jueves, 4 de septiembre de 2014

Prince & The Revolution - Purple Rain (1984)


El álbum que colocó en la cima de la popularidad a el artista que por entonces era llamado "Prince", "Purple Rain ", que por otro lado es la banda de sonido del drama/musical llevado a la pantalla grande con película homónima. A Prince se lo ha apodado con un sinnúmero de sobrenombres: "Prince (TAFKAP)", "The Artist", "Symbol", "Camille", "Jamie Starr", "Sinbad the Conqueror", "The Purple One", "Purple Yoda" o "El Enano de Minneapolis". Pero los laureles se los lleva por supuesto por, ser un vanguardista, un enorme vanguardista y creador del denominado "Sonido Minneapolis", el cual comenzó a gestarse a partir de su tercer álbum "Dirty Mind" de 1980, ademas de ser un excepcional guitarrista.


Prince Rogers Nelson nació el 7 de junio de 1958 en Minneapolis, Minnesota. Su padre tocaba jazz en un trío llamado "Prince Rogers Trio" , de ahí obtiene el nombre para su hijo. En sus primeros años de vida Prince demostró ser un niño precoz. A a los 13 años su padre le regaló una guitarra eléctrica, que aprendió a tocar rápidamente. Pero no seria hasta los tempranos 17 años que se introduciría en el mundo profesional de la música, gracias al marido de una prima , llegando a grabar unas pocas cintas en estudio, al tiempo que la Warner Bros lo contrataría para una  grabación seria."For You", su álbum de 1978, su debut discográfico, un puñado de composiciones en su totalidad de su autoría donde ejecuta todos los instrumentos. Luego vendría "Prince" de 1979 donde "I wanna be your lover" asomaría como el primer éxito del artista.
Llegada la década de los 80 vendría el génesis del llamado "Sonido Minneapolis", con un giro de 360 º en su sonido, donde predominaba la crudeza acompañada de un buen cambio mas provocativo en el look . "Dirty Mind" de 1980 muestra este cambio ya en su provocativa tapa, con un Prince en slip y con medias de mujer debajo de una raída gabardina. Las letras sexualmente provocativas , fueron el foco de todos los censuradores de la época. Fue asi como se gestó este "Sonido Minneapolis" con álbumes como "Controversy" (1981) (acercándose a la conciencia social en sus líricas) o "1999" (1982) (una gran obra maestra) ,aqui ese "Minneapolis Sound" comenzaba a estar "a punto chantilly", deslumbrantes arreglos de maquinas pasadas por sintetizadores mixturados con un R&B , un pop y por supuesto un funk de alto nivel. Allí se destacaría como gran éxito la canción "Little Red Corvette", dirigida básicamente al público blanco. 

Aquí a la banda que acompañaba a Prince , se le comenzó a llamar "The Revolution". Entonces fue que por estos años, durante la gira de "1999" ya entrando el año 1983, que al artista le surge la idea de escribir una película, la cual se rodaría durante el verano y otoño de ese año entre Minneapolis y Los Ángeles. Seria nada mas y nada menos que "Purple Rain". The Revolution también vería llegar a la flamante y joven nueva guitarrista de 19 años de edad Wendy Melvoin en reemplazo de  Dez Dickerson, quien era amiga de Lisa Coleman, la tecladista.

La película en cuestión muestra la historia de un músico apodado "El Niño" (Prince) que viva con unos padres conflictivos  y sus ganas locas de dar a conocer su arte junto a su agrupación. El y su banda (The Revolution) eran habitúes de una discoteca ubicada en "La Primera Avenida"  donde se presentaban diferentes agrupaciones, entre ellas "The Time" con su líder sumamente competitivo y arrogante, Morris Day. También hace su presentación la bella cantante y bailarina Apollonia Kotero con su grupo "Apollonia 6", con quien "El Niño" tiene una relación amorosa. La película es acompañada por canciones del propio álbum  "Purple Rain" casi todas ejecutadas en vivo en cada presentación de The Revolution. La banda de Prince se enfrenta ante varias dificultades. Una de las principales son los tensiones internas entre los miembros de la banda. Cierto egocentrismo de Prince era chocante para las chicas de la banda, Wendy y Lisa. Otros serian la desaprobación que había por parte del publico y de los dueños de la disco. A medida que transcurrían las vidas de estos personajes se irían solucionando. Con respecto a la aceptación  del publico, terminarían siendo aceptados en gran parte gracias al tema final de la película , que no seria otro que la grandiosa "Purple Rain" dedicada al padre de Prince.

