lunes, 8 de diciembre de 2014

Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)


Siguiendo con su sana tradición, La Guitarra en La Ventana postea como cada año un álbum navideño. Esta vez la segunda y ultima entrega de los discos navideños del trío de la salsa brava: Willie Colon, Héctor LaVoe, Yomo Toro,  nos referimos a "Asalto Navideño Vol. 2". Dos años y también dos discos después de la primera entrega ("ASALTO NAVIDEÑO VOL 1. (1971)"). El rey del trombón produce esta segunda entrega de selecciones salseras navideñas en 1973. Una vez mas acompañado por el inigualable Héctor Lavoe , "el cantante de los cantantes", y Yomo Toro ejecutando su cálido cuatro. Otra vez hacen hincapié en el sonido de la música jíbara que es la música campesina puertorriqueña, sumado a otros ritmos latinos como por supuesto la salsa y sus vertientes: el guaguanco, el merengue la bomba y la samba y la murga panameña.

Con un popurrí de tres selecciones de música samba comienza rebosante de alegría este Asalto Navideño. "Asalto era una palabra perfecta para nosotros, que habíamos adoptado una imagen cómica de malandrines..." declararia el mismo Willie. "Pescao" son tres canciones que nos adentran en un clima navideño. Primero con "Si se quema el monte" un fandango colombiano de la cantaora  buellerenguera Etelvina Maldonado pero adaptado por Lavoe a las formas jíbaras: "Si se quema el monte dejalo quemar que ya estamo en tragos y no falta na...". Luego el coro con la samba panameña "Coje el Pandero", para rematar con la alerge y murgera "Pescao" con aires de himno eterno. Digna de ser escuchada. Con un singular y pleno climax navideño nos deleitan con "Recomendación" o "La Banda". Aciertos que indican el ambiente de algarabía y diversión propias de esta época del año.

El asalto también es una tradición puertoriqueña en la que los cantantes de "villancicos" o "aguinaldos" (como se los llama en Puerto Rico) van de visita a las casas. Si el dueño no tiene nada para ofrecerles, los "asaltantes" le cantan insultos por ser tan tacaño. "Doña Santos" es un claro ejemplo de esto (pero no insultante). El delicioso y contagioso coro excusa una suplica a una tal Doña Santos para que le guarde a los músicos un  pedazo del tradicional lechón navideño a cambio, claro está, de ofrecerle sus aguinaldos para agasajar a sus invitados.

"Cantemos" buena muestra salsera del sentimiento jíbaro en navidad. Un cordial saludo y un diáfano mensaje de unión en hermandad a todos los pueblos latinoamericanos se dá en "Pa los Pueblos". La cumbia colombiana tiene un ritmo muy parecido a la bomba puertorriqueña .Otro tradicional navideño colombiano es "Arbolito" de uno de los más importantes compositores colombianos: José Barros. La calma reinante en "Tranquilidad" se vé afectada con  el cuatro de Yomo que irrumpe majestuosamente. Canción que habla de los parranderos festejando en la navidad. Sobre estos personajes y a colación también de los "aguinaldos" o "asaltos", Willie aclararía: "Resulta que en las fiestas de navidad en Puerto Rico existen dos formas de aguinaldo musical: el aguinaldo urbano y el aguinaldo jíbaro, pero en ambos se reúnen varios músicos de diferentes conjuntos jíbaros para conformar un grupo llamado parranda, que en el aguinaldo jíbaro se denomina trulla y en el aguinaldo urbano se llama asalto. Sobra decir que este nombre ha acarreado muchas confusiones".

Los dos volúmenes de "Asalto Navideño" de Willie Colon  fueron de entre los discos navideños del sello Fania, los mas vendidos. En 2010 Fania saca a el mercado una edición deluxe que incluye los dos volúmenes. Por su parte Willie edita la edición limitada en formato CD y DVD de "Asalto Navideño" en vivo en el coliseo Roberto Clemente en Puerto Rico en el año 1993 con un seleccionado de musicos y amigos.Algunos de ellos son el maestro Isidro Infante en teclados y direcciòn musical, Ray Colón en bongó, Ozzie Melendez, Dan Reagan y Charlie Garcia en trombones. De ese recital mas abajo compartimos "La Banda" y "Doña Santos".



Lista de Temas

1. Pescao (Potpourri Sambao) / Si Se Quema El Monte / Coje El Pandero / Pescao (Samba)
2. Recomendaciòn
3. La Banda
4. Doña Santos
5. Cantemos
6. Pa Los pueblos
7. Arbolito
8. Tranquilidad


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Otros posts navideños de LGV:

Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1971)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)




Otros discos de Willie Colon:

1966 - El Malo
1971 - Asalto Navideño Vol.1 (canta: Hector Lavoe)
1973 - Asalto Navideño Vol.2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro)
1973 - Lo mato





sábado, 29 de noviembre de 2014

Los Suaves - Ese Día Piensa En Mi (1988)


Los Suaves son una de las mas importantes bandas de todo España gestada en los años 80, se caracterizan por un rock duro y urbano. En sus comienzos Los Suaves se encargaron de capturar la atención de toda una generación de aquella época, con letras directas y ritmos emparentados a grandes mitos y leyendas del rock n roll universal, lo que proveyó, a través del tiempo, que ellos mismos entren en esa zona de "mitos y leyendas del rock n roll".

