miércoles, 21 de junio de 2017

Marillion - Brave (1994)


"Un puente no es un lugar alto"...

La primer obra maestra de Marillion de la etapa post Fish, es por supuesto "Brave" que es el tercer disco de la banda desde la entrada de este histriónico y maravilloso cantante Steve Hogarth. Luego de la ida de Fish, Marillion atravesó una leve disolución, hasta que posaron su mirada en este versátil vocalista que estaba más relacionado a la "New Wave" más que al rock progresivo que venían pregonando junto con Fish. Hogarth venía de la agrupación The Europeans, llegando para completar las maquetas que Marillion tenía previstas para el nuevo trabajo de esta nueva etapa "Seasons End" aportando esta impronta "new wave" que mencionamos. En 1991 vendría su segundo trabajo junto a la banda "Holidays In Eden", siendo el primero que escribió completamente junto a sus nuevos compañeros. Contenía un "pseudo hit" titulado "Dry Land", la cual Hogarth había escrito y grabado en un con proyecto anterior con la banda How We Live. Sinembargo esta influencia "pop" no terminaba de calar hondo en el sentimiento de los fans de Marillion. Es por eso que seguido a este álbum, decidieron embarcarse en este ambicioso trabajo de concepto y recuperando la faceta progresiva, en lineas generales lúgubre y oscuro, que terminaría hasta inspirando a una película y todo. Basado en una nota periodística que el cantante Steve Hogarth escuchó en la radio sobre una chica que es arrestada por la policía por estar vagando en el Puente de Severn, al parecer dispuesta a cometer suicidio. Steve escribió una historia ficticia basándose en sus suposiciones sobre la vida de esta infortunada chica quien estaba en estado de amnesia. Analizando el motivo de la cruel decisión de esta, Hogarth con la ayuda del letrista John Helmer (quien con este disco comienza una larga colaboración con la banda), hace un riguroso examen sociològico. En "Brave" vamos a encontrar un abanico de problemáticas tan comunes por estos tiempos: la contaminación ambiental los lamentos familiares, denuncias, criticas a la sociedad conservadora y de consumo, la violencia intrafamiliar, el abuso sexual y a esas personas que desvirtúan la práctica de la religión, entre otras hierbas.

¿Qué es entonces lo que nos plantea "Brave"?. Ya desde el génesis del álbum se deja entrever el tono del disco con la atmósfera densa de "Bridge", con el personaje de una depresiva chica que se planta al borde del puente para saltar al río en un acto suicida. "Bridge" es un planteo extremadamente cinematográfico, ruidos y elementos sonoros hacen lo suyo: el ruido de la brisa, el flujo del agua en el río, unos susurros femeninos casi hundidos en el más puro silencio, gaviotas, radares de policía, y las sirenas de los barcos de transporte acompañados por capas y capas de sintetizadores. Luego irrumpe la voz de Hogarth a solas con el piano de Kelly y hace un breve canto inicial describiendo el panorama: la chica al borde del suicidio, los flashes de las cámaras, la luz del amanecer entre la niebla y el rugido del tráfico que es levemente interrumpido por la radio de la policía, que intenta pedirle sus datos, a lo que ella se niega. De inmediato, como el carácter conceptual y dramático del disco lo reclama, se engancha convenientemente con el siguiente track, "Living With The Big Lie". Aquí se plasma como en un lienzo todo el dolor contenido de la muchacha suicida, como en un torbellino y con diferentes climas, expresa su situación mezclandola con su entorno, llegando hasta a globalizarlo en su contexto histórico. Claros ejemplos de esta dualidad en la lírica de Hogarth: "Los colores permanecen inmóviles. Y luego se mueven entrando y saliendo fuera de foco y al revés. Árboles de invierno vacíos. Cómo se siente el espacio. Amor de lo suave ... las flores y el cielo..." o bien :"El balbuceo de la familia y la TV muda .El rugido del tráfico y el trueno de los jets. Químicos en las aguas. Drogas en la comida. El calor de la cocina y el ritmo del sistema... La guerra fría se fue. Pero esos bastardos nos encontrarán otra. Están aquí para protegerte, ¿no lo sabes?..." Sinembargo hay resignación y por que no cierta aceptación sobre el final: "No creer en los líderes, los medios de comunicación que nos alimentan. Viviendo con la gran mentira, Te acostumbras. ¡Acostumbrarse a él!. Está bien, me acostumbré", lo que parece adentrarnos a un clima mas calmo para la siguiente cancion, "Runaway". Una bien lograda estructura de 3/4 , con un buen estribillo, describe el escape de casa de la chica . Otra problemática bien conocida en los 90´s: los adolescentes fugitivos.

"Goodbye To All That" es la suite infaltable, de cinco movimientos. Una gran demostración del talento inherente a nivel compositivo de la banda en conjunto. Lo inverosímil que les resulta conformar una bien lograda armazón de diversas ideas musicales dentro de un esquema coherentemente unitario. Antes de iniciar con los movimientos, hay una "reprise" de menos de un minuto de "Bridge" que evoca al momento en que buscan a la chica tras su aparente fuga.
Un perfecto relax para adentrarnos en un pasaje que conecta en manera "in crescendo" enganchando a el desenfreno de los dos movimientos siguientes, "Wave" y "Mad", en este último se luce un gran arreglo de Rothery para el recuerdo. Estos dos movimientos expresan parte de el frenesí de la chica: "Sé que siempre estoy cayendo del borde del mundo. Tengo espacio en mi cama. Tienes a Egipto en tu cabeza. Tengo una cabeza de Troya, arañas y a Carlomagno. Fuegos artificiales y juguetes... ". Luego "The Opium Den" y "The Slide" movimientos de carácter etéreo y en cierto modo como un opio musical, con la voz de Hogarth y de la chica susurrando, pinceladas de guitarras y buen acompañamiento de teclados. Estos pasajes instrumentales llegan a tornarse experimentales y su sutilidad llega a ser hasta sensual.  Sobre el final otro enganche "in crescendo" para llegar a el ultimo movimiento "Standing In The Swing" de corte pop con un final fuerte que da un excelente pie para la siguiente canción. "Hard As Love" un comienzo ultra rockero y contundente. Este comienzo hace pensar que hubiese sido planificada para convertirse en un hit radial. Pero la presencia de un interludio (que recuerda mucho al Marillion de la época final con Fish) por la mitad de la canción , nos hace pegar la vuelta hacia el concepto dramático del álbum. Se destacan los acertados riffs de Rothery y un excluyente solo de Hammond de Kelly. Pronto todo vuelve al estado crepuscular y tristón, con la lánguida y lacrimógena balada "The Hollow Man".  Hogart conmueve con su nivel de melancolía, con un acorde acompañamiento de piano al que luego se le añaden los demás instrumentos. De carácter netamente confesional, el torturado relato de Hogarth ha sabido perfectamente encajar en corazón desgarrado y oscuro discurso del disco: "Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos. Como un brillo en el exterior más de estos días. Puedo sentir el exterior alimentándose de mi interior dejando una oscuridad creciente en su lugar. Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos... Los hombres huecos pueden detenerte con un abrir y cerrar de ojos. Los hombres huecos pueden llevarte sin siquiera llegar. Los hombres huecos te tienen mucho antes de que te des cuenta. El veneno paraliza...".

"Alone Again In The Lap of Luxury" aporta la cuota "pop rockera" al trabajo, una de las mas recordadas. La letra de Hogarth, una vez más radica en la critica de ciertas problemáticas sociales. Como bien dice el titulo " a solas otra vez en el regazo del lujo", ofrece la cruda y fuerte visión de la vida familiar de la chica con abusos incluidos. Fuertes indicios de esto serían: "...mamá siempre fue una tonta por el dinero y el encanto..." o "...èl ha estado hablandome en sueños otra vez, diciendo que lo lamenta, llamando mi nombre. Diciendo lo avergonzado que está... Desde que ocurrió yo no tenia nada que decir, solía molestarles, pero ahora esta bien, mi madre limpia la espantosa casa de él todos los días, frotando las manchas que no van a desaparecer...". La version del video clip y que mas se comercializó es menos extensa. La incluida en disco es la original que incluye sobre el final el movimiento "Now Wash Your Hands", repasando una vez mas, las atmósferas mas etéreas de "Brave". "Paper Lies" de gran presencia hard rock, con cierto aires al llamado "soft rock" por que no al "rock industrial" y al denominado "AOR" (Adult Oriented Rock). Un momento movido, para alistarnos a el final super dramático que se trae entre manos el álbum.

