martes, 19 de mayo de 2020

Carlos Gardel - El Gaucho (Su Obra Integral Vol. 17)


Volumen 17 de la obra integral de Carlitos Gardel, y ahora si la totalidad de estos variados estilos se desviven por plasmar la vida de El Gaucho Argentino mediante a la denominada "prosa gauchesca" como ya venia asomando en otras entregas de esta colorida colección. Variados estilos componen el compilado, esta vez dando mas importancia a las grabaciones folclóricas. Zambas, danzas, tonadas, triunfos, cuecas y estilos son el vehículo de estas interesantes historias gauchescas. La mayoría de estas grabaciones no se exceden a las décadas del 10´ y del 20´, salvo el estilo "Suena, guitarra querida" que data de el año 1933.

Excelente preámbulo para la "prosa gauchesca" es el primer tango "Pa´ Que Mas?" con música de José Ceglie y letra de Atilio Supparo. Hace gala desde su titulo a la humildad que el gaucho siempre lleva a flor de piel. Alcanza con oír su primera estrofa: "Un rancho ‘e terrón, al lao de un ombú, una china más criolla que el mate, un caballo que sea una luz, en vez de facón, un perrito fiel
y un saludo con un beso, revoleao desde muy lejos, con cariño de mujer...". Un saludo entrañable a la tierra querida del compositor Cristino Tapia en letra y música, se da en la hermosa zamba "Mi Tierra" de 1920. Gardel plasma aquel sentimiento tristón de distancia y de regocijo también, al estar en el seno y a la vez lejos de la tierra querida de uno, que en este caso es Córdoba provincia de donde era oriundo Tapia. Este cultor criollo entabla gran amistad con Gardel y Razzano, en 1918, coincidiendo con la grabación por parte del dúo de su primera composición, la zamba "La cordobesa". Años mas tarde Gardel se hace asiduo admirador de sus canciones y las lleva al disco, solo o a dúo con José Razzano. "Porque te quiero", "Dos cosas te pido", "La tupungatina", "Se va y se va", "Rosal viejo", "Mi ambición", "Qué linda es la vida", "Chacarerita del norte", "Es tanto lo que te quiero", "Tendrás que llorar" y por supuesto "Mi Tierra" son solo algunas de esas grabaciones. La leyenda cuenta que fueron grandes amigos desde cuando buscaba "El mudo" afirmarse con Razzano en la canción nativa. Muchas trasnochadas los hallaron juntos en su Córdoba natal, la Capital Federal y otros puntos del país. Tan buena camaradería llevo a dudar a Carlitos de abandonar a Razzano y formar un dúo con Cristino, todo esto instancias de el sanjuanino Saúl Salinas quien argumentaba que tal era el afecto e influencia que tenía sobre Carlos Gardel, que creyó ver en él un salvador. Es realmente notoria la tarea en el cancionero popular criollo de Tapia, digna de ser evocada. Registró más de 200 letras originales, todos aires nativos, y aunque no fue valorado en toda su magnitud, como lo merecía, pertenece al terceto provinciano de grandes cultores que hizo conocer en Buenos Aires la verdadera canción nacional, es decir la campera, cuando mucha gente aún la ignoraba, junto con Andrés Chazarreta y Saúl Salinas.

 A pesar de las tratativas de Salinas, el dúo Gardel/Razzano prevaleció en el tiempo y he aquí el "estilo", "Suena, guitarra querida". La grabacion es del 33´ pero en realidad fue compuesta en el 1919. Siempre los créditos se le adjudicaron al dúo pero en realidad era solo la música. Estaba compuesto sobre décimas de Vicente Rossi (1871-1945), periodista, investigador y escritor uruguayo, nacido en Santa Lucía, Canelones. A partir de 1900 se asienta en Córdoba, Argentina donde instala una imprenta para difundir a diversos autores locales, editando el primero de sus libros, "Cardos", en 1905. Cinco años después tiene el grandísimo honor de relatar los inicios del teatro en Argentina en "Teatro nacional rioplatense" y mas tarde el del nacimiento del tango en su libro "Cosas de negros". Fue fuerte impulsor de la mencionada "prosa gauchesca" con obras "El gaucho: su origen y evolución", "Gauchos de carnaval", "Cuatro proposiciones" y "Folletos lenguaraces". No es extraño que "Suena, guitarra querida" contenga una marcada impronta gauchesca ya que el personaje simbólico es el gaucho que, en las tres décimas que interpreta Gardel, finiquita los tres últimos momentos de su vida en los cuales se aferra a su fiel instrumento. Sobre todo en la ultima décima donde se despide de la vida. El instrumento aquí se transfigura en el alma del gaucho, que solamente ha podido ser valorada, entendida y amada por "la china" (mujer amada por el gaucho) o, por su "patrona", la única persona que fue capaz de "templársela" para sostenerlo esperanzado a pesar de tantas contrariedades y obstáculos insalvables: "Pero es tan grande la pena que tengo al abandonarte, que, solamente al dejarte ¡Oh! cariñosa guitarra, el alma se me desgarra Y el corazón se me parte.". Varios elementos de la época y del mundo gauchesco podremos observar en este estilo. Dentro de la tristeza del gaucho Gardel canta: "...mi alma llena de una tristeza profunda, quiere romper la coyunda que a padecer me condena...". La "coyunda" es la correa de cuero empleada para atar los bueyes al "yugo", es decir al tronco o travesaño que va unido al pértigo para tirar de la carreta. El yugo pasó así a ser el símbolo del trabajo, de la explotación, del sometimiento y, mas aún de la esclavitud y el sufrimiento del hombre y de los pueblos; en tanto que la coyunda pasó a ser el símbolo del motivo por el cual el hombre se halla atado al sufrimiento. Es por ello que, para sacarse el yugo, primero es necesario romperla coyunda que no siempre es vista con claridad por el que sufre. La coyunda, figuradamente, es el motivo por el cual se padece; si ésta es eliminada, el yugo se desploma. Es así como Rossi logra sintetizar, utilizando la poesía gauchesca, la historia de como este personaje sentía profunda pena ante la falta de libertad para vivir.

El mate es sin duda otro elemento importantísimo de el universo gauchesco. "El cimarrón del estribo" incluida dentro de el estilo de "canción argentina" esta dedicada a esta bebida popular o por lo menos hace mención de ella: "Dame un mate cimarrón que voy a rodear la hacienda. Y te lo voy a pagar al momentito que venga. Dámelo bien calentito aunque me queme la lengua, para guardar el calor de tu amor, hasta que güelva...". Es de el español Luis Retana, un compositor poco conocido que componía música de su tierra, pero con reminicsencias de lo criollo. "Si lo criollo es bueno", decía Retana. Una clara muestra de esto es por ejemplo su composición "Jota Argentina" ya que esta basada en un ritmo español. Momento de gran calidez resulta ser la cueca "Mi Caballo y Mi Mujer" que fue compuesta por el guitarrista José Ricardo con letra de Adolfo Harschel. Y he aquí otro personaje infaltable, para el Gaucho: su caballo. La cueca se caracterizó por contener cierto grado de humor que va desde el sarcasmo hasta algún que otro toque ácido y machista, entre una armonía de jolgorio: "Mi caballo y mi mujer se me fueron para Salta. Mi caballo ha de volver mi mujer no me hace falta". Algo que nos resulta irreal, porque acto seguido el personaje termina reconociendo la verdadera importancia de la mujer, pero sin despreciar tampoco el apego a su caballo: "Pero el tiempo va pasando y he llegado a comprender que el paisano necesita tener caballo y mujer...". El carácter jocoso también lo notamos al deformar la expresión "Huija" que viene de la palabra "huifas" utilizada por los alemanes del Sur para expresar alegría, pero que en realidad, en español, significaba "testículos”. Por otra parte en Chile y en las Provincias de Cuyo como Mendoza, San Juan y San Luis también se decía que "andar como las huifas" era estar de mal humor. Tal vez por su real significado la expresión "huifa" ha ido cambiada por "huija" con la misma intención de expresar alegría. Así que es posible que en este caso se haya deformado con el tiempo "huija" por "huipa" y otras variantes por el estilo expresando siempre alegría, como la de esta cueca.

Cambiando el genero pero con la misma temática y rebosante de jocosidad, otra preciosa cueca, "La Yeguecita" del binomio Gardel/Razzano (quienes tocan las guitarras junto a José Ricardo). Su historia esta relacionada a los orígenes remotos y propios de ese genero musical, ya que el dúo lo absorbió en Chile, país importante en los orígenes de este estilo. A la protagonista se la llama con un diminutivo lo que hace pensar que es un animal joven. Este tipo de adjetivos en diminutivo son muy usados por las clases populares más humildes de Chile. Pero en realidad esta yegua tiene una matadura a lo largo de todo el lomo, lo que indica que fue bastante baqueteada y descuidada durante largo tiempo: "Yo tengo una yegüecita redonda como un bola. Tiene una peladurita de la cruz hasta la cola.". En Chile, en lugar de matadura se dice peladura, y el "huaso", que es el equivalente al gaucho de Argentina, se siente contento porque esa pobre yegua es la que da de comer, con su trabajo, a él y a su familia, pero que ademas esta herida. Entrañable oda a la región, tierra o "pago" del gaucho es la "danza" "El Triunfo". La música se le adjudica al hijo prodigio de Santiago del Estero, Andrés Chazarreta, pero los versos son una recopilación popular. Es evidente que no pertenecen al santiagueño ya que entre sus certeras rimas encontramos localidades pertenecientes a la provincia de Buenos Aires como Lobos, Balcarce y la localidad balnearia de Sauce Grande. Otra importantísima e histórica "cancion criolla" es "El Carretero", gran semblanza de las penurias y los inicios de el gaucho que se ganaba la vida traccionando los caballos con una carreta. De el payador uruguayo Arturo De Nava, y que por supuesto inspira al cortometraje musical en blanco y negro del mismo nombre de 1931, filmado en Buenos Aires y dirigido por Eduardo Morera, con producción de Federico Valle. Aquí vemos una interpretación majestuosa de Gardel cantando como si el mismo manejara la carreta con unos silbidos de lujo, como el solo los podía ejecutar.

Una particular historia se esconde tras el "estilo" "El moro" de el político, escritor y poeta nacido en Buenos Aires y radicado en Montevideo durante el gobierno de Rosas: Juan María Gutiérrez. Este, en 1869 recopila muchos de sus versos y los publica en un volumen titulado simplemente "Poesías". En dicho libro aparece un poema, "Endecha del gaucho" que Gardel graba con algunos cambios propios en la grabación de "El Moro". La verdadera magnitud de estos retoques se pueden apreciar comparando una de las estrofas de la "endecha" de Gutiérrez con lo que el gran cantor expresa en la grabación de esta obra: "Mi caballo era mi vida, mi bien, mi único tesoro. A quien me vuelva mi moro, yo le daré mi querida que es mucho mejor que el oro." (Gutiérrez), "Indio volveme mi moro que me has robado la vida; mi bien, mi único tesoro; yo te daré mí querida, que es mucho mejor que el oro." (Gardel). Advierten los historiadores que la música de la canción "El moro", es de autor anónimo y corresponde a una de las tantas melodías populares que se oían por Buenos Aires durante las últimas décadas del siglo XIX y, si prestamos la adecuada atención, con muy ligeras variantes, partes de la misma melodía que el payador José Betinotti también utilizó para su obra "Pobre mi madre querida". Una vez mas se hace hincapié en la importancia de la figura del caballo para el gaucho. Se llama "moro" al caballo cuyo pelaje consiste en una combinación de pelos negros y blancos con un marcado predominio de los primeros. Esto hace que el aspecto del animal tome una tonalidad apizarrada (una especie de gris algo oscuro). Podemos advertir también que en ciertas partes de la letra se relacionen con los fatídicos hechos sociales que la "Historia Oficial Argentina" trata de ocultar celosamente cómo si estos no hubiesen ocurrido, lo cual catapultan a Gardel, como el gran Homero Manzi supo definir como a un "inesperado relator de la historia de los pueblos del Plata". Hubieron grandes persecuciones que padecía el gaucho a causa de la aplicación del plan político de exterminio, que fue seguido por casi todos los gobiernos de turno en Argentina, pretendiendo acorralarlo, en lo posible eliminarlo, silenciarlo, o en caso contrario, marginarlo. Plan que cobró un gran impulso a partir de 1862 cuando asumió la primera magistratura el general Bartolmé Mitre (1821-1906). Entonces, ¿como podía el gaucho dejar de cantarle irresistible e insistentemente a la figura de su fiel amigo, el caballo, figura que sobre todo le inspira gran libertad al paisano?.