Se formaron a fines de los 70 en Orense (Ourense, tal como se dice en el idioma galego), Galicia, por los hermanos Domínguez (Yosi, Charly y Javier). La formación madre de Los Suaves por aquel entonces se conformaba con Yosi Dominguez en voz y guitarra, Ángel Ruiz y Ramón Costoya en guitarras, Charly Dominguez en bajo y Javier Dominguez en batería. Esta primera encarnación de Los Suaves tiene su especial oportunidad al lograr telonear a los mismísimos Ramones en La Coruña en 1981. De dicha presentación miembros de Los Ramones afirmaron que Los Suaves fueron la mejor banda que los teloneó por Europa, hasta entonces. También en esa presentación comenzaron a utilizar el famoso logo del gato en el escenario emulando a el águila de Los Ramones, este gato (Miau miau) los acompañaría hasta estos días. Poco después consiguen firmar con el sello Clave records para grabar su primer larga duración "Esta vida me va a matar", el cual no consigue la suficiente repercuciòn esperada por dicho sello. El disco contiene grandes temas que luego se convertirían en clásicos  como "Peligrosa maría", "Martires del rok n roll" , el homónimo "Esta vida me va a matar" o el tema dedicado a Lennon "Muerte en el Rock" En 1984 y a pesar del poco éxito del primer álbum, consiguen grabar su segundo trabajo titulado "Frankestein". Aquí comenzaría a variar la formación: se marcha Javier Dominguez para ser reemplazado por Carlos Costoya en bateria, Ramon Costoya es reemplazado por el guitarrista de Guinea, Hermes Alongo Membury y el otro guitarrista Ángel Ruiz es reemplazado por José Losada. El disco , grabado en Asturias tampoco consigue gran éxito, de hecho se ubica por debajo de su predecesor, algunos de los temas mas recordados serian: "Una cuidad llamada perdición", "Mear contra el viento" o "Cuando la música termina". No seria a partir de este, su tercer trabajo discográfico, "Ese día piensa en mi", en que comenzarían a ser reconocidos a nivel nacional.Gran parte de ese reconocimiento se lo deberían por supuesto a su gran éxito "Dolores se llamaba Lola".

Con una impronta de rock potente y directo, Los Suaves cerrarían la década de los 80 con un disco de buenas composiciones. Para este, otra vez cambiarían su formación: volverla el guitarrista Ramòn Costoya (Moncho) quien sustituiría a Losada y a su vez su hermano Carlos se iria para ser reemplazado por Alejandro Cano en bateria. En memoria  de el gran Phil Lynott de Thin Lizzy (ídolo de la banda y muerto en 1986), el disco abre con "¿Sabes? ¡Phil Lynott, Murió!" de característico riff y una melodía y letras eternas: “Campanas de muerte resuenan / pues, en la ciudad del rock and roll ya no brillan las estrellas...¿Sabes? ¡Phil Lynott, murió!”....En seguida el hit del álbum"Dolores se llamaba Lola", otro inmortal riff la sostiene. Con el tiempo se ha convertido en todo himno de una generación. La letra relata la vida de una niña normal que luego termina siendo una ramera. "Nena, te voy a dejar" es una especie de balada de ritmo denso y acongojado. Describen de una forma la pena del abandono amoroso con una poesia sencilla y erizante a la vez: ..."Y en el fondo del arcón / junto a mi suerte negra / ¿Sabes qué voy a guardar? / Con tus recuerdos, mi pena”...

Está claro que este álbum es un punto de quiebre en el sonido rockero de Los Suaves. Con la viciosa "No puedo dejar el rock" ya encontramos destellos de lo que vendría en otros discos, mas que nada con la incorporación del eximio guitarrista Alberto Cereijo quien esta invitado en esta canción. Toda una declaración de principios. Compuesta por Yosi otro clásico de la banda. "Ese día piensa en mi". Un rock ardiente con una intro potentoza de bajo y bateria . Una canción que como bien dijo Yosi en aquel mítico recital "29 años, 9 meses y un día": " ...es una canción de soledad... es una canción también de amistad, pero sobre todo es una canción de muerte..."

Como un juego de la imaginación Yosi se atreve en  a preguntarse "Buen Suceso": "...que haremos con las guitarras si matan el rock and roll..." entre cada estribillo que es separado por  fantásticos duelos a muerte de guitarras. Cerrando el álbum, una notable influencia  Lynott "Camino de una dirección" un tema que habla del "caballo" droga tan en boga en aquellos años. Y siempre claro esta acompañado de poesía: “Su nombre es Nunca Jamás, como el cuervo de la muerte”.

Disco que abriría camino a lo que vendría luego. Como camino a seguir llegaría su doble LP en vivo de la gira de "Ese Día piensa en Mi":  "Suave es la noche" que tras varios problemas saldría en 1989. Alberto Cereijo aportaría frescura al grupo tras entrar  por Hermes Alongo Membury, con quien grabarían su siguiente y doble lp de estudio en 1991: "Maldita sea Mi suerte", aportando grandes canciones como “Pardao”, “Maldita sea mi suerte”. Gran trabajo que contaría con la presencia de grandes leyendas del rock español  y de todo el mundo como por ejemplo el gran Alvin Lee guitarrista de Ten Years After en el extenso corte “La noche se muere”. Los 90 seguirían con grandes álbumes como: “Malas Noticias” (1993) y “Santa Compaña” (1994), entre otros.

Tras otros buenos  álbumes como “Víspera de Todos los Santos” (2000), “Si Yo Fuera Dios” (2003) o “El Jardín de las Delicias” (2005), en 2007 corre el rumor de la ida de Cereijo para encarar el proyecto ECO. Afortunadamente decidiría quedarse con Los Suaves y en  2010 se edita el mítico “29 Años, 9 Meses y 1 Día” en DVD. De ese gran concierto veremos dos grandes momentos relacionados con este trabajo.



