sábado, 24 de septiembre de 2016

Nexus - Detrás Del Umbral (1999)


Nexus es una banda de rock progresivo sinfónico, originada por un grupo de amigos en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, a mediados de los años 70. Sus miembros fundadores eran y son
Lalo Huber en teclados, Carlos Lucena en guitarra y Luis Nakamura en la batería. Durante los años 80, tuvieron algunas presentaciones en vivo y también cambios de formación, algo que no impidió de ninguna manera, la grabación de su material de hasta entonces en un casette promocional. En estos primeros años de la agrupación era mas que obvia su influencia de los grupos europeos típicos de la época, de la mano de el denominado rock sinfónico. No solo Nexus, sino que un buen puñado de bandas en la Argentina como las reconocidas Aquelarre, Crucis, La Maquina de Hacer Pajaros , Invisible, Ave Rock, Espíritu, Pablo "El Enterrador" o Alas se dejaron seducir por este agradable sonido. La banda brindó varias presentaciones a lo largo y ancho de todo el pais, de la mano de artistas como Trigémino, M.I.A. (Músicos Independientes Argentinos), FEM, Leonor Marchesi, entre otros. Pese a no poder obtener un contrato discográfico durante la afamada década de los años 80, continuaron brindando su sentido de lucha e incorporaron a la cantante Mariela Gonzalez y a el bajista Daniel Ianniruberto, para que llegado el año 1997 se afirmaran para continuar con varias presentaciones en vivo Argentina, inclusive teloneando a reconocidas bandas internacionales como Cast de México, IQ de Inglaterra y The Flower Kings de Suecia. A finales de siglo registraran su demoledor debut discográfico, "Detras Del Umbral". El trabajo en, lineas generales, hace hincapié en la magnificencia del sonido de los teclados, por eso, marca un clara influencia, en primer lugar a los organos y hammonds de ELP y luego a el primer Genesis, Marillion y Yes Se vislumbra también una cuota "neo progresiva" cercana al sonido de IQ de la nueva etapa que marco el álbum "Ever" (1993).
La fuertísima presencia de la voz de Mariela Gonzalez, logra balancear emocionalmente a la banda, con el fin de evitar "una exageración técnica" de los demás instrumentos.

Un típica introducción instrumental propia de los trabajos de este genero irrumpe con el aliento inicial de "El Despertar", para darle un progresivo puntapié a "Condenados". Una canción que con no mucho, logra sintetizar el sentido del álbum en su totalidad. Es una especie de formula mas que elocuente para aquellos años en que se lanzaba el álbum,para descubrir que hay "detrás de ese umbral", como de alguna manera pasar el umbral de fin de siglo y de milenio y así descubrir o ver que es lo que nos depara detrás. "Mas allá del limite " gran muestra del poderío instrumental con excluyentes trabajos de Huber y soberbios solos de Lucena. La enérgica "Tiempo Sin Razón", un momento épico del álbum, ya sea por el directo carácter de su letra ("Los hombres se agitan bajo el sol, Adorando imágenes de hielo...") o por los buenos pasajes de teclados a lo Rick Wakeman (legendario tecladista de Yes) de aquella bien valorada edad dorada.

Uno de los momentos mas preciados es sin dudas "Signos En El Cielo". Exhibe una intensa intro instrumental en donde los instrumentistas demuestran un gran sincronismo y variedad de tiempo de manera impecable, para darle lugar a una parte vocal con una especie de estructura pop. Sobre el final vuelven a ese concepto del principio, para demostrar una buena cohesión con la canción siguiente. "Sueño Infinito" comienza con una guitarra triste a la que se le adjunta una voz mas melancólica aun  obre la cual se van superponiendo incidentalmente y alternadamente los demás instrumentos. Sobre el final es determinante las capas y capas de guitarras de Lucena, que brindan un nuevo hálito de vida a esta esencia de la canción.

Comienza el homónimo de el disco con una acertada introducción de dos minutos con lindas cortinas de teclados semejantes a el maestro Keith Emerson. La parte vocal en su comienzo quiere (y puede) imitar la melodía base que venían ejecutando. Luego cabe destacar un buen labor a nivel histrionico de la voz Gonzalez, que ejecutando diferentes voces. A partir de los 6 minutos, vislumbramos determinantes trabajos de teclados cercanos al estilo de Rick Wakeman. Eclosiona con un caótico final, para darle una excelente cohesión a "La Procesión Interior". Otro vivaz instrumental, que realmente expresa una prosecion por la forma en que se emplean los instrumentos,"in crescendo". Recuerda muchísimo al final de la bellisima "Shadows of the Hierophant" del maestro  Steve Hackett. "Eterno Y Fugaz" otra maravilla a lo  E.L.P. Hacia el minuto y medio, la intensidad baja, para que la parte vocal navegue en calma, debidamente hasta el minuto 5 . Allí el teclado marca la pauta para que se vayan sumando los demás instrumentos, donde es destacable la labor de la guitarra en un pasaje reviviendo aquella melodía vocal. En los momentos finales vuelven a tomar la posta los teclados. Aunque la métrica es, de hecho, repetitiva la labor de la banda es mas que sobresaliente. Pese a no estar enganchada su predecesora "La Batalla" parece ser una continuación de aquel "Eterno Y Fugaz" sobre todo a su estructura. Un buen manejo de las herramientas de final de disco es "El Ultimo Ritual" tiene lo que debe tener una conclusión para un álbum de concepto, muy parecido a el rol de la intro de "El Despertar".

El considerable éxito de "Detrás Del Umbral" les permitió presentarse en festivales internacionales, al año siguiente, como el "Nearfest" en EE.UU. que fue registrado en CD "Live at Nearfest 2000" o el "Baja Prog" en Baja California , México. De ese festival mas abajo compartimos "Signos En El Cielo"y "Tiempo Sin Razón". "Metanoia" seria su segundo trabajo de 2001 con un estilo en la linea de "Detras Del Umbral" pero mucho mas maduro. El año 2003 vería el éxodo de Mariela Gonzalez de la banda quien participaría en el primer álbum de la banda argentina de rock Neo-progresivo, Atempo. Seria reemplazada por el vocalista Lito Marcello, para registrar "Perpetuum Karma" en 2006. En 2007 lanzan su cuarto trabajo “Buenos Aires Free Experience vol.2” (el vol. 1 de esta serie, le correspondió a la banda Argentina Amagrama). Esta serie de trabajos, impulsada por el sello “Record Runner” surgió para registrar improvisaciones de las bandas que trabajaban para dicho sello. Este trabajo es prácticamente instrumental, salvo por la canción "Danza Mental" cantada por Marcello. Cabe mencionar la participación como invitado especial, de Ricardo Soulé (Vox Dei) en violines en dos temas. El quinto trabajo en estudio de Nexus llegaría en 2012 , "Aire", con el reemplazo del bajista Daniel Ianniruberto por Machy Madco. Ese mismo año también se da a conocer "Magna Fabulis" con la banda como trió (Lalo Huber, Carlos Lucena y Luis Nakamura) con leves participaciones de Lito Marciello y Daniel Ianniruberto. No debemos olvidar "La Divina Comedia" de 2011, un disco recopilatorio de sus participaciones en distintos proyectos del sello Musea (Francia) y la revista Colossus (Finlandia). Actualmente, en el año 2016, Nexus esta cumpliendo 40 años de carrera festejándolo con la salida de un nuevo álbum de estudio que se editará también en formato vinilo y con la realización de un film a manos de Miguel Bravo (realizador del documental "Leonardo Favio") basado en la historia de la banda y sus vivencias.



Lista de Temas:

1. El Despertar
2. Condenados
3. Mas Allá Del Limite
4. Tiempo Sin Razón
5. Utopía
6. La Espiral
7. Signos En El Cielo
8. Sueno Infinito
9. Detrás Del Umbral
10. La Procesión Interior
11. Eterno Y Fugaz
12. La Batalla
13. El Ultimo Ritual


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sábado, 27 de agosto de 2016

Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota - Oktubre (1986)


Habían pasado solo unos pocos meses después de lanzar aquel gran debut discográfico de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, "Gulp!" (1985), para que la banda aprovechara ese envión anímico y de creciente publico surgido de la escena del under de los 80, y de inmediato se dispusiera en el porta-estudio de Gonzo para componer nuevas canciones, cocinar un nuevo sonido y así grabar su segundo álbum. El mas emblemático y uno de los mas importantes de la historia del rock argentino, "Oktubre", finalmente grabado en los Estudios Panda entre los meses de agosto y septiembre. Disco que por estos días cumple 30 años de su grabación y de su histórica presentación.