Mucho ha de cantarle el gaucho a sus prendas mas queridas. Desde sus bombachas y hasta el dulce evocar de su pañuelo bordado ("Mi Pañuelo Bordao"). Pero sin lugar a duda una prenda que quedo para la posteridad son los tiradores en el estilo "El Tirador Plateado", y por ser ademas la primera grabación de "El Morocho del Abasto". Fue en abril de 1912 con el nombre "Sos mi tirador plateado". El sistema de grabación fue mecánico bajo el sello editor Columbia Records ubicado en Avenida de Mayo y Perú, Buenos Aires, grabandose en una toma. En esta ocasión los arreglos son de José Ricardo quien también acompaña en guitarra. La música se le adjudica a Gardel y la letra a Oscar Orozco Castell quien había publicado un texto en el poema "Retruco" compuesto junto Juan Gualberto Escayola Méndez (Juan Torora), Francisco Isidro Emilio Martino (Pancho Martino, Pancho Ñudo), y posible participación de Juan Pedro López, para  la revista de folclore "El Fogón" Nº 58 (de Montevideo) en su Año III del 15 de Enero de 1900. En una primera apresiación la primera versión parece ser a capella por su calidad y la poca aparición de la guitarra que el propio Gardel ejecuta. La segunda versión, que es la que se encuentra en este volumen, es la de 1917 para el sello Odeon Argentina y ya con el nombre de "El Tirador Plateado (China Mia)". Esta vez las mismas décimas son interpretadas en base a una melodía escrita y memorizada de antemano, con lo cual Gardel deja ya de ser un "estilista" para pasar a ser un "cantor de estilos" entre otros géneros musicales. Vale ahondar en esta diferenciación de las versiones ya que que inicialmente las décimas se entonaban con melodías inventadas en el momento mismo en que el artista cantaba; esto significaba que cada cantor tenía su "estilo" propio para interpretar una obra determinada. No obstante, la melodía que más se difundía, rápidamente era copiada por otros cantores y ese era el "estilo" que se imponía. Por este motivo esta forma de interpretar musicalmente estas décimas fueron conocidas como "estilos". Habíamos señalado que se le adjudicaba a Orozco pero hay una corriente histórica, que en realidad se la acredita a Juan Totora nacido en Paysandú, Uruguay, gran impulsor de la "payada", co fundador de la revista "El Fogón" e importante responsable de de la fundación de la "Sociedad Nativista Los Gauchos" en su Paysandú natal, en 1900. En 1897 un Gardel adolescente aun, se encontraba en Uruguay y, es muy posible que, durante sus andanzas, haya recogido la obra "Sos mi tirador plateao", lo que levanta sospechas de que la obra formó parte del primer repertorio de Gardel desde el comienzo mismo de su carrera como cantor. En la letra de este estilo abundan varios elementos que conforman a la típica vestimenta del gaucho con transformaciones en los nombres de los mismos. En principio el "tirador" al que refiere la canción no es el que conocemos hoy día de condición elástica. Se trata un cinturón ancho de cuero, provisto de bolsillos donde guardaban el dinero, el pañuelo y otras cosas de uso cotidiano. Al principio el gaucho allí guardaba el yesquero (encendedor rudimentario) que eran adornados con monedas de todo tipo y de cualquier país. Los más lujosos cargaban monedas de plata y eran llamados tiradores plateados. En el comienzo son curiosos los simbolismos que se utilizan, involucrando al hombre y a la mujer: "Sos el tirador plateao
que a mi chiripá sujeta...". Su sentido o significado seria: "Sos lo mas lindo y valioso que a mis arrebatos de hombre sujeta", simbolizando así con el tirador, a la mujer y, con el chiripá, al hombre. El "chiripá" eran dos mantas cuadradas una con un agujero en el medio que terminaría siendo el "poncho" y otra que pasaban por entre las piernas, llamada chiripá, y que sujetaban a la cintura con una faja, sobre la cual se colocaba el tirador. Estas dos eran utilizadas por los indígenas para abrigarse del frío. El vocablo chiripá proviene del quechua y significa "para el frío": "Chiri": frío y "paj": para. Es decir que el nombre originario de esta prenda tenía el sonido "J" al final: Chiri-paj, que el gaucho convirtió en chiripá. Los gauchos sujetaban el chiripá a la cintura por medio del tirador, aunque muchos, al igual que los indios, preferían hacerlo con una faja y luego, sobre la misma, colocarse el tirador como si sólo se tratara de un adorno. El chiripá poco a poco fue reemplazado por la bombacha. Sin embargo, hasta la década que va de 1890 a 1900, todavía en la campaña uruguaya, especialmente en el norte, se seguía usando en los días de fiesta y/o domingos, mientras que la bombacha era de uso cotidiano, para realizar las tareas propias del campo. Justamente en una parte de la canción evoca a ese periodo de transición del chiripá a la bombacha: "...sos paño de mi bombacha...". Los chiripás que usaban los gauchos eran en su mayoría importados de Escocia, se vendían en las pulperías y no eran costosos. En algunas regiones del Norte de Argentina se lo llama chiripa en lugar de chiripá. En esta segunda grabación del estilo podemos notar que ademas de modificársele el titulo, se le agrega "China Mia". Una conveniente sumatoria ya que los elementos y prendas citados, no son mas que figuras poéticas destinadas sobretodo a enaltecer los valores humanos de "la china", la cual sostiene la vida del gaucho y lo que ella significa: "...sos ejes de mi carreta, sos tuces de mi tostao, sos el pañuelo bordao, de un pobre gaucho cantor, sos la prienda más mejor de mi chapiao de paseo, sos yapa de mi sobeo, sos trienza de mi arreador". Esa expresión "sos yapa de mi sobeo" alude a la suma importancia de la china para el gaucho. El lazo, que se construye con dos tiras de cuero o tientos retorcidos entre sí, tanto en la mesopotamia argentina, como en el Uruguay y el Sur de Brasil, recibe el nombre de sobeo. El extremo del lazo, que sujeta a la argolla, se llama "yapa" y de su buena construcción depende la eficacia del lazo. En otras palabras lo que le intenta decir es: "sos el extremo que sujeta la argolla de mi lazo de cuero retorcido" osea: "sos lo mas importante para mi vida". "Sos la trienza de mi arreador" alude a importancia de la composición del "arreador" o "arriador" que es una especie de rebenque largo para estimular a los animales.  El gaucho la puede emplear también para su defensa personal como arma contundente que se compone con tientos finos y trenzados. "Sos la mata culandrillo que crece en el manantial...". El "culandrillo" es un helecho conocido también bajo los nombres "cabello de ángel" y/o "cabello de Venus"; crece en lugares muy húmedos (cerca de manantiales se lo suele encontrar en abundancia) y su nombre, pronunciado correctamente, es "culantrillo". Entre los gauchos era una planta muy apreciada debido a sus propiedades medicinales. Con una infusión de culantrillo se calmaban los dolores del cuerpo y el decaimiento general que sobrevenía después de un largo arreo con mal tiempo, bajo la lluvia o en días muy húmedos. Y he aquí lo vital que resulta la china representada por "la mata culandrillo" que crece en el manantial y que a su vez calma los dolores en la vida del gaucho. El "lomillo" es la silla de montar, desde los mismos caían a cada lado del caballo, dos paños, generalmente de arpillera, pintados y bordeados con flecos de colores en la parte inferior, a los que las chinas bordaban las iniciales de sus hombres. Estas arpilleras eran conocidas como las alas del lomillo y representaban el fiel amor de las chinas por la dedicación que ellas ponían para grabar las iniciales, entre otros adornos. Por ello pasaron a ser el símbolo del amor, de ahí la expresión "...  sos ala de mi lomillo....". Una tercera y seguramente mas "estilizada" versión de "El Tirador Plateado" se grabo en 1933 con el titulo "Mi tirador Plateado". Los arreglos musicales (sobre partitura previa de José Ricardo) y acompañamientos fueron de Guillermo Desiderio Barbieri, Ángel Domingo Riverol, Horacio Pettorossi y Domingo Julio Vivas en guitarras.

Mas evocaciones a prendas queridas que se relacionan directamente con la amada, o con la perdida de la misma, se ven en el vals "El Almohadón" (con musica de Gardel y letra de Andrés Cepeda) que con la roptura de la funda de este, rememora los bellos momentos de un amorío que vivió retozando en su comodidad. O en el estilo "El Anillo" donde se le canta a ese tesoro que fue el juramento de un amor inquebrantable de unos amantes con sus nombres grabados en esta alhaja en cuestión. Pero sin duda la mas popular acusa ser la zamba "Mi Manta Pampa" de Guillermo Barbieri. Esta prenda fue un regalo tejido por la amada que una vez mas atribuye su gran congoja al sentirse despojado de las mismas. Muchos de los elementos y prendas mencionados, así como el profundo sentimiento hacia la china de "Mi Tirador Plateado", vuelven a ser mencionados en otro peculiar estilo, "EL Lazo". El orgullo gauchesco predomina con una prosa inexorable con abundante tradicionalismo que llega a convertirse en leyenda de la mano de el enorme sentido poético del recitado inicial: "Trenza de ocho, tradición, que va entrando en la leyenda con el tirador, la prienda, el chiripá y el facón. El anca del redomón ya no siente tu caricia ni la china ¡esa delicia!. Se acomoda sobre el rollo, con su carne de pimpollo y sus ojos de malicia." Poesía de gran peso que sirve como preámbulo para alabar y revivir la gloria pasada de los gauchos de el General Martín Miguel de Güemes frente a las invasiones realistas y luego para recitar las penurias pasadas por las traciones aborígenes si se quiere: "Zumbando en los entreveros fuiste temor de la indiada en esa época pasada de malones traicioneros, y en los combates camperos si alguna vez te ha apurao un salvaje retobao que se vino sobre el lazo, resonó tu cimbronazo como cordaje templao.".

Vemos mas abajo el cortometraje "El Carretero", pionero en lo que a videoclips concierne. Con un gentil dialogo entre Carlos Gardel y Arturo de Nava, mientras se dan la mano, para luego darle paso a la interpretación acompañado por los guitarristas Ángel Domingo Riverol, Guillermo Barbieri y José María Aguilar, aunque este último no aparece en imagen.