Lista de Temas:

1. ¿Sabes? ¡Phil Lynott, Murió!
2. Dolores Se Llamaba Lola
3. Sólo Pienso En Dormir
4. Nena, Te Voy A Dejar
5. No Puedo Dejar El Rock
6. Ese Día Piensa En Mí
7. Buen Suceso
8. Río Y No Sé Por Qué
9. Camino De Una Dirección


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lunes, 17 de noviembre de 2014

Carlos Gardel - Pobres Chicas (Su Obra Integral Vol. 11)


Otra entrega de la obra integral del zorzal criollo infiriendo en las mujeres. Ya lo habíamos resaltado en anteriores volúmenes como "Amores Difíciles" o "Las Mujeres Aquellas", entre otros. Gardel nos canta un sinnúmero de historias de amoríos y  describe varias historias dolorosas de diferentes  mujeres. Por ejemplo canta de estudiantes, prostitutas, difuntas, pordioseras y hasta a una trapecista de circo!

Abriendo el volumen aparece la famosa e irrepetible "Intimas" con música de Alfonso Lacueva y letras de Ricardo Brignolo. Este tango describe a una bella mujer, alicaída por un desengaño amoroso. Pero lo novedoso es que parece ser narrado, por su letra,  por otra mujer (de ahí el nombre "Intimas").
 De Cádicamo "La novia ausente", una queja a los tiempos pasados. El narrador recuerda tiempos de antaño cuando era estudiante y caminaba con su novia , y le recitaba una sonatina. Un gran aporte del clásico tándem Gardel/LePera con el tango de 1932 "Estudiante", con una introducción de guitarra a la que se le agrega unos bellisimos arreglos orquestales.

Es importante resaltar que "Pompas",  también conocido como "Pompas de Jabón", es el primer tango que escribió Enrique Cádicamo, con música del pianista y compositor Roberto Emilio Goyeneche.
Dos particulares historias descubrimos con los tangos "La Muchacha del Circo" y "Fea". En la primera las desdichas de una trapecista que regala sus habilidades para la algarabía del publico, pero que en realidad oculta miseria y dolor. La canción culmina con su muerte tras soltar "su mano cansada" del trapecio.
La segunda de una muchacha que sufre debido a su fealdad de proporciones inimaginables. Algunas lineas de este tango con humor rozan el sarcasmo:..." Procurando que el mundo no la vea ahí va la pobre fea, camino del taller..." o  "En plena juventud ya estaba vieja, nunca exhaló una queja...". Otras de sus desdichas fué que se vio abandonada por un hombre que debía conducirla muy pronto ante el altar, engañándola con su mejor amiga.

Cerrando esta entrega el popular tango "La Casita esta triste" con música de Luis Bernstein y letra de José De Grandis, e interpretado por grandes como Julio Sosa. Relata el funeral de una moza velada en su propio hogar.




Lista de Temas:

1. Intimas
2. Esclavas Blancas
3. La Novia Ausente
4. La Uruguayita Lucia
5. Muchachos Silencio
6. Estudiante
7. Milonguita
8. Pobre Chica
9. Pompas De Jabon
10. Milonga Fina
11. Besame En La Boca
12. Galleguita
13. La Muchacha Del Circo
14. Caminito Del Taller
15. Fea
16. Pobre Colombina
17. Vieja Recova
18. Alma De Loca
19. Cariñito
20. La Casita Esta Triste


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jueves, 4 de septiembre de 2014

Prince & The Revolution - Purple Rain (1984)


El álbum que colocó en la cima de la popularidad a el artista que por entonces era llamado "Prince", "Purple Rain ", que por otro lado es la banda de sonido del drama/musical llevado a la pantalla grande con película homónima. A Prince se lo ha apodado con un sinnúmero de sobrenombres: "Prince (TAFKAP)", "The Artist", "Symbol", "Camille", "Jamie Starr", "Sinbad the Conqueror", "The Purple One", "Purple Yoda" o "El Enano de Minneapolis". Pero los laureles se los lleva por supuesto por, ser un vanguardista, un enorme vanguardista y creador del denominado "Sonido Minneapolis", el cual comenzó a gestarse a partir de su tercer álbum "Dirty Mind" de 1980, ademas de ser un excepcional guitarrista.


Prince Rogers Nelson nació el 7 de junio de 1958 en Minneapolis, Minnesota. Su padre tocaba jazz en un trío llamado "Prince Rogers Trio" , de ahí obtiene el nombre para su hijo. En sus primeros años de vida Prince demostró ser un niño precoz. A a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que aprendió a tocar rápidamente. Pero no seria hasta los tempranos 17 años que se introduciría en el mundo profesional de la música, gracias al marido de una prima , llegando a grabar unas pocas cintas en estudio, al tiempo que la Warner Bros lo contrataría para una  grabación seria."For You", su álbum de 1978, su debut discográfico, un puñado de composiciones en su totalidad de su autoría donde ejecuta todos los instrumentos. Luego vendría "Prince" de 1979 donde "I wanna be your lover" asomaría como el primer éxito del artista.
Llegada la década de los 80 vendría el génesis del llamado "Sonido Minneapolis", con un giro de 360 º en su sonido, donde predominaba la crudeza acompañada de un buen cambio mas provocativo en el look . "Dirty Mind" de 1980 muestra este cambio ya en su provocativa tapa, con un Prince en slip y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Las letras sexualmente provocativas , fueron el foco de todos los censuradores de la época. Fue asi como se gestó este "Sonido Minneapolis" con álbumes como "Controversy" (1981) (acercándose a la conciencia social en sus líricas) o "1999" (1982) (una gran obra maestra) ,aqui ese "Minneapolis Sound" comenzaba a estar "a punto chantilly", deslumbrantes arreglos de maquinas pasadas por sintetizadores mixturados con un R&B , un pop y por supuesto un funk de alto nivel. Allí se destacaría como gran éxito la canción "Little Red Corvette", dirigida básicamente al público blanco. 