Parte del el emotivo final comienza con el homónimo "Brave" que junto a "The Great Scape" tienen la ardua tarea del cargar con todo el drama emocional que la historia en si conlleva, y por cierto se la arreglan muy pero muy bien. "Brave", entonces, incurre en su máximo esplendor en toda la coloratura de la voz de Steve Hogarth.  Regida por capas y cortinas de diversos teclados, hallaremos una efusiva impronta bucólica y/o folk/celta gracias a la inclusión de flautas. Sobre el final se destaca un gran interludio bucólico, ayudado por sonidos y efectos de sonidos de la naturaleza, juegos guturales y vocales de Hogarth y extraños susurros de voces femeninas por detrás. Por cierto, cabe destacar que estos sonidos fueron grabados cuando la banda se trasladó al castillo de Marouette en Francia durante la grabación del álbum. La influencia de estos alrededores se puede escuchar a lo largo del álbum en una gran cantidad de atmósferas inquietantes. La letra nos indica que está llegando el esperado desenlace, con el escape de la protagonista de casa: "¡Que valiente, valiente chica!, nunca ha amado antes. Así que lo intentó a su propio modo, para encontrar el corazón de la rosa apretada. Ella se fue ahora. Pero oh!, ella duele, ella duele. Él buscará hasta que encuentre una manera de atrapar los días. Ve su tristeza en su cara. Ella está dentro de ti y ella está llorando.". De inmediato hace su aparición el gran final "The Great Scape" sublime y de desgarradora tristeza y belleza a la vez. Aqui en una rafaga, volvemos a el comienzo del disco, al borde del puente, todo los dramas atravesados y vivencias en álbum, se resumen en este gran final. La letra co compuesta con Helmer, narra el triste desenlace de nuestra protagonista entre una ebullición de sentires, que van desde el rechazo de un amor no correspondido, un rencor contenido y la locura. Es particular como se expresan dos suicidios. Uno a los ojos de los hombres y otro a los ojos de los Dioses, por ejemplo: "No me preguntes por qué estoy haciendo esto. No lo entenderías. Estás haciendo las preguntas equivocadas. No podrías entender. Un puente no es un lugar alto. El piso cincuenta y dos. Ícaro lo sabría... Soy ceniza en el agua ahora, en algún lugar lejano. He caído, caído de la luna.". Musicalmente se destacan el buen manejo de los climas con sólidas bases del bajo de Trewavas y con un gran solo de Rothery. Para darle un final positivo vuelven los sonidos campestres, intentando expresar que pese al doloroso final, el mundo sigue girando y la vida continua. "Made Again" remata a el álbum, con sus buenas vibraciones. Aparentemente no tiene nada que ver con el concepto, es una especie de canción de cuna que pese a ser letra enteramente de Helmer, dicen que fue ideada para la por entonces recién nacida primogénita de Hogarth. Es por eso que deja un sabor de final abierto, con un nacimiento...

Sin ningún lugar a dudas "Brave" ha sido y es "La" gran obra maestra del progresivo moderno de los años 90´s. Marcaría pauta para un buen numero de bandas y/o álbumes de la época, como así también algunos de los siguientes trabajos de Marillion con Hogarth. Sin ir mas lejos, al año siguiente, los Radiohead con su excluyente trabajo "Ok Computer" grabaron sonidos ambient en la misma cueva cercana a el castillo de Marouette en Francia, donde había grabado Marillion para "Brave". Radiohead también utilizó a el mismo ingeniero de sonido que había trabajado en el disco "Fugazi" (1984) con Fish, Dave Meegan. La recepción por parte de sus fans fue buena, pero en general las ventas de "Brave" no fueron lo esperado. Poco después de su salida, la banda había manifestado su deseo de crear una película o un corto con el concepto de el mismo. A pesar de las malas ventas, EMI accedió y la compañía consigue firmar contrato con el director de cine de culto Richard Stanley. Es así como nace el proyecto de un film de 50 minutos. Esta película cuenta la historia en imágenes acompañadas de todo el disco "Brave" menos "Paper Lies" y la canción final "Made Again". En el disco, se deja ambiguo si el personaje principal se suicida al final. En la película, ella lo hace. Por lo tanto, "Made Again", que concluye la historia en el registro como un final feliz, no está incluido. Película altamente recomendable, y como dice en la parte trasera de la cubierta del DVD "Míralo bien fuerte con las luces apagadas.". El disco tiene tres cortes de difusion "The Great Escape", "The Hollow Man" y "Alone Again in the Lap of Luxury", en ese orden de aparición y sus videoclips están extraídos justamente de esta película. Como era de esperarse de este blog, les ofrecemos la versión remasterizada de 1998, que incluye un CD extra. Allí tendremos bastantes versiones diferentes, demos no publicados e instrumentales de algunos temas y tomas extras como "Marouette Jam" o "Winter Trees". Hay un track escondido tras "The Great Escape (Spiral remake)" luego de 26 minutos de silencio, llamado Scott Joplin's "The Entertainer". Pero uno de los tracks que mas se destacan es la bellísima versión orquestada de "The Great Scape", acompañada por la Filarmónica de Liverpool. En 2013 se editó en formatos de CD, DVD y Blu-Ray "Brave Live 2013" grabado en vivo en "Marillion Weekend en Centre Parcs" en Holanda. Un importante show sin precedentes, donde interpretaron "Brave" entero. Se aprecia un gran trabajo de efectos y toda la teatralidad de la mano de Hogarth, de ese concierto más bajo compartimos "Hard As Love".


Personal:

Steve Hogarth: voz, coros, teclados y percusiónes adicionales
Steve Rothery: guitarras electricas, acusticas y midi
Mark Kelly: teclados, coros
Pete Trewavas: bajos, guitarra acústica, pedales bajos, coros
Ian Mosley: bateria, percusión
Tony Halligan: flautas celtas
Filarmónica de Liverpool (cellos y flauta – arreglos de Darryl Way)


Lista de Temas:

1. Bridge
2. Living With The Big Lie
3. Runaway
4. Goodbye To All That
    (i) Wave
    (ii) Mad
   (iii) The Opium Den
   (iv) The Slide
    (v) Standing In The Swing
5. Hard As Love
6. The Hollow Man
7. Alone Again In The Lap of Luxury
    (i) Now Wash Your Hands
8. Paper Lies
9. Brave
10. The Great Escape
    (i) The Last Of You
    (ii) Falling From The Moon
11. Made Again


CD Bonus tracks:

1. The Great Escape (Versión Orquestada)
2. Marouatte Jam
3. The Hollow Man (Acustico)
4. Winter Trees
5. Alone Again in the Lap of Luxury (Acustico)
6. Runaway (Acustico)
7. Hard as Love (Instrumental)
8. Living with the Big Lie (Demo)
9. Alone Again in the Lap of Luxury (Demo)
10. Dream Sequence (Demo)
11. The Great Escape (Spiral Remake)


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Otros discos de Marillion disponibles:

1983 - Script for a Jester's Tear

miércoles, 24 de mayo de 2017

Bob Dylan - Nashville Skyline (1969)


"Nashville Skyline", el noveno álbum de estudio de Bob Dylan, encuentra al flamante nuevo ganador del "Premio Nobel de Literatura" de 2016, avocado en un 100% a la música country. Seria uno de los últimos trabajos (el ultimo seria "Self Portrait") en utilizar convenientemente ese rango vocal denominado "crooner". Esta definicion es un termino norteamericano, tiene connotaciones semejantes a trovador o juglar que ademas de atribuirsela a los cantantes de country también se los asociaba a los de orquesta de jazz y de las  viejas "big bands". El álbum forma parte del conjunto de trabajos de la etapa de rehabilitación de Dylan a raíz de su accidente en motocicleta en 1966. Nos referimos a "John Wesley Harding", "Self Portrait" y por que no "The Basement Tapes". Albumes que advierten un nuevo giro al folk con temáticas alejadas del interés político-cultural o de las pequeñas historias llenas de personajes ficticios o no, que obviamente albergaban gradualmente trabajos desde su debut "Bob Dylan" de 1962 hasta el irrepetible "Blonde on Blonde". Luego de grabar un gran trabajo en 1967 "John Wesley Harding", Bob Dylan  abre una vez mas el panorama para la vuelta a sus raíces folks mas rusticas. El productor Bob Johnston comentó alguna vez sobre esta particular época: "Todos los artistas del mundo iban al estudio intentando hacer un álbum con el sonido más grandioso que pudiesen lograr. ¿Y qué es lo que hace él?. Viene a Nashville y me dice que quiere grabar con un bajo, una batería y una guitarra". Pocos años después, en 1969 Dylan se sentía frustrado por su falta de privacidad y a partir de ese momento se volvió precavido y más distante con sus fans. Su carácter gruñón y siempre descontento, empezó a forjarse en estos años venideros. Su paternidad también había cambiado su vida íntima. Recordemos que era la época de perpetración de "SELF PORTRAIT" (1970) , Dylan se había "aburguesado", se alojó con su familia en Woodstock, de hecho para el legendario festival de ese año, tal era el acoso de los fans y su sentimiento de desgano mediante a su rehabilitación , que se niega a rotundamente a presentarse en el mismo.

Las grabaciones del álbum fueron por supuesto en Nashville, Tennesse, rodeado de músicos nativos de ese lugar como Kenny Buttrey, Charles McCoy, Pete Drake, Norman Blake, Charlie Daniels y Bob Wilson. El 12 de febrero se iniciaron las sesiones de grabación en el estudio "A" de Columbia. Registraron "To Be Alone With You", "I Threw It All Away" y "One More Night". Al día siguiente,
Bob grabó los temas "Lay Lady Lay", escrito en 1968, "Peggy Day", "Tell Me That Isn't True" y "Country Pie". Las tomas maestras de estas, se completaron el 14 de febrero. Lugo hubo un parate de 3 días, donde Dylan compuso "Tonight I'll Be Staying Here With You". Cuando las sesiones de grabación fueron retomadas el 17 de febrero, todos hablaban de "Tonight I'll Be Staying Here With You" fue el foco de atención, y durante el resto del día se grabó el instrumental "Nashville Skyline Rag". Es particular la forma de trabajo que comenzó a desarrollar en álbumes como este. El relax reinante en el estudio, reflejaron el sonido suave, transparente, fresco e inmediato del trabajo. "Simplemente tocábamos una canción, la interpretaba y el resto de los músicos la adornaban, al mismo tiempo que hacíamos eso, alguien en la sala de control le daba el sonido adecuado." recordaba Dylan. Su voz sonaba distinta, no tan nasal como en trabajos anteriores, generando la sorpresa de todos. El músico atribuyó su nueva voz a la ausencia de cigarrillos, pero si escuchamos los bootlegs pasados podemos encontrar canciones donde hace el uso de esta voz "crooner" muchos años antes.