Lista de temas:

1. Pa' que más
2. Mi tierra
3. Suena guitarra querida
4. El cimarrón del estudio
5. Mi caballo y mi mujer
6. La criolla
7. El triunfo
8. La yeguecita
9. En triunfo
10. Mi pañuelo bordao
11. El carretero
12. El moro
13. Mis espuelas
14. El tirador plateao
15. El almohadón
16. El anillo
17. Mi manta pampa
18. Mi ranchito
19. El lazo
20. Razo noble

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Su Obra integral hasta hoy:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"
Volumen XV: "Bandoneón Arrabalero"
Volumen XVI: "Tango Argentino"
Volumen XVII: "El Gaucho"

martes, 24 de marzo de 2020

Silvio Rodríguez - Unicornio (1982)


"Unicornio" es un álbum sin desperdicio, ambicioso, mágico, fantasioso, sin igual y con la irrefutable verdad de canciones emblemáticas de uno de los mas grandes cantautores y poetas que dio este planeta. El quinto álbum de estudio de  Silvio Rodríguez Domínguez encara la década de los 80´s con la inclusión de una banda estable y lo mas importante arreglos orquestales, sobre todo de cuerdas, para un repertorio de canciones que nos introduce en universo con la habitual canción de protesta, arengas de revolución, baladas románticas y un excéntrico mundo en donde Silvio se viste en una especie de trovador medieval del siglo XX. La canción homónima llegaría a ser una de las mas famosas y exitosas del guitarrista.

El 29 de noviembre de 1946 nace Silvio Rodríguez Domínguez , en el barrio de La Loma ubicado en, la localidad de San Antonio de los Baños, (pueblo que pertenecía entonces a la "Antigua provincia de La Habana" y donde hoy se ubica en la Provincia de Artemisa, a 26 kilómetros al sur de La Habana) en el seno de una humilde familia campesina. El costado musical, irrumpiría por el lado de su madre Orquídea Domínguez, quien durante su adolescencia tenia un dúo de canto con su hermana, también su tío Ramiro Domínguez era músico de profesión, abocado al jazz, pero sobre todo de su abuela quien introduce al pequeño Silvio en el mundo de la trova, genero el cual ella amaba. A sus tempranos 7 años y en los albores de La Revolución Cubana, en 1953, su padre lo hace entrar al conservatorio a estudiar piano, pero al poco tiempo abandonaría estos estudios, al tiempo que
comienza a interesarse por la literatura significativamente. Su paso de la infancia a la adolescencia se vería fuertemente marcado por la culminación de la dictadura militar de Fulgencio Batista a manos de el Ejército Rebelde liderado por Fidel Castro. Se alistó en las Juventudes Socialistas de San Antonio de los Baños, ingresando al año siguiente a la Asociación de Jóvenes Rebeldes (AJR) creada por el Che Guevara. En 1961 Silvio cumplía el servicio militar de la escuela, y en enero de ese año Cuba rompe relaciones con EE.UU y  el presidente Kennedy autoriza a la CIA a invadir el país. En abril se inician los bombardeos a La Habana, Santiago de Cuba y San Antonio de los Baños, esta ultima la ciudad natal de Silvio, quien había regresado a cumplir el servicio en la escuela. En estos tiempos y aun siendo menor de edad, el jovencito se compromete fuertemente con la revolución participando como colaborador en las "Brigadas de Alfabetización Conrado Benítez", en las montañas del Escambray. Allí ayudó a impartir a los campesinos clases de historia, geografía, gramática, matemáticas, además de explicarles elementos del nuevo régimen, tales como la nueva Reforma Agraria. Al poco tiempo esta tarea debió dejarla relegada ya que se intoxica con una planta venenosa, debiendo dirigirse a La Habana para su atención. Allí conoce a un sinúmero de artistas como los caricaturistas Virgilio Martínez y José Luis Posada de la revista comunista "Mella", entre otros , pero puntualmente a el guitarrista Lázaro Fundora, quien le enseña los primeros acordes. Sin embargo quien lo terminaría de instruir en las artes de este instrumento seria Esteban Baños, compañero de unidad de Rodríguez, ya cuando este tuvo que cumplir con el servicio militar obligatorio (SMO) en las Fuerzas Armadas Revolucionarias (FAR), a la edad de 17 años. Allí idearía las primeras composiciones, y también entretenería a todos los conscriptos con ellas. La mayoría de estas canciones eran de amor y boleros. Las canciones con tintes sociales llegarían luego. Conseguiría por esa época también, un trabajo como dibujante de dos revistas, primero en "Venceremos" y luego en "Verde Olivo". No dejaría a un lado la escritura porque en 1967, coincidiendo con la finalización de el servicio militar gana la primera mención del concurso literario de la FAR con su libro de poemas "Horadado Cuaderno No". A finales de 1967 y hasta mediados de 1968 se dá a conocer otra curiosa faceta de Silvio, la de conductor de TV en el programa "Mientras Tanto" en honor a su canción homónima. Por este pasaron leyendas como Pablo Milanés, Noel Nicola y Omara Portuondo. A ese periodo pertenecen varias canciones inspiradas en el comandante rosarino Ernesto "Che" Guevara tras su muerte en 1967 como, "¿Por qué?" y "La leyenda del águila", y varias canciones de amor inspiradas en su primer gran amor, Emilia como "Ay de mí", "Debajo del cañón", "Déjame regresar", "En busca del tiempo perdido", "En ti", "Graciela", "Grita más", "Hay un grupo que dice", "Los funerales del insecto", "María", "Muerto", "Oye", "Quién va a pensar en algo más", "Si se va la esperanza", "Tema de la adolescencia", "Tengo que estar en ti", "Treinta años", "Tu beso" e "Y anoche". Silvio ya venia ganando rodaje participando en recitales en solitario y como telonero del músico y compositor cubano César Portillo de la Luz y en varios festivales como el "Festival de la Canción Protesta" en 1968. Esos festivales ya se venían realizando durante toda la década de los 60´s, sumandoseles también la creación de la llamada "Casa de la Trova" que tuvo su casa fundadora en Santiago de Cuba y posteriormente sucursales en Camagüey, Las Tunas, Pinar del Río y La Habana. Muchos de los músicos que agrupaba gestarían luego el movimiento "Nueva Trova" del cual Silvio Rodríguez seria uno de sus fundadores. Este nuevo movimiento seria un ingrediente mas junto a la  la música pop y la electrónica con la música tradicional cubana para la cocina de el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI), dirigido por Leo Brouwer que funcionaba a manera de taller de aprendizaje para el desarrollo de bandas sonoras y conciertos. Además de Rodríguez, Milanés y Nicola, el grupo estuvo también conformado por Sara González, Emiliano Salvador, Sergio Vitier, Eduardo Ramos, Norberto Carrillo, Carlos Averof, Leoginaldo Pimentel, Pablo Menéndez y Ana Besa, así como por los más experimentados Leonardo Acosta y Lucas de la Guardia. Muchas de las canciones que compuso en esta época, como así antes de esta , se esparcirían la gran mayoría en sus discos venideros, pero primero se daría la salida de su primer EP  "Pluma en ristre", conformado por cuatro canciones. Otras servirían para documentales, películas, series de TV y obras de teatro infantiles En 1969 el  gobierno lo despide del programa de TV "Mientras tanto" por unas declaraciones que dio sobre los Beatles quienes se encontraban en EEUU en ese momento. Su trabajo en Cuba se sentía bloqueado por lo que decide embarcarse en una travesía  por mares extranjeros a bordo de un barco de pesca llamado "Playa Girón". Zarpó de La Habana el 26 de septiembre de 1969, con otros cien hombres de edad promedio veinte años, miembros novatos de la Flota Cubana de Pesca, con rumbo inicial a la Isla de Terranova, de aguas frías y abundantes en bacalao. Sin embargo, el destino cambió antes de la partida, hacia las islas de Cabo Verde y la senegalesa ciudad de Dakar, en África Occidental. El viaje duró 125 días y Silvio llevo una grabadora para inmortalizar las composiciones que le inspiro la aventura. En 3 casetes de 90 minutos el cantautor grabo las sesenta y dos canciones que se le ocurrieron en la nave, de las cuales solo catorce acabaron editadas, y solo siete tenían que ver con su vida a bordo del Playa Girón, así como del regreso en la nave al Océano Pacífico. No seria hasta entrado el año 1974 que Silvio Rodríguez entrara a un estudio de grabación para su primer LP: "Días y Flores" (1975). Fue producido por el pianista y compositor Frank Fernández. En países como España y Chile, en medio de los regímenes dictatoriales de Francisco Franco y Augusto Pinochet, el disco fue parcialmente censurado, eliminándose los temas "Días y flores" y "Santiago de Chile". Debido a la ausencia de la canción que da nombre al disco, este cambió su nombre en dichos países por el de "Te doy una canción". Silvio se alista en las brigadas internacionalistas cubanas y marcha hacia la Guerra Civil Angoleña en 1976, era músico oficial de las tropas de ambos países. Al volver de África inicia una gira por Europa y América, junto con la Orquesta Afrocuba y el grupo de jazz Irakere y Diákara. Su segundo disco de estudio "Al final de este viaje" (1978), fue grabado en Madrid sin Franco. El álbum acústico contiene la espontaneidad y la frescura de un trabajo grabado solo en dos sesiones, donde se destacan algunas de sus primeras canciones, como "Ojalá", "La era está pariendo un corazón" y "Canción del elegido". Ese mismo año viajó por primera vez a Estados Unidos, donde actuó junto a Pete Seeger. Su siguiente trabajo, también acústico, seria "MUJERES" (1978), un gran trabajo, de los favoritos de el propio Silvio, un álbum que remite a todas las mujeres de su vida. "Rabo de Nube" (1980) marcaría un "hasta luego" a los discos acústicos (aunque mostraba algunos arreglos orquestados y de sintetizadores moogs a cargo de Frank Fernández) y conmemora el vigésimo aniversario de la Revolución Cubana. Para  promocionarlo inicia ese mismo año una gira con Pablo Milanés por EE. UU.

"Por quien merece amor" es la viva imagen del amor mas valiente y puro (inconcebible de otra manera) y de lo bien que le sienta orquestarse a la "nueva trova". Una canción que ademas atrae con metáforas cruciales sutilmente colocadas, que esconden un lado combativo y revolucionario. Llevémosla dentro de la coyuntura de la Guerra Fría y será mas que notorio el doble filo entre sus lineas. La posiciones de Cuba frente a su país hermano como Nicaragua, dentro de los objetivos de la Revolución Sandinista, fue ayudando brindándole maestros, médicos, personal sanitario y asesores militares. EE. UU. se había mostrado (y mas aun tras la asunción de Ronald Reagan) un gran respaldado a los diferentes gobiernos de la dictadura de los Somoza y antepuesto ante toda clase de obstáculos al triunfo revolucionario y a las reformas que desde la Revolución se querían poner en marcha desde la Nicaragua Sandinista, con esta ayuda de Cuba y por supuesto de la URSS. Ahora bien, "Por quien merece amor" es un himno sobre esta situación. Entre partes de la letra sobre todo a las preguntas que se hace Silvio durante gran parte de la misma, advertimos que estas apuntan directa e indirectamente a los Estados Unidos. El cantautor hace notarle: "¿Te molesta mi amor, mi amor de juventud?, y mi amor es un arte en virtud.". Esto es a colación de la ayuda brindada a Nicaragua. Le pregunta: ¿Te molesta que mande ayuda a otros países?, pero si lo estamos haciendo porque somos un país joven (políticamente hablando). Con ilusión. Y así Silvio sigue con otras tantas cosas mas referidas a este conflicto en cuestión, hasta el momento que brinda explicaciones sobre su "amor": "Mi amor, es mi prenda encantada, es mi extensa morada, es mi espacio sin fin. Mi amor, no precisa frontera como la primavera no prefiere jardín." Cuba no se limita a buscar lo mejor para su pueblo, sino para todos los países a los que ayuda. "Mi amor, no es amor de mercado, porque un amor sangrado, no es amor de lucrar.": No querían ganar dinero con esto, porque no se podían beneficiar de una guerra. Algo de lo escrito en la contratapa del álbum deja bien en claro dirección de la canción: "La canción con que quisimos comenzar el mensaje de este disco fue compuesta a finales de 1981, cuando el gobierno de los Estados Unidos comenzó a realizar amenazadoras maniobras navales alrededor de Cuba. El pretexto de entonces era impedir un supuesto apoyo material de nuestro pueblo a la lucha de liberación de El Salvador, y en general a la sufrida en Centroamérica. En el hipotético caso de que nuestra solidaridad hubiese sido cierta ¿cabría explicar el sentimiento que la alentaba?. De cualquier forma POR QUIEN MERECE AMOR intente eso.". La estructura de la canción es de esas que comienzan mínimas y se le van agregando instrumentos. Comienza con Silvio cantando a capella culminando con una orquestación a punto de chantilly.