Aquí a la banda que acompañaba a Prince , se le comenzó a llamar "The Revolution". Entonces fue que por estos años, durante la gira de "1999" ya entrando el año 1983, que al artista le surge la idea de escribir una película, la cual se rodaría durante el verano y otoño de ese año entre Minneapolis y Los Ángeles. Seria nada mas y nada menos que "Purple Rain". The Revolution también vería llegar a la flamante y joven nueva guitarrista de 19 años de edad Wendy Melvoin en reemplazo de  Dez Dickerson, quien era amiga de Lisa Coleman, la tecladista.

La película en cuestión muestra la historia de un músico apodado "El Niño" (Prince) que viva con unos padres conflictivos  y sus ganas locas de dar a conocer su arte junto a su agrupación. El y su banda (The Revolution) eran habitúes de una discoteca ubicada en "La Primera Avenida"  donde se presentaban diferentes agrupaciones, entre ellas "The Time" con su líder sumamente competitivo y arrogante, Morris Day. También hace su presentación la bella cantante y bailarina Apollonia Kotero con su grupo "Apollonia 6", con quien "El Niño" tiene una relación amorosa. La película es acompañada por canciones del propio álbum  "Purple Rain" casi todas ejecutadas en vivo en cada presentación de The Revolution. La banda de Prince se enfrenta ante varias dificultades. Una de las principales son los tensiones internas entre los miembros de la banda. Cierto egocentrismo de Prince era chocante para las chicas de la banda, Wendy y Lisa. Otros serian la desaprobación que había por parte del publico y de los dueños de la disco. A medida que transcurrían las vidas de estos personajes se irían solucionando. Con respecto a la aceptación  del publico, terminarían siendo aceptados en gran parte gracias al tema final de la película , que no seria otro que la grandiosa "Purple Rain" dedicada al padre de Prince.

El álbum es una joya de los 80´s que revolucionaria el pop . Novedoso por donde se lo mire , las composiciones se mueven de forma dinámica entre sonidos rockeros, funkies, pop, soul y claras aristas psicodelicas. La guitarra cumple un rol principal y el mismo Prince se preocupa por el uso de sintetizadores ."Let's Go Crazy"  se nos presenta como una pieza bien rocker sin perder  lo pop. Una intro de órganos de iglesia con toda una declaración de principios o mejor dicho "un elogio a esta cosa llamada vida", recitada por el mismo Prince, para luego zambullirse en un frenesí bailable pocas veces oído.
"Take me with U" rebosante de frescura pop con arreglos simples de cuerdas que rozan la perfección y cantado a dúo con la infartante Apollonia Kotero.

Luego vendría la balada en plan super intimista y una furia visceral al final, primero cantada con falsete como suele hacerlo en ciertas ocasiones. Entre unas cálidas texturas de de organos y sintetizadores, en su comienzo, canta con un inquietante anhelo emocional lo que aparenta ser un amor no correspondido, o mejor dicho un triangulo amoroso. Luego llegando al final la furia que estaba conteniendo se desata con unos desquiciados y ardientes gritos implorando: ..." baby, baby I want youu!!...." El profundo encanto de "Computer Blue" podría ser un preludio a lo que seria la música "techno" y grandes influencias de la musica electrónica. contiene un arreglo de guitarras del bellisimo tema en piano del padre propio Prince: John Nelson.  La provocativa letra de "Darling Nikki"  llevó a que Tripper Gore (esposa de Al Gore segunda dama en EE UU entre 1993 hasta 2001) por entonces activista política co-fundara Parents Music Resource Center ('PMRC, Centro de Recursos Musicales para Padres). la letra describe a un "demonio sexual" o a una típica "grouppie" que el cantante encuentra en el lobby de un hotel masturbándose. La historia prosigue con Nikki invitando a Prince a su "castillo" donde ocurren una serie de hechos desfachatados. En la pelicula Prince dedica la canción a la propia Apollonia, causando la indignación y el alboroto en toda la discoteca.

La exitosa e hiper bailable "When Doves Cry" (Cuando las palomas lloran) goza de buenos trabajos de sintetizadores y precisos solos de guitarra. En la película la letra describe las dificultades amorosas de sus padres entremezcladas con las propias dificultades con Apollonia, comparándolas de una forma muy peculiar. Cerrando el álbum  la gigantezca y eterna  balada lacrimogena "Purple Rain" , que decir de esta gema?... nada mas que fue y es un icono de la música pop de todos los tiempos ya que trascendió a la década de los 80s y por supuesto finalizó consagrando a Prince para siempre. La canción se abre paso con un solitario acorde de guitarra al que se le adieren una percusión y un organo de iglesia propios de la música gospel. La tensión emocional en su forma de cantarla es irrepetible, es notable la influencia de Jimi Hendrix en un segmento, el climax final es electrizante y orquestado con solos de guitarras cruciales. 

Álbum y película colocaron en el estrellato a Prince .El disco vendió más de 15 millones de copias solo en Estados Unidos,  ganó tres Grammys por el disco y un premio Óscar a la Mejor Banda Sonora. Su correspondiente gira por norteamérica , entre 1984 y 1985, fue vista por más de un millón de personas. La película supuso también el debut como actor de Prince y es la única que actúa y no dirige. Alcanzo 80 millones de dólares en taquilla y se convirtió en todo un clásico de culto. 



Lista de Temas:

1. Let's Go Crazy
2. Take Me with U
3. The Beautiful Ones
4. Computer Blue
5. Darling Nikki
6. When Doves Cry
7. I Would Die 4 U
8. Baby I'm a Star
9. Purple Rain

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viernes, 20 de junio de 2014

Los Cafres - ¿Quién Da Más? (2004)


El sexto álbum de una de las bandas más representativas del reggae argentino y también una de las pioneras en latinoamerica en cantar "reggae roots" en español. Quizás este es uno de los trabajos que impulso a la banda a la a un éxito considerable con el famoso corte de difusión "Si el Amor se cae".

