al grito de protesta , de lamento y desamparo con una mirada en retrospectiva de "1970 Navidades". Su voz se traslada a través de los siglos, haciendo recuento de las penurias que ha pasado la raza, ya sea por la guerra, el hambre o como bien lo dice el desamor. Pero no son solo penurias su canto, "Ay para Navidad" con bombos y flautas acompañan la alegría de este "bailecito-villancico" de Sergio Villar. En realidad, Villar se había dejado influenciar por el "chuntunqui" que es la música navideña tradicional del departamento boliviano de Chuquisaca. Danza Navideña que se ejecuta delante del Pesebre. Otro de los momentos mas elocuentes de esta única navidad junto a Mercedes, lo hallaremos con la bagualesca "Navidad 2000", de suprema orquestación y un canto irrevocable. Con un despliegue parecido a "1970 Navidades", Mercedes juega a ver con una mirada futura para encontrarse a un mundo igual :..."el mundo está viejo...", aun así, nos deja la esperanza intacta: ..."pero el niño no...". Y tambien, claro esta, le canta a los merecimientos de una raza que ha luchado por lo suyo y merece ver con esperanza lo hermoso de la Navidad:..." Larga fue la lucha por volverle a ver. Porque esté en nosotros por estar con él. Por tener un cristo con pan y alquiler. Un dios con trabajo, con niño y con mujer... ".

De Manuel José Castilla y Gustavo "Cuchi" Leguizamón uno de los mas populares y nostálgicos villancicos argentinos: "La Navidad De Juanito Laguna". Inspirada por supuesto en el óleo sobre arpillera del mismo nombre, de 1961 del célebre pintor, grabador y muralista argentino Antonio Berni. Lo podremos apreciar por supuesto en la tapa de este álbum. La misma forma parte de una serie pinturas sobre dos personajes creados por Berni, Juanito y Ramona. Juanito Laguna nace a finales de los años 50. Crece en la pobreza, en uno de los barrios más miserables del arrabal bonaerense. Ramona Montiel es también de barrio porteño, el de Pompeya. Joven y bonita, Ramona sobrevive a base de coser. Ella se deja seducir por lujos gracias a un selecto "circulo de amigos" donde pertenecía. Berni, de alguna manera, con estos dos personajes plasma toda la realidad de una época en la Argentina y sin querer, por que no, Juanito representaría el folclore y Ramona el tango. Berni escribiría sobre el niño: "Juanito es un chico pobre, pero no un pobre chico, uno de los personajes más entrañables del espectro social latinoamericano de su época". Ramona, sin embargo, es su contraparte femenina, una chica de arrabal, como surgida de una letra de tango, a través de la cual el artista sondea las diferentes presiones sociales que recaen sobre la mujer. "La Navidad De Juanito Laguna" entonces, describe la más humilde de las navidades alrededor de la familia de Juanito. Si observamos la rústica pintura de Berni, seguramente reconoceremos parte de la letra.  El padre, la madre, la abuela, el pan dulce, el arbolito (con una vela encima, por que esta navidad "no tiene luz") y los hermanitos jugando.

"Navidad y Después", otra de las mas dolidas y de protesta. Otra vez la voz de La Negra Sosa se mete en el túnel del tiempo :.." Por la herida de tu mano yo viví tu navidad... Qué grande y pequeño era el hombre, tu signo y fin. Hambriento de ideas nuevas y dio de sombra y perfil...". Con un costado parecido a "La Cruz del Niño", "Canción de Cuna Navideña" hace una dulce comparación entre el niño que se arrulla con el niño de la navidad. "Diciembre, diciembre" en último lugar cierra el álbum, otra canción de lamento, con esa mirada en retroceso, ante las mutilaciones y dolores de una raza que ha sufrido las calamidades,de la guerra: "Mi chico dormido no sueña ni canta. La guerra sin ojos con fuego lo abraza. No vengan cantando canciones de guerra. Canciones de cuna precisa mi tierra..."

La eterna voz de la Negra, que siempre ha ejercido este oficio como el respirar, era innato en ella, nos invita a pasar una navidad distinta, auténtica. Siempre con ese afán que la llevo hacer cosas tan puras y simples como lo es su propio canto. Esta vez celebra el nacimiento con la naturalidad del arrullo de la canción de cuna, la copla norteña, entre otros entrañables sonidos de nuestro queridisimo folclore.