La banda se había formado en la ciudad de La Plata en 1976 y estaba liderada por Carlos Alberto "Indio" Solari y Eduardo "Skay" Beilinson. Por aquellos años también fue de suma importancia, para la gestación de la banda, la presencia de  Carmen Castro "La Negra Poly" que hacia las veces de manager y del artista plástico Ricardo Cohen, alias "Rocambole".  Aquel primer Patricio Rey tenia como guitarrista principal a Conejo Jolivet y al tecladista Roddy Castro, con quienes realizaron su primera performance en vivo en 1978. Y así siguieron su escalada a la fama por la frenética escena under hasta 1979 donde hubo un pequeño parate. En 1982 logran grabar su primer demo para la RCA que contenía las canciones "Nene, nena", "Un tal Brigitte Bardot", "Mariposa Pontiac", "Superlógico" y "Pura Suerte", logrando buenas impresiones en las FM aledañas y en emisoras porteñas. Ese mismo año el grupo conoce un considerable crecimiento en sus shows. Para el año 1984 la banda estaba constituida por Solari en voz, Skay en guitarras, Tito Fargo D'aviero en guitarras rítmicas, Semilla Bucciarelli en bajo, Piojo Abalos en bateria, Willy Crook en saxofón y juntos se prepararon para grabar su debut discográfico "Gulp!" en los estudios de la banda MIA con Lito Vitale como operador y músico invitado.

A diferencia de su antecesor, "Oktubre" goza de un sonido mas cercano a la new wave, al post-punk o lo que algunos han denominado como "cyber punk".  También se caracterizó por ser el álbum mas ideológico de la banda. Esta inspirado por revoluciones sociales históricas, nos traslada al octubre de 1917, la revolución rusa, la lucha de las clases sociales mas bajas como los obreros, estudiantes liderados por los Bolcheviques y dirigidos por Vladimir Lenin contra los zares rusos, lo que marcaría el comienzo de lo que fue la Unión Soviética. También al el contexto bélico internacional de la Guerra Fría, y como no a su vez, al escenario político argentino en el período post-dictatorial y de regreso a la democracia. Se sumaban a la formación inicial de la banda la inestimable colaboración de Daniel Melero (por entonces miembro de Los Encargados) en teclados y Claudio Fernández (del grupo revelación del momento Don Cornelio y la Zona) en percusión.

Una sucesión de estruendos monumentales abren el telón para de inmediato adentrarnos a aquel Octubre de 1917 mencionado anteriormente (que en realidad era ese mes para el calendario juliano que regia en Rusia, para el resto de nuestro mundo era noviembre), con una de las introducciones mas famosas del rock argentino: "Fuegos de Octubre". Toda esta emulación de aquel momento histórico no solo se manifiesta en la letra, sino que también se hace escuchar en la indiciosa música. "De regreso a Octubre, (desde octubre) . Sin un estandarte de mi parte... Te prefiero... igual, Internacional". "La Internacional" es el himno mas famoso del movimiento obrero y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas. Los obreros en la lucha contra los zares la cantaban a viva voz, mientras las tropas de los zares respondían con la obra de Romanov , "God save the zar" (Dios salve a el Zar). El riff insistente, redondeado y de relojería rusa de Skay en "Preso en mi ciudad" impregna el oscuro desear del álbum, con quizás la letra mas surreal de entre todas las presentes. "Música para pastillas" rebosante de un pop rock y de una fresca impronta new wave en su ADN. Extraña letra. Guitarras impecables y mas aun los saxos que tienen su fuego propio.

Un irrevocable éxito acusa ser "Semen Up", otro legendario fraseo de Skay Beilinson que coquetea con el blues, mientras que Solari arremete con su poesía de doble sentido y siempre filosa ."Divina TV Führer" asoma como un mazazo al mercadeo publicitario, con un aire burlón y de parodia, a los medios de comunicación de por entonces, dejando bien clara la posición de la banda ante la dictomía entre la cultura y la contracultura. Momento inspirado si los hay es en “Motor Psico”. El Indio Solari nos pone a nuestra disposición toda su maquinaria de imaginería amorosa: "Junto a la hemoglobina me fui y ya no sangro más. De la nada a la gloria me voy (¡así me das más...!) ...".

"En este film velado en blanca noche ..." al escuchar esas 7 palabras, todo "ricotero"(fan de la banda) de alma o cualquiera que se haya acercado a alguna presentación en vivo, sabe que debe estar preparado para lo que se ha denominado "El pogo mas grande del mundo". Y sobre todo estar preparado para el clímax definitivo con el estribillo "no lo soñé, ieeeé...", como si la vida se fuera en ello. Estamos hablando, por supuesto de la canción mas representativa y mas popular de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, "Jijiji". ¿Que mas podemos decir sobre la canción, que no se haya dicho?. Una de las tantas veces que se le pregunto sobre la misma a el propio Indio Solari, ha aseverado para la revista Rolling Stone que: "Para mí es un poco la paranoia de la droga, cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. «Jijiji» es una risa medio perversa, marca una bidimensionalidad, es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación." La fría y hermética "Canción Para Naufragios" acentúa el concepto bélico del disco, sobre todo con su letra mas que sugerente y surreal. "Bombas de aquí para allá. Puede ser, es irreal...Son seis minutos y nuestra "mami" va a contestar."Mami" elimina el error de que vos sos capaz..." Hay quienes que aseguran que esto ultimo hace referencia a lo que tarda un misil (6 minutos) en viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa). La música, es un caudal denso de ochentismo, donde predominan los fraseos de Beilinson y los saxos de Willy Crook.

Finalmente cierra esta gran obra de arte, la carismática "Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera". Una vez mas Willie Crook se luce con un trabajo impecable. Como burlándose a la "institución del hit", el Indio hace alusión a esos éxitos pasajeros y de alguna manera deja entrever sus expectativas sobre Los Redondos mismos, una forma de "atajarse" ante un posible éxito efímero de ellos mismos. Nada mas errado, si tenemos en cuenta, el éxito y la convocatoria en los años venideros de la banda, donde ese "feedback" que invocaba Solari con ese "...Pero te creo uhoo...!"  parece dar sus frutos.

No olvidar el conceptual arte de tapa y del sobre interno, a cargo como siempre de Rocambole. Expresa una suerte de simbiosis entre aquel "Oktubre Rojo" ,que mas arriba comentábamos, y el "Octubre Peronista". El artista comento en una nota a Gloria Guerrero: "Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso. En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico". Por otra parte en el personaje que se aferra a las cadenas en el dibujo interno, se  observan claramente la similitud en detalle de la obra de Salvador Dalí "Autoconstrucción con semillas de maní" donde se ve la prevalecencia del mal sobre el bien, bajo la propia visión de Rocambole.

El 18 y el 25 de octubre de 1986, Los Redondos presentaron "Oktubre" en el boliche Paladium . La mas recordada fue la noche del 18 ante alrededor de 1200 personas  (sin saber estaban por presenciar una noche irrepetible e histórica en el rock argento) que desconcertadas oían como sonaban las primeras notas de la Obertura 1812 de Tchaikovsky. Algo muy acertado ya que esta obra fue creada (a pedir de el Zar Alejandro II) para conmemorar la victoria en la resistencia Rusa ante las tropas Napoleónicas en 1812. Luego de estos dos legendarios shows de presentación del álbum, Tito Fargo y el Piojo Abalos abandonan la banda, seguidos por Willie Crook al año siguiente. Fueron reemplazados por Walter Sidotti (ex Los Argentinos) en batería, y por Sergio Dawi en el saxofón, pasando por alto el reemplazo de guitarra rítmica que dejo vacante Fargo.



Lista de Temas:

1. Fuegos De Octubre
2. Preso En Mi Ciudad
3. Música Para Pastillas
4. Semen-Up
5. Divina TV Führer
6. Motor Psico
7. Jijiji
8. Canción Para Naufragios
9. Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera


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 El pogo mas grande del mundo





sábado, 6 de agosto de 2016

Albert King - Born Under A Bad Sign (1967)


Albert King junto a B.B.King y Freddie King es considerado uno de los tres reyes del blues. Ejerció gran influencia en excluyentes guitarristas de blues como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield, Gary Moore, Stevie Ray Vaughan y por supuesto en Pappo. "Born Under A Bad Sign" del año 1967, es su segundo larga duración que cambiaría el curso del blues (y por consiguiente gran parte de la música americana), aggiornándolo de allí en adelante y asi ubicándose como uno de los mas populares en influyentes de este genero.