Amigo de Dylan y del sello discográfico, el gran Johnny Cash, siguió bien de cerca las grabaciones de "Nashville Skyline". Grabarían varios temas juntos, incluyendo versiones de temas clásicos de Bob, tales como: "One Too Many Mornings", "Don't Think Twice" y "It's All Right", además de "I Still Miss Someone", esta última, composición de Cash, "Matchbox", "That's All Right Mama", "Mystery Train", "Big River", "I Walk the Line", "Blue Yodel #1", "Ring of Fire", "You Are My Sunshine", "Mountain Dew", "Careless Love", "Just A Closer Walk With Three", "How High The Water", "Wanted Man" y "Guess Things Happen That Way", entre ellas clásicos de clásicos de Carl Perkins y Elvis Presley. Lamentablemente todas ellas fueron descartadas del álbum. Semejante cantidad de material hace pensar que es el suficiente como para sacar un álbum Dylan / Cash. Sin embargo no existe nada oficial, las canciones solo circulan en un buen número de bootlegs que muestran tanto las canciones descartadas como tomas alternativas de los temas incluidos en el álbum. Finalmente la única incluida a dúo, fue una vieja canción de "The Freewheelin' Bob Dylan", segundo LP de Dylan. Esta es por supuesto, "Girl from the North Country". La compuso luego de las experiencias vividas tras su primer viaje a Inglaterra en 1962. Esta dedicada a una ex novia, Echo Helstrom. Dylan fue de Inglaterra a Italia para buscar a su entonces novia, Suze Rotolo. Sin saberlo el músico,
Rotolo ya había regresado a los Estados Unidos, casi al mismo tiempo que él llegó a Italia. Fue aquí cuando terminó la canción, inspirado por el aparente final de su relación con Rotolo. A pesar de todo, vuelve con Rotolo y es la mujer que figura en la cubierta del álbum, caminando abrazada con Dylan en la calle Jones cerca de su apartamento en la 4th Street en Nueva York. Tanto Dylan como Cash, cantan una estrofa expresando la sentida y gran melancolía: "Si viajas a la feria del país del norte, donde los vientos golpean fuerte en la frontera, dale recuerdos de mi parte a una chica que vive allí, en otro tiempo ella fue mi verdadero amor." . Sobre el final las voces se entrelazan demostrando una excluyente química vocal entre ambos.

"Nashville Skyline Rag" esboza el sonido campirano que conceptualiza a todo el disco. Un ocurrente instrumental donde se destacan las cuerdas, guitarras y dobro, el piano y la armónica. "To Be Alone with You" es la primer canción que se grabo del disco. No por nada habrán dejado testimoniado esos momentos tan ricos de inicios de grabación de un LP. Antes de comenzar a cantar, Dylan le pregunta al productor Bob Johnston, "Is it rolling, Bob?" ("esta rodando Bob?"). Básicamente una canción de amor directa hecha un "country blues", sin mas complejidades. El carácter melancólico y de arrepentimiento en "I Threw It All Away", sigue demostrando lo bien que sabe expresar estos sentimientos de relaciones fallidas en canción. La había interpretado antes en 1968 dedicandosela a George Harrison y a su esposa Patty. Aunque también se especuló que estaba dedicada a algunas otras mujeres de su vida como su ex pareja Suze Rotolo, Joan Baez, o Edie Sedgwick. Pero sin duda el enganche del álbum seria la gigantesca canción que quedaría inmortalizada para todo el resto de su carrera: "Lay, Lady, Lay". Derrama una seducción irrepetible, cautiva ya con su primer escuchada y no cansa al repetirla una y otra vez. Habla de un encuentro romántico que termina en sexual de la pareja. Aquí Bob ya estaba abandonando las enredadas metáforas, el surrealismo, etc., es directo en sus afirmaciones para decirle a su pareja que se quede con él toda la noche. Había sido compuesta para que forme parte del la banda de sonido de la película protagonizada por Jon Voight y Dustin Hoffman, "Midnight Cowboy" (más conocida en Argentina como "Perdidos en la noche") pero hubo problemas con los tiempos de la grabación. Inclusive antes de grabarla en "Nashville Skyline", la canción también les fue ofrecida por el mismísimo Dylan a los Everly Brothers quienes la rechazaron porque pensaban que era una canción sobre lesbianas; al haber malinterpretado la letra. Los Everlys creían que decía "Lay lady lay... lay across my big breasts, babe." ("Acuéstate, nena, acuéstate, en mis grandes pechos, nena") en lugar de la letra correcta que decía "Lay, lady, lay, lay across my big brass bed" (Acuéstate, nena, acuéstate, en mi gran cama de bronce). Sinembargo la registraron, recién en 1984. Otro aspecto recalcable es el exquisito trabajo de la bateria de de Kenny Buttrey, quien confeso que le fue muy difícil ejecutarla. Dylan sugirió adicionarle bongos, mientras que el productor Johnston, un cencerro. El baterista tocó con los dos juntos. El compositor y cantante Kris Kristofferson quien estaba trabajando como conserje en el estudio, le sostuvo los bongos en una mano y el cencerro en la otra. Buttrey movió el único micrófono de tambor superior sobre estos instrumentos. Cuando cambia de nuevo a los tambores para los coros, la batería suena distante debido a no estar directamente al micrófono. A pesar de varias tomas, la que apreciamos en el álbum es la espontaneidad de la primera y es una de las grabaciones favoritas que ejecutó Buttery. Como varias de las composiciones de Dylan, ha sido reversionada por una gran cantidad de artistas, la mas inmediata fue la de The Byrds (como simple) ese mismo año y con el mismo Johnston como productor. Otros que interpretaron "Lay, lady, lay" fueron: Cher, Richie Havens, Booker T. & the MG's , Isaac Hayes, Cassandra Wilson, Kevin Ayers, Bryan Adams, Neil Diamond, Duran Duran, Steve Howe, Buddy Guy, Lana Del Rey, entre muchos más.

"One More Night" encierra una gran contradicción. Su consistencia alegre no es condescendiente a las penurias expresadas. En medio de un clima campestre y matinal (podría decirse que solo le faltan los solemnes gorjeos de los pajaritos alrededor), Dylan canta: "Oh, es lamentable y triste, perdí a la única chica que tenía, no pude ser lo que ella quiso que fuera... esta noche ninguna luz brillará sobre mí.". La inimitable y dulce "Country Pie" (sin empalagar), atesora un gran trabajo de guitarra para un "Country blues" redondo. Una de las pocas letras de Bob en este álbum donde menciona a algún que otro personaje. Uno de ellos es "Saxophone Joe". Utiliza una metáfora un tanto surreal, que quizás tenga algún sentido en el folclore norteamericano: "Igual que el viejo Joe Saxofón cuando tiene el barril en el dedo gordo, oh yo!, oh para mi! amo esa torta casera". Con respecto a el personaje, es posible que se esté refiriendo al saxofonista Joe Henderson. Investigando su significado, es certero afirmar que el "Country Pie" es un símbolo de la vida en el campo y que es sólo un alimento, pero mas de uno lo asociaria para el lado sexual, sin alejarse demasiado de la verdad. Pero ahondando más en el tema, se nos presenta otro personaje: "Little Jack Horner". Este personaje aparece en la literatura inglesa a partir del siglo XVIII. Un verso en la canción "Namby Pamby" incluye referencias de Jack. Por cierto, "Jack" siempre es el nombre del extraño personaje de los cuentos ingleses de esta época, de chicos divertidos como Jack Horner y Jack Spratt, o personajes que tienen extrañas aventuras como "Jack y el Beanstalk" ("Jack y la habichuela mágica") y claro a los aterradores "Spring Heeled Jack" ("Jack el Saltarín") y "Jack The Ripper" ("Jack el Destripador"), de finales del siglo XIX. A quien se debe referir Dylan, de todas formas, es al personaje del popular versito infantil que a todos los niños ingleses del siglo XX les gustaba entonar: "Little Jack Horner, Sat in the corner, eating a Christmas pie; He put in his thumb, and pulled out a plum. And said: ‘What a good boy am I !!!" ("Pequeño Jack Horner, sentado en la esquina. Come un pastel de Navidad; que el puso en su pulgar, y sacando una ciruela dijo: ¡¡¡Qué buen muchacho que soy yo!!!"). "Tonight I'll Be Staying Here with You" es un excelente ejemplo de la etapa de madurez que estaba viviendo. En medio de las repetitivas apariciones de un supuesto tren que lo llevaría a abandonarlo todo, la letra refleja entonces la vida de Dylan estaba dispuesto a afrontar: convertirse en un hombre de familia. 