Lista de Temas:

1. Navidad en verano (Félix Luna - Ariel Ramírez)
2. La cruz del niño (Hamlet Lima Quintana - Óscar Além)
3. Negrita Martina (Daniel Viglietti)
4. La media luna (Miguel de Unamuno - Sergio Aschero)
5. 1970 Navidades (Irma Calot - Héctor Pérez)
6. Ay! para navidad (Sergio Villar)
7. Navidad 2000 (Antonio Nella Castro - Hilda Herrera)
8. Canción de cuna de la torcaza (Luis Franco - Víctor Gentilini)
9. La navidad de Juanito Laguna (Manuel José Castilla - Gustavo Leguizamón)
10. Navidad y después (Roberto Margarido - Raúl Mercado)
11. Canción de cuna navideña (Aníbal Sampayo)
12. Diciembre, diciembre (Leonardo Castillo - Ángel Ritro)



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Otros posts navideños de LGV:

Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)






domingo, 19 de noviembre de 2017

Banco Del Mutuo Soccorso - Darwin! (1972)


Otra de las grandes bandas del preciado RPI (Rock Progresivo Italiano) es sin dudas Banco Del Mutuo Soccorso. Junto a bandas como Premiata Forneria Marconi (PFM), Le Orme, Area, New Trolls, Museo Rosenbach, Il Rovescio Della Medaglia, entre muchas otras màs, contribuyeron como respuesta al genero sinfónico progresivo británico (Yes, Genesis, Pink Floyd, ELP, etc.) tan de moda de los años 70´s. Injustamente, Banco no gozo de tanto éxito a nivel popular y fuera de Italia como PFM (con quienes luego compartiría el sello Manticore Records) pero ha dejado una importante huella en el genero, como así también obras maestras (y de concepto) inolvidables como el presente "Darwin!" o "Come in un'ultima cena" de 1976 que luego fue grabado en ingles como "As in a Last Supper", por nombrar tan solo otra. Musicalmente están mas cercanos a ELP con un nivel compositivo impecable y obviamente gracias a el gran virtuosismo de sus músicos, como el genero bien lo demanda. Otro aspecto significativo, cabe señalar es  que la banda en su sonido encierra toda la sensibilidad mediterránea y las diversas tradiciones académicas y melodramáticas italianas, sumadas a el momento histórico al que responden muchas bandas del progresivo sinfónico, creando una mixtura exquisita y única en su estilo.

Banco se origina en Roma, en 1968 cuando el pianista Vittorio Nocenzi llama a su hermano y también tecladista Gianni, al guitarrista Franco Coletta, al bajista Fabrizio Falco y al baterista Mario Achilli para una prueba de audición para la RCA. Así se quedaba formada la primera alineación de BMS. Después, ya entrados los años 70´s durante el segundo Festival Pop de Caracalla celebrado en Roma, los hermanos Nocenzi se hicieron de los servicios del guitarrista del grupo Fiori Di Campo, Marcello Todaro, del vocalista Francesco Di Giacomo, del bajo de Renato D'Angelo y del bata Pierluigi Calderoni que habían tocado para el grupo Le Esperienze. Así poco tiempo después grabaron su primer LP homónimo, "Banco Del Mutuo Soccorso", excelente carta de presentación de la banda que no quería perder el tiempo en dar a conocer sus intenciones. Un tema memorable de aquel disco seria por ejemplo "R.I.P. (Requiescant in pace)" Tal fue su aceptación que pocos meses después graban para el mismo sello Ricordi su segunda placa "Darwin!" uno de los primeros trabajos conceptuales de el rock italiano. Ahora si, con serias intenciones, inspirándose en Charles Robert Darwin y su teoría de la evolución de las especies, aparecida en su obra "El origen de las especies"(1859). La banda hizo evidente su visión marxista de la historia. Pues los miembros de Banco, en 1972, eran miembros del PCI (Partido Comunista Italiano).