El álbum es una joya de los 80´s que revolucionaria el pop . Novedoso por donde se lo mire , las composiciones se mueven de forma dinámica entre sonidos rockeros, funkies, pop, soul y claras aristas psicodelicas. La guitarra cumple un rol principal y el mismo Prince se preocupa por el uso de sintetizadores ."Let's Go Crazy"  se nos presenta como una pieza bien rocker sin perder  lo pop. Una intro de órganos de iglesia con toda una declaración de principios o mejor dicho "un elogio a esta cosa llamada vida", recitada por el mismo Prince, para luego zambullirse en un frenesí bailable pocas veces oído.
"Take me with U" rebosante de frescura pop con arreglos simples de cuerdas que rozan la perfección y cantado a dúo con la infartante Apollonia Kotero.

Luego vendría la balada en plan super intimista y una furia visceral al final, primero cantada con falsete como suele hacerlo en ciertas ocasiones. Entre unas cálidas texturas de de organos y sintetizadores, en su comienzo, canta con un inquietante anhelo emocional lo que aparenta ser un amor no correspondido, o mejor dicho un triangulo amoroso. Luego llegando al final la furia que estaba conteniendo se desata con unos desquiciados y ardientes gritos implorando: ..." baby, baby I want youu!!...." El profundo encanto de "Computer Blue" podría ser un preludio a lo que seria la música "techno" y grandes influencias de la musica electrónica. contiene un arreglo de guitarras del bellisimo tema en piano del padre propio Prince: John Nelson.  La provocativa letra de "Darling Nikki"  llevó a que Tripper Gore (esposa de Al Gore segunda dama en EE UU entre 1993 hasta 2001) por entonces activista política co-fundara Parents Music Resource Center ('PMRC, Centro de Recursos Musicales para Padres). la letra describe a un "demonio sexual" o a una típica "grouppie" que el cantante encuentra en el lobby de un hotel masturbándose. La historia prosigue con Nikki invitando a Prince a su "castillo" donde ocurren una serie de hechos desfachatados. En la pelicula Prince dedica la canción a la propia Apollonia, causando la indignación y el alboroto en toda la discoteca.

La exitosa e hiper bailable "When Doves Cry" (Cuando las palomas lloran) goza de buenos trabajos de sintetizadores y precisos solos de guitarra. En la película la letra describe las dificultades amorosas de sus padres entremezcladas con las propias dificultades con Apollonia, comparándolas de una forma muy peculiar. Cerrando el álbum  la gigantezca y eterna  balada lacrimogena "Purple Rain" , que decir de esta gema?... nada mas que fue y es un icono de la música pop de todos los tiempos ya que trascendió a la década de los 80s y por supuesto finalizó consagrando a Prince para siempre. La canción se abre paso con un solitario acorde de guitarra al que se le adieren una percusión y un organo de iglesia propios de la música gospel. La tensión emocional en su forma de cantarla es irrepetible, es notable la influencia de Jimi Hendrix en un segmento, el climax final es electrizante y orquestado con solos de guitarras cruciales. 

Álbum y película colocaron en el estrellato a Prince .El disco vendió más de 15 millones de copias solo en Estados Unidos,  ganó tres Grammys por el disco y un premio Óscar a la Mejor Banda Sonora. Su correspondiente gira por norteamérica , entre 1984 y 1985, fue vista por más de un millón de personas. La película supuso también el debut como actor de Prince y es la única que actúa y no dirige. Alcanzo 80 millones de dólares en taquilla y se convirtió en todo un clásico de culto. 