Albert King nació en Indianola, Mississippi, con el nombre de Albert Nelson. Era el menor de 13 hermanos y como otras tantas humildes familias de la época se asentaron en una plantación de algodón. A los 8 años su familia se muda a otra plantación cerca de Forrest City, Arkansas donde trabajo sus primeros años. Will Nelson, su padre, tocaba la guitarra y fue el primero que empujó a el pequeño Albert a el mundo de la musica. Fue por esos años que tambien canto en un coro gospel de la iglesia local. Pero para dar sus primeros pasos como profesional tuvo que moverse, primero a Osceola, Arkansas para integrar el grupo In the Groove Boys y luego tras su paso por Indiana, se desempeñaría fugazmente como baterista de la banda de Jimmy Reed en Saint Louis, Missouri. Pero la guitarra seria su amor definitivo, sobretodo su Gibson Flying V a la que no tardo en ponerle el nombre de "Lucy". Al ser zurdo no le quedo mas remedio que invertir su instrumento. Pero he aquí una rareza: a pesar de ello y como muchos guitarristas zurdos como Jimi Hendrix, ni mas ni menos, King nunca invirtió el encordado. Su contextura física era exuberante, su altura era de más de 1.90 y pesaba 118 kilos de ahí el sobrenombre de "The Velvet Bulldozer" (la excavadora de terciopelo). Durante algunos años de la década del 50, mas precisamente en 1953, viaja a la blusera ciudad de Chicago para registrar su primer simple para la Parrot Records, pero sin tener resultados superlativos. En esa ciudad también finalizaría un doctorado en guitarra a cargo de Robert Nighthawk. Su primer éxito tangible lo obtendría en 1959  con el sencillo "I´m A Lonely Man", pero el sencillo que ingresaría en una lista afortunadamente sería:"Don't Throw Your Love on Me So Strong" que se posesionó en el numero 14. Este gran éxito luego conformaría parte de su debut discográfico, aquel que recopilo sus primeras grabaciones, años mas tarde, "The Big Blues" de 1962. El año 1966 seria un punto de quiebre en su carrera. Se traslada a la ciudad de Memphis y firma contrato con la discográfica Stax para registrar su segundo trabajo "Born Under A Bad Sign"

Una seña particular de este gran LP es lo bien que King sabe rodearse para su perpetración. Es sabido que esos finales años 60´s fueron un gran momento en la historia del rock. En Inglaterra con la revolución del mitico Sgt. Pepper de los Beatles, nuevas bandas psicodelicas nacientes como Pink Floyd, también tomaron partida del buen momento de el denominado "blues blanco ingles", Eric Clapton ya había marcado tendencia juntándose con su compatriota el blues-man John Mayall, para aquel inolvidable "Blues Brakers" de 1966. Y obviamente EE.UU. padre biológico del blues seria testigo de una gran eclosión del genero, de la mano claro está, de artistas como B.B. King, Otis Rush, Freddie King o Buddy Guy, entre muchos mas. Albert King sabia que no podía quedarse demasiado atrás. Su gran acierto fue el firmar con Stax Records, que a su liderazgo tanto vocal como guitarristico le otorgaría los músicos de sesión del sello: Booker T. & the MG's (Booker T. Jones, Steve Cropper, Al Jackson Jr. y Donald Dunn), Esto sumado a la sección de vientos de The Memphis Horns. Esta asociación de nombres vería un resultado, por supuesto, emparentado al soul y al funk que revolucionaria la historia del blues para siempre. King estaba en un momento increíble y aunque sea su segundo álbum, ya tenia la suficiente experiencia para introducir pequeños momentos, con esas dosis de sutilezas que llevan a producir cosas gigantes.

La canción que abre el LP es ni mas ni menos que "Born Under A Bad Sign" buena muestra de esa impronta aportada por Booker T. & the MG's . De hecho la música es de Booker T. Jones con letra de William Bell. Su estructura es poco común dentro de los parámetros del genero. Es llamada "un elemento básico atemporal de blues". Sosteniéndose por una solida base de bajo y una oportuna sección de metales, King desliza sus punteos dialogando con el guitarrista rítmico Steve Cropper dejando mas que claro la química que habían logrado. Un buen gancho seria su letra. Ha consegido un buen numero de adeptos por su referencia astrologica. Varias de las traducciones que se han hecho han nombrado al titulo como "Nacido bajo una mala estrella" y otras "Nacido bajo un signo malo". Narra las desdichas de la triste vida de un hombre que, si bien nadie lo ha confirmado, bien pudiera tratarse el propio Albert King, todo empapado en un solo concepto: la mala suerte, su única suerte. Bastara escuchar: "Nacido bajo un mal signo, he estado deprimido desde que empecé a gatear. Si no fuese por mi mala suerte, no tendría suerte en absoluto... La mala suerte y los problemas son mis únicos amigos, la llevo solo desde los diez años... No sé leer, nunca aprendí a escribir, toda mi vida ha sido una gran lucha... He estado deprimido desde que empecé a gatear".  En su tercer álbum el doble "Wheels of Fire", el famoso trío Cream registra una fiel versión, solo con algunos cambios en la parte cantada por Jack Bruce. Ha sido interpretada por muchos mas, entre ellos: Paul Butterfield Blues Band, Tommy Bolin, Jimmy Hendrix, Pappo y hasta Homero Simpson la canto en un episodio.

King se da el lujo de arreglar un antiguo blues de R.G. Ford: "Crosscut Saw" que había sido grabada en 1941 por el blues-man del delta del Mississippi, Tommy McClennan. La versión goza de una frescura nunca antes lograda y se convertiría en todo un hit.

El famoso tándem compositivo Leiber/Stoller dice presente con todo un clásico: "Kansas City", canción alguna vez grabada por The Beatles, James Brown, Little Richard, entre otros. La enorme "Down Don't Bother Me" asoma como una pieza ultra blusera con una intro de fuerte persistencia de vientos. Es la única composición integra de King ya que su otra aparición en los créditos la encontramos en "Personal Manager" pero co-compuesta con David Porter. Otra canción escrita por la banda de la casa Stax es "The Hunter". La letras contiene claros guiños seductores ("Me llaman el cazador, una chica hermosa como tu, es mi único juego") luego también la popularizarían Ike & Tina Turner en 1969. Una pieza que calza mas que adecuadamente al concepto del álbum, ya sea por su tono cabalístico de su relato o por el grado de sofisticación musical en que se pensó, es la melancólica "I Almost Lost My Mind". La letra describe un abandono: ..." cuando perdí a mi nena, casi pierdo la cabeza...Mis ojos estaban llenos de lágrimas desde que ella me dejó atrás. Fui a ver a la gitana para que leyera mi fortuna, mi cabeza quedo colgada en la tristeza cuando dijo lo que dijo..." . Es un típico "12-bar blues" (blues de 12 compases), donde se destacan las acongojadas teclas de Jones pero sobre todo los elocuentes trazos de flautas de Joe Arnold que sobre el final logran una bella amalgama con los saxos. Sobre el cierre del álbum, uno de los momentos con mas swing nos lo brinda "As The Years Go Passing By" de Deadric Malone. Esta versión de King es una de las dos mas exitosas junto a la que grabaron al año siguiente Eric Burdon & The Animals.

"Born Under A Bad Sign" piedra fundacional del blues, su legado en los guitarristas del genero fue enorme. Por otro lado en 1985 ingresa en el mítico "Salón de la Fama de la Fundación de Blues" en la categoría de "Grabaciones Clásicas de Blues" y en 1999 recibió un Premio Grammy del Salón de la Fama. En abril de 2013 Stax Records editó una edición de lujo. King continuó cultivando excelentes trabajos en los años posteriores a "Born Under A Bad Sign", como así también grandes preformances en vivo. Como la que brindo en el mítico Filmore Auditorium en San Francisco, California. Esas actuaciones fueron en el marco de una serie de conciertos organizados por el famoso promotor Bill Graham donde también hicieron su presentación Jimi Hendrix y Soft Machine. Esas grabaciones en directo se pueden disfrutar en "Live Wire/Blues Power" (1968). El 6 de junio de 1970 en el Pacific Coliseum de Vancouver, Canada, King sube al escenario en un concierto de The Doors para participar en "Little Red Rooster," "Money," "Rock Me" y "Who Do You Love".  En 1983 graba una sesión para la TV de Canada junto a Stevie Ray Vaughan, posteriormente lanzado en audio y en DVD con el nombre de "In Session". En 1988 acude como invitado junto a Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean a un especial "BB King & Friends". También aportaría guitarras para otro grande como Gary Moore para su disco "Still Got The Blues" justamente para una nueva versión de una canción incluida aquí "Oh, Pretty Woman". A raíz de esto, Moore se lo llevaría de gira junto a otra leyenda: Albert Collins. El 21 de diciembre de 1992 Albert King fallece a causa de un ataque cardíaco en Memphis. Su ultimo concierto había sido dos días antes en Los Angeles. En la ceremonia de su funeral, los Memphis Horns interpretaron "When The Saints Go Marching In" ("Cuando los santos vienen marchando"). B.B. King le dedicaría unas palabras: "Albert no era mi hermano de sangre, pero era mi hermano en el blues". El 11 de diciembre de 2012 se anuncia que Albert King ingresará en el Salon de la fama al año siguiente. En ese anuncio Gary Clark Jr., sangre nueva del blues, interpreta  "Oh, Pretty Woman" y luego se une ni mas ni menos que a John Mayer y a Booker T Jones para interpretar  la inmortal "Born Under A Bad Sign".