"Darwin!" comienza con la ambiciosa "L'Evoluzione" una especie de mini suite de casi 14 minutos. Una genialidad, exhibe cual es la esencia sinfónica progresiva de la banda en formacion: estructuras que se rompen constantemente y mucho cambio de tiempo y compás. Los hermanos se lucen con todo instrumento de teclado que podían tener a mano, desde hammonds y sintetizadores hasta el uso de gran piano y sobretodo el clavicémbalo. El comienzo de "L'evoluzione" tan rítmico y característico, nos eriza la piel con unos acertados punteos de guitarra que recuerdan mucho al "Echoes" de Pink Floyd salido un año antes. Luego la voz de Di Giacomo impregna todo, para ya adentrarnos a una incandescencia sinfónica progresiva única hasta entonces. Y allí esta la postura de Darwin y de BMS sobre la evolución. Ya desde canto inicial y único de Di Giacomo que dice: "Pruébalo, prueba, intenta pensar un poco diferente, ninguno de los grandes fue fabricado. Pero la creación ha sido creada por sí misma: células, fibras, energía y calor!!...". Y luego, mas tarde, por supuesto, la contraposición a "el gran libro": "...Y si en el fósil de un cráneo atávico se redescubren formas que se parecen a mí, entonces Adán ya no puede existir...solo siete días son pocos para crear... Adán ha muerto y mi Génesis no son hombres, sino cuadrumanos.". Esa furia sinfónica progresiva, sin dudas termina de explotar con la mas que excluyente "La conquista della posizione eretta". Sublime pieza en donde el papel de la música es el total protagonista. Solo nos resta escuchar el precipitado, incidental y turbulento comienzo, con sonidos que parecen instantáneamente contener y atesorar imágenes de un primate evolucionando a medida que transcurren los minutos de la canción.  "La conquista della posizione eretta" no es otra cosa mas que la metáfora del esfuerzo de la naturaleza humana por alcanzar su propio estatuto: "...si la curva es mi espalda, podría jalar mi cuello sobre las hojas y mantener el cuerpo opuesto al viento. Intento y me caigo y trato y me mantengo... por un momento...". Después de casi 6 minutos de pasajes instrumentales, destacándose las cortinas de teclados y buenos fraseos de guitarra de Todaro, pero sobre todo el timbal Pierluigi Calderoni que pese a que son fugaces los toques de el mismo, están tan sublimemente colocados y tan ligados al concepto, que merecen todos los aplausos, aparece la voz de Di Giacomo. Mientras va cantando las estrofas va subiendo de tono hasta que un repentino viento la hace desaparecer (el viento se oye realmente).

Momento sumamente jazzero supone ser la "Danza dei grandi rettili" ("Danza de los grandes reptiles"). Instrumental con algún que otro guiño a Jethro Tull. "Cento Mani E Cento Occhi" comienza con furiosos sintetizadores. El tema oscila entre el virtuosismo de los teclados y varios fragmentos de improvisación. Se centra en la creación y el comportamiento de las comunidades primitivas: "La presa es tuya y por lo tanto, tuya es la comida. Cien manos es mi fuerza... Y cien ojos nos hacen guardia..."

Otro momento álgido de "Darwin!" es la bellísima elegía, "750.000 anni fa...l'amore?". La operística voz de Francesco acompañada por el monumental piano de cola de Gianni Nocenzi, es de lo mejor que canta en todo el álbum. Esta intensa balada de costado romántico escapa de las convencionalidades de las mismas, ubicandolas en el plano conceptual que el álbum requiere: "Cuerpo que yace a la sombra de las caderas anchas en las que habito. Estoy aquí para verte que me posees y te poseo... Pero realmente soy un mono sin razón, sin razón, sin razón, en una estampida de monos. Un mono, un mono sin razón que huye, que huye..." Llegando al final... "Miseria de la filosofía" (Marx), "Miseria del historicismo" (Popper). Y aquí "Miserere alla Storia", BMS nos regala una pieza apocalíptica, como lo es  "Miserere Alla Storia". El tema comienza como si viniera continuado de otro y, muy caótico, para amansarse dando lugar a una extraña sección de clarinete,  guitarra acústica y teclados. Hasta que irrumpe la voz de Di Giacomo en plan diabólico dejando mucho que pensar en su cita: "Gloria a Babel!! la Esfinge se ríe por milenios. Se fabrica en el fino cielo Sirio, espuma de los caballos en la Vía Láctea, pero ...¿Cuánta vida tiene todavía tu intelecto? ¿si detrás de ti desaparece tu raza?. Luego la canción se torna en un rock ligero para que en la coda haya otro pasaje de misteriosos clarinetes. El final lo señala "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" ("Y ahora le pregunto el tiempo al tiempo, y el me responde... No lo tengo!") que comienza con un ruido de silla mecedora rechinante, para darle paso a una melodía de tono gracioso con aires a feria o a kermese. Se destaca una vez mas la ejecución del clavicémbalo en manos de Vittorio Nocenzi. Esta pieza deja una impresión mucho mas positiva que su predecesora. Representa la moral y menciona quizás otro paso de la evolución ya que repite varias veces a "la rueda": "La rueda pesada gira fuertemente, lento en su fisgoneo... La rueda va... el golpe nunca lo pierde... Ah rueda gigante!!... Entonces, ¿por qué piensas en mí? Si en tu girar mi mente entonces frenará..."