La banda se formó en 1987 en Buenos Aires, tras varios encuentros entre  Roberto "El Robba" Razul, Adrián Canedo y Manuel Picart y Guillermo Bonetto en Parque Rivadavia donde compartían su pasión por este género. Este año fue también en que brindaron su primer show en vivo en "Funk", pub ubicado en la esquina de Santa Fé y Pueyrredón, en Capital Federal. Por entonces la formación era mas que invariable, estaba conformada por músicos que desempeñaban su trabajo en otras bandas. Por ejemplo el actual líder el cantante Guillermo Bonetto (quien en principio era el guitarrista principal) formaba parte de Los Pericos. Por aquellos tiempos también solían codearse con músicos como Juanchi Baleiron (de Los Pericos) o Sergio Rotman (de Los Fabulosos Cadillacs). Fue por esta inestabilidad en la formación en que deciden pausar a Los Cafres hasta el año 1989. En aquel momento algunos de los integrantes abandonan Argentina, Bonetto e Illobre a Canadá; El Robba y Pilatti a Chile, hasta 1992 donde vuelven a unir fuerzas. Gonzalo Albornoz reemplazó a El Robba en el bajo y luego se les uniría Sebastián Paradisi en batería. El debut de esta nueva etapa, tubo su disparador en noviembre de ese año que dio lugar a una presentación en The Roxy. El nombre "Cafre" proviene del adjetivo Árabe kafir, en primera instancia infiel y que luego fue variando su significado hacia "brutal en el mas alto grado".

No seria hasta 1994 que saquen su disco debut "Frecuencia Cafre" grabado y perpetrado en los míticos estudios "Del Cielito" y en en los estudios "Tuff Gong" de Kingston en Jamaica. Ese mismo año telonean a Jimmi Cliff en el teatro Gran Rex como así tambien se presentan junto a los ya consagrados Fabulosos Cadillacs en el Estadio Obras. Los años venideros a este para nada despreciable comienzo de Los Cafres, fueron años de difícil escalada a la fama. Discos como "Instinto" (1995), "Instinto Dub" (1996), "Suena la alarma" (1997) o "Espejitos" (2000) fueron verdaderos caballos de batalla en la trayectoria de la banda. Curiosamente los dos primeros mencionados fueron uno una  reversión del otro, o como se lo suele denominar dentro del genero del reggae: versiones "dub", convirtiéndose en el primer trabajo de estas características hecho en la Argentina.

Ya reconocidos como la mas representativa banda de reggae en Argentina, con "¿Quién da más?" es que llegan a la masividad. Errol Brown gran compositor y líder de la banda británica de pop y funk, Hot Chocolate, como lo había hecho ya en "Frecuencia Cafre", fue el encargado de las mezclas. El disco aporta buenas vibraciones y grandes mensajes en sus letras muchas de ellas de fuerte carácter combativo. Nos hablan de amores y odios, revelante paz, critica social y de la vida cotidiana. El primer corte de difusión, "Si el amor se cae", inicia el disco. Su fresco mensaje preludia otros buenos momentos como "A Pesar", "Hijo (la canción favorita de el futbolista Lionel Messi), "Mar de amor" y otro gran corte emitido en las FM fue "Mostrame como sos".

Otros buenos momentos son "Pura Vida", "Lúcido", "Mi aliento" un reggae con claros tintes jazzeros  y "Al Sol", alegre por donde se la mire. "Deja de señalar" un costado a lo "rap" contiene una clara critica social y personal. Hay quienes opinan que apunta directamente a un músico de otra banda de reggae. El disco cierra con un gran aporte poético de Bonetto "Gran Sequía", bastará con escuchar la simple y versátil a la vez comparación: ..."hay gran sequía, pero nadie quiere llover..." .

La buena recepción de "¿Quién da más?" llevo a la banda a brindar grandes giras, las cuales aumentaron más aún su popularidad. Su siguiente trabajo seria su segundo material en directo el disco en vivo "Luna Park" de 2006. Un año después llegaría un gran momento de inspiración de la banda, ya  que lanzarían dos discos en simultaneo: "Barrilete" y "Hombre Simple" de gran éxito ambos. Actualmente Los Cafres vienen de festejar sus 25 años en el reggae con la edición del doble CD y DVD "25 años de música".



Lista de temas:

1. Si el amor se cae
2. Despertar
3. A pesar
4. Mar de amor
5. Hijo
6. Mostrame cómo sos
7. Pura vida
8. Lúcido
9. Mi aliento
10. Revelación
11. Este jardín
12. Al sol
13. Dejá de señalar
14. Tu voz
15. Al menos hoy
16. Gran sequía

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lunes, 2 de junio de 2014

Triana - Hijos del Agobio (1977)


La banda de rock andaluz por excelencia no cabe ninguna duda que es Triana. Una gran propuesta que mezcla el rock sinfónico progresivo con reminiscencias flamencas. Luego de la difícil salida de su álbum debut el cual revolucionaria la música popular española, nos referimos claro está que a "El Patio", de 1976, salia a las bateas este gran trabajo de 1977 que reafirmaría el camino de este bien ponderado genero. El conjunto formado en Sevilla estaba compuesto por el gran Jesús De La Rosa Luque en voz y teclados, Juan Jose "Tele" Palacios en batería y Eduardo Rodríguez Rodway  en guitarras y voz. Sus comienzos remiten a una agrupación de comienzos de los 70´s llamada Tabaca que estaba formada por Carlos Attias que era el bajista de Miguel Ríos, Emilio Souto, cantante de Los Solitarios y Rodríguez Rodway, guitarrista quien formaba parte de la agrupación Los Payos. Al desvincularse Attias ingresa en bajo Jesús De La Rosa y poco después ingresa, tras la salida de Souto, Juan José "Tele" Palacios en bateria y percusión, conformando así definitivamente a Triana. Por corto periodo de tiempo Triana tubo también en sus filas a Dolores Montoya y Manuel Molina, aunque ambos abandonaron el grupo rápidamente, para formar un dúo llamado "Lole y Manuel".