"Nashville Skyline" agradeció de una buena aceptación en general y al poco tiempo de su salida, en mayo de 1969, Dylan apareció en el primer episodio del programa de televisión de Johnny Cash, "The Johnny Cash Show", cantando a dúo "Girl from the North Country", "It Ain't Me, Babe" y "Living the Blues". El 14 de julio de 1969, ofrecería un recital sorpresa en el "Mississippi River Festival", organizado en Edwardsville, Illinois. Bob se unió a The Band para interpretar tres canciones: "Ain't Got No Home", "In The Pines" y "Slippin' and Slidin'". Poco después hizo su presentación en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1969, otra vez junto a The Band, ante casi 200.000 personas, tras rechazar su participación en el festival de Woodstock. Interpretó diecisiete canciones, de las cuales sólo dos, "I Threw It All Away" y "Lay Lady Lay", procedían de "Nashville Skyline". Había contratado a Elliot Mazer para grabar su participación en dicho festival, con la esperanza de publicar un álbum en directo. Sin embargo, Dylan abandona dichos planes, aunque el material sería grabado y enviado a Nashville para que Bob Johnston trabajara en las mezclas posteriormente. La legendaria portada y el arte del sobre interno del vinilo atesoran unas lindas anécdotas. Lo vemos a Bob Dylan en su casa de Woodstock, feliz y sonriente sosteniendo una guitarra que en el documental "No Direction Home" cuenta que Cash le regaló en símbolo de admiración entre cantantes. Igualmente hay un encarte en el interior del vinilo (en el back del CD) con un bello poema sobre Dylan, obra del amigo Johnny. La portada de un principio aparecía el verdadero "Skyline" (horizonte) de la ciudad de Nashville pero era tan evidente que Dylan la desechó. Propuso hacerse una foto frente a su panadería favorita de Woodstock con su hijo Jesse y dos personas anónimas del pueblo, un poco al estilo de la portada de "John Wesley Harding". Pero tras la sesión fotográfica, Dylan y Elliot Landy dieron un paseo por el bosque, donde había llovido y estaba todo encharcado. Bob empezó hacerse el tonto con un sombrero y de la serie de instantáneas que le tomo Elliot, se quedó con una de las tomas. Le dijo a la CBS que quería esa fotografía en la portada y nada mas, sin título, ni logotipos, ni nada de nada, solo la foto.



Lista de Temas:

1. Girl from the North Country (con Johnny Cash)
2. Nashville Skyline Rag
3. To Be Alone With You
4. I Threw It All Away
5. Peggy Day
6. Lay Lady Lay
7. One More Night
8. Tell Me That It Isn’t True
9. Country Pie
10. Tonight I’ll Be Staying Here With You


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viernes, 5 de mayo de 2017

Motörhead - Overkill (1979)


Para ser el segundo trabajo de su más que extensa carrera, "Overkill" no deja de sorprendernos hasta el hartazgo a el día de hoy. No solo por que contribuye a definir el sonido de Motörhead sino por que ademas de eso, se lo considera como uno de los álbumes más importantes de la historia del rock n roll abriéndose un paso a la fama. Sin obviar el pasado reciente  de Mr. Ian "Lemmy" Kilmister  (la banda Hawkwind) "Overkill", al igual que su antecesor "Motörhead" (1977), conserva alguno de los aspectos y elementos que atesoraba un oportuno "Space Rock" o como se lo ha denominado tiempo después "Stoner Rock". Eso sumado a la arremetida inicial que la banda estaba encabezando por entonces con lo que supuso la camada del "nuevo heavy británico". Sinembargo Lemmy siempre se ha mostrado reacio a ese encasillamiento demostrándolo con una de sus frases de cabecera:  "We’re Motörhead and we play Rock’n’Roll".

En 1975 Lemmy había sido despedido de Hawkwind y tras pasar cinco días en una cárcel canadiense por posesión de drogas, (declaró que fue por consumir las drogas equivocadas), decidió formar su propia banda a la que llamó "Bastard". El manager de por entonces Doug Smith le recomienda que cambie ese nombre ya que los prohibirian en radio y TV. Así que opta por bautizarla "Motörhead " al igual que la canción que ya había compuesto para su ultimo disco acompañando a Hawkwind: "Warrior on the Edge of Time" (1975). El nombre de la canción "Motorhead" proviene de la jerga para denominar a un consumidor de anfetaminas. Las intención de Lemmy era formar "la banda más sucia de rock and roll del mundo", por eso une fuerzas con  Larry Wallis como guitarrista y Lucas Fox como batería. Tras dar algunos shows en locales under de Londres, como por ejemplo "The Roundhouse", en octubre de 1975 telonean a Blue Öyster Cult en el Hammersmith Odeon. Durante lo que quedaba del año tendrán lo suyo bandas como Pink Fairies, The Damned y The Adverts. Al poco tiempo graban algunos demos en los estudios de grabación Rockfield de Monmouth, Gales. Es allí que Fox es reemplazado por el explosivo baterista Phil "Philthy Animal" Taylor. United Artists, la discográfica incluyo estas grabaciones, años después en el álbum "On Parole" (1979). En un principio Motörhead, no quiso privarse de un sostén rítmico para la guitarra de Wallis, así que reclutan a Eddie "Fast" Clarke. Wallis abandona las sesiones de grabación. Queda así conformada la versión clásica de Motörhead, dando lugar a uno de los mejores y mas arrasadores "Power Trios" de todos los tiempos. La potencia que habían logrado por esos tiempos era arrolladora y toda una novedad para la época, donde pocas bandas lograban este sonido tan fuerte y salvaje. El sonido inicial de la banda estaba emparentado a las tres categorías clásicas del metal: el "heavy metal", el "speed metal" y el "thrash metal", al "hard rock" y por que no al "punk rock". Como habíamos dicho aquel "space rock"que pregonaba Lemmy no escapaba a algunos pasajes de algunos temas, sobre todo en los primeros discos. Todo esto mechado también con algunas versiones de temas clásicos del rock n roll y del blues que siempre suelen aparecer en sus discos ("Train Kept A-Rollin'", "Louie Louie" , "I'm Your Witchdoctor", etc.). Tras grabar once maquetas para el sello Chiswick Records, el cual solo considero ocho de las mismas, registran su álbum debut en 1977 "Motörhead". Con este flamante trabajo en las calles, el panorama para la banda no era muy alentador. Después de tener algunos problemas con las discográficas (recordemos lo sucedido con "On Parole") Bronze Records accede a grabarles un simple en los Wessex Studios de Londres el cual tendría como cara "A" a el cover de Richard Berry "Louie Louie" y, como Cara-B, "Tear Ya Down". Al cabo de un tiempo la amistad de Kilmister con un productor del programa "Top Of The Pops" permitió que la banda pudiera interpretar el cover en su programa, el 25 de octubre de 1978, lo que provocó un aumento de los fans de Motörhead, hasta entonces. Con este nueva puerta abierta de Bronze records, la banda aprovecha esta gran oportunidad y de inmediato Lemmy hace buenas migas con el famoso productor de los mismísimos Rolling Stones, Jimmy Miller. La grabación del nuevo trabajo solo les llevo 15 días, lo que demuestra que la banda ya se había acostumbrado a grabar rápidamente en estudio, grabación que se realizó en los estudios Roundhouse, al norte de Londres.

Es así como el estruendoso "Overkill" se nos abre paso con el tema homónimo, anunciando la devastación auditiva que se trae entre manos este disco. Un verdadero himno del "speed metal". De característico comienzo con las energícas y maquinadoras baqueteadas de "Animal" Taylor, una de las primeras en utilizar doble bombo. Rápidamente el segundo instrumento que se une es el bajo de Kilmister y las guitarra de Clarke que se da el lujo de hacer cuatros solos. La calidad de la instrumentación es impecable y a la vez sorprendente ya que amagan dos veces con un gran final para volver a la secuencia de batería de la intro, algo que marcará tendencia en sinnúmero de bandas. Obviamente que se convirtió en un clásico de la banda y recurrente en sus shows en vivo. La letra sella una amistad eterna de aquí en adelante entre la banda y fans (Motörheadbangers) por su certero mensaje inicial y con feedback incluido: "La única manera de sentir el ruido, es cuando es bueno y fuerte. Tan fuerte como para no creerlo, gritando con la multitud. No te preocupes!!. Te lo devolveremos...". El desenfreno brutal, salvaje, veloz continua con "Stay Clean". Cincela en una roca la marca Motörhead en la historia del rock and roll, para siempre. Pegadizo riff , letra clara y directa , no tardó en convertirse en canción obligada para tocarse en directo. El trabajo de Lemmy con su legendario Rickenbacker es excluyente, por encima de los demás instrumentos, da la impresión que las cuerdas de su bajo se cortarán en cualquier momento. "I'm so drunk!!..." (Estoy muy borracho!!...), así se desencadena "(I Won`t) Pay Your Price". Con ciertos matices bailables, su letra es sucia y traicionera:..."Estoy harto de escuchar tonterías, prefiero apuñalarte por la espalda ... te digo que la única razón es que estás fuera de temporada..." o bien "Cierra la puerta cuando te vayas, por que sigues aqui?, no lo se... contarè hasta tres y si sigues aqui tomare una pistola y te dispararé en las rodillas a distancia... A mi manera, sabes que no pagaré tu precio.".

Por aquellos tiempos se supo de la admiración de Lemmy por la gran Tina Turner y una expresión de deseo por parte del cantante y bajista, fue que interpretara "I'll Be Your Sister". Mr. Kilmister nos ofrece aquí una buena estrategia para conseguir chicas, demostrando un gran apego, convirtiéndose de alguna manera en su "hermana"estando para todo lo que necesite. Una formula parecida a la que utilizó Iggy Pop con su debut de The Stooges con "I Wanna Be Your Dog", pero quizás de alguna manera mas "elegante", si se quiere. El grito astrológicamente correcto y empapado de "space rock" sucede en "Capricorn". Su estructura enigmática e incidental, nos hace imaginar a Lemmy volando a través del espacio cantándole desgarradamente a la constelación, mientras que Clarke dibuja con punteos luminosos, iluminando el vacío espacial. A propósito hay un dato curioso con el solo de guitarra. Resulta que Eddie, mientras estaba afinando la guitarra para grabar el tema, ejecutó un solo con la finalidad de sacarle una risa a los presentes en aquella sala. Lo que él no sabía es que Jimmy Miller, el productor, había puesto la grabador a funcionar y el solo de Eddie había quedado registrado, y no solo eso, le había encantado, y así se quedó en el disco. Todo un himno a la rebeldía y al heavy metal es sin duda "No Class" . De poderoso mensaje entre lineas y clara ética punk: "Callate!, hablas muy fuerte, no encajas en la multitud. No puedo creer que existas! ... tuve que tacharte de mi lista. Demasiado, muy pronto. Estás fuera de ritmo, sin clase, sin clase!...".
Una clara base "R&B" sostiene a "Damage Case", de tono irónico, un relato de victimización sobre su personalidad, para ganar chicas por supuesto. Aquellos primeros tiempos de formación de Motörhead coincidían con la primer escapada de el gran Norberto "Pappo" Napolitano a Europa. Cuenta la leyenda que estando en Londres, el querido Pappo fue testigo de la formación de la banda, llegando incluso a tocar con ellos. No es extraña entonces la misteriosa conexión y el gran parecido que tiene esta canción con el clásico de Pappo´s Blues "El Brujo y El Tiempo" aparecido en el imprescindible "Pappo's Blues Volumen 3". Una perla en el gran océano que es la historia del rock n roll.