De sus tiempos del retorno de la guerra civil en Angola, en 1976, sale volando a la luz "Gaviota". Una poesía marítima insoslayable dentro de los habituales parámetros de la canción de protesta. Refiere al retorno de un soldado a su hogar tras la guerra y viéndose despojado de su integridad, de su oficio, de su dignidad y viendo que ya nada es lo mismo (ni el mismo) tras la vuelta. La pomposidad orquestada de "Son Desangrado", una suerte de "salsa jazz", es uno de los picos del álbum. En medio de este ritmo ambicioso Silvio Rodríguez retrata la eterna lucha entre la pasión y la razón y deja en claro que el corazón pasional es el que realmente debe anteponerse, aquel que es mas jugado y a la vez "estrujado", el que intenta aun así "saltar un pozo, confiado en la proeza de su sangre". Se destacan particularmente los teclados y la sección de bronces.

"Pioneros" otra que agradece estar inspirada en sus servicios prestados en Angola. Retrata cuando escuchaba los niños en las sanzalas (aldeas africanas) cantando canciones: "El domingo me fui a la sanzala. Me puse las alas, me sentí mejor. Porque oyendo un cantar de pioneros, me sentí más lleno de patria y amor.". Luego le trae recuerdos de su hija en Cuba e imagina ser un padre de esos niños: "Fue como si mi niña cantara, y más, me abrazara en aquella canción. Fui papá de un pionero de guerra. Aquí en esta tierra cantándole al sol". "Hoy mi deber" una oda a al abandono amoroso desde el punto de vista de un militante si se quiere, es de los momentos mas inspirados del trabajo. La compuso en Oslo tras ser invitado a un festival latino en dicha ciudad y sobre todo empujado por el fervor de estar presente allí. Una orquestación al borde del escalofrío, con pasajes oscuros y depresivos que van iluminándose conforme la canción avanza. Hace alusión una vez mas a la Revolución: "Hoy era un momento más bien optimista. Un renacimiento, un sol de conquista...",  el "Sol" es un símbolo de Revolución en la obra de Silvio.

A un lado el compromiso revolucionario de el trovador (en este caso mas juglar que trovador) y poniendo un talento inédito hasta entonces en la ornamentación de sus canciones, "La primera mentira". Situándose en un bosque encantado y relatándonos una fabula. Con gran regocijo, esta pequeña historia se centra en un mundo épico que remite en parte a tiempos medievales y a la mitología occidental. Silvio nos percata que la búsqueda de la verdad no nos va a conducir a el "lugar común" de "final feliz" de "cuento de hadas". Mediante este mundo mágico, nos presenta obstáculos con simbolismos y personajes de este mundo citado, que indefectiblemente conduce a la aceptación que arrastra la inevitable condición humana. Así y todo el protagonista de la historia ve que todo era un engaño y decidido busca  y culpa puntualmente a un hombre, el que justamente genero la primera mentira, el primer fabulador. Al encontrarlo no hace mas que caer en cuenta de que el también fue victima de su propia mentira. Se destacan excelentes arreglos de flauta, clarinete, oboe y fagot.

Otra dedicatoria a la revolución Sandinista, desde la ya experimentada posición cubana, en  "Canción urgente para Nicaragua". Silvio celebra con una mirada de perro viejo y con una canción con aires salseros, la destitución de Somoza de la presidencia iniciándose una nueva etapa en Nicaragua. "Sol no da de beber" otra fabulosa canción de amor atemporal plagada de metáforas. Desde el comienzo Silvio la construye con experiencias propias de un tiempo pasado. Menciona la "dos catorce" que es el número de una casa muy particular localizada en su pueblo natal. Parece ser un motel, como bien lo muestra el video oficial de la canción que ademas forma parte de un documental "Yo soy de donde hay un río", de el año 1987 en su ciudad natal, San Antonio de Los Baños. Allí transcurre el salto de estos dos amantes como solo Silvio lo puede describir con la sagaz inteligencia con la que nos tiene acostumbrados: "...llegaba el día indiscreto y torpe, y la belleza nos hacía más pobres, más esclavos de la ronda del reloj."  Otra de las metáforas dignas desmenuzar seria una que al parecer intenta despojarse de todo tapujo de conservadurismo: "...huyendo siempre de miradas de otros, entretejiendo un universo loco de caricias, dudas y complicidad..." . Esto lleva a pensar que los protagonistas deben esconder algo, quizás que sean amantes o por que no quizás, su homosexualidad.  Lo cierto es que mas adelante Silvio daría a entender de que estos "amantes" toman un recaudo posiblemente de una mirada religiosa, por si acaso: "A los tristes amores mal nacidos y condenados por su rebelión, daré algún día mi canción de amigo y fundiré mi vino con su vino, sin perder el sueño por la excomunión".  Así también previene a los censuradores: "Y a quien me quiera incinerar los versos. argumentando un folio inmemorial, le haré la historia de este sol adverso que va llorando por el universo, esperando el día que podrá alumbrar.". Retomando la mas viva canción de protesta "La Maza", que es un vivo homenaje a si mismo a lo que cree que el mismo se ha construido, al instrumento y/o herramienta que se forjo de si mismo. Mas de una vez en el estribillo el cantautor se pregunta ¿que cosa fuera la maza sin cantera? , advirtiendo en ese sentido que la "cantera" seria el entorno y "la maza" el artista, osea el mismo. La canción habla de muchísimas cosas de la naturaleza, de el dolor, del silencio, de la lucha, de la esperanza, del artista y su publico, del "vedetismo" en la música y de creer en el equilibrio  La canción singularmente es una especie de chacarera, por eso siempre fue muy pedida por el publico en Argentina, por que casi no cantaba este tema en vivo. Silvio tuvo que resucitar el tema en su visita a Argentina en el año 84. Un año antes, Mercedes Sosa, había hecho una maravillosa versión del tema en su disco homónimo, ayudando a popularizarlo.

Y en el final llegamos a la canción que enmarca toda la magia de esta etapa: "Unicornio", una de las mas populares composiciones de Silvio. Es una balada tristona que habla sobre todo de la perdida de una amistad. Pero al ser una canción de quien viene, por supuesto que tiene mas de una interpretación. En la contratapa del disco el propio Silvio nos dice: "El tema que concluye este trabajo me ha proporcionado, en este último año, un buen montón de placeres y sorpresas. Dondequiera lo mostré desencadenó un furibundo afán de hacerme saber dónde se hallaba mi unicornio perdido. Comenzaron a llegar cartas, cables y mensajes; aparecieron fotografías, libros, pegatinas, postales y dibujos de toda variedad de unicornios. Incluso recibí noticias hasta de dónde sé que jamás iría a pastar no sólo el mío sino cualquier otro. Es extraño, pero alguna gente ve cosas donde no las hay, o lo que es peor: no pueden ver las cosas que ciertamente existen. A propósito quiero acusar públicamente el recibo de una noticia sumamente legítima. Todo empezó por un amigo muy querido que tuve, un salvadoreño llamado Roque Dalton, quien además de haber sido un magnífico poeta fue un gran revolucionario, compromiso que le hizo perder la vida cuando era combatiente clandestino. El caso es que Roque tuvo varios hijos; entre ellos Roquito -el que hace tiempo se encuentra prisionero y del que no se sabe suerte-, y Juan José, que jovencito y delgado como es, fue guerrillero, herido y capturado y torturado. A este último fue a quien encontré hace poco y me contó que allá, en las montañas de El Salvador, andando con la aguerrida tropa de los humildes, trotaba un caballito azul con un cuerno.". Otras pueden ser que Silvio atribuye al unicornio que se pierde como a la perdida de inspiración al componerla. Este mundo de ilusiones con seres como el unicornio azul que desaparece refiere sueños, ideas, e incluso convicciones que a veces se desvanecen, como una especie de desilusión. También tenemos versiones en alguna que otra entrevista (quizás harto de dar explicaciones sobre el animal mitológico en cuestión) dio sobre la canción de que se trataba de la perdida de unos pantalones jeans azules que eran marca "unicornio". Una mas absurda aun habla de que había inventado unas notas que le encantaron, las quería anotar y no encontraba su bolígrafo azul. Cuando lo encontró escribió "Mi lápiz Bic Azul ayer se me perdió...". La perdida de la inocencia también se asocia a la metáfora del unicornio perdido y ese mundo mágico. Había comentado Silvio con respecto a eso, algo que ademas llevo a investigar mas sobre la mitología del unicornio:  "...yo sabía muy poco sobre unicornios y a través de los mensajes me fui enterando de que una de las significaciones que se le atribuía era el sentimiento de pérdida de la inocencia. Según una de las tantas leyendas que se tejieron alrededor de esos animales mitológicos, fundamentalmente se acercaban a las vírgenes o a las personas castas. Se cuenta que para los alquimistas era muy preciado el cuerno del unicornio, ya que, una vez molido y convertido en polvo, servía para muchos usos. También se decía que la única forma que tenían los alquimistas de cazar al unicornio era simulando que se dejaba abandonada una virgen en el centro del bosque y se escondían hasta que aparecía un unicornio. El animal se embelesaba con la presencia de la virgen y se dormía en su regazo, momento en que aprovechaban los cazadores que estaban al acecho para capturarlo. ¡Mira qué forma más cruel de comportarse con el amor a la inocencia! ¡Qué cosa más terrible!." La había escrito en 1980, año en que mataron a Lennon y muchos le preguntaban si era dedicada al ex beatle, a lo que Silvio les revelaba su gran admiración por el músico inglés. Dos años después el Unicornio estaba en el aire. En 1982, dos años después de creada, se decretó en los Estados Unidos,  el Año del Unicornio. Y hubo migraciones al Museo de los Claustros, en Nueva York, para ver los famosos tapices del siglo XIV y del siglo XV, como "La dama y el unicornio". La UNESCO ese año también le pidió a numerosos artistas plásticos de todo el mundo que pintaran unicornios. Después se hizo una gran exposición y las obras se reprodujeron en agendas. Tal fue la "unicorniomanía" que todo esto ayudo a la popularizaciòn del disco y de la carrera de Silvio Rodriguez.