Desde el principio Triana tenia una clara intención en sonar a las bandas de rock progresivo en boga por entonces como Yes, Genesis, Pink Floyd, Caravan o el primer King Crimson, pero con una cuota de folclore andaluz y flamenco. El rock progresivo es un denominador común en el  "rock andaluz" de por entonces. Ya desde fines de los 60 se escuchaba el llamado "proto-rock andaluz " con efímeras bandas como  Taranto´s o All & Nothing, pero sobre todo las que le dieron mayor impulso fueron Gong (no confundir con la banda de la escena Canterbury) y Smash. Pero el abanico empieza a abrirse a partir de 1972 con bandas más serias como Guadalquivir o Vega que también incorporaban jazz-fusión. Llegando 1974  Triana arremete con su primer single: "Recuerdos de una noche/Luminosa mañana" para que luego debuten, dos años mas tarde, con su flamante primer LP "El Patio". Disco que tardó en editarse, ya que el panorama discográfico de la España de entonces era incipiente, mas aun para bandas de culto o "distintas" como Triana. Otro factor bien pudo ser el contexto histórico del país por entonces. En 1976 un régimen dictatorial asolaba los diferentes espectros de la sociedad tanto político y cultural de las comarcas españolas. Ese primer LP de Triana , entonces se convierte en material de culto, con doble lectura que pretendía contar las cosas como son en realidad y no cómo se querían contar desde el poder. Si el puro sentimiento musical de "El Patio" contenía letras rebosantes de metáforas sobre la libertad, "Hijos del Agobio" tiene un golpe mas certero y un mensaje mucho mas directo, combativo y envalentonado. Se le oye a De La Rosa: “...todos pretenden saber y decir lo que piensa usted, con elegantes palabras y el gesto duro a la vez...Queremos elegir, sin que nadie diga más, el rumbo que lleva a la orilla de la libertad”.

"Hijos del Agobio" fue producido por Gonzalo García Pelayo y grabado en febrero de 1977 en los estudios Sonoland  de Madrid. El grupo necesitó de las apariciones de varios invitados como los majestuosos fraseos y punteos de la guitarra solista de Antonio Perez y un adecuado complemento de bajos de Manolo Rosa para la bateria y percusiones de Tele Palacios. El grupo lleva al extremo la calidad de su sonido y sus cualidades compositivas de la mano de una minuciosa producción. De La Rosa maneja mucho mejor los sintetizadores y el mellotron mientras que Eduardo Rodríguez aporta las bases armónicas de guitarra flamenca.

Un gigantesco, aplastante e hiriente comienzo del tema homónimo nos alerta que el álbum es cosa seria. Sin embargo contiene una parte alentadora, que encaja con el momento histórico en la España de entonces la cual comenzaba a levantarse pos-franquismo. Pese que aun prohibían en la radio la canción "Rumor", seria un gran éxito. Una canción que contiene las guitarras invitadas de Antonio Pérez. La base rítmica es perfecta y las ráfagas de teclados coronan la canción. De La Rosa con su inspiradísima voz a punto de fandango y su intensa poesía sigue invitando a soñar: "...se oye un rumor por las esquinas que anuncia que va a llegar, el día en que todos los hombres juntos podrán caminar... la guitarra a la mañana le habló de libertad...".

Otra muestra de la genialidad de la mano de Jesús De La Rosa es "Sentimiento de Amor" un grito cósmico e intimista. Colchones de teclados y grandes percusiones desembocan en un tramo de guitarra flamenca insuperables. Gran aporte de Tele Palacios en el instrumental en plan psicodélico “Recuerdos de Triana”, un trabajo exquisito de percusión acompañadas por efectos de moog y unas voces misteriosas. En los créditos del disco figura que Miguel A. Iglesias  colabora en esta pieza con "voces de ambientación y desahogo microfónico", casi imposible una precisión más exacta sobre los tiempos que corrían.

Las gigantesca "Ya está bien” y la existencialista “Necesito” son de lo mejor de Triana . Aunque es difícil decidir cual vence, es en estas canciones donde la impronta eléctrica de Antonio Peréz es mas preponderante que la guitarra flamenca, el equilibrio lo establece las cortinas y ráfagas de teclados de De La Rosa, es perfecto. Existe también una clara influencia de Robert Fripp del el primer King Crimson en la guitarra de Perez en ambas canciones. La balada melódica no podía faltar, "Señor Troncoso". Canción que habla de un típico paria sevillano, uno de los populares “cuidacoches" que termino haciéndose amigo de la banda en especial de Jesús. La canción acusa un impreciso fandango y un final de palmas y con guitarras eléctricas. Finalmente de Eduardo Rodríguez Rodway, la erizante "Del crepúsculo lento nacerá el rocío", con un comienzo en plan acústico con pinceladas de sintetizadores. Descubrimos luego la calidez de la voz de Rodway que se destapa como un cantante de gran personalidad. En el final diferentes texturas de teclados imitan una tormenta eléctrica.

Un álbum espeluznante, una joya del rock del sur de España, que marca una época en todo el país. La determinante poesía de Jesús De La Rosa marca a fuego la intención del disco, una propuesta combativa para quien este dispuesto por aquellos tiempos. En el sobre interno del vinilo Máximo Moreno quien diseño el dibujo de la tapa escribió: "El corrosivo espacio en el que nos desenvolvemos, llega a afectarnos a veces en forma de agobio, angustia, y momentos negativos, que se hacen presentes con sus descarnados magnetismos. Es en este justo momento cuando hay que hacer el gran esfuerzo, y si ese esfuerzo, puedes dejarlo plasmado de alguna forma, ¡Tú! Serás más fuerte, para, poder seguir esforzándote a lo largo de toda tu vida. Triana, compañeros de esfuerzos, han creado un disco, en el que me siento humildemente orgulloso de poder haber colaborado nuevamente con uno de mis dibujos. Hijos Del Agobio, es la imagen de una generación sevillana (la de los años 69) con la cual creo sentirme vinculado, al igual que todos los amigos que han intervenido de manera más o menos directa, en la realización de este segundo LP de Triana”
Con respecto al titulo del álbum surge de una canción que en un comienzo había compuesto Tele llamada "Del agobio soy hijo" pero que luego no fue aprobada por De La Rosa. Otro de los títulos que se tentaron fue "Hijos del agobio y sobrinos del gusto”.