Es rara la aparición de "Tear Ya Down" como canción  del LP original , ya que, recordemos, había sido la cara "B" del primer simple,"Louie, Louie" previo a la salida del disco. Pero fue  irresistible para la banda incluirlo ya que su letra hace gala a el concepto del nombre del disco: "Voy a mostrarte de lo que estoy hecho, te voy a disparar esta noche. No quiero enloquecerte. Pero voy a hacer que te sientas bien. Voy a sacudirte hasta que tus labios se vuelvan azules. Te voy a romper...". Musicalmente, se acerca al sonido de Hawkwind inyectando una hipnótica base comandada por el bajo. Kilmister aseveró en su autobiografía, "White Line Fever", que escribir la letra de "Metropolis" le demandó solo cinco minutos, tras ver la famosa película alemana del mismo nombre de 1927 y que su letra no tenia ningún sentido. El ritmo es cambiante, lo que que atenúa la atmósfera de ciencia ficción apocalíptica que inspira la canción. El final es para "Limb From Limb" que parece sacada de un típico bar "motoquero" al pie de alguna ruta del agun estado desértico de EE.UU. La letra contiene ese concepto desperezador tan asociado a Motörhead: "Amante de largas piernas, te voy a arrancar como una rama, hacerte aplastar como una rata en algún bar. Hundir mis garras en tu piel de terciopelo...Áspera nena, me vas a cortar como un cuchillo. No me importa como demonios me llames, Pero, ¿todavía vendrás esta noche?". También de condición cambiante, sobre el final todo toma una aceleración extrema con un trabajo sobresaliente de "Fast" Clarke, y con un segundo solo de guitarras a cargo del propio Lemmy, coronando un excelente final para un excelente disco.

Como muestra de las muy buenas intenciones de promover el nuevo material y de la amistad de Lemmy con el productor del el mítico programa "Top Of The Pops" de la BBC, la banda se presenta pocos días antes del lanzamiento del álbum, el 9 de marzo de 1979, para interpretar la canción "Overkill" en dicho programa. Finalmente el 24 de marzo, sale a la venta, siendo el primer álbum de Motörhead en entrar en los "Top 40" británicos, llegando al puesto número 24. Al igual que el álbum debut de la banda, el arte de de tapa estuvo a cargo de Joe Petagno, creador del "War-Pig" (también conocido como "Snaggletooth", "The Iron Boar", "The Bastard" o "The Little Bastard"). Una vez mas lo incluye a este personaje pero en versión mas colorida y mejor diseñada. Petagno siguió trabajando en la mayoría de los trabajos posteriores de Motörhead quedando este "War Pig" como mascota legitima de la banda. La reedición que les ofrecemos aquí es la japonesa de 2007, que contiene tres versiones de "Louie Louie", su original "cara B", "Tear Ya´Down", con su versión instrumental y dos canciones inéditas que no tardaron en convertirse en clásicos de la banda. La primera es la cara B de "Overkill" el simple previo a la salida del álbum, "Too Late, Too Late". Canción que es un certero mazazo al paso del tiempo y las desilusiones enfocadas a las relaciones interpersonales y/o sentimentales entre hombre y mujer. La segunda es la cara B del sencillo que sirvió de estrategia para reforzar las ventas, "No Class", salido en junio de 1979, previamente a la salida de "Overkill", nos referimos a "Like A Nightmare" con su versión alternativa como plus. Por supuesto que hubo una correspondiente gira llamada "Overkill" y comenzó el 23 de marzo de 1979. 

Como futuro mas cercano a "Overkill" la banda nos regalaría un nuevo disco ese mismo año, "Bomber" aportando canciones que se convirtieron en clásicos como "Bomber", "Dead Men Tell No Tales" y "Stone Dead Forever". Pero el gran batacazo sería sin lugar a dudas, al año siguiente con "Ace Of Spades" que contiene la canción homónima, el éxito más grande de la banda. Tiempo después Clarke abandonó la formación para ser reemplazado por el anterior guitarrista de Thin Lizzy Brian Robertson, quien grabaria solo un álbum, el irrepetible "Another Perfect Day", de 1983. Ese mismo año deciden tener dos guitarras y reclutan a Michael Burston "Würzel" y a Phil Campbell, quien se quedaría hasta el final. Tras las idas y vueltas de Taylor, pasando por Pete Gill y Tommy Albridge, a partir de 1992, el dueño de la bateria en Motörhead terminaria siendo el sueco Mikkey Dee.  Motörhead, se caracterizó también, por ser una banda de memorables tours y festivales. En 1986 hizo una gira por Alemania, Holanda, Italia y Dinamarca como parte de su "Easter Metal Blast Tour" y el 16 de agosto de ese año, la banda tocó en el legendario "Monsters of Rock" en Donnington. En los 90´s muchos también recordaran aquella visita con dos conciertos en el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires en abril de 1993. Otra gira memorable fue la "We Are Motörhead Tour" por el continente americano entre mayo y junio de 2000. Este tour coincidió con los festejos del 25 aniversario de la banda, celebrado en el Brixton Academy de Londres, con diversos artistas invitados como "Fast" Eddie Clarke, Brian May, Doro Pesch, Whitfield Crane, Ace, Paul Inder y Todd Campbell. El material se registró con el DVD "25 & Alive Boneshaker" y con el CD "Live at Brixton Academy". Grabado en Los Angeles el vigésimo segundo y último disco de Motörhead fue "Bad Magic" salido en agosto de 2015. El 11 de noviembre de ese año a causa de una insuficiencia hepática Phil "Philthy Animal" Taylor, muere a los 61 años. Mr. Ian "Lemmy" Kilmister lo sigue, cuando el 28 de diciembre de 2015, fallece en su hogar a consecuencia de un cáncer de próstata, arritmia cardíaca e insuficiencia cardíaca congestiva. Mikkey Dee fue el vocero oficial de la banda comunicando el fin de Motörhead. La muerte de Lemmy sigue aun conmocionando al mudo del metal y del rock and roll alrededor de todo el mundo .


Lista de Temas:

1. Overkill
2. Stay Clean
3. (I Won't) Pay Your Price
4. I'll Be Your Sister
5. Capricorn
6. No Class
7. Damage Case
8. Tear Ya Down
9. Metropolis
10. Limb from Limb

Bonus Tracks:

11. Louie, Louie (Single A-Side)
12. Louie, Louie (Alternative Version)
13. Louie, Louie (Alternative Version)
14. Tear Ya Down (Alternative Version)
15. Tear Ya Down (Instrumental Version)
16. Too Late, Too Late (B-Side 'Overkill' Single)
17. Like a Nightmare (B-Side 'No Class' Single)
18. Like a Nightmare (Alternative Version)


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jueves, 20 de abril de 2017

Carlos Gardel - Tomo Y Obligo (Su Obra Integral Vol.14)


Otra nueva edición de la obra integral del mudo. Como no podía faltar en la misma, un tema recurrente en las letras y/o crónicas tangueras, todo un clasico mas viejo que el propio tango: el beber por desengaños amorosos y los intentos de los personajes (ficticios o no) de explicarnos el motivo de su bebida.

Justamente el tango que da nombre e inicio a este volumen, lo podremos disfrutar en dos versiones. La típica orquestada y la versión con  guitarras. Esta última data de el año 1931 con guitarras de Barbieri, Riverol y Vivas. La música es del propio Gardel con letra de Manuel Romero. En la voz de Gardel son las únicas dos versiones registradas. Es así que como la versión acompañada
por la orquesta típica de Alfredo De Angelis es de 1974 podemos aseverar que es una versión remasterizada. Por lo que el grueso de el sentimiento de este tango lo apreciamos en la variante con guitarras criollas.

De inmediato otro tango que hace gala al tópico de este volumen, nos referimos a "Ebrio" con letra de José Rial (h.) música de Rafael Rossi  (Rafael Rossa). Otro buen acompañamiento de guitarras para que Gradel describa todo el desdén de el protagonista. Primero describiendo el mal causado por la cruel fémina : ..."Y es fácil deducir que mis dolores, obra son de unos pérfidos amores que dañaron la fibra de mi ser. No quiero detallar la villanía. De la autora moral de mi abandono..." , y luego su consiguiente distracción y anestesia: ...." Embriagándome la vida , recorro los bodegones. ... Que para olvidar su historia, necesito mucho alcohol". De 1926 con letra de Juan Andrés Caruso y música de Francisco Canaro, la historia de la canción encierra una buena historia, como para subrayar. Canaro contó que estando en París recibió una carta de Juan Andrés Caruso pidiéndole que pusiera música a esta letra suya que era para la obra homónima de Julio F. Escobar que se estrenó el 8 de octubre de 1926, ocasión en que Agustín Irusta cantó el tango por primera vez en público antes que Gardel. El protagonista es un dramaturgo que se enamora de una mujer de vida galante pero como no está dispuesto a sacrificar sus principios artísticos en aras del beneficio económico, no puede darle la vida que ella pretende, por lo que es abandonado. Hace una última reunión con sus amigos, uno de los cuales canta el tango en cuestión, y luego bebe la copa de veneno que da título a la obra.