En 1984 junto a Pablo Milanes registra el directo "En vivo en Argentina" como testimonio de su primera visita al país y en el contexto de la finalización de la dictadura del mismo. Con invitados como Víctor Heredia, Cuarteto Zupay, Piero, León Gieco, Antonio Tarragó Ros y César Isella. Se daría tiempo para publicar su sexto trabajo de estudio un álbum triple, "Tríptico", en homenaje al primer cuarto de siglo de la Revolución cubana. Originalmente como tres volúmenes independientes, pero que más tarde se conseguirían todos juntos. Se interesaría ademas, en colaboraciones con otros músicos grabando con Luis Eduardo Aute o saliendo de gira con compatriotas como Chucho Valdez, ademas de apoyar a artistas nuevos como algunos músicos de la llamada "Novísima Trova Cubana", como otro compatriota Carlos Varela. Silvio siempre se comprometió con la lucha en contra de las dictaduras en los países latinoamericanos. Tras el término de la dictadura en Chile, realizaron en este país un concierto en el Estadio Nacional de Santiago, ante ochenta mil personas, del cual saldría el primer álbum en directo que sería considerado como oficial en su discografía, un álbum triple (doble como CD) titulado "Silvio Rodríguez en Chile". También en 1993 asumiría un cargo político como diputado de la "Asamblea Nacional del Poder Popular de Cuba", durante 15 años.  El comienzo del siglo XXI lo vería lejos de los escenarios pero con varios trabajos en estudio como "Cita con ángeles" (2003) con viejos amigos y mentores como Leo Brouwer, Frank Fernandez y Noel Nicola. El disco esta dedicado a su primer nieto y a sus hijos. Incluye temas que hacen alusión a la situación actual del mundo, como una canción dedicada a la Guerra de Irak. En 2006 lanza un álbum doble de canciones inéditas "Érase que se era", compuestas entre los años 1968 y 1970. En 2005 como repudio a adherirse al "Área de Libre Comercio de las Américas" (ALCA), en el marco de la "IV Cumbre de las Américas" realizada en la ciudad balnearia de Mar del Plata, Argentina, Silvio participa de la "Cumbre de los pueblos", encabezada por Hugo Chávez, que contó con presencias tales como el boliviano Evo Morales, que un año después sería elegido presidente; Diego Maradona; y el premio Nobel de la Paz, Adolfo Pérez Esquivel, brindando un concierto gratuito en el Patinódromo de la ciudad. En 2011 para promocionar su disco "Segunda Cita" (2010), da un concierto en Buenos Aires de casi tres horas, allí interpretó el tema "Todavía cantamos" con Víctor Heredia, en respaldo de las Abuelas de Plaza de Mayo. Hasta la fecha el ultimo álbum de estudio de Silvio es "Amoríos" (2015), donde desmenuza en partes al famoso personaje de "la mujer con sombrero" de su viejo éxito "Óleo de mujer con sombrero", regrabándolo y dedicándole tres temas mas: "Dibujo de mujer con sombrero", "Detalle de mujer con sombrero" y "Mujer sin sombrero".


Lista de Temas:

1. Por quien merece amor
2. La gaviota
3. Son desangrado
4. Pioneros
5. Hoy mi deber
6. La primera mentira
7. Canción urgente para Nicaragua
8. El sol no da de beber
9. La maza
10. Unicornio


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Otros discos de Silvio Rodríguez disponibles:

1978 - Mujeres

sábado, 1 de febrero de 2020

El Futre - Sumergido (simple) (2020)


Una exacta fusión entre el jazz, el rock y el folclore es El Futre. Banda formada en Mar del Plata en octubre de 2016 y presentándose a partir de 2017, con el fin de enaltecer y darle rodaje a este tipo de combinaciones de géneros que tanto faltan por estos tiempos. Facundo Cuello en bajo y voz , Alexis Soto en guitarra, Federico Moyano en teclados, Nicolas Pastore en saxo y Nicolás De Angelis en bateria le dan vida a un repertorio por demás excepcional, con variados arreglos en equilibrio y armonía, donde ningún instrumento se ubica por encima de otro.

 Grabado en por Agustín Seresini para Artefacto estudio, el simple adelanto de El Futre "Sumerguido", nos describe con una liquida surrealidad una suerte de paisaje mortecino con el cuerpo de una expresiva voz , en medio arreglos progresivos de teclados, un contundente bajo, sutiles riffs de guitarra , coloridos matices de saxo y  una bateria que sobre el final, sorprendentemente, se disfraza de bombo.



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martes, 28 de enero de 2020

Talking Heads - Fear Of Music (1979)


Un álbum emblemático de una de las bandas pioneras y mas interesantes de la "new wave" neoyorquina, Talking Heads. "Fear Of Music" su tercer trabajo de estudio, es un excelente collage de la original impronta que comenzaba a generar la bestia compositiva de David Byrne. Un disco oscuro y extraño. Ya desde su oscura portada, dentro de esas tinieblas, maneja diferentes estados de ánimos y agrega nuevos elementos a su música. Dentro de las características de la "new wave" (que ya de por si es variada ) veremos, sonidos "funkys" y "post punks" y hasta "afro". El minimalismo a flor de piel se hace notar ya con el simple hecho de que la mayoría de los títulos de las canciones son de una sola palabra. Se dijo en aquella la época, que el álbum es una especie trabajo de concepto sobre los miedos: miedo a la mente, al papel, a perder la memoria, a las ciudades, al aire, a la muerte, a los animales, etc. Brian Eno produjo el álbum, siendo el segundo con la banda (habia producido el segundo larga duración de los Heads, "More Songs About Buildings And Food" de 1978) y continua sumergiendo a la banda en una conveniente experimentación, como así también introduce ritmos "afrobeat" que tan bien les sientan, los mismos que terminarían profundizándose de aquí en mas, en el siguiente álbum, "Remain in Light" (1980) en general.

Talking Heads se formo en 1974 en NYC. David Bryne habia nacido en Escocia en 1952,  al cumplir los dos años sus padres se trasladaron a Canadá, y a los 8 años se mudan, esta vez a las afueras de Baltimore. En septiembre de 1970 ingresó como estudiante en la prestigiosa Escuela de Diseño de Rhode Island. Fue allí dónde conoció a Tina Weymouth y Chris Frantz con quien formaría la efímera  "The Artistics" en 1973 la cual duraría un año. Tina seria la esposa de Frantz y fan de la banda, se les uniría ejecutando el bajo, y así los tres deciden probar suerte en el este de Nueva York, comenzando a realizar importantes ensayos y en mayo de 1975, bautizan a la banda como Talking Heads. Con respecto a como eligieron este curioso nombre para la banda, Tina Weymouth explico alguna vez: "Un amigo encontró el nombre en la guía de televisión, que explica el término usado por los estudios de televisión para describir el gusto de una persona hablando acerca de 'todo contenido, nada de acción' ". Como gran parte de las bandas de la "New Wave " el ecosistema inicial de la banda era el legendario club CBGB, dando uno de sus primeros grandes pasos teloneando a The Ramones. En 1977, se les une Jerry Harrison. La flamante Talking Heads quedaba conformada entonces por David Byrne en voz principal y guitarra, Chris Frantz en batería y percusión, Tina Weymouth en bajo y coros y Jerry Harrison en guitarra, teclados y voces. Rápidamente consiguen la tan anhelada aceptación tanto del difícil publico under como de las compañías discográficas como Sire Records con la quefirman un contrato para su primer trabajo en estudio el gran "Talking Heads: 77" y al año siguiente "More Songs About Buildings And Food". Estos dos eran una renovación para el panorama del rock de la época, incluso renovaba la idea de el ya de por si "Nuevo" estilo: el punk , llegandosele a atribuir como música "post-punk". También contenían unas interesantes composiciones de Bryne que ya daban que hablar y ya ejecutadas con The Artistics como la gigantesca "Psycho Killer", "Im Not In Love" o "Warning Sign". Entrado el año 1979 estaban listos para encarar su tercer LP, aun con la producción de Eno. "Fear Of Music" supondría mas complejidad en los arreglos y la experimentación, lanzado el 3 de agosto de 1979. Fue grabado en distintos lugares de la ciudad de Nueva York y se lo considera como uno de los mejores trabajos de la banda.

El enfoque en la lírica y poesia de "I Zimbra" fue toda una innovación en la música de la banda que adapta un poema del dadaísta Hugo Ball: "Gadji beri bimba". El costado étnico y tribal de esta música, fue aprovechado al máximo con la oportuna participación de la guitarra del maestro Robert Fripp (King Crimson) que le otorga un sostén de prestigio a esta pieza de experimentación africana futurista. A la excelente ejecución rítmica de Chris Frantz, se le suman percusiones africanas,
congas, un surdo, un yembé y un tambor parlante junto a voces y gritos encimados logrando emular una verdadera danza ritual. En "Mind", con una secuencia rítmica minimalista y psicodélica por donde se la mire, veremos a un Bryne invocando a un cambio radical en nuestras mentes. "La ciencia no te cambiará. Al Parecer yo no puedo cambiarte. Intento hablar contigo para aclarar las cosas pero ni siquiera me estás escuchando ...Y todo esto viene directamente de mi corazón a ti ...". Ante este panorama tan hermético, la intención  de "Mind" con su aire muy "new wave" apunta ademas a tomar un nuevo rumbo en el rock, y así despojarse de un machucado hard rock y rock progresivo de los 70´s. Ciertamente el ritmo funky de "Paper" que cuestiona el encajar o no encajar es cautivador  y prepara el terreno para "Cities" que comienza como si el track viniera ejecutándose desde el silencio y escapando del peligro citadino, con el sonido de una sirena a lo lejos. "Cities" se destaca por una excelente estructura rítmica, sostenida por el espectacular bajo de Tina como así también las habilidades histriónicas de David con voces impostadas y jadeos. La peculiar letra parece mostrar a alguien decidiendo sobre una ciudad donde mudarse, evaluando los puntos a favor y en contra entre las mismas: "Hay mucha gente rica en Birmingham. Muchos fantasmas en muchas casas... Mira hacia allá! ... Una fábrica de hielo seco!. Un buen lugar para reflexionar...".

De las composiciones mas serias del álbum, "Life During Wartime", que aunque pareciera caer en el lugar común de detallar la vida durante una determinada guerra, en realidad con su paso entre lo funky y lo bailable, nos cuenta el punto de vista de alguien involucrado en actividades clandestinas en los Estados Unidos (puntualmente se mencionan las ciudades de Houston y Detroit) durante algún tipo de disturbio civil o ambiente distópico. En esa misma linea de seriedad la caótica e introspectiva "Memories Can't Wait" sintetiza con gran depresión el remolino sin escapatoria en el que se encuentra una persona encerrada en la jaula de sus recuerdos: "Hay una fiesta en mi mente ... Y espero que nunca se detenga. Estoy atrapado aquí en este asiento ... Puede que no me pare. Otras personas pueden irse a casa ... Todos los demás se separarán. Estaré aquí todo el tiempo ... nunca puedo renunciar..." "Air" otro momento altísimo del trabajo, nos demuestra como puede lastimar acaso el peso de las cosas triviales (hasta el aire puede lastimar mi piel). Otra gran muestra del mundo minimalista que puede hacer caber dentro de una canción Byrne y compañía, entre momentos tensos y dramáticos con pasajes hermosos y sensacionales.

"Heaven" la balada por excelencia de "Fear Of Music", es una pieza melódica realmente encantadora. Una vez mas sobresale el bajo de la Weymouth y los arreglos de la guitarra de Jerry Harrison que llegan a florecer, quien también gusta con sus teclados. El costado progresivo  y electrónico/experimental (del lado de Eno) de la guitarra de Bryne y Harrison se ve que calo hondo en la música de los Talking Heads. Las tres ultimas composiciones del álbum, "Animals", "Electric Guitar" y "Drugs" confirman lo dicho. Estas son quizás las mas cercanas a un sonido emparentado al rock progresivo. De alguna manera las estructuras y texturas marcarían notoriamente  la música que perpetraría Robert Fripp, en el espectacular King Crimson fase 4 (el de la  primera parte de la década de los 80´s, con Belew y Levin), ¿O sera acaso que ambos (Talking Heads y Fripp) se  influenciaron mutuamente por  aquel  preciso momento?. Lo cierto es que el sonido en estas tres, es de lo mas experimental y jugado que hizo la banda y no volvería a retomar jamas en siguientes trabajos. Con cierta "ironía poética "la particular letra de "Electric Guitar" critica sin duda alguna censuras o cosas por el estilo  dentro del mundo rock, con metáforas del tipo: "Una guitarra eléctrica es llevada a un tribunal de justicia. El juez y el jurado (doce miembros del jurado) todos escuchando discos. Esto es un crimen contra el estado. Este es el veredicto que alcanzan: Nunca escuches una guitarra eléctrica...". En el final se hace notar la mano de Brian Eno en "Drugs" (de hecho es el co-compositor con Bryne), donde se describe un ambivalente viaje de drogas, sumergido dentro de los tratamientos electrónicos de Eno.