Personal:

Albert King – guitarra principal y voces
Steve Cropper – guitarra rítmica
Booker T. Jones – organo, piano
Isaac Hayes – piano
Donald "Duck" Dunn – bajo
Al Jackson, Jr. – bateria
Wayne Jackson – trompeta
Andrew Love – saxo tenor
Joe Arnold – saxo barítono, flauta


Lista de Temas:

1. Born Under A Bad Sign
2. Crosscut Saw
3. Kansas City
4. Oh, Pretty Woman
5. Down Don't Bother Me
6. The Hunter
7. I Almost Lost My Mind
8. Personal Manager
9. Laundromat Blues
10. As The Years Go Passing By
11. The Very Thought Of You


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In Session, 1983




miércoles, 22 de junio de 2016

Federico Moyano - Vida Vidala (2014)


"Vida Vidala" es el primer trabajo en solitario del guitarrista y compositor marplatense Federico Moyano. Se había destacado años antes con otros proyectos con la agrupación BERRO D´AGUA y con el DUO CRIANZA.Otra vez se rodea de un buen sustento de músicos marplatenses para registrar un puñado de excelentes composiciones con el fin de musicalizar el cortometraje "Hilos".

Nos encontraremos con un trabajo 100% instrumental con composiciones incidentales que van desde la milonga, el tango, el jazz y el folclore. Otras de fuerte carácter intimista como por ejemplo la hermosa "La Llave (parte 1)", que por su resplandeciente luminosidad, sin dudas nos transportará de vuelta a los mas diáfanos sentires de la niñez.



Personal:

Daniel Alberola: saxo
Federico Moyano: guitarra
Matias Cuello: bajo
Pablo Gonzalez: bandoneón
Tomás Perez: bateria
Melina Coria: piano




Lista de Temas:

1. A Los Santos (Milonga Candombe)
2. La Llave (Parte 1) (Canción)
3. Vida Vidala (Intro) (Lamento)
4. Vida Vidala (Lamento)
5. La Llave (Parte 2) (Canción)
6. La Llave (Parte 3) (Canción)



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martes, 24 de mayo de 2016

Bob Dylan - Blood On The Tracks (1975)


Al momento de analizar los mejores discos de Dylan de la década de los 70, seguramente tendremos una cita obligada con este de mediados de la década, el gran "Blood on The Tracks". Un álbum que también se podría ubicar como uno de los mejores de la historia del rock y de la música popular contemporánea. Este trabajo es como una vuelta a casa para Dylan ya que vuelve a grabar para el sello Columbia, luego de registrar dos álbumes para Asylum Records, "Planet Waves" y el doble directo con The Band, "Before The Flood" ambos de 1974.

Una constante de Bob Dylan es reflejar en sus trabajos las diversas situaciones en la que atraviesa su vida. A pesar de que Dylan nunca ha admitido que las letras en este álbum reflejan su vida personal, ni que tampoco son "confesiones", sino que están inspiradas en los cuentos cortos del autor ruso Anton Chekhov, "Blood On The Tracks"  hace alusión a su angustiosa y critica separación de por entonces su esposa Sara Lowndes. Inclusive el hijo de ambos, Jakob Dylan, ha mencionado que la letra de la canción “Idiot Wind” y muchas otras del álbum son sus padres discutiendo. Canciones con letras que hablan de desamor, ira, soledad, dudas, reproches y demás, están a la orden del día. Por esas épocas Dylan ya tenia en su haber composiciones que hablaban de estas temáticas, pero abordadas desde su lado, desde el despreocupado o rompecorazones que una estrella de rock como el siempre fue. Ahora tenemos a un Dylan lastimado, con una angustia desgarradora, el esta allí, solo con la guitarra. Es así como "Blood On The Tracks" funciona como un retrato de su situación de por aquel entonces (no es raro decir lo de retrato, ya que aun seguía aprendiendo pintura), abordando todas las decepciones, rupturas y desamores que sufrió por aquel entonces. Desde triángulos amorosos, sentimientos de culpa y hasta las mas viscerales escenas de discusiones. En un principio Dylan deseaba que el sonido sea mayormente eléctrico. Queria continuar con esa linea que tanto habia revolucionado en "Blonde On Blonde". Fue entonces que quizo contar con Mike Bloomfield, guitarrista con quien había trabajado anteriormente en "Highway 61 Revisited". Dylan le muestra las composiciones, pero Bloomfield no logra aprendérselas. El guitarrista comentaría sobre las mismas: "Todas comenzaron a sonar igual para mí, todas estaban en la misma clave, todas eran largas. Fue una de las experiencias más extrañas de mi vida. (Dylan) tuvo una especie de cabreo porque no las recogí". Este fue uno de los motivos principales de por que Dylan decidió que "Blood On The Tracks" sonara acústico y prácticamente sin banda. También tubo la oportunidad de exhibir sus canciones ante algunos de sus amigotes. Visitó a Neil Young y también se da el lujo de ensayar el repertorio con la banda de este mismo, Crazy Horse. Otros privilegiados en escuchar el híbrido del álbum fueron David Crosby, Graham Nash, Tim Drummond, Peter Rowan y Stephen Stills. Este ultimo se mostró disgustado por la actuación de Dylan, y poco después de que el abandonara la habitación, le dijo a Nash: "Es un buen compositor... pero no es un músico".

Dylan quiso un concepto mas fresco y espontaneo de las doce canciones que tenia listas para registrar. Fueron grabadas en cuatro días, del 16 al 20 de septiembre de 1974 en A&R Recording Studios de Columbia en Nueva York, dando lugar a unas de las sesiones más adoradas por sus fans. El ingeniero de sonido fue Phil Ramone, quien recuerda hechos significativos, como que Dylan grababa las canciones una tras otra como en "popurri" y cambiaba la estructuras de las canciones sobre la marcha (versos, estribillos,etc.), cuando uno menos se lo esperaba. Eric Weissberg y su grupo, Deliverance, fueron reclutados como músicos de sesión, pero fueron rechazados a los dos días de comenzar las sesiones porque no podían mantener el ritmo de Dylan. El único que se quedó fue el bajista Tony Brown y al poco tiempo se sumaron el organista Paul Griffin y el guitarrista Buddy Cage. Luego de diez días y cuatro sesiones, Bob Dylan terminó de grabar y mezclar las canciones. En el momento en que Columbia tenia preparado el lanzamiento del long play, en noviembre del 74, Dylan cambia de parecer y le comunica al sello discográfico que tenia en mente importantes cambios para el álbum. Entre el 27 y el 30 de diciembre de ese mismo año, en los Sound 80 Studios de Minneapolis (Minnesota), con músicos locales, contratados por su hermano David Zimmerman, regrabó algunas canciones ("Idiot Wind", "You’re a Big Girl Now", "Tangled Up In Blue", "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" y "If You See Her, Say Hello"). Finalmente, "Blood On The Tracks" vio la luz el 17 de enero de 1975. Algo para destacar es que en los créditos no figuran los músicos contratados por Zimmerman que participaron en Minnesota.