Un sinnúmero de personajes, bebedores empedernidos, desfilan en otros tangos. Por ejemplo el gracioso borracho que bebe por la pérdida de "su viejita" en "Viejo Curda", que "por los tantos firuletes que su equilibrio exigió" fue generador de risas de unos cuantos "pebetes" al pasar.
El grandilocuente ganador venido a menos de "Príncipe", el mozo que es víctima de una infidelidad y se apoya y compara su desdicha con un payaso de circo en "Rie Payaso"o el que bebe a solas en su "barra amiga" llorando la traición de un amigo con su "mina malchalada" en "Medianoche".
El "Estilo" "Eche otra caña pulpero" de clara prosa gauchesca, es sin dudas una de las letras que encierran más congoja cantadas por Gardel: "Eche otra caña pulpero que yo soy un pobre criollo, a quién ya lo busca el hoyo, porque de pena me muero... Y es tanto lo que la quiero que a pesar de su patraña en caña juerte se baña mi amargura noche y día." La desdicha y melancolía gauchesca en todo su esplendor.

"Aquella cantina de la ribera" con letra de José González Castillo ("Juan de León") y música de su hijo Cátulo Castillo está dedicada, según ellos mismos, al famoso pintor Benito Quinquela Martín. Singular historia la que se describe en un marco de una pieza teatral a esta cantina. Ya desde el comienzo podemos alertar la oportuna comparación de Cátulo Castillo con homenaje al pintor incluido: "Como el mar, el humo de niebla las viste y envuelta en la gama doliente del gris
parece una tela muy rara y muy triste que hubiera pintado Quinquela Martín.". El narrador se pasea describiendo el escenario pintoresco. Mezcla de personajes y estereotipos de mujeres e inmigrantes típicos de la época y lugar: ... "Rubias mujeres de ojos de estepas, lobos noruegos de piel azul, negros grumetes de la Jamaica, hombres de cobre de Singapur... Todas las pobres almas sin rumbo
que aquí a las playas arroja el mar..." Sobre el final el tango y sus personajes se van enfocando en la figura central de la cantante principal de la cantina la "ragazzina": "...en toda ella como un fuego son el vino de Capri y el sol de Sorrento que queman sus ojos y embriagan su voz...". Federico Martens y Arnaldo Malfatti escribieron una obra llamada “Aquella cantina de la ribera”, que se estrenó el 20 de agosto de 1926 en el Teatro Liceo. La puso en escena la compañía Ruggero - Zárate, y fue en esta obra que se presentó por primera vez este tango de González Castillo. Con guitarras de José "el negro" Ricardo, "primera guitarra" y Guillermo Desiderio Barbieri, la "segunda guitarra". El "Negro" Barbieri y al que Gardel llamaba "el Barba" era su más antiguo guitarrista cuando se produjo el accidente en Medellín (donde murió). Se grabó en el para entonces nuevo sistema eléctrico, con microfono, por que antes grababa sin el.

Otro tango que se ideó no solo con fines estrictamente musicales fue "La borrachera del tango". Se utilizó como cortina de la película homónima, en blanco y negro y muda de 1928, dirigida y producida por Edmo Cominetti. El tango resume en su totalidad el espíritu y el mensaje de el film. Un buen diálogo entre los prejuicios vigentes en la sociedad de aquel tiempo en relación con la música típica argentina. En el seno de una familia burguesa de Buenos Aires, se desata un conflicto protagonizado por dos de sus hijos. Uno de ellos, un arrabalero que deambula por los cabarets de la ciudad se contrapone a la figura de su hermano promisorio ingeniero que es el orgullo de la familia. 
Claros ejemplos plasma la letra del tango: ..."Muchos andan por la vida, como vos en ese ambiente, sos una barca perdida llevada por la corriente.. La borrachera del tango brujo se te ha metido en el corazón... Tal vez mañana cuando estés triste, sientas nostalgias del viejo hogar..."

"Ave sin rumbo" uno de los más hermosos, dolientes e inspirados tangos que jamás haya compuesto y cantado Carlos Gardel (musica co compuesta con José Razzano). Una melodía vocal inigualable describe toda el alma herida de ese desdichado y traidor amor por el que sufre el protagonista. Otro famoso tango es sin dudas "La Violeta" del poeta Nicolás Olivari y música de Cátulo Castillo. No habla de otra cosa más que de las penurias que vivían los inmigrantes italianos añorando su tierra natal: "Con el codo en la mesa mugrienta y la vista clavada en el suelo, piensa el tano Domingo Polenta en el drama de su inmigración..." . Este personaje, Domingo Polenta, existió realmente y protagoniza otro tango escrito por Oliveri “La cabeza del italiano” donde se narra su suicidio. El mismo Oliveri, fallecido en 1966, afirmaba sobre este y sobre Gardel: "Habla de la cabeza frappé del italiano que un tiro se pegó en el almacén. El itálico suicida no es otro que Domenico Polenta, que menciono en mi poema “La Violeta”, que se convirtió en éxito, con la música de mi gran amigo Cátulo Castillo. Lo grabó Carlos Gardel. A propósito, con el Morocho me encuentro a diario en el café “El Pensamiento”, situado en el Paraíso."

Cerrando este decimocuarto volumen de la obra integral del zorzal criollo, de  Alberto Vacarezza con música de Enrique Pedro Delfino, el histórico e importantísimo tango "La copa del olvido". Lo cantó por primera vez el actor y cantante José Cicarelli, al estrenarse el sainete "Cuando un pobre se divierte" de Alberto Vacarezza el 19 de octubre de 1921 en el Teatro Nacional de Buenos Aires por la compañía de Pascual Carcavallo. Tan importante es que gracias a una escena de este sainete que transcurría en un cabaret con la animación musical de Enrique Delfino, a este actor se lo veía sentado en una mesa y en un momento en que se producía un vacío en la acción, se paraba con una copa en alto y levantaba y comenzaba a cantar:  "¡Mozo! Traiga otra copa y sírvase de algo el que quiera tomar,.." . La idea era unir con este fragmento del tango para intercalar diferentes situaciones de la escena. "Cuando un pobre se divierte" tuvo una notable repercusión popular; se realizaban 3 o 4 funciones diarias y muchas de ellas con el teatro completo. Por lo que este tango tuvo un gran impacto, como bien lo afirmó la revista "Caras y Caretas" en el número 1212 del 24 de diciembre de 1921: "En todos los hoteles, bares y confiterías de Buenos Aires se toca el mismo tango; en los cabarets y restaurantes alegres se baila el mismo motivo musical; se escucha por calles y plazas en todos los labios aquello de -¡Mozo! Traiga otra copa y sírvase de algo el que quiera tomar- ; todos los pianos lo martillean. Es que la pegadiza melodía ha llegado hasta el alma misma de la población." Años más tarde esta coloquial frase se incluiría en el popular tango de Suárez Villanueva "Lejos de Buenos Aires" de 1942, interpretado por Aníbal Troilo o Roberto Goyeneche, entre otros. Allí se podrá escuchar esta inmortal frase una vez más, en el estribillo, allí como reavivando el ímpetu del tango ancestral: ..." Y andando sin destino, de pronto reaccioné, al escuchar de un disco el tango aquel: Mozo traiga otra copa! -que lo cantaba Carlos Gardel.".


Lista de Temas:

1. Tomo Y Obligo
2. Ebrio
3. La Última Copa
4. Viejo Curda
5. Principe
6. Un Tropezón
7. Rie Payaso
8. Eche Otra Caña, Pulpero
9. Che Mariano
10. Aquella Cantina De La Ribera
11. La Borrachera Del Tango
12. Nubes De Humo
13. Medianoche
14. Ave Sin Rumbo
15. Copetín Vos Sos Mi Hermano
16. La Violeta
17. La Copa Del Olvido
18. Tomo Y Obligo


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Otras Gardelerias de LGV:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

jueves, 9 de marzo de 2017

Indio Solari y Los Fundamentalistas Del Aire Acondicionado - Pajaritos, Bravos Muchachitos (2013)


Cuarto y último álbum de Carlos Alberto "Indio" Solari y su banda "Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado" hasta la fecha. Cabe destacar que la banda que acompaña al Indio, no sufrió muchos cambios desde aquel debut (en cuanto a los pilares fundamentales que constituyen a una banda de rock, se refiere) en 2004 con el el inolvidable "El Tesoro De Los Inocentes [Bingo Fuel]". La formación de "Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado" aquí entonces es: Baltasar Comotto y Gaspar Benegas en guitarras (falta un rey!?!?),  Marcelo Torres en bajo, Hernán Aramberri y Martín Carrizo en batería, Miguel Ángel Tallarita en trompeta y Pablo Sbaraglia en teclados, Alejandro Elijovich en violín. y "El Fisgón Ciego" (el seudónimo que eligió el Indio esta vez para este álbum) en teclados, ruidos y voces. Un trabajo grabado en el propio estudio de Solari "Luzbola" entre 2011 y 2013. Como tantas veces nos tiene acostumbrados el Indio, tanto como con su actual banda
como con Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota , nos ofrece un trabajo conceptual centrándose esta vez en las aves. Metafóricamente es una forma de retratar la conducta del hombre a través de los pájaros.