"Fear of Music" corona el final de una decada desenfrenada dejando un final abierto para el futuro de la banda, con una mirada positiva hacia lo que seria la fructífera década de los años 80´s. Cuatro fueron los simples promocionados entre 1979 y 1980: "Air", "Life During Wartime", "I Zimbra" y "Cities". El álbum es aclamado por la critica y fans como uno de los mejores trabajos lanzados por la agrupación , no llegaría a disco de oro en EE.UU. hasta 1985. La influencia "afro" de "I Zimbra" marcaría a fuego la concepción del siguiente LP de los Heads "Remain In Light" (1980) y por supuesto mas adelante en el tiempo induciría a David Byrne a preocuparse por la llamada "world music" en su carrera solista. Para lograr interpretar estos nuevos sonidos la banda hace una gira añadiendo mas músicos en escena e importantes invitados como Adrian Belew y Bernie Worrell, presentándose en el "Heatwave Festival" y luego en el concierto que quedaría plasmado en el vivo "Stop Making Sense" (1984). El single principal de "Remain in Light", "Once in a Lifetime", se convirtió en un éxito entre los 20 mejores en el Reino Unido, pero no así en EE. UU. , igualmente significo un gran empujón para la banda durante los años 80 y también gracias al video de la canción que fue nombrado como uno de los mejores de todos los tiempos. Los siguientes trabajos no harían mas que confirmar y aceitar el éxito de Talking Heads, dejando himnos de gran repercusión. "Speaking in Tongues" (1983), produjo el único hit de la banda en el  Top 10 estadounidense, con "Burning Down the House" una vez más, gracias a un video sorprendente, que fue inevitable no ver, debido a su gran promoción en la MTV. Siguieron tres álbumes más: "Little Creatures" (1985) , "True Stories" (1986) (banda sonora de la película de comedia musical de Byrne, en la cual la banda también apareció) y "Naked" (1988). Luego de este ultimo, la banda entró en "pausa" y en 1991 se anuncia la separación definitiva. En 1996 , y muy a pesar de las negativas y pésima relación de Byrne con los demás integrantes, se reunieron para un álbum único llamado "No Talking, Just Head" bajo el nombre The Heads. Luego de esa separación, David Byrne continua con su riquísima carera en solitario (ya había grabado algo con Brian Eno en 1981 a la par de la banda). Su creciente interés por la "world music" lo lleva e crear su propio sello Luaka Bop, que tiene como único fin el hacerle conocer al publico americano este genero.  Durante las siguientes décadas iniciaría giras mundiales para promocionar sus álbumes, varias bandas de sonido de películas y se involucraría en diferentes trabajos benéficos como el álbum "Red Hot and Lisbon", en dónde hacen a dúo junto al músico brasilero Caetano Veloso un tema llamado "Dreamworld" o como en el del año 2000 "Mantra Mix" escribiendo el tema "Ain't Got So Far to Go". Por otro lado Frantz y Weymouth habían ya estado grabando y presentándose con la banda Tom Tom Club desde 1981, lograron varios éxitos pop / rap durante la era del auge cultural de ese genero durante buena parte de los 80´s. También se dieron el lujo ambos de producir artistas como Happy Mondays y Ziggy Marley. Tom Tom Club continuó grabando y de gira de forma intermitente, y mas esporádicamente aun desde 1991, siendo su ultimo trabajo de estudio "Downtown Rockers" en 2012.

Una de las tantas versiones remasterizadas de "Fear Of Music", incluye un track que había quedado fuera en 1979, "Dancing For Money" como así también versiones alternativas de "Life During Wartime", "Cities" y "Mind". De aquella gira de 1980 junto a Adrian Belew, vemos mas abajo "I Zimbra" en "German Rockpop TV show" en 1980 y una presentacion en Los Angeles, donde ejecutan  "Cities" y "Life During Wartime" en 1983.



Lista de Temas:

1. I Zimbra
2. Mind
3. Paper
4. Cities
5. Life During Wartime
6. Memories Can't Wait
7. Air
8. Heaven
9. Animals
10. Electric Guitar
11. Drugs

Bonus tracks:

12. Dancing for Money
13. Life During Wartime (Alternate Version)
14. Cities (Alternate Version)
15. Mind (Alternate Version)

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jueves, 5 de diciembre de 2019

Eric Clapton - Happy Xmas (Deluxe) (2018)


Continuando con la clásica costumbre navideña del blog y para seguir cautivándonos con la música de Mr."Slowhand" Clapton, aprovechamos a celebrar las fiestas a todo blues con su álbum navideño de 2018, que da la casualidad que es su vigésimo y ultimo trabajo de estudio hasta la fecha.
Un trabajo donde por supuesto abundan clásicos tradicionales navideños, los llamados "christmas carols", comúnmente conocidos por estas tierras como "villancicos", que esta vez respiran blues , rock, country y alguna que otra sorpresa "TECNO" o "EDM" (electronic dance music).

En estos últimos años, para cada navidad y fin de año, el señor Clapton, estando delicado de salud, venia grabando de forma casera con su celular canciones navideñas , que conformaron su extensa lista de reproducción. La historia cuenta que su esposa Melia, fue la verdadera impulsora del disco, ya que venia escuchando y aplaudiendo en privado este material hace tiempo. Es así que convence al guitarrista de dar forma a un álbum de estas características. En un principio el guitarrista no estaba del todo convencido sobre el proyecto, pero comenzó a trabajar con el pianista y tecladista Walt Richmond (de The Tractors), quien ideó armonizaciones y arreglos iniciales y no convencionales para la mayoría de estas pistas. La idea termino de cristalizarse cuando Clapton se junta con un viejo conocido, el músico británico Simon Climie para la co produccion de "Happy Xmas" con quien ya había trabajado en discos como "Pilgrim" (1998), "Riding with the King" (2000), y "Reptile"  (2001). Juntos le dan forma a 14 villancicos que suenan desde todos los tiempos. Hallaremos tradicionales de viejos bluseros (y no tan viejos), otros del country, del soul y una nueva co-composicion ("For Love on Christmas Day"), atrapándonos con la buena química entre ambos cuando de arreglos se trata. El guitarrista había declarado al poco tiempo de que el álbum estuviera listo: "Tenía en mi cabeza que estas canciones navideñas podían hacerse con un ligero tinte de blues, y comencé a descubrir cómo tocar las líneas de blues entre las voces. Lo intenté y una de las canciones más identificables en el álbum, la que se convirtió en el estilo fundacional, es ‘Have Yourself a Merry Little Christmas'".

La dupla arregladora hace valer sus dotes ya con el villancico "White Christmas" de Irving Berlin que popularizó Bing Crosby en 1941 y que según el famoso Libro Guinness de los Récords, esa versión, es el sencillo más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en más de 50 millones de copias en todo el mundo. Una versión con toda la perspicacia blusera que pueda otorgarle el "swing" de Eric. Exactos solos y un conveniente coro femenino para la ocasión festiva, sin olvidarnos de un bello acompañamiento de cuerdas, para cerrar un perfecto circulo. "Happy Xmas" tiene la particularidad de presentarnos villancicos no tan conocidos. Es el caso de "Away in a Manger" que data del siglo XIX, con varias dudas acerca de su origen y autoría. Por mucho tiempo se le adjudico al teólogo y fraile alemán Martin Lutero, pero luego se supo que era de origen americano a manos del músico y profesor de escuela William James Kirkpatrick. La letra sufrió variaciones a través de los años, pero no por eso deja de ser el relato del momento de la Navidad, lejos en ese famoso pesebre. "For Love on Christmas Day" es una canción compuesta exclusivamente para este disco. Melancólica y sufrida, Clapton plasma un desengaño amoroso en plena época de Navidad: "La nieve está en la acera, hace frío dentro de mi corazón. Miro hacia arriba y me pregunto, ¿he perdido mi estrella guía?. Y todo es blanco afuera, ¿cómo puede ser tan oscuro? Reza y agradece a Dios que tu amor es solo mío. Y nunca seas otro que pueda honrar nuestro hogar feliz. Reza en la mañana de Navidad para que esta vez te quedes...". Aun así no es todo congoja en esta navidad de "Slowhand". La navidad implica también la alegría de estar en vacaciones. Y nada mejor para describir la esencia de esta festividad que con un clásico en tono soul, "Everyday Will Be Like a Holiday" de William Bell y Booker T. Jones, este ultimo gran influencia en la carrera de Clapton. "Christmas Tears" de R.C. Wilson y Sonny Thompson se refresca y mantiene la condición tristona que el blues nunca pierde.  Tuvo su primer aparición en 1961 con la interpretación de el gran  Freddie King quien trabajo co-escribiendo con el mismo Thompson durante los años 60´s. Extraído del álbum homónimo de el joven promesa del R&B y el soul Anthony Hamilton, "Home for the Holidays" de pegadiza melodía, es una buena adaptación para seguir con el tono vacacional, donde Clapton se luce en todo su esplendor de su guitarra acústica.

Los fundamentalistas del blues y por ende seguidores de Eric Clapton, podrán llegar a generar controversias al toparse con "Jingle Bells (In Memory of Avicii)". Una versión de música electrónica mezclada con majestuosas guitarras bluseras, del quizás el villancico mas popular de todos los tiempos. Esta dedicada a la memoria de Dj Avicii, un disc jockey sueco, cuyo verdadero nombre era Tim Bergling quien se había suicidado meses antes de la salida de "Happy Xmas", en abril de 2018 a los jóvenes 28 años y el cual Clapton admiraba. Los arreglos de este experimento  (animado por Climie) que empujan a Clapton a acercarse a las nuevas generaciones, se le acreditan a el propio guitarrista, a Simon Climie y sorprendentemente para bien, al excelente músico afro Salif Keita  junto a Manifla Kante otro músico de esa etnia. La cuota country se refleja en "Christmas in My Hometown" de Sonny James. La letra condecora el dulce anhelo de una persona que añora la navidad de su pueblo natal a la distancia: "Me encantaría pasar esta Navidad con la gente de mi ciudad natal. Solo para tener a la pandilla, gente amigable en mi ciudad natal. Anhelo ver que las velas en las ventanas brillen tanto Y los árboles de navidad brillan en la brisa parecen decirme: bienvenido a casa esta noche. Villancicos cantados suavemente junto al hogar todo radiante, (hogar todo radiante).
La risa de los niños suena alegremente como luchando en la nieve...".

Unos cascabeles imitando las campanadas de un trineo preceden el inicio de "It's Christmas", otro villancico rebosante de funk y soul, sacado de el álbum navideño de Anthony Hamilton, "Home for the Holidays" (2014), que según las propias palabras de Clapton es "el mejor cantante de soul del planeta en la actualidad". De los momentos mas emotivos del trabajo sin dudas, "Sentimental Moments", una balada que muestra una melancolía como sacada de alguna película en blanco y negro. No por nada se le acredita a Frederick Hollaender compositor de música cinematográfica y al letrista y productor de TV Ralph Freed.  Uno de los grandes villancicos de la historia de el Blues y el R&B, es sin duda la arrasante "Lonesome Christmas" del pianista y arreglador Lloyd Glenn y de una de las leyendas y pioneros del denominado "West Coast blues" (un blues que se caracteriza por una marcada influencia del jazz, sobre todo en los solos de piano), Lowell Fulson. Y como no podía ser de otra manera, no podía faltar la clásica "Silent Night" ("Noche de Paz"), en un trabajo de estas características. Una buena pieza con arreglos cercanos a un reggae con costados country, con coros donde se realzan las voces femeninas para darle paso a la voz principal del guitarrista. El blues del bueno vuelve a estar a flor de piel en "Merry Christmas Baby", un estándar navideño de rhythm and blues de 1947 compuesto por Lou Baxter y Johnny Moore, popularizado por la banda de este ultimo, Three Blazers junto con el cantante y pianista Charles Brown. "Happ Xmas" cierra con el encantador arreglo "jazz blues" de "Have Yourself a Merry Little Christmas" compuesta por Hugh Martin y Ralph Blane en 1944 y popularizada en aquella película musical "Cita en San Luis" y posteriormente cantada por Frank Sinatra, con la letra modificada.