Ya el comienzo nos alerta lo que estaba perpetrando con los versos iniciales de todo un clásico de su carrera, "Tangled Up In Blue": "Una mañana de sol brillante, muy temprano, aún en la cama. Preguntándome si ella cambió. Si aun su cabello es rojizo..." Con esta canción Bob Dylan, de alguna manera, inauguraba su estilo de canciones "multidimensionales" que mezclan la noción del tiempo y del espacio. Declararía sobre esta temática: "Lo que hay de diferente sobre esto es que existe un código en las letras, y no hay sentido del tiempo. No hay ningún respeto por esto. Tienes el pasado, el presente y el futuro en la misma habitación, y hay poco que no puedas imaginar que esté sucediendo." Letra de carácter triste, que sin ninguna duda habla sobre un amor que ha terminado, pero no por su parte. Dylan recuerda con melancolía, como conoció a la chica en cuestión. El acompañamiento musical es emotivo y melancólico mientras recita sus recuerdos: "Ella estaba casada cuando nos conocimos y lo intentamos. Rompimos en una noche triste y oscura, ambos sabiendo que era lo mejor. Se giró mientras me marchaba y la escuché decir sobre mi hombro: nos veremos algún día en la avenida. Envueltos en tristeza. Ella trabajaba en un antro de topless, donde entré para tomar una cerveza. Estudió las arrugas de mi cara y me sentí incómodo cuando se agachó para abrocharme los cordones de los zapatos. `Pensé que nunca me saludarías´, dijo, `pareces un tipo callado´." Lo particular de "Tangled Up In Blue" es que si bien es una canción en que se repite la melodía de cada estrofa, subrayando con sus acordes lo que Dylan recorre con voz emocionada, su final esta impregnado de armónica y guitarras, otorgándole un toque mágico en la melodía que parece ser mas movida, dejándonos un sabor optimista. La desdicha de Dylan sigue su recorrido con la descriptiva "Simple Twist Of Fate", remite a un encuentro y posterior desencuentro de la pareja, en un parque al atardecer. "Se sentaron juntos en el parque, cuando al atardecer se oscurece el cielo, ella le miró y él sintió un chispazo estremeciendo sus huesos, fue entonces cuando él se sintió sólo y deseó enmendarse. Caminaron por el viejo canal y entraron en un hotel extraño, con un neón resplandeciente. Sonaba un saxo en algún lugar lejano... ella arrojó una moneda en la taza de un ciego a la entrada y se olvidó de cualquier simple giro del destino...". Luego un tramo con armónicas para dar augurio del fatal desenlace: "Él se despertó, la habitación estaba vacía, no la veía por ninguna parte, se dijo que no debía preocuparse... Oyó el tic-tac de los relojes y paseó con un loro que hablaba buscándola por los muelles... Yo todavía creo que ella era mi alma gemela pero perdí el anillo...¿Cuánto deberé esperar? Una vez más debido a un simple capricho del destino." Ante ese panorama, llega la consecuente reflexión con "You're A Big Girl Now": "Nuestra conversación fue breve y agradable casi me hizo perder el pie y estoy otra vez bajo la lluvia, oh, oh y tú estás pisando tierra firme, de algún modo lo has hecho, eres una gran chica".

Así y todo la furia contenida debía desatarse en uno de los mejores momentos del álbum "Idiot Wind". Una de las mas extensas canciones de la placa, Dylan descarga su odio a lo largo de casi de ocho minutos de furia incandescente, como el mejor lo sabe hacer. A diferencia de la primera versión grabada en Nueva York, que era solo con guitarra acústica, esta es con la banda completa, y para destacar al propio Dylan en los organos. Pero el verdadero enganche de la canción es la letra. Sin dudas un mezcla de violencia y belleza que alguna vez le dió excelentes resultados con "Like A Rolling Stone". Desde el comienzo apunta a alguien o a algunos que han levantado sospechas sobre su persona. No podemos saber quien puntualmente, quizás la prensa amarillista, o quizás sean las sospechas sobre algún personaje ficticio creado por el mismo Dylan, ¿o quizás su alter ego?. Y luego, como no podía ser de otra manera a la mujer que hirió sus sentimientos. Entre el torbellino poético/protestante de Dylan vemos recriminaciones tales como: "Fue la gravedad lo que nos hizo bajar y el destino lo que nos separó. Tú domaste al león de mi jaula, pero sólo eso no fue suficiente para cambiar mi corazón. Ahora todo está un poco patas para arriba, es evidente que las ruedas se han parado. Lo bueno es malo, lo malo es bueno cuando llegues a la cima te encontrarás abajo del todo.". Su desprecio llega a tal punto que podemos oír cosas como: "Ya no puedo ni sentirte, ni siquiera puedo tocar los libros que has leído...". Y luego el estribillo siempre diferente en sus repeticiones, pero con el final que solo cambia dos veces: "Viento idiota, soplando cada vez que mueves tus dientes. Eres una idiota, nena, es un milagro que aún puedas respirar." Pero luego se reparte la culpa: "Viento idiota, soplando entre los botones de nuestros abrigos, soplando entre las cartas que escribimos. Viento idiota, soplando entre el polvo de nuestros estantes. Somos unos idiotas, nena, es un milagro que incluso sepamos alimentarnos." Ahora los vientos se convierten en leves brisas sobre nuestros oídos y así llega la calma tras la tormenta con "You´re Gonna Make Me Lonesome When You Go". Dylan nos adentra en un paisaje bucólico donde intenta relajarse por un momento, imaginando que aun esta con ella. Pero no se olvida de su cruel abandono y cita el funesto amor de uno de sus poetas favoritos: "...las relaciones han sido todas malas, las mías han sido como las de Verlaine y Rimbaud...". Inaugurando el lado "B" de lo que era la edición en vinilo, nos encontramos con "Meet Me In The Morning", un excelente blues con la inclusión de pedal steel guitar de Buddy Cage, quizás la única canción con guitarras eléctricas del álbum. Esta enmarcada en un típico paisaje norteamericano, sirve para expresar la añoranza de Dylan sobre un encuentro que nunca sucedió.

El compás galopante de "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" remite al típico ambiente del "Far West". La historia o el "western" presenta a un gran numero de personajes alguno de los cuales están representados como cartas de poker, que por otro lado es el juego que una de las protagonistas de la historia estaba disputando. Su complejo argumento parece incurrir en dos temas principales, uno es claramente un asalto y el otro en lo que sería un triangulo amoroso, con crimen pasional incluido. La introducción de armónica prepara el territorio para adentrarnos un escenario de "saloon" pero que en realidad es un cabaret. Jack Of Hearts es el personaje mas importante que ha llegado a una ciudad como líder de una banda de ladrones de bancos. Ademas de el hay un narrador que observa y nos cuenta los sucesos. Lily y Rosemary son las dos mujeres de la historia, el narrador se refiere a Lily en un momento como "princesa" o "pequeña reina" y a Rosemary como "reina sin corona" lo que nos hace pensar que son madre e hija. Luego Big Jim quien es la persona más rica de la ciudad y dueño de la única mina de diamantes y marido de Rosemary. Finalmente el "juez de la horca" quien no puede desempeñar de manera correcta su labor por culpa de una borrachera. El Jack Of Hearts es un personaje enigmático y de temer. Al final de cada estrofa se lo menciona, no hay indicio de sus pensamientos, solo se describen cada uno de sus actos. La historia comienza entonces con los secuaces de Jack Of Heart haciendo un butrón: "La fiesta terminó, los muchachos estaban preparando el golpe, el cabaret estaba tranquilo, excepto por el taladro de la pared...". Luego Jack entra al cabaret para el asombro de todos en la escena: "Atravesó el salón lleno de espejos ,"Bebida para todos", dijo. Entonces todos empezaron a hacer lo que estaban haciendo antes de volver la cabeza". A medida que van entrando en escena cada uno de los personajes, el narrador describe lo que es un triangulo amoroso entre Big Jim, Rosemary y Lily. Lily tenia una relación oculta con Big Jim, pero también sentía cierta atracción por el Jack Of Hearts: "Todo el mundo sabía que Lily tenía el anillo de Jim y que nada se interpondría entre Lily y el rey. No, nada lo haría, excepto quizá la J de corazones.". Big Jim es asesinado, pero hay verdaderamente una nebulosa acerca de quien realmente fue, si Rosemary o el mismo Jack Of Hearts. Las pistas que nos da la canción sobre Rosemary son: "Rosemary empezó a empinar el codo y a ver su imagen reflejada en el cuchillo. Estaba cansada de tanta devoción. Cansada de hacer el papel de mujer del gran Jim. Ella, que había hecho muchas cosas reprobables, que incluso intentó suicidarse una vez. Estaba pensando en hacer algo bueno antes de morir...". Pero luego otra pieza en el rompecabezas del crimen: "Nadie supo todos los detalles, pero dicen que sucedió con gran rapidez. La puerta del camerino se abrió de golpe, un frío revólver chasqueó y el gran Jim estaba allí...". Mientras tanto los camaradas de Jack ya daban por consumado su acto: "Dos puertas más allá los muchachos lograron al fin atravesar la pared y vaciaron la caja de seguridad. Dicen que escaparon con un buen botín...". La historia termina con un cuchillo en la espalda de Big Jim, la soga en el cuello de Rosemary y una Lily reflexiva pensando en sus compañeros, pero sobre todo pensando en el Jack Of Hearts: "Lily se había quitado toda la tintura de su pelo. Estaba pensando en su padre al que veía muy pocas veces. Pensando en Rosemary y pensando en la ley. Pero sobre todo estaba pensando en la J de corazones.". Con semejante historia, dos guionistas John Kaye y James Byron se inspiraron en la canción para una película, pero ninguno de los dos proyectos llegaron a buen puerto. Bob Dylan nunca brindo muchas explicaciones sobre la historia. Según Tim Riley, de la National Public Radio, "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" es una alegoría intrincadamente evasiva sobre el romanticismo que oculta motivos criminales, así como el camino que la empresa de un personaje desencadena con una serie de recriminaciones a gente que nunca ha conocido.