Excelente album de culto, de los favoritos e imprescindibles de los fans del genero. Para el oyente desconocedor de el rock italiano de los 70´s , seria un puntapié ideal para introducirlo en el genero y atraparlo para siempre. Forma parte de la trilogía obligatoria de Banco que comenzó ese mismo año con su debut discográfico "Banco Del Mutuo Soccorso" y cerró al año siguiente con el gran "Io sono nato libero" (1973). "Darwin!" fue elegido en el año 2000 por el sitio Gnosis entre 60.000 candidatos como el mejor de los discos de rock progresivo/experimental grabados hasta entonces. Luego de cumplir 40 años, en 2013, se realiza el proyecto "Darwin l'evoluzione?" ("¿La evolución de Darwin?") utilizando el álbum original como banda sonora, representada por 145 artistas de todas partes de Italia con una ópera rock inspirada en la prehistoria. Banco continuo en carrera durante las siguientes décadas, dejando en el camino a varios integrantes y grandes trabajos como "Garofano rosso" (1976) o el último de estudio y en vivo el doble "Nudo" (1997). El carismático Francesco Di Giacomo supo también dar a conocer sus dotes como actor de reparto, por ejemplo en la famosísima película "Amarcord" (1973) ("Mis Recuerdos") de su amigo y director Federico Fellini, aparece como guardia de seguridad en la parte del "Grand Hotel de Rimini". Ya había aparecido años antes en tres films mas del monumental Fellini: "Satyricon" (1969), el documental "I Clowns" (1970) y "Roma" (1972). Su voz se extinguió para siempre el 21 de febrero de 2014 en un accidente de transito mientras conducía su automóvil en la localidad de Zagarolo, en Roma. Tenia 66 años. El funeral, con un rito de laicos, tuvo lugar en el Palazzo Rospigliosi. Actualmente Banco continua en actividad siendo el tecladista Vittorio Nocenzi el único miembro original de la banda.

Formación:

Francesco Di Giacomo - voz
Vittorio Nocenzi - organo Hammond, clavicembalo, sintetizzator moog
Gianni Nocenzi - piano, clarinete
Marcello Todaro - guitarra electrica, guitarra acustica
Renato D'Angelo - bajo, contrabajo
Pierluigi Calderoni - bateria, timbal


Lista de Temas:

1. L'evoluzione
2. La conquista della posizione eretta
3. Danza dei grandi rettili
4. Cento mani e cento occhi
5. 750.000 anni fa...l'amore?
6. Miserere alla storia
7. Ed ora io domando tempo al tempo ed egli mi risponde...non ne ho!


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viernes, 27 de octubre de 2017

Leño - Leño (1979)


El álbum homónimo de Leño es su importantísimo debut de 1979 y el mas rockero de su efímera carrera. Banda madrileña liderada por el carismático cantante y guitarrista Rosendo Mercado. Con un elocuente hard rock, recicla el género de los 70´s y abre paso a un gran número de bandas de alli en adelante. Los orígenes de Leño se remontan a lo que se dio a llamar "rock urbano" en España. Aquel fue un especial periodo en ese país, lo que se dio a llamar "la transición española", momento en el cual comienza a dejar atrás el régimen dictatorial del general Francisco Franco.