Sin ir más lejos el Indio ya desde la apertura del trabajo nos ofrece el apocalíptico groove "A los pájaros que cantan sobre las selvas de Internet" una forma de retratar los tiempos que corren. Quizás sea posible que este inspirada en los "twiteros". Una gran composición vestida de máquinas guitarras procesadas y convenientes teclados y ruidos guturales. Estos últimos reflejan de alguna manera el canibalismo (con sus dientes de brillo filosos) de los mismos "twitteros" que mencionamos. Con la coloratura que tienen las canciones del Indio cuando canta en un tono grave, apreciamos "Beemedobleve", uno de los mejores momentos del álbum, rebosante de emotividad que describe un paisaje desolador solo como el lo puede hacer. Luego la rockera, "A la Luz de la Luna" con la más pura cepa "ricotera" buena forma de "rock urbano" que siempre le dio resultado, donde Los Fundamentalistas demuestran gran versatilidad escapando con una gran actitud a los típicos formatos de "hit ricotero", logrando así innovar. La doliente  "Las supersticiones traen mala suerte" acusa un gran trabajo de guitarras, acompañando esta poesía de herida condición , pero también de una suerte de furia contenida :..."No, por favor!, vacila el corazón y no quiero brindar. Oh no!, mi furia va a estallar cumpliendo con la suerte echada..." o bien " Oh! No, queridos, no! Si el amor llega así no es un bien de verdad.".

Característico en Solari poesía urbana, ritmos densos y oscuros, tenemos de ejemplo, claro que si, a "Amok! Amok!". De extraño groove y con letra más extraña. Una especie de ritual chamánico del futuro. A la vez nos da la impresión de estar hablando de un asesino o de algún que otro turbio personaje social : " Amok, Amok, matar, matar. Tu perdón llega al sintonizar." ... "Vos te reís desde tu pantalla personal, un puritano virtuoso y carnal." Otros grandes momentos para destacar son sin dudas "Babas del diablo" y "Había una vez". La primera nos deleita con un deleitante hard rock con buenos juegos de "wah wah"  y de delay y un excluyente trabajo de bajo. En su letra reaparece un personaje icónico, "El Zumba", ese mismo que se "colgó" del Bondi a Finisterre. En la segunda vislumbramos una dicotomía entre una letra melancólica que nada tiene que ver con el tiempo 
feliz y alegre de la música. Se le escucha cantar: "Vengo cínico, fóbico, crudo, hervido y asado por vos... Hay tantas partes tan lindas sin tu traición y el mundo sigue girando aún sin tu amor."

"Un Par de Fantasmas" un pintoresco retrato , si se lo mira de cierta manera, de una estrella de rock (quizás le cante a Skay Beillinson , aquel quien fue su guitarrista en Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota). Buenos juegos de voces y fraseos de guitarras que recuerdan a trabajos de los 80´s , sobre el final un meritorio solo de trompeta. Finalmente la canción mas esperada por los fans previo a salir el álbum: "La Pajarita Pechiblanca". Decimos la más esperada por que es la que marcaría el retorno de Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota, sin embargo solo ubicamos a Solari, Sergio Dawi, Semilla Bucciarelli y Walter Sidotti. Que el saxo se haga cargo del riff de la guitarra no hace mas que confirmar la enemistad que existe entre Solari y Beillinson. Por lo demás, la canción, como aseveró el Indio , "tiene cierto aire balcánico", al igual que los matices que le brinda el violin al track "Arca Monster". La letra hay quienes dicen que habla nuevamente de Skay Beillinson y de su mujer Poli .

El arte de tapa a cargo del propio Solari, tanto el como el resto de los integrantes de la banda, se les reemplazó sus cabezas por cabezas de aves papagayos y loros, al estilo de las viejas máscaras de aborígenes mexicanos. El disco se presentó por primera vez en el Hipódromo de Gualeguaychú, el sábado 12 de abril de 2014 ante 180.000 personas, la segunda presentación se realizó el mismo año en el Autódromo de Mendoza, el sábado 13 de diciembre ante 100.000 personas. La tercera presentación se realizó en el Hipódromo de Tandil, el 12 de marzo de 2016 ante 200.000 personas, y la cuarta presentación será en el espacio rural "La Colmena" en Olavarría, provincia de Buenos Aires, este próximo 11 de marzo de 2017.


Lista de Temas:

1. A los pájaros que cantan sobre las selvas de Internet
2. Beemedobleve
3. A la luz de la Luna
4. Las supersticiones traen mala suerte
5. Amok! Amok!
6. Chau Mohicano
7. Arca Monster
8. Cada pequeña muerte
9. Babas del Diablo
10. Había una vez...
11. Un par de Fantasmas
12. La Pajarita Pechiblanca (Scherzo)

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domingo, 5 de febrero de 2017

Os Mutantes (1968)


Os Mutantes son unos de los valores fundacionales de lo que en 1967 se dio a conocer como la corriente artística de vanguardia "Tropicália", "Tropicalismo" o "Movimiento tropicalista", en Brasil. Junto a grandísimos artistas como Caetano Veloso, Gilberto Gil , Gal Costa o María Bethânia revolucionaron la música de Brasil con una impronta de fusión entre a bossa-nova, el rock'n roll, psicodelia, la música tradicional de Bahía y el fado portugués. El nombre de este movimiento fue tomado por Caetano Veloso al descubrir unas instalaciones del under de Brasil, impulsadas por el artista de vanguardia y anarquista Hélio Oiticica. En un marco de plena dictadura militar del país , en ese sitio se desarrollaban actividades relacionadas con el cine, las artes plásticas, el teatro y por supuesto la música. A  raíz de las buenas vibraciones entre los músicos del movimiento, en julio de 1968 vé la luz el álbum "Tropicalia ou Panis et Circencis" con la participación de Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Nara Leão, Os Mutantes y Tom Zé. Donde las canciones "Panis et circenses", "Baby" y "Bat Macumba",  tres de los mas representativos cortes, son incluidos también en este debut de Os Mutantes.

La banda se formo en 1966 en São Paulo por los hermanos Sergio Dias y Arnaldo Baptista, a quienes repentinamente se les añade la voz de Rita Lee y la bateria de Dinho Leme. Este primer trabajo al igual que  "Tropicalia ou Panis et Circences" (ambos de 1968), como habíamos afirmado anteriormente, son un claro prólogo para quien quiera indagar en lo que fue los inicios de  la Tropicalia. Con producción de Manoel Barenbein y arreglos musicales de Rogério Duprat, un disco con influencia del rock inglés de por entonces (Beatles, Rolling Stones, The Who, Pink Floyd, Mothers Of Invention, etc.) llevados al terreno de la samba, la bossa nova o el baião y más.

"Panis Et Circenses" (Pan y Circo) de Gilberto Gil y Caetano Veloso, fluctúa con la crudeza que puede llevar haberla grabado en apenas solo 15 minutos. Una canción de melodía hipnótica y cargada de gritos psicodélicos. Influenciada por la típica samba, "A Minha Menina" del cantor carioca Jorge Ben Jor quien participa de la grabación diciendo en la intro: "Agora tosse, todo mundo tossindo" ("Ahora tosan, tosa todo el mundo"). El mismo pone guitarras con delay a las que al final se le suma la guitarra de Sergio Dias. En el álbum "Tecnicolor" grabado en 1970 y lanzado en 2000 podemos hallar su versión en ingles "She's My Shoo Shoo".

De fuerte carácter intimista "O Relogio", compuesta por Arnaldo Baptista, Rita Lee y Sérgio Dias, es una mixtura entre la psicodelia inglesa y la canción francesa, se marca la influencia pronunciada del tropicalismo entre ambas. Según Rita Lee es un homenaje a su propio reloj. "Adeus Maria Fulô" es una composición que data del año 1951. Un intento de "abrasileriar" la música de Os Mutantes , decorandola con un exhaustivo trabajo de percusiones. Ruidos de objetos de metal y vidrio o sonidos de pájaros, cantos tribales y un xilofon, emulan la atmósfera seca del noreste Brasilero.
Con una introducción  toques de teclados y punteos bien "Beat", una de las joyas pop del disco, "Baby" de Caetano Veloso. La letra nos habla de una lista de "necesidades"  o mejor dicho "requerimientos" que un joven en los años 60´s debía superar para sentirse "integrado". Inspirada en la mismísima  "Being for the Benefit of Mr. Kite!" de los Beatles, "Senhor F" remite a viejos standares de jazz con fuerte presencia de variedad de vientos y una clara mezcla de rock n roll y pop. Compuesta por Os Mutantes y arreglada por  Rogério Duprat y con la participación especial de la madre de los hermanos Baptista, Doña Clarisse Leite quien toca el piano.

Otro punto referencial del Tropicalismo es sin dudas "Bat Macumba". De Caetano Veloso y Gilberto Gil, alude ya desde su título a la cultura popular afro-religiosa (presentes en el título con la palabra "Macumba" o "vudú") y la cultura de masas imperialistas (con el famoso superhéroe Batman su referencia más explícita). La música es básicamente una derivación del ritmo llamado "candomblé" que por otra parte es también así llamada a la religión que practican  los "orishas". La misma de origen afrobrasileño, practicada en mayor parte en ese país y en menor medida en Argentina, Colombia, Paraguay, Uruguay, Venezuela y México. Matizando este contagioso compás, por supuesto esta la cuota psicodélica. Sobre todo por la distorsionada guitarra a cargo de Claudio Cesar Dias Baptista, hermano Arnaldo y Sérgio Dias.