La simple y a la vez original portada  fue diseñada por el mismo Eric Clapton con la soltura de firmar un autógrafo. Aquí les ofrecemos la versión salida unos meses después, el 12 de diciembre de 2018, en Europa (la versión deluxe), con dos bonus tracks "A Little Bit of Christmas Love" y "You Always Hurt the One You Love". El primero adapta una pequeña petición navideña, sincera y cálida, del pianista de blues Rosco Gordon: "No quiero mucho, solo quiero un poquito. No lo quiero todo, solo quiero un poquito... Solo un poquito... Un poco de amor navideño...". La segunda, un clásico del jazz cantado, popularizado por The Mills Brothers e interpretado por un sinúmero de artistas de ese genero, entre ellos el actor y músico canadiense Ryan Gosling.



Lista de Temas:


1. White Christmas
2. Away in a Manger (Once in Royal David's City)
3. For Love on Christmas Day
4. Everyday Will Be Like a Holiday
5. Christmas Tears
6. Home for the Holidays
7. Jingle Bells (In Memory of Avicii)
8. Christmas in My Hometown
9. It's Christmas
10. Sentimental Moments
11. Lonesome Christmas
12. Silent Night
13. Merry Christmas Baby
14. Have Yourself a Merry Little Christmas
15. A Little Bit of Christmas Love (bonus track)
16. You Always Hurt the One You Love (bonus track)


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Otras Navidades:

Chicago - Christmas, What's It Gonna Be, Santa? (2003)
Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)
Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)






sábado, 26 de octubre de 2019

Cream - Disraeli Gears (1967)


Hablando de "power tríos" que han cambiado el curso de la historia en el rock, es inevitable citar a la banda británica Cream, que pese a su corto periodo de actividad (casi 3 años, con solo 3 discos de estudio) ayudo a impulsar la música pop de la época, el rock psicodélico, el progresivo y sobre todo el denominado "blues blanco ingles", en la segunda mitad de los años 60´s. Este super trio conformado por Jack Bruce, en bajo y voz principal, Ginger Baker en bateria y voces y Eric Clapton en guitarra y voces, no tardo en abrirse camino de manera arrolladora en el panorama de la música popular de la época. Ademas, en Cream a Clapton se le adjudica junto a un tal Jimi Hendrix, como pionero de la inclusión de el pedal "wah-wah". Si bien "Fresh Cream" (1966), su primer larga duración, fue la chispa inicial que encendió la llama inicial del blues británico y "Wheels Of Fire" (1968) la  revolución sonora que logró con el combo de la dualidad del estudio y el sonido en vivo,  no fue otro que la perfecta mixtura entre la psicodelia y la raíz bluesera de "Disraeli Gears" lo que realmente nos lleva a recordarlos eternamente como la banda mas reveladora y que mas ha marcado con su importante legado.

No había ningún tipo de duda que ya a mediados de 1966 Eric Clapton era el mejor guitarrista de blues en Reino Unido. Ya había ganado tal reputación con su primera formación seria, The Yardbirds, con quienes estuvo activo durante 18 intensos meses grabando 4 álbumes, dos de estudio y dos en directo (un de estos junto con el cantante norteamericano de blues, Sonny Boy Williamson II). También se gano con los Yardbirds el sobrenombre de  "slowhand" ("mano lenta"). El joven Clapton llevaba el blues en la sangre, sus principales influyentes como guitarristas de blues son y fueron Buddy Guy, y dos de los tres reyes del blues, Freddie y B. B. King. Fue así que al ver y considerar que los Yardbirds estaban volcados al pop, decide abrirse uniéndose a John Mayall & The Bluesbreakers en abril de 1965 con quienes grabo el excluyente trabajo "BLUES BREAKERS - JOHN MAYALL WITH ERIC CLAPTON" (1966), que no saldria a la venta sino hasta la salida veloz del guitarrista en julio de 1966, para ser reemplazado por otra leyenda del blues, Peter Green. Aquí asoma el amanecer de Cream, con Clapton uniendo sus fuerzas a el escocés Jack Bruce, ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization, como bajista y Ginger Baker, también ex-miembro de Graham Bond como baterista. Bruce había quedado maravillado con Clapton ya viendo su virtuosismo dentro de los Bluesbreakers y habían tenido juntos una efímera agrupación denominada Powerhouse. Era sabido la lucha de egos que existía entre los tres, ya existían peleas entre Baker y Bruce desde los tiempos de Graham Bond. De hecho esta riña llevo a el baterista a echar de la agrupación a Bruce con amenaza de cuchillo incluida. Clapton les pidió que dejaran a un lado sus diferencias y tocaran juntos. Tras descartar nombres como "Sweet 'n' Sour Rock 'n' Roll", el nombre de Cream lo adoptaron los tres en unánime decisión, ya que se consideraban la "crème de la crème" entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. La primer aparición de Cream sobre las tablas se dió en el "Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival" el 3 de julio de 1966. En octubre de ese año ocurre un hecho significativo para la historia del rock, Jimi Hendrix, fan de Eric Clapton y recién llegado a Londres se les une en una zapada en vivo, dejando boquiabiertos a todo el publico y por supuesto al propio trio. Cream ya venia trabajando en su primer larga duración "Fresh Cream" que por fin salio a la venta en diciembre. Este debut se caracteriza por ser radicalmente blusero donde las composiciones se repartían entre clásicos de ese genero como "Spoonful" de Willie Dixon, "Rollin' and Tumblin'" de Muddy Waters. Quizás la canción emblema del álbum "I'm So Glad" de Skip James y la única con arreglos exclusivos de Clapton: la versión de "Four Until Late" de Robert Johnson. Luego la gran mayoría son composiciones de Bruce y Baker con la ayuda en las letras de la esposa de Jack , Janet Godfrey. También se destaca el instrumental "Toad" del baterista con un solo espectacular incluido. Con gran aceptación del publico británico, "Fresh Cream"  llegó al puesto 6 en el Reino Unido y al 39 en Estados Unidos pero recién en 1968. El debut discográfico de la banda fue un verdadero impulso e inmediatamente viajan a USA a principios de 1967,  haciendo 9 presentaciones en el RKO Theater de Nueva York. Bajo la producción del compositor, bajista, vocalista y productor Felix Pappalardi, graban en los estudios Atlantic de Nueva York su segundo trabajo "Disraeli Gears". Pappalardi no dejo de insistirle a Clapton para que cante la voz principal en algunos temas, para el desagrado de Jack. Aqui la banda propuso mas composiciones propias, salvo dos canciones que son arreglos sobre tradicionales de blues ("Outside Woman Blues" y "Mother's Lament"). Una de las peculiaridades de "Disraeli Gears" fue que sus temas casi no se presentaron en vivo. El trío interpretó los temas "Tales of Brave Ulysses" y "Sunshine of Your Love", pero varias canciones de "Disraeli Gears" fueron excluidas de las listas a mediados de 1967, direccionandose mas hacia las largas improvisaciones. Eran mas que obvias las intenciones de Cream por hacerse escuchar en por entonces los albores de la cultura hippie estadounidense, por eso la impronta psicodélica que embadurna el trabajo inundando no solo el sonido sino también la locuaz portada del vinilo a cargo de el australiano Martin Sharp. El titulo del disco no escapa a las mentes acidas de sus hacedores y su entorno. Los "Derailleur gears", son las múltiples ruedas dentadas de una bicicleta, o lo que comúnmente atribuimos a las coronas y/o los piñones. Un buen día Eric Clapton estaba en el camarín antes de un recital, diciendo que se quería comprar una bicicleta de carreras y Mick Turner, uno de los plomos de la banda le dijo: "Ah... una que tenga `Disraeli gears´...", y hubo una carcajada general ante la mala dicción de este, ya que Benjamin Disraeli había sido un primer ministro inglés durante la era Victoriana.

"Disraeli Gears" se inicia con uno de los dos sencillos que se eligieron para su temprana difusión, "Strange Brew". Excelente ejemplo de la distorsión que comenzaba a utilizar Eric, que ademas adopta la voz principal. Clara dirección hacia la psicodelia y el blues, despuntando una letra surreal, que es una oda a justamente a los "extraños brebajes" tan en boga por aquella época: "...ella es una bruja de mente loca vestida de azul eléctrico… Ella es una especie de demonio jugando con pegamento. Si no te cuidas, se te quedará para ti. ¿Qué clase de tonto eres?...".  En "Strange Brew" se le adjudica la música a Clapton, con letras de Pappalardi y Gail Collins, la mujer de este. "Sunshine of Your Love" es el otro sencillo lanzado de "Disraeli Gears". Es el que obtuvo mas ventas y mas éxito para Cream, no resulta extraño ya que contiene uno de los riffs mas legendarios de la historia del rock. El mismo tan característico y pegadizo, Clapton lo ejecuta con su Gibson SG del 64 y sintetiza el sonido mas adecuado de los años sesenta. Mas tarde el guitarrista se luce con el solo del intermedio del tema. El origen del pegadizo riff, cuenta la leyenda, surgió luego de un concierto de Hendrix en 1967, en el Saville Theatre de Londres, al que Bruce y Clapton asistieron y que terminó en una posterior colocada de alcohol y mucho LSD.  Al llegar a su casa, el bajista compone el riff el cual quedaría eternamente en los anaqueles de la historia del rock n roll, profetizando la llegada de próximos géneros como por ejemplo el heavy. Las letras fueron compuestas en una sesión (la cual duró toda una noche), entre Bruce y el letrista Pete Brown. No había forma de que Bruce no fuera la voz principal en "Sunshine of Your Love", aunque el popular estribillo fue escrito posteriormente por Clapton, el cual colorea con sus coros. El solo de guitarra es de su autoría, además de darle su toque distinción al riff de Jack con excluyentes punteos. Ginger toca un ritmo a base de uso de "toms toms" denominado "ritmo indio", tomado de películas clásicas de Westerns, haciendo caso a lo sugerido por el productor Tom Dowd. Sobre el final la canción va acelerando de ritmo, algo muy innovador para la época.

Un claro interés de la banda de meterse con la música psicodélica reinante, es "World Of Pain". De rasgos melancólicos, encierra una tristeza urbana, con puño y letra una vez mas de Pappalardi y esposa, mientras deja decorarse con los "wah-wah" de Clapton y una buena amalgama vocal con Bruce. Rarezas como "Dance The Night Away" introduce a los tres en un mar revuelto de ácido, producto de un habitual viaje de LSD. Una canción con pasajes dramáticos y climas cruciales de la mano de su letra por supuesto surrealista: "Voy a construirme un castillo en lo alto de las nubes... Me encontraré un océano, navegare hacia el azul Viviré con un pez espada dorado... Bailarme a la nada... Desaparecer de este lugar... Voy a convertirme en sombra". No quedandose atras, Baker aporta una composicion 100% de su autoría, añadiendo la voz principal en "Blue Condition". De condición lenta y respiración blusera, la letra muestra la dirección en las decisiones que tomamos día a día. Aquí Ginger utiliza muy bien las rimas y apunta a nuestra vida contaminada por la rutina diaria y como esta se torna en un tono verdaderamente "azul" oscuro. Un claro ejemplo de como la palabra "blue" ("tristeza"), encaja perfectamente con las canciones del genero "blues".