Triana siguió con su impronta progresiva y con algunas dosis de jazz, en su siguiente LP "Sombra y luz" de 1979. En los 80´s abandona toda la pomposidad progresiva, con "Un Encuentro" con claros aires a la "new wave" o al pop que no convence a esa primera generación de fans de los 70`s. Sin embargo ese álbum contiene su único numero 1: "Tu Frialdad". "Llego el día" de 1983, el disco final del grupo , toma una especial dimensión tras la muerte de Jesús De La Rosa ese mismo año. El alma mater de la banda muere un 14 de octubre de 1983 en un accidente automovilístico. Tele declararía: "Nos deja totalmente huérfanos de hermano y huérfanos de ideas, huérfanos de música. Un golpe un poco cruel", una gran perdida para la música española. Tras su muerte Eduardo Rodríguez Rodway inicia su carrera en solitario y en la década del 90 Tele Palacios vuelve a brindar shows usando el nombre Triana, convocando a nuevos integrantes como Pepe Bao,  Juan Reina o Julián Planet con quienes graba dos álbumes : "Un jardín eléctrico" (1997) y "En libertad" (1999). Finalmente en 2002 Tele muere en el hospital tras no poder superar una operación de rotura de arteria aorta. El mencionado Juan Reina toma una polémica decisión de utilizar el nombre Triana en 2007 y graba un disco llamado "Un Camino por Andar", lo que produjo cierta indignación entre los fans de Triana. Al respecto, el único miembro vivo del verdadero Triana, Rodriguez Rodway emite un comunicado en 2008 donde acusa de querer lucrar con el nombre de la banda. Una verdadera estafa, traición y un sacrilegio.



Lista de Temas:

1. Hijos del agobio
2. Rumor
3. Sentimiento de amor
4. Recuerdos de Triana
5. ¡Ya está bien!
6. Necesito
7. Sr. Troncoso
8. Del crepúsculo lento nacerá el rocío

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sábado, 24 de mayo de 2014

Bob Dylan - Self Portrait (1970)


Siendo el 73º aniversario de el nacimiento de uno de los mas multi faceticos personajes de la historia, un homenaje con uno de sus discos más controversiales y malditos. El primer trabajo de Dylan en la década del 70 es uno de sus más polémicos álbumes: "Self Portrait". Entrada esta fabulosa y cuestionada década, la indiscutible figura de la música popular del siglo  XX y de comienzos del siglo XXI, decide lanzar su segundo doble LP (el primero fue el eterno "Blonde on Blonde") y décimo en su extensa carrera que continua hasta el día de hoy. La seria intención de el artista en desviar la atención de su publico llevo a que gran parte de las canciones sean composiciones de otros artistas adorados por el propio Bob Dylan. Resulata sumamente extraño que semejante compositor, aporte en un doble LP tan pocas composiciones propias. Otras son interpretadas en vivo en el Festival de la Isla de Wight de 1969, acompañado, ni mas ni menos por "la banda" que Bob solía apadrinar por aquellos años: The Band.

"Self Portrait" tubo su lanzamiento en un contexto extraño en la carera y la vida personal de Dylan. El artista se sentía continuamente acosado por la prensa y sus seguidores quienes lo consideraban su portavoz y padre de la música folk de protesta, pese a que ya había roto con ese mote con trabajos mas eléctricos y surrealistas (véase "Bringing It All Back Home", "Highway 61 Revisited " o "Blonde on Blonde"). Parte del proceso de inspiración de "Self Portrait" se gesto en principio en 1966, luego de un accidente en moto. Dylan se había "aburguesado" se alojo con su familia en Woodstock, se dedicaba en parte a la crianza de sus dos hijos y  a la pintura, y así mermó su tarea como compositor. De todas formas, allí ensayaba material con The Band, parte de este se encontraría en el disco "The Basement Tapes". Algunos de los trabajos de ese periodo de "rehabilitación" de Dylan fueron: "John Wesley Harding" y "Nashville Skyline", álbumes que apuntan definitivamente a volver a su cepa mas folk. En esos tiempos en pleno auge del movimiento "hippie", da a lugar a que se realice un festival que revolucionaria el mundo entero: Woodstock de 1969. Bob Dylan paisano de esa localidad, se encuentra continuamente acosado por algunos de los  hippies que llegaban de todos puntos del país. Buscaban al "superheroe del folk" al paradigma de la "contracultura", para ser mas certeros en su propia residencia. Merodeaban por las cercanía de su hogar día y noche, inclusive se metían en su casa y saqueaban su despensa. Pese a esto no tenia ayuda de nadie y es así que decide trasladarse irremediablemente a Nueva York. Sin embargo allí también seguían acosándolo. En ese marco se gesto el concepto de "Self Portrait", donde predominan grabaciones de descarte y canciones en vivo y una firme intención de desviar la atención de su publico. Como un intento de descartar a la "Nación de Woodstock" Dylan aseveró por entonces:..."Bien, que se jodan. Espero que esa gente se olvide de mí. Quiero hacer algo que no quieran. Lo verán, lo escucharán, y dirán: Fijémonos en otra persona. Ya no dice nada. Ya no nos dará lo que queremos". Pero el tiro salió por la culata. Porque el álbum salió, y la gente dijo: “Esto no es lo que queremos”, y se volvieron aún más resentidos. "E hice este autorretrato para la portada. Quiero decir, que el álbum no tenía título. Hice la portada en cinco minutos. Y dije: "Bien, lo llamaré "Self Portrait".