"Le premier bonheur du jour" es de los compositores franceses Frank Gérald e Jean Renard. Rita Lee ya la interpretaba en su anterior agrupación "Teenage Singers".  Algo llamativo es que utilizaron la bomba de un insecticida en lugar del charleston, pero sin agua, solo el sonido del aire exhalando,
lo que produjo una impregnación de el olor del veneno en todo el estudio al final de la grabación. "Trem Fantasma" un buen resultado de la suma entre Veloso y Os Mutantes. De rara estructura y gran juego vocal y asentuados trabajos de vientos ya sea de las flautas de Rita o de los metales.
"Tempo No Tempo" es la version en portugues de Os Mutantes de "Once Was a Time I Thought" de los californianos The Mamas & The Papas. Cabe destacar que el tipo de arreglo de vientos se utilizan para la creación de efectos de sonido en películas de comedia o dibujos animados.
Cierra el disco "Ave Gengis Khan" quizá la mas rockera de todas con la característica voz del Dr. César Baptista padre de los hermanos Baptista que fue invertida para causar un efecto algo "diabolico", si se quiere.

Este debut de Os Mutantes es considerado uno de los álbumes mas importantes de la historia de Brasil. Su carácter vanguardista y experimental, como así también las creativas técnicas de estudio han influenciado, no solo a un sinnúmero de bandas y artistas de ese país, sino que también a artistas de rock a nivel global. Kurt Cobain aseguró haber estado influenciado por su música, (gracias a su amigo Pat Smear de la banda The Germs) llegando hasta pedir públicamente la reunión de la banda allá por 1993. Beck los ha homenajeado en su canción Tropicália (de su disco "Mutations"). En los años siguientes a el debut han cultivado grandes trabajos como el de 1970 "A Divina Comédia ou Ando Meio Desligado" abandonando un poco el tropicalismo y aferrándose más al rock. En 1972 sale a la venta "Mutantes e Seus Cometas no País dos Baurets" gran disco que se ubica en un sonido emparentado al rock sinfónico y progresivo, con uno de los  mayores éxitos de la banda  entre sus canciones, una joya de Rita y Arnaldo: "Balada do Louco". Poco después Rita abandona Os Mutantes. La banda seguirá su trayecto pero con Arnaldo sumido en grandes problemas por el exceso de LSD y una depresión  debido a su reciente separación de Rita Lee. Abandonaría la banda en 1973 seguido por Dinho y un año después por el bajista Liminha. Sergio mantendrá a la banda los próximos años, registrando un álbum en directo "Mutantes Ao Vivo" en 1976 y disolviendola finalmente en 1978 . En 1992 sale a la venta " O A e o Z " que fué grabado en 1973, que  no había salido a la venta por desacuerdos con la discográfica de turno. Algo similar ocurrió con "Technicolor", grabado en 1970 y publicado en el año 2000. En 2006; el público que se acercó a "Barbican Arts Centre" de Londres, vio como tres de los miembros fundadores de Os Mutantes (Arnaldo, Sérgio y Dinho) tocaron nuevamente juntos, en el marco de una exposición referida a el Tropicalismo. De ese mismo show, compartimos más abajo "A Minha Menina". Esta gira-exhibición seguiría por algunos estados de EE.UU. Luego de lanzar dos discos mas de estudio "Haih or Amortecedor" (2009) y "Fool Metal Jack" (2013), la banda hoy en día liderada por Sergio Dias continua en actividad y de gira.


Lista de temas:

1. Panis et Circenses
2. A Minha Menina
3. O Relógio
4. Adeus Maria Fulô
5. Baby
6. Senhor F
7. Bat Macumba
8. Le Premier Bonheur du Jour
9. Trem Fantasma
10. Tempo no Tempo (Once Was a Time I Thought)
11. Ave Gengis Khan


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jueves, 12 de enero de 2017

Las Pelotas - Para Qué? (1998)


Cuarto trabajo de la banda formada inicialmente en la provincia de Córdoba por Germán Daffunchio y Timmy Mc Kern. Luego de la muerte de el legendario Luca Prodan, alma mater de la popular e influyente banda Sumo, siguiendo los pasos de estos dos primeros, el resto de la banda viajan a las sierras cordobesas donde registran una presentación en el Chateau Rock, el 5 de marzo de 1988. Luego de la misma, todos vuelven a Buenos Aires a excepción de estos dos mencionados. Roberto Pettinatto viaja a España y forma la banda Pachuco Cadáver, el baterista Alberto "Superman" Troglio decide no seguir ensayando en Palomar y Arnedo y Mollo forman Divididos. Daffunchio entonces, hace viajar a el baterista para gestionar los comienzos de Las Pelotas. Asentados ya en Buenos Aires reclutan a el carismático vocalista Alejandro "Bocha" Sokol que alguna vez formo parte de Sumo, que por entonces integraba la banda "Sokol". Una vez mas retornan a Córdoba para componer nuevos temas. Entre 1988 y 1991 la banda atravesó varios cambios de formación ingresando Guido Nisenson por Willy Robles en el bajo y adicionan a Tomás Sussmann en guitarra rítmica. El 5 de agosto de 1989 registran su primer Cemento y en ese recital hacen una pequeña reunión Sumo con Arnedo y Mollo en el escenario. En 1990 vuelven a cambiar de bajista y entra Marcelo Fink (ex Metrópoli). Es esta la formación definitiva para su disco debut de el año 1991 "Corderos En La Noche", con grandes hits que se convertirían en himnos, por ejemplo "Sin Hilo", "Shine" y "Nunca Me Des La Espalda".

Para la época de "Para Qué?", ya se habían consolidado como una de las mejores bandas de la Argentina , y venían de sacar su primer trabajo en vivo "La Clave del Éxito" (1997) y tanto Gabriela Martínez, Sebastián Schachtel y Gustavo Jove ya se habían ganado su lugar en bajo, teclados y bateria respectivamente. Luego de haber sido por segunda vez consecutiva teloneros de The Rolling Stones en Argentina (la única banda Argentina que logró hacerlo), deciden internarse en las sierras para registrar su quinto disco, cuarto de estudio. "Así como otros músicos se compran una quinta en Tortuguitas, nosotros nos fuimos a vivir a Córdoba.", comentaria Sokol unos meses luego de la salida del álbum. "Para Qué?" es el primer trabajo grabado en su totalidad en en su estudio de las sierras en Córdoba. Un álbum que en comparación a la impronta que venían manteniendo se lo reconoce como algo mas calmo .En su mayoría con atrapantes y deleitadores reggaes y baladas contundentes y alguna que otra sorpresa en medio. Sobre los reggaes que incluyen Daffunchio diría: "Salieron con naturalidad. En un momento, luego de editar Máscaras De Sal, dijimos que no íbamos a hacer más reggaes y ahora, de golpe, nos encontramos grabando tres, con mucha naturalidad. La verdad es que nos gustó como quedaron y por eso los incluimos."
"Transparente" se presenta como el reggae inicial una canción que invita por su fuerte aparición. Con la voz principal de Sokol la balada metafísica que da nombre al disco, es uno de los momentos más preciados del álbum.

Sin dudas las reminiscencias de los tiempos de Sumo sería "Pará con la Papa, Papá" , una especie de tarantela!!? (escocesa?!?!!!??) que se centra en el abuso de las drogas duras. A continuación una balada amorosa que se ha convertido en todo un hito y un clásico de la banda: "Cuando Podrás Amar" de intenso vuelo poético. "Me Fui " otro de los mas acertados reggaes. De los momentos mas con mas aires rockeros podemos  ubicar a "Te Digo", la "stone" "El Peor",  o a la psicodelica "El Chupetón" y en menor dosis "El día después". Como en muchos otros de sus trabajos Las Pelotas siempre tienen un lugar para plasmar pasajes un tanto oscuros y de introspección, son los casos de por ejemplo "Sueños de Mendigos" y sobre todo de "Pasillos". Un resultado análogo entre la canción "Para Qué?", sobre el final con "Menos Mal" parece dar un cierre lógico creado por esta misma . Cierra la pomposa "Uva-uva", con aires de ranchera mexicana , con originales deseos a lo Daffunchio: "Que lindo seria encontrarme con algún rasta, decirle basta, desenredate, mejor salirse, que terminar..."

"Para Qué?" tuvo dos presentaciones la primera fue en el Marquee en junio de 1998 con dos shows,  y luego el 22 de agosto, en un recordado show en Parque Sarmiento ese mismo año. La recepción por parte de la prensa y de los fans fue positiva, siendo para estos últimos uno de los mejores de la carrera de la banda. El éxito fue tal que ya entrado el año siguiente se meterían de lleno en la concepción de su siguiente trabajo "Todo Por Un Polvo" con las teclas de Sebastián Schachtel en un rol mas comprometido. Se destacan canciones como; "Solito Vas", "No Me Acompañes" y "La Mirada del Amo". Pero sin dudas darían el batacazo en 2003 con la octava placa "Esperando el Milagro", desde el primer corte de difusión "Será", hasta la homónima "Esperando el Milagro" pasando por "Desaparecido" y "Si Sentís" son canciones que han dejado su sello. Tras casi 20 años de ser la voz principal de la banda, en 2007, Sokol abandona Las Pelotas por diferencias con el resto de la integrantes sumado por su  descontrol en el uso de drogas. Su alejamiento del entorno de Las Pelotas fue, debido a que también en ese mismo año sufrió un accidente automovilístico, fracturándose una pierna. Poco después decide internarse para tratar su adicción a las drogas. También se tomaría su tiempo para su proyecto con su hijo Ismael , la banda El Vuelto S. A. Estaba cercano a cumplir 49 años cuando un 12 de enero 2009 sufre un paro cardiorrespiratorio mientras esperaba un autobús en la terminal de ómnibus de Río Cuarto, Córdoba.



Lista de Temas:

1. Transparente
2. ¿Para qué?
3. Rompiendo la puerta
4. Pará con la pa pa, papá
5. ¿Cuándo podrás amar?
6. Te digo
7. Saltando
8. Me fui
9. El chupetón
10. Sueños de mendigos
11. El peor
12. El día después
13. Pasillos
14. Menos mal
15. Uva uva

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