Después de ese impasse de ficción sobre ficción, Dylan vuelve a la realidad con "If You See Her, Say Hello". Melancólica y con una fuerte presencia de cuerdas. El y Peter Ostroushko tocan la mandolina, mientras que Chris Weber nos deleita con la string guitar. El tono tristón de Dylan intenta hablarle a alguien para que le comunique o le sugiera cosas a un amor anónimo perdido al parecer en Tánger. "Shelter From The Storm", aunque no de indicio, nos da la impresión de escuchar una historia mitológica. Es la historia de un hombre abrumado y desgastado por el tiempo y su entorno, casi sin esperanzas. Dice: "Fue en otro tiempo, un tiempo de fatigas y sangre cuando la negrura era virtud y la carretera estaba llena de barro... Yo estaba quemado de cansancio, enterrado en el granizo, envenenado en los espinos y expulsado del sendero, cazado como un cocodrilo, arruinado en la mies...". Hasta que aparece ella como una visión casi divina para darle ese preciado cobijo: "Ella estaba allí con pulseras de plata en las muñecas y flores en el pelo, se me acercó con gracia y tomó mi corona de espinas. Entra, dijo ella, te daré cobijo frente a la tormenta". Pero no todo es color de rosas, una pared de pronto se cierne sobre ellos. Ahora el esta viviendo en otro país pensando para si mismo: "algún día la haré mía, si consigo dar marcha atrás al reloj hasta cuando Dios y ella nacieron.". En su final y de manera casi apocalíptica "Buckets Of Rain" cierra "Blood On The Tracks". Un conjunto de palabras de tristeza, de cubos de lluvia y de lagrimas, parecen ser la despedida final de Bob Dylan, que sin embargo deja entrever que pese a todo hay una luz de esperanza al final del camino.

Aquellas primeras tomas registradas en Nueva York en 1974 que Bob Dylan descartó y posteriormente reemplazo y que fueron tan alabadas por sus fans, podemos apreciarlas en "The Bootleg Series Volumes 1-3" de 1991 la primer entrega de esos materiales de archivo tan importantes de Columbia. "Blood On The Tracks" es uno de los álbumes mas vendidos de Dylan, certificándose como doble platino. Alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 y el cuatro en la lista de discos más vendidos del Reino Unido.Ya sea por la crisis emocional, la ira, el dolor, el desprecio y todo lo sufrido por su separación o quizás el personaje que logra crear a lo largo del álbum, Dylan con otra obra maestra, el "Blood On The Tracks", nos deja en claro la intención en cada canción, y de alguna manera, lo que bien expresa su titulo. Dejar la sangre en las pistas...



Lista de Temas:

1. Tangled Up In Blue
2. Simple Twist Of Fate
3. You're A Big Girl Now
4. Idiot Wind
5. You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
6. Meet Me In The Morning
7. Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts
8. If You See Her, Say Hello
9. Shelter From The Storm
10. Buckets Of Rain


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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love

viernes, 6 de mayo de 2016

Little Feat - Little Feat (1971)


Otra de las tantas bandas que pasaron desapercibidas durante los primeros años de actividad, es decir, fines de los 60. Y que sin embargo fue una de las mas grandes del rock americano de las décadas venideras, sobretodo la de los 70.

Los comienzos de Little Feat se ven estrechamente relacionados a la ciudad de Los Angeles, a esa oleada de bandas de la costa este y como no podía ser de otra manera a Frank Zappa que por ese entonces comandaba a sus Mothers Of Invention. Fundada por el cantante, compositor, especializado en la guitarra slide, Lowell George y el bajista Roy Estrada ambos provenientes de The Mothers of Invention. Completaban el cuarteto los teclados de Bill Payne (quien solo habia audicionado para The Mothers) y el baterista Richard Hayward. Difícil es de describir el rock de Little Feat, su estilo por demás variado a través de sus álbumes, desde el boogie, el country y las canciones de folk sureñas, el jazz y hasta el funk, mezclado, como no, con el eterno R&B. Sus letras son de carácter urbano y otras llenas de ironías con toques de surrealismo. Desde sus comienzos, siendo una banda de escasa experiencia, intentaban caracterizarse por un sonido enérgico y a la vez elegante. De ahí el nombre de la formación, sugerencia de Jimmy Carl Black, baterísta de Mothers of Invention, "Little Feat" que significa “piecitos” o "pequeños pies" pero que, literalmente, significa "pequeñas hazañas". Esta formación prevalecería durante los dos primeros trabajos, "Little Feat" (1971) y "Sailin’ Shoes" (1972). Estos dos primeros respetaban la tradición con un sonido country, bluses y buenas dosis de boogie .Vale destacar que en "Sailin’ Shoes" ya el sonido esta mucho mas afianzado sobre todo en los bluses, y la guitarra de George mas afianzada, gran ejemplo de ello es el excelente "A Apolitical Blues". A partir de su tercer LP "Dixie Chicken" de 1973 la banda comienza a cambiar y a adicionar un sinnúmero de músicos, hasta su actividad que llega a los días de hoy y también comienzan a implementar otros estilos como el funk y el soul. En ese disco Roy Estrada los deja para unirse a la Magic Band de Captain Beefheart. Little Feat se quedaba como sexteto, con la llegada del bajista Kenny Gradney, el percusionista Sam Clayton y el guitarrista Paul Barrère, quien además aportó otro concepto desde la composición. Sin embargo la calidad del sonido de la banda que comenzaba a demostrar una buena evolución, no supuso un éxito a nivel comercial. Este factor incidió bastante en el estado de animo de la banda. Lamentablemente y sobretodo en Lowell George. Estas razones, sumado a las dudas por parte de Warner Bros en renovarles contrato discográfico, lograron que a finales de 1973 la banda estuviera al borde de la separación. En un ultimo esfuerzo y con fortuna lograron apartar diferencias y se reunieron en Maryland para grabar un cuarto álbum con un titulo como de "manotazo de ahogado" o bien una epifanía "Feats Don’t Fail Me Now". ("Pies/hazañas, no me fallen ahora"). El álbum tenia un nuevo sonido y una nueva consistencia diferente a los tres anteriores. Little Feat se caracterizaba por su fuerte presencia escénica con sus bien logradas zapadas, este álbum logra capturar ese espiritu (en el medley "Cold Cold Cold/Tripe Face Boogie" por ejemplo) y ademas otorga aportes mas funkies por parte de Payne en caciones como "Rock and Roll Doctor", "Oh Atlanta" y "Spanish Moon". Este álbum seria un punto de inflexión en su popularidad ya que pese a no ser superior a su tridente inicial, los superaría paradojicamente en las ventas. A principios de 1975 emprenderían  una gira europea, organizada por su compañía discográfica, junto a bandas como Montrose, Tower of Power, Graham Central Station y The Doobie Brothers. A partir de ese periodo Little Feat no volvería a ser el mismo.

El debut de Little Feat es con uno de sus discos mas frescos y enérgicos registrados en su carrera. Una rockera introducción con "Snakes on Everything" de Payne se deja acariciar por unos lindos arreglos de bronces a cargo del músico de sesión Kirby Johson. En "Strawberry Flats" Lowell George hace una descripción de lo que bien seria la típica vida del rocker: "Haven't Slept in a Bed For a Week And My Shoes Feel Like They're Part of My Feet ..." ("No he dormido en una semana y mis zapatos se sienten ya parte de mis pies..."). Canciones como "Truck Stop Girl" la historia de amor de un camionero con la "chica de la parada" o "Willin´" las letras, hablan de temáticas sobre la vida en las carreteras. Por ejemplo "Willin´" todo un clásico de Little Feat, que luego seria un himno de George, trata de un contrabandista que trafica drogas a través de la frontera con México. Lowell George se pone en la piel de este camionero que se presenta a si mismo y enumera algunas localidades por donde se manejaba: "Anduve de Tuscon a Tucumcari, Tehachapi a Tonapah manejé todas las marcas de camiones que se hayan fabricado...y si me das hierba, polvos blancos y vino y me haces una seña yo estaré dispuesto a seguir viaje...". La canción en si es de aires countrys con la base de guitarra ejecutada por George, y decorada con la slide guitar del gran Ry Cooder amigo de George, quien contribuyo como invitado en el disco. Pese a la espontaneidad y el muy buen clima que se logró en la grabación, al parecer a George no lo dejo del todo satisfecho, ya que en el siguiente LP "Sailin' shoes" se reversionaria. La canción ya había sido compuesta por el guitarrista en la época de The Mothers of Invention. La leyenda cuenta que "Willin´" fue la responsable de la salida de George de The Mothers. Una versión cuenta que al mostrársela a Frank Zappa sintió una amenaza para su talento, decidiendo excluirlo de la banda. Otra que al incurrir en las drogas lo que no gustó a Zappa y por eso le invitó a dejar la banda.