El sentido interés de Rosendo Mercado por la musica comenzo ya de chico cuando su abuelo le regala su primera guitarra. En su adolescencia formó varias bandas como La Patata Química, Yesca (grupos con amigos del colegio) o Fresa, siendo la mas importante Ñu con quien llegó a telonear a los famosos Dr. Feelgood en el Pabellón del Real Madrid. Tras disolverse Ñu,  Rosendo reúne a un antiguo compañero de Fresa (Chiqui Mariscal) en bajo y al ex-batería de Coz (grupo del que saldrían los Barón Rojo) Ramiro Penas, y el día 12 de Febrero de 1978 debutan en el Alcalá Palace teloneando a otra leyenda del rock español: Asfalto. En Mayo del mismo año sale a la luz su primer sencillo, “Este Madrid / Aprendiendo a Escuchar” (Chapa, 1978). El nombre de la banda alude a los comentarios que José Carlos Molina hacia Rosendo surgidos en los ensayos de Ñu "las canciones que haces son un leño, tío" decía José Carlos. Aunque José Carlos cuenta otra versión "Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y es que cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de "Este Madrid", que es mía, Rosendo decía "¡vaya leño de canción que has hecho!".

Fue así que en 1979 estos inexpertos muchachos entran en estudio para grabar este LP debut, con un hard rock más fresco,  muchos y extensos pasajes instrumentales, riffs con bajos memorables y remarcados, incontables solos de guitarras y dosis de progresivo. Así y todo la frescura de este rock duro de Leño, cierra una puerta a esa década regida por un millar de bandas de este estilo, para que luego en discos posteriores dejarse seducir a todo trapo con la denominada "new wave". Aquel naciente "rock urbano" y underground comenzaba a constituirse con las letras de denuncia social y sarcasmo marca registrada de Rosendo, que sin ninguna duda nos ayudan a colocarnos inteligentemente y a la perfección en ese interesante contexto histórico. No habiendo terminado la grabación de este primer LP, Chiqui Mariscal abandona el grupo (regresaría a Ñu) dejando vacante el puesto de bajista por motivos que todavía hoy son desconocidos. Este hecho se ve reflejado en la portada de este primer álbum, en la que se ve la figura de Chiqui saliendo de escena y por la izquierda aparece su sustituto entrando: Tony Urbano, quien solo grabaria el bajo en "El Tren".

De entrada ya nos pondremos patas para arriba con "Castigo" uno de los mejores temas de la banda. Una canción que demuestra la grata influencia de bandas como Cream o Ten Years After. En una primera apreciación nos da la idea de que es netamente instrumental con extrañas distorsiones y efectos, pero en mitad de este río eléctrico, Mercado canta dos simples estrofas, para luego seguir el curso frenético de la canción. Inmediatamente como un toque de llamado a la caballería, aparece la brutal "El oportunista" que describe irónicamente lo que era ese comienzo de las tribus urbanas en Madrid ("Me he clavado un alfiler en el pescuezo. Me he juntado con los punks, soy un moderno ..."). Y precisamente critica ferozmente a aquellos oportunistas que dicen no seguir la moda pero en realidad se limitan a seguir una moda menos masiva: "... por dentro me pregunto si duraré mucho no será que estoy quemando mi último cartucho. Porque a decir verdad no soy auténtico y engañar al personal es muy polémico.".

"El Tren" uno de los momentos mas espeluznantes y superlativos de el disco. Esa letra tan existencial impone la filosofía de Rosendo a flor de piel con el plus de un un riff blusero cálido e inolvidable. La guitarra, pero sobre todo el bajo se llevan todos los premios, una muestra de lo bien que encajò Tony Urbano. Pasando la mitad del tema hay una aceleración de ritmo donde Rosendo se florea con excelentes punteos, para luego volver a el tiempo inicial donde se suma una armónica a cargo de  Teddy Bautista quien también se encargó de los teclados. La canción existe desde los primeros tiempos de Ñu coescrita por José Carlos Molina y Rosendo, y fue grabada por ambos grupos. Es inevitable caer en el lugar común de que "El Tren" se refiere a el "tren" o "el viaje"de las drogas sobre todo los llamados "tripis" (LSD), pero queda relegada esa idea a cada escucha en particular. El costado más "heavy metal" la ubicamos en "Este Madrid", en los créditos no figura pero el propio integrante de Ñu, Jose Carlos Molina, se adjudica la composición de esta intro tan pesada, con gran influencia de Black Sabbath. La letra describe el Madrid de por entonces, las drogas, la ausencia de aire puro, los pocos espacios vacíos para el crecimiento urbano... Mercado despotrica contra la capital ruda e irónicamente: "No hagas caso a esta canción pues todo es mentira. Lo que falta es un buen bidón de aire puro y natural... Y de cerveza... de tocino y de salchichón... Es una mierdaaa este Madriiiid!!!!, que ni las ratas pueden vivir!!!". Sobre el final Teddy Bautista nos deja saborear unos buenos arreglos de teclado.