Momento épico del disco si los hay es "Tales Of Brave Ulysses". La letra está basada en las aventuras de Ulises, héroe de la mitología griega y su famoso encuentro con unas sirenas que con su canto lograron hechizar a toda su tripulación. La canción es quizás como un puntapié, para que luego aquellas bandas de rock progresivo/sinfónico, capturasen historias (o las creearan por si mismos) tomadas de las mitologías e hicieran grandes piezas épicas con sus músicas. Eric Clapton tenia ya la música compuesta inspirado en el éxito de 1966 de Lovin 'Spoonful, "Summer in the City". El escritor y artista plástico Martin Sharp (el mismo que realizo la portada) le había comentado que tenia un poema escrito y que seria bueno para una canción, así quedo formada "Tales Of Brave Ulysses" y con ella la primer colaboración entre Clapton y Sharp. La letra pide una voz aguerrida y Bruce lo logra perfectamente, a la vez que Clapton aporta quizás los mejores punteos con "Wah Wah" de todo el disco. La solida columna ritmica entre Bruce y Ginger es soberbia, para un clima psicodélico/épico alucinante. "SWLABR" no es mas que la abreviación del lisergico titulo "She Walks Like A Bearded Rainbow" ("Ella camina como un arcoíris barbudo"). Fresca, veloz y enérgica, la banda nos introduce en un calidoscopio musical de paisajes que evocan una vez mas a algun viaje de ácido: "Viniendo a mí en la mañana, dejándome solo. Tienes esa sensación de arcoiris pero el arcoiris tiene barba... Te estás acercando a mí con esa mirada conmovedora en tu cara. Vienes como si nunca hubieras hecho algo mal. Tantos colores fantásticos; me siento en un país de maravillas. Tantos colores fantásticos, me hacen sentir tan bien...". La letra es otra colaboración de Pete Brown con música de Bruce, quien años después reveló que la "W" era de "was" ("Era") en lugar de "walk". No hay momento mas oscuro y triste en "Disraeli Gears" como en la depresiva "We're Going Wrong". Una letra repetitiva de Bruce con su voz al máximo nivel de congoja. Detrás de su lánguido lamento, arreglos psicodélicos de Clapton intentan vislumbrar algún que otro chispazo. Pero lo que mas se destaca es el excelente trabajo de Baker, dentro de la estructura irregular de una canción en un compás de 6/8.

Sobre arreglos de Eric Clapton del clásico de Blind Joe Reynolds de 1929 aparece como un solemne momento blusero, "Outside Woman Blues". Una vez mas nos sacamos el sombrero ante la voz principal y las guitarras de Eric "God" Clapton y por supuesto con los solos. Y para continuar con la conveniente e inoxidable cuota blusera, la marchante "Take It Back" con una cepa de blues mas americano y la sorprendente ejecución de armónica a cargo de Jack. Para concluir, un clima distendido y de humor lleno de sarcasmo en un tradicional arreglado por Cream, "Mother's Lament", con los tres cantando, acompañados solo por un piano. Con humor ácido relata la historia de una madre que era pobre y que bañaba a su bebé delgado; tan delgado que "No era más que un esqueleto cubierto de piel", y a causa de su contextura física termina yéndose por la escurridera de la bañera.

En suma, el gran "Disraeli Gears" es el "jamón del medio" de este suculento sandwich psicodélico que fue la música de Cream, con sus únicos tres álbumes de estudio (curiosamente este es el álbum del medio). Se las arregló para mantenerse bien arriba, en 1967, ese año tan plagado de trabajos que dejaron una huella imborrable en la música psicodélica y de vanguardia: "Sergeant Pepper", "Forever Changes", "The Piper at the Gates of Dawn", "Surrealistic Pillow", "Are You Experienced?", "The Doors", "Strange Days", "The Velvet Underground & Nico" y para rematar el año, en noviembre "Disraeli Gears" y al mes siguiente "Their Satanic Majesties Request". La edición que les ofrecemos aquí es de 2013, japonesa, que contiene una versión estéreo y otra mono. Ademas dos versiones de "Lawdy Mama" (tambien conocida como "Hey Lawdy Mama" u "Oh Lordy Mama") un tradicional standar de blues que data de 1934, muy popular entre los músicos de jazz. Clapton la adapto, teniendo mas en cuenta la version de Junior Wells y Buddy Guy de 1965, para el álbum "Hoodoo Man Blues". La versión 1 es la mas fiel al tradicional, pero lo peculiar es que la versión 2 es con la letra de Wells pero el acompañamiento que terminaría siendo lo que es hoy "Strange Brew", con su posterior reemplazo de letra y melodía, que había partido de la versión 1. Y la otra perla es la versión de "Blue Condition" de Ginger pero esta vez cantada por Clapton. Algunas grabaciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic de 1967 y otras de 1968, sumandoles algunas en el Filmore West de San Francisco y las de la sala Winterland Ballroom, dieron paso a la conformación de el tercer trabajo de Cream, "Wheels of Fire". Si bien es mas conocido como un vinilo doble, también fue publicado de forma separada como "Wheels Of Fire - In The Studio" y "Wheels Of Fire - Live At The Fillmore", aunque sólo uno de los temas ("Toad") fue grabado en dicha sala. Una obra magistral de la banda, un buen ejemplo para conocer las facetas bipolares de sus integrantes. En el primer disco Felix Pappalardi decidió incluir algunos instrumentos orquestales como vientos, viola y organos, que el mismo ejecutó. "White Room" de Bruce, una vez mas con la colaboración de Brown, fue el mayor éxito del trabajo, una vez mas destacándose el "wah-wah" de la guitarra de Eric y la siempre creativa percusión de Ginger. También podemos destacar algunas piezas acústicas que se adelantan al sonido de Jimmy Page en Led Zeppelin, como en "As You Said" y un "heavy blues" de primera hora en "Politician". Homenajes a viejos gatos del blues están a la orden del día como "BORN UNDER A BAD SIGN" de Booker T. Jones y William Bell, que ya había homenajeado Albert King en su disco homónimo. El segundo LP demuestra las habilidades de improvisación del trio sobre el escenario, destacándose con la guitarra de Clapton en el "Crossroads" de Robert Johnson, la armónica de Bruce en "Traintime" y el indiscutible caudal de virtuosismo de los tres desplegado en los casi 17 minutos de "Spoonful" de Willie Dixon.

Todo parecía estar en la cúspide de la creatividad, pero la banda se estaba resquebrajando. A mitad de 1968 decidieron y anunciaron que cada uno continuaría por separado. Baker comento en 2006 acerca de ese momento: "Llegó un momento en que Eric me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical.". Otro de los factores de la ruptura eran las tensiones que existían entre Bruce y Baker, quedando como mediador Clapton. Cansado de este rol y por un articulo periodistico de la revista Rolling Stone, la cual el admiraba, que lo catalogaba como "el maestro del cliché del blues", decide encausar su carrera hacia otros horizontes. Anunciada oficialmente la separación de Cream , el trio se dio un tiempo para perpetrar un cuarto y ultimo disco, "Goodbye", salido en febrero de 1969 con la banda ya disuelta. Son seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres temas nuevos. Entre ellos se destaca "Badge", co compuesta por Clapton y su buen amigo George Harrison quien también participo como guitarra rítmica con el seudónimo de "L'Angelo Misterioso". Hubo una gira de despedida presentándose en veintidós conciertos en diecinueve lugares en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre. Estas ultimas se editaron por la BBC años mas tarde con el nombre de "Farewell Concert". Luego de Cream, Baker y Clapton pasarían a formar otro supergrupo, Blind Faith, junto a el gran Steve Winwood de Traffic y el bajista y multiinstrumentista de Family, Rick Grech, el cual solo aportaría un único pero excelente trabajo discográfico homónimo en 1969, con un altísimo posicionamiento en las principales listas. Bruce entonces, iniciaría su prolífica carrera en solitario, siendo el puntapié inicial en 1969 con su álbum "Songs for a Tailor". Bruce falleció en 2014 por una complicación del hígado, órgano el cual se le había sido trasplantado en 2003. Luego de Blind Faith, Clapton formará otro legendario super grupo ni mas ni menos que con Duane Allman uno de los mejores guitarristas que dio el rock, nos referimos a Derek and the Dominos, que también registraría un solo y eximio álbum de estudio "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970), para luego emprender su carrera como solista hasta el presente. Ginger Baker tendría el honor de ser la cabeza de su nueva agrupación la Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de los Moody Blues. Entrada la década de los años 70´s Baker se intereso en la música y cultura africana, lo que lo llevo a instalarse en la capital de Nigeria, Lagos, armando su propio estudio de grabación en 1971 al que bautizó "Batakota", Paul McCartney y Wings grabaron material del disco "Band On The Run" alli. Su inquietud por estas culturas lo llevo a emprender un viaje a traves del desierto del Sahara, con documental incluido llamado "Ginger Baker in Africa". También une fuerzas con el músico africano Fela Kuti y registran un disco en vivo en 1971 "Live!", y en 1974 se suman Bobby Tench de The Jeff Beck Group para grabar un álbum de estudio, "Stratavarious". En los 80´s como parte de su proceso de rehabilitación de la heroína, se radica en un pueblito de Italia. En 1980 había participado como músico de sesión de la banda de space rock Hawkwind para su álbum "Levitation" y al poco tiempo se les une como baterista estable, para la gira de 1981, pero los abandonaria ese mismo año. En 1985, participa como baterista de sesion de "Album" de la banda Public Image Ltd., liderada por el cantante John Lydon de los Sex Pistols. Cerrando la década intentó ser actor mudandose a Los Angeles pero esa faceta no prospero. Los 90´s lo encontraron en tres formaciones mas. La primera en 1992, Masters of Reality, encausada hacia el hard rock, la segunda fue en 1994 con The Ginger Baker Trio y un "dream team" blusero en BBM (Bruce-Baker-Moore) con Jack Bruce y el gran Gary Moore. Ginger falleció, no hace mucho, el 6 de octubre de 2019 a los 80 años ya venia acarreando problemas cardiacos siendo operado en 2016. 

Cream tuvo un glorioso regreso el 2, el 3, el 5 y el 6 de mayo de 2005 en el Royal Albert Hall de Londres. No se comentó mucho previo a estas presentaciones por que los estados de salud del bajista y el baterista tambaleaban (Bruce había recibido un trasplante de hígado después de haber sido diagnosticado con cáncer y Baker sufría artrosis).Estas presentaciones se editaron tanto en CD como en DVD con el titulo de "Royal Albert Hall London May 2-3-5-6, 2005 ". A raíz de esta mítica reunión, Cream decide presentarse en Nueva York en el Madison Square Garden el 24 y 26 de octubre de ese mismo año. En 2010 y pese a los rumores que rondaban, Jack Bruce aniquiló la  mínima posibilidad de una vuelta de la formación vaticinando: "Cream está acabada". Abajo veremos una presentación en el Beat Club de "Strange Brew" y dos videos del regreso en el Royal Albert Hall en 2005, el primero "Outside Woman Blues" y el segundo no necesita presentación.


Lista de Temas:

1. Strange Brew
2. Sunshine of Your Love
3. World of Pain
4. Dance the Night Away
5. Blue Condition
6. Tales of Brave Ulysses
7. SWLABR
8. We're Going Wrong
9. Outside Woman Blues
10. Take It Back
11. Mother's Lament
12. Lawdy Mama (version 1)
13. Lawdy Mama (version 2)
14. Blue Condition (version alternativa)


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