De George y Roy Estrada "Hamburger Midnight", de los momentos mas potentes del álbum. Pero no podemos dejar pasar el medley "Forty Four Blues/How many more years" de presencia blusera impecable, una vez mas con Cooder en la slide guitar. La primera "Forty Four Blues" o "Forty Four" ya había sido popularizada por Howlin' Wolf en 1954. Tampoco puede faltar tiempo para las baladas, buen ejemplo son la épica "Brides of Jesus" o la romántica "I've Been the One" composición integra de George. "Takin' My Time" demuestra el nivel de composición de Payne con buenos trabajos de teclados y mas que acertados arreglos de cuerdas. Cerrando el LP "Crazy Captain Gunboat Willie" con alta influencia de la psicodelia inglesa y magníficos arreglos de vientos, deja una muy buena impresión para el debut discográfico de la banda.

A partir de el año 1975 debido a algunos excesos típicos de aquellas épocas y a raíz de algunos trabajos de producción y como músico de sesión, hicieron que Lowell George tuviera un rol no tan importante como hasta entonces dentro de Little Feat. Así, entonces gran parte de la tarea de composición quedo a cargo de Payne y Barrère, pero igualmente George siguió siendo el emblema de la banda hasta su muerte. El álbum "The Last Record Album" (1975), con buena recepción de la crítica, obtuvo un discreto éxito de ventas y entró en las listas americanas e inglesas. "Time Loves A Hero" de 1977 vería a Lowell George contrayendo una hepatitis, y así con menos participación aun en la cocina del disco. Sin embargo hay quienes coinciden que este trabajo, con la producción de Ted Templeman, alcanza la cumbre de la sofisticación en el sonido de la banda. En 1978 George regresaría a la banda y gracias al buen sostén de material en vivo de las giras de los últimos años, registran el doble "Waiting for Columbus". Luego de producir "Shakedown Street" (1978) de los Grateful Dead, llega 1979 y a la par de su proyecto solista "Thanks I'll eat it here", comienzan a grabar "Down On The Farm" que se vería interrumpido por su muerte a raíz de un paro cardíaco, el 29 de junio de 1979. Tras su muerte los demás integrantes del grupo concluyeron la grabación de "Down On The Farm". Bill Payne declararía con conmovedora emoción: "Sin Lowell George no somos Little Feat", dejando mas que clara la eminente disolución de la banda, y dando un verdadero punto final a una era. En 1981 se publicó "Hoy-Hoy!", doble álbum grabado parcialmente en directo y con varias canciones inéditas. En 1987, tras trabajar en varios proyectos individuales, Little Feat anuncia su retorno al rock n roll. Registran el excelente álbum "Let It Roll" de 1988 con producción del propio Bill Payne y con una nueva incorporación Craig Fuller acordeonista y multinstrumentista, quien formaría parte de la banda en sus siguientes trabajos: "Representing The Mambo" (1990) y "Shake Me Up" (1991). En 1993 Fuller seria reemplazado por el vocalista Shaun Murphy. Little Feat registraría varios trabajos mas en estudio como así también estupendos registros en vivo como el doble "Live From Neon Park" (1996). En 2009 habría un nuevo receso por la muerte de el baterista Richard Hayward. Tras mas cambios de formación la banda presenta, después de nueve años, lo que seria hasta hoy su ultimo disco de estudio, "Rooster Rag" de 2012. Tras idas y venidas Bill Payne anuncia en 2014 que vuelve a Little Feat de manera permanente, también presta sus teclados a The Dobbies Brothers en una gira de 2015. En el presente, la banda sigue en actividad, pese a la lucha de el guitarrista Paul Barrère contra el virus de la hepatitis C. Actualmente Little Feat esta integrada por Bill Payne (voz y teclados), Paul Barrere (voz y guitarra), Sam Clayton (congas, voz y percusión), Kenny Gradney (bajo), Fred Tackett (guitarra, mandolina, trompeta y voz) y Gabe Ford (bateria y coros).


Lista de Temas:

1. Snakes on Everything
2. Strawberry Flats
3. Truck Stop Girl
4. Brides of Jesus
5. Willin'
6. Hamburger Midnight
7. Forty Four Blues / How Many More Years
8. Crack in Your Door
9. I've Been the One
10. Takin' My Time
11. Crazy Captain Gunboat Willie


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viernes, 29 de abril de 2016

Carlos Gardel - Cuídense Porque Andan Sueltos (Su Obra Integral Vol. 13)


Decimotercera entrega de la obra integral del zorzal criollo. Una vez mas ahonda en una temática típicamente relacionada a la poética y a las armonías del mundo del tango y sus vertientes.
"Cuídense por que andan sueltos" es un desfile de personajes funestos facilmente reconocibles. Chantas, vagos, cirujas, fanfarrones, ladrones/as, gigolós y muchos mas se exhiben por las vidrieras de esta entrega.

Enseguida nos cautiva el excelente tango "Chorra" de Enrique Santos Discépolo en letra y música. Tango que luego también cantado por Edmundo Rivero, cuenta la particular historia de lo que podría ser una  "cama": ... "chorra...tus rebusques de mujer...Hoy me entero que tu mama "noble viuda de un guerrero", ¡es la chorra de más fama que ha pisao la treinta y tres!... Y he sabido que el "guerrero" que murió lleno de honor, ni murió ni fue guerrero. Entre todos me pelaron con la cero, tu silueta fue el anzuelo donde yo me fui a ensartar. ¡Chorros! Vos, tu vieja y tu papá...". La historia ideada en la cabeza de Discépolo se sabia que no esta basada en hechos reales. Sin embargo cuenta la leyenda que un carnicero del Mercado del Plata pensó lo contrario, lo que le llevo el susto de su vida. El compositor estaba un día en la esquina del mencionado mercado, cuando se le acercó un hombre alto y fortachón con delantal de carnicero y una gran cuchilla en la cintura, que sin vueltas le pregunta: ¿Usted es Discépolo?. Si señor, le responde Enrique, a lo cual el carnicero increpó: ¿Quién le contó a usted lo que me paso con la sinvergüenza de mi mujer…y además quien le dijo que podía contárselo a toda la ciudad?”. Ante este sobresalto, Discépolo intentaba explicarle de la manera mas cordial posible que su historia era inventada, pero el carnicero de repente lo sorprende y al borde del llanto, le comenta: “Gracias a usted me he vengado amigo, usted dijo la verdad y ahora todos saben lo mala que esa mujer fue conmigo, gracias”.

Como varias de sus composiciones de clara prosa gauchesca, Francisco Brancatti le pone letra a un reconocido tango de 1930 de Rafael Rossi que luego también seria interpretado por Julio Sosa y por Roberto Goyeneche años mas tarde, "Contramarca". Este tango esta literariamente construido sobre una metáfora que asemeja la "contramarca", o segunda marca del ganado, con el hecho de que una mujer abandone a un hombre por otro y pretenda luego retornar junto al primero. Sin embargo, tranquilamente parece también comparar a esa marca con la herida del clásico "facón" (cuchillo): "China cruel!...A que has venido?. Que buscas en este rancho?. Si pa' mí fuiste al olvido y vive ya más ancho mi gaucho corazón y esa flor que mi cuchillo te marcó bien merecida...".
Algo parecido ocurre en el inigualable tango "De puro guapo" de Rafael Iriarte y Juan Carlos Fernández Díaz que nos describe literalmente un asesinato en medio de lo que parece ser un salon de baile. Un tango de casi tres minutos que no deja captar nuestra atención ni un solo minuto por el suspenso de los hechos relatados. Bastará con oir entre sus lineas: "En medio del conventillo se ha parado un compadrito... Nada le importa que allí se baile, él a bailar no ha venido, busca a aquella que lo ha herido en medio del corazón..." Mucho tuvo que ver Gardel con la creación de este tango. Amigo tanto del compositor de la música, el guitarrista Rafael Iriarte como del letrista Juan Carlos Fernández Díaz. Cuenta este ultimo que conoció a Gardel en el Teatro Nacional presentado por Rafael Iriarte a quien conocía de hace años. Hablaban de la grabación de un tango cuando el mismo se hizo presente cumpliendo una cita con el guitarrista para ir a jugar una partida de billar. Fue, pues, una casualidad. Le recitó la letra de “De puro guapo” que no tenía música y Carlitos le pidió a Iriarte que se la pusiera porque quería cantarla, pues le gustó mucho.