Este disco sigue la atmósfera country de sus antecesores ("John Wesley Harding" y "Nashville Skyline"). Dylan rinde tributo a grandes compositores de la música popular estadounidense como Charles Badger Clark, Bill Trader, Boudleaux Bryant, Pierre Delanoe, Elvis Presley, Johnny Cash o Paul Simon, y tambien otros tradicionales del cancionero como la hermosa "Belle Island". Teniendo en cuenta lo buen compositor que es Dylan es curioso notar que, en lineas generales, la mayoría de los temas no tienen alto vuelo. Sin embargo podemos encontrar puntos fuertes en  "Let It be me", "Early Mornin' Rain" o "Days Of ’49" esta última de los etnomusicólogos Alan y John Lomax o las tradicionales "Alberta #1 y #2". Es aquí en las sesiones de "Self Portarait" que Dylan comienza a hacer usanza de una nueva forma de cantar con voz mas grave que venia ya empleando en sus dos anteriores trabajos.

De la pluma de Dylan, podemos encontrar "Woogie Boogie", "Wigwam", valorables instrumentales o "Living the blues". También hayamos "Quinn the Eskimo (Mighty Quinn)" en vivo, canción que habían popularizado con considerable éxito la banda británica de los sixties Manfred Mann, una composición de Dylan de la época de "The Basement Tapes" que luego develaría en dicho material. Luego nos encontramos con  cuatro extractos de la presentación en el festival de la Isla de Wight de 1969, acompañado por The Band. Infaltable en sus performances hayamos una particular versión de los clásico "Like A rolling stone"  y "She belongs to me". Fue una buena idea incluir estas grabaciones, ya que por entonces solo circulaban en en el Reino Unido unas grabaciones piratas de aquel festival de paupérrimo sonido.

Con la producción de Bob Johnston para Columbia Records, "Self Portrait" fue grabado en unas extensas seis sesiones entre 1969 y 1970. Las mismas tuvieron varias interrupciones, entre algunos de esos parates, registra las versiones en vivo en el Festival de la Isla de Wight de 1969. Dylan contrato para grabar en Nashville a músicos que ya lo habían acompañado en las sesiones de "Nashville Skyline" como Charles McCoy en bajo, Charlie Daniels en guitarra, Peter Drake en la pedal steel guitar y Kennet Buttrey en batería. Para los requerimientos orquestales adicionó teclados de Bob Wilson, los violines de Doug Kershaw y cellos de Marta McCoy. En las sesiones de Nueva York aporto lo suyo en organos, teclados y guitarras el legendario y fiel Al Kooper, David Bromberg  en dobro y bajo, las voces de Hilda Harris, Albertine Robinson y Maerehte Stewart como así también una amplia sección de vientos. Es necesario también remarcar el gran acierto de incluir a la bella voz de Clydie King.

El recibimiento de el álbum, no fue para nada alentador. Entre las criticas mas recordadas se encuentra la de Greil Marcus, periodista de la revista Rolling Stone, tras escuchar su primer corte de difusión: "What is this shit?" (que es esta mierda???). Otras dilapidantes frases hacia "Self Portrait" sostenían: “Si la ruptura de los Beatles supone el final de la década de los sesenta, entonces "Self Portriat" sugiere el final de Bob Dylan”. Pese a todo figuró durante un tiempo en el puesto número uno del ránking de mejores álbumes en el Reino Unido en 1970 y el cuarto en Billboard 200. Coletazos de su afición a la pintura se reflejarán en la portada del que intenta ser un autorretrato. Bob Dylan comenzó su afición a este arte en 1968 durante su residencia en Woodstock a instancias de Bruce Dorfman, su vecino, que le enseñó a utilizar la pintura al óleo.

Las sesiones de "Self Portrait", fueron proliferas y dejaron bastante material descartado dando vueltas. En "New Morning" de 1970, su siguiente disco, se publicaron "Went to see the gypsy" y "Times passes slowly" e inclusive "A fool such as I" en "Dylan" de 1973. Pero el grueso del material de descarte se incluyó en la interesante serie de "The Bootelgs Series" que publica Columbia desde 1991,"The Bootleg Series Vol. 10: Another Self Portrait (1969-1971)" de 2013.



Lista de Temas:

1. All the Tired Horses
2. Alberta #1 (Tradicional)
3. I Forgot More Than You'll Ever Know (Cecil A. Null)
4. Days of 49 (Alan Lomax, John Lomax, Frank Warner)
5. Early Mornin' Rain (Gordon Lightfoot)
6. In Search of Little Sadie (Tradicional)
7. Let It Be Me (Gilbert Bécaud, Mann Curtis, Pierre Delanoë)
8. Little Sadie (Tradicional)
9. Woogie Boogie
10. Belle Isle (Tradicional)
11. Living the Blues
12. Like a Rolling Stone (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
13. Copper Kettle (Alfred Frank Beddoe)
14. Gotta Travel On (Paul Clayton, Larry Ehrlich, David Lazar, Tom Six)
15. Blue Moon (Lorenz Hart, Richard Rodgers)
16. The Boxer (Paul Simon)
17. The Mighty Quinn (Quinn the Eskimo) (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
18. Take Me as I Am (Or Let Me Go) (Boudleaux Bryant)
19. Take a Message to Mary (Felice Bryant, Boudleaux Bryant)
20. It Hurts Me Too (Tradicional)
21. Minstrel Boy (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
22. She Belongs to Me (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
23. Wigwam
24. Alberta #2 (Tradicional)

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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1981 - Shot of Love