La impronta "sinfónica-progresiva" se da en "La Nana", la canción sin letra, son solo "nananas" cantadas por Chiqui Mariscal, con teclados lánguidos emulando un slide, y hasta se torna dulce, sin empalagar demasiado. Un viaje psicodélico, con tintes al "space rock" británico. Al momento que aparecen unas guitarras acústicas, la canción entra en un relive ultra rockero y muy acelerado, con potentes riffs y un gran juego blusero. Una vez mas las guitarras acústicas marcan la pauta para el final de la canción con los "nanananas" una vez mas. Todo vuelve a agitarse con la desenfrenada "Sodoma y Chabola" con aires a Rush o a Motörhead, por que no. Unos riffs otra vez para la historia , gran trabajo del bajo, excluyentes cambios de ritmos, de lo mejor del álbum. Con letra de Maria Fernanda de Andrés, (quien luego colaboraría en el álbum siguiente con la letra de "Cucarachas") otra vez Rosendo le canta a la sociedad de por entonces, esta vez con con una lirica mas surreal o mas sucia si se quiere. El final goza de un cálido paisaje campestre, el bello instrumental "Se acabó!!!", una inspiradisima pieza acústica íntegramente de Rosendo.

Un disco clásico y legendario, con sabor a imprescindible. Lo produjo Teddy Bautista quien también, como habíamos dicho antes, supo manejar provechosamente los arreglos tanto de armónica como de teclados. Les dio un gran empujón. Gracias a este debut, Leño comenzó a participar en varios festivales y conciertos en importantes ciudades de España. En esos nacientes años 80´s era esperanzador el panorama para las bandas de entonces, sobre todo por los festivales en que la participaban alrededor de todo el país, junto con  Coz y Ñu también de Madrid,  Bloque de Santander, y Smash o Storm de Sevilla, entre muchas más. Todo ese rock estaba en esa misma frecuencia de lucha.

De estudio tendrían dos discos mas: "Más Madera" (1980) y "¡Corre, corre!"(1982) (grabado en Londres) y un interesante bootleg "En directo" (1981). Lamentablemente hacia el año 1983 en el momento mas alto de su carrera, la banda se disuelve. Este final fue recordado por la gira que hicieron junto a Miguel Rios: "El rock de una noche de verano". En octubre de 1983 dan su concierto final en el Parque del Oeste en Madrid. Las razones de la separación no están muy claras al dia de hoy. Algunas de ellas van desde que no querían masividad, problemas personales a tensiones internas y falta de respeto entre los integrantes, y mas. Pero hubo una especie de "comunicado oficial" que vociferaba: "habían llegado a un callejón sin salida a nivel creativo". Por su parte Rosendo iniciaría su mas que interesante carrera como solista. En 2010, con motivo del lanzamiento del álbum tributo "Bajo la corteza: 26 canciones de Leño", la banda se reunió en la Sala Caracol para dar un pequeño concierto de 5 canciones. De esa inolvidable presentación, abajo veremos la performance de "El Tren". En 2013 Leño se juntó por última vez en público en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para el acto de presentación de la biografía "Maneras de vivir". Al año siguiente fallece Tony Urbano, dejando trunca toda posibilidad de una reunión mas de los Leño originales.



Personal:

Rosendo Mercado: guitarras y voz
Ramiro Penas: batería, percusión y coros
Chiqui Mariscal: bajo y coros
Tony Urbano: bajo en "El tren" y coros
Teddy Bautista: armónica y teclados



Lista de Temas:

1. Castigo
2. El oportunista
3. El tren
4. Este Madrid
5. La nana
6. Sodoma y chabola
7. Se acabó!!!


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