Con "Muñeca Brava" Enrique Domingo Cadícamo introduce en el lunfardo (y así enriquece nuestro lenguaje para siempre) los denominados llamados galicismos del francés, como "madame", "frapé", "gigoló o "biscuit". Diferentes conceptos podemos tener sobre la palabra "muñeca" ya que en el diccionario de la lengua española hace alusión como a una mozuela frívola y presumida. Y en Argentina es sabido que refiere a una mujer hermosa. En este tango, ambos conceptos vienen como anillo al dedo. Otro aspecto o innovación a destacar entre la lírica de Cadícamo es que adaptó el Trianón del Paque de Versalles a Villa Crespo del "Negro Cele" donio Esteban Flores. Los Trianónes franceses fueron unas mansiones reales. La primera construida por Luis XIV y la segunda por Luis XV; un Trianón grande y otro pequeño (éste ultimo fue el preferido de María Antonieta). A los argentinos nos parece común escuchar esos galicismos y mas aun en los tangos, inclusive sin conocer su significado. Entonces se encargó de reemplazar por ejemplo:  "mina" por "madame", "frío" por "frapé", "proxeneta" o "caralisa" por "gigoló" y "galleta" por "biscuit", o bien, de utilizar distintas palabras por rima o para evitar repeticiones o enriquecer el idioma. Luego está la palabra "Che" que demuestra  la influencia de otros idiomas en el español que se habló en nuestro país desde antiguo. Por estudios de el poeta del lunfardo José Gobello que descubre citas en el antiguo castellano. También se afirma que el primero en emplear "Che" fue Esteban Echeverria en su obra "El matadero". En la lengua araucana, "che" significa "hombre", "gente", aunque solamente se emplea como sufijo: por ejemplo, en tehuelche, "hombre del sur". Che pertenece al país, pero particularmente al sur de él y al sur de la provincia de Buenos Aires y, asimismo, a algunas regiones de España, como Valencia.

La congoja desmesurada de otro gran tango "Como abrazado a un rencor" describe un dolor y una confesión sin precedentes. La letra de Antonio Podestá parece presentarse como el epitafio de un malviviente. Sigue el desfile de personajes en "Cara Rota" el típico muchacho que vive "de arriba" o la trepadora de "Cachadora" (aquí se utiliza una vez mas otro galicismo como "voiturette" para hacer referencia a un automóvil deportivo descapotable). 
"Mala entraña", tango escrito por el Negro Celedonio Flores en 1927, con música del compositor afroargentino Enrique Maciel tuvo sus gratas grabaciones de por ejemplo Juan Carlos Godoy, Claudio Bergé, Rubén Juárez y dos veces por el gran Edmundo Rivero (una con guitarras y otra orquestada). Fue estrenada por Gardel el 21 de junio 1927 con guitarras de Ricardo y Barbieri. El personaje de este tango es un reo, hombre de la noche, del llamado "universo del barrio de Flores" con cierto prestigio por su pinta o por su facha. Esta dicotomía se vuelve a presentar cuando luego en la segunda estrofa se canta: ... "Mezcla rara de magnate, nacido entre el sabalaje, vos sos la calle Florida que se vino al arrabal. Compadrito de mi barrio que sólo cambió de traje, pienso siempre que te veo tirándote a personaje, que sos un mixto jaulero con berretín de zorzal”. De allí esa relación o ese contraste entre el arrabal y Florida, el arrabal reo y popular y la calle Florida elegante y discreta. Y como no podía faltar otro elemento constante en la letras tangueras: la madre. La madre, está presente, aunque esta vez el personaje no se quiebra ante su "santa viejita", por el contrario, su muerte no altera en lo más mínimo, su expresión es helada, indiferente. Así y todo vale mencionarlo por que su dureza rompe con ese estereotipo.

Otro gran aporte de Cadícamo es "Compadrón", la letra juega con unas lindas rimas en su estribillo: "Compadrón, cuando quedes viejo y solo (¡Colo!) y remanyes tu retrato (¡Gato!)...". El "compadrón" era el podio mas bajo de los tres términos "compadre", "compadrito" y "compadrón". Estas son algunas apreciaciones de la interesante reseña de el escritor Marcos Aguinis, en "El atroz encanto de ser argentinos", sobre estos tres personajes y del "malevo".
El compadre era el hombre prestigioso por su coraje y su mirada. Muchas veces aparecido en obras de Jorge Luis Borges, el compadre era una especie de héroe que actuaba al margen de la policía resaltaba la contradicción que parecía existir entre las leyes oficiales y su aplicación deforme. Siempre vestía de negro con pañuelo blanco con la inicial bordada y una chalina de vicuña sobre los hombros. Obviamente que su arma era el facón que mantenía bajo la ropa, pero en actitud de alerta. Despreciaba el trabajo, al igual que el hidalgo, el conquistador y el gaucho.  Se batía a muerte si le miraban a su mujer. Se contorneaba al caminar, evocando el minué (paso que modernizó e incorporó al tango). Aventaba la ceniza del cigarrillo con la uña del dedo meñique, con afectación de gentil hombre. Era normal que alquilara sus servicios a algún partido político y realizaba las tareas encomendadas, con total lealtad. Generalmente vivía sólo y era tan parco para hablar, que generaba miedo, además de incógnita. El "compadrito" era una disminución del anterior. Mientras que el compadre se esforzaba por mantener una imagen leal, pulcra y justiciera, el compadrito utilizaba un lenguaje vil y con aires de fanfarrón o "chanta"; se desvivía por hacerse notar: exageraba sus ademanes y su vestuario. Al momento de la pelea elegía siempre hombres que no sabían pelear, generalmente bien vestidos, a quienes envidiaba, considerando que al humillarlos en la disputa, aumentaría su prestigio. Cuando caía en apuros no dudaba en desenfundar el revólver, actitud de miedoso que jamás hubiera protagonizado el compadre. Para ganar dinero no alquilaba sus servicios al comité político, donde había riesgo y lealtad, sino que prefería el camino más cómodo y seguro de convertirse en "cafiolo" o rufián: conquistaba y sometía a dos o más mujeres, que trabajaban para él; a veces se enamoraba de una e ellas. El "compadrón" ocupaba un peldaño más bajo aún; era ventajero, cobarde y desleal. Ganaba dinero como soplón de comisarías. Traicionaba a su familia, sus amigos y su barrio por una moneda. Empilchaba hasta el grotesco y voceaba virtudes inexistentes; la mentira era su constante. El "malevo" representaba la degeneración absoluta; ni siquiera su nombre deriva de la raíz padre o compadre, como los anteriores. Abusaba de mujeres, niños, viejos y cuanto ser débil se cruzara por su camino. Huía ante la amenaza de una pelea; se burlaba de los que se asustaban cuando llegaba la policía a un conventillo, pero se escondía a la hora de la requisa. Era un indeseable en todos lados, salvo en los sainetes, único sitio donde se lo quería porque hacía reir.

El humor en el tango estuvo siempre presente, como para recordarnos que no todo es tristeza, melancolía, dolor y frustración. Por nombrar algunos nos encontramos al tango “Al mundo le falta un tornillo” de Cadícamo y J. M. Aguilar o “Qué vachaché”, “Qué sapa señor” y por supuesto “Cambalache” todas de Enrique Santos Discépolo. "Haragán" un tango de 1928 de Enrique Delfino y Manuel Romero, es uno de los mas graciosos jamas registrados. En su letra amalgama sátira y humor, cuando describe a una mujer “tirándole la bronca” a su pareja, que no quiere “laburar”. Entre sus lineas mas graciosas: "Haragán, si encontrás al inventor del laburo, lo fajás..." o "El día del casorio dijo el tipo'e la sotana: "El coso debe siempre mantener a su fulana... Y vos interpretás las cosas al revés, ¿que yo te mantenga es lo que querés? Al campo a cachar giles, que el amor no da pa' tanto. A ver si se entrevera, porque yo ya no lo aguanto... Si en tren de cara rota pensás continuar, "Primero de Mayo" te van a llamar.".


Lista de Temas:

1. Chorra
2. Farabute
3. Contramarca
4. Cualquier cosa
5. De puro guapo
6. Fayuto
7. Muñeca brava
8. Como abrazado a un rencor
9. Cara rota
10. Cachadora
11. Mala entraña
12. Compadrón
13. La mentirosa
14. Haragán
15. Aquel tapado de armiño
16. Machete
17. Incurable
18. El ciruja

Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"