Lista de Temas:

1. Let's Go Crazy
2. Take Me with U
3. The Beautiful Ones
4. Computer Blue
5. Darling Nikki
6. When Doves Cry
7. I Would Die 4 U
8. Baby I'm a Star
9. Purple Rain

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viernes, 20 de junio de 2014

Los Cafres - ¿Quién Da Más? (2004)


El sexto álbum de una de las bandas más representativas del reggae argentino y también una de las pioneras en latinoamerica en cantar "reggae roots" en español. Quizás este es uno de los trabajos que impulso a la banda a la a un éxito considerable con el famoso corte de difusión "Si el Amor se cae".

La banda se formó en 1987 en Buenos Aires, tras varios encuentros entre  Roberto "El Robba" Razul, Adrián Canedo y Manuel Picart y Guillermo Bonetto en Parque Rivadavia donde compartían su pasión por este género. Este año fue también en que brindaron su primer show en vivo en "Funk", pub ubicado en la esquina de Santa Fé y Pueyrredón, en Capital Federal. Por entonces la formación era mas que invariable, estaba conformada por músicos que desempeñaban su trabajo en otras bandas. Por ejemplo el actual líder el cantante Guillermo Bonetto (quien en principio era el guitarrista principal) formaba parte de Los Pericos. Por aquellos tiempos también solían codearse con músicos como Juanchi Baleiron (de Los Pericos) o Sergio Rotman (de Los Fabulosos Cadillacs). Fue por esta inestabilidad en la formación en que deciden pausar a Los Cafres hasta el año 1989. En aquel momento algunos de los integrantes abandonan Argentina, Bonetto e Illobre a Canadá; El Robba y Pilatti a Chile, hasta 1992 donde vuelven a unir fuerzas. Gonzalo Albornoz reemplazó a El Robba en el bajo y luego se les uniría Sebastián Paradisi en batería. El debut de esta nueva etapa, tubo su disparador en noviembre de ese año que dio lugar a una presentación en The Roxy. El nombre "Cafre" proviene del adjetivo Árabe kafir, en primera instancia infiel y que luego fue variando su significado hacia "brutal en el mas alto grado".

No seria hasta 1994 que saquen su disco debut "Frecuencia Cafre" grabado y perpetrado en los míticos estudios "Del Cielito" y en en los estudios "Tuff Gong" de Kingston en Jamaica. Ese mismo año telonean a Jimmi Cliff en el teatro Gran Rex como así tambien se presentan junto a los ya consagrados Fabulosos Cadillacs en el Estadio Obras. Los años venideros a este para nada despreciable comienzo de Los Cafres, fueron años de difícil escalada a la fama. Discos como "Instinto" (1995), "Instinto Dub" (1996), "Suena la alarma" (1997) o "Espejitos" (2000) fueron verdaderos caballos de batalla en la trayectoria de la banda. Curiosamente los dos primeros mencionados fueron uno una  reversión del otro, o como se lo suele denominar dentro del genero del reggae: versiones "dub", convirtiéndose en el primer trabajo de estas características hecho en la Argentina.

Ya reconocidos como la mas representativa banda de reggae en Argentina, con "¿Quién da más?" es que llegan a la masividad. Errol Brown gran compositor y líder de la banda británica de pop y funk, Hot Chocolate, como lo había hecho ya en "Frecuencia Cafre", fue el encargado de las mezclas. El disco aporta buenas vibraciones y grandes mensajes en sus letras muchas de ellas de fuerte carácter combativo. Nos hablan de amores y odios, revelante paz, critica social y de la vida cotidiana. El primer corte de difusión, "Si el amor se cae", inicia el disco. Su fresco mensaje preludia otros buenos momentos como "A Pesar", "Hijo (la canción favorita de el futbolista Lionel Messi), "Mar de amor" y otro gran corte emitido en las FM fue "Mostrame como sos".

Otros buenos momentos son "Pura Vida", "Lúcido", "Mi aliento" un reggae con claros tintes jazzeros  y "Al Sol", alegre por donde se la mire. "Deja de señalar" un costado a lo "rap" contiene una clara critica social y personal. Hay quienes opinan que apunta directamente a un músico de otra banda de reggae. El disco cierra con un gran aporte poético de Bonetto "Gran Sequía", bastará con escuchar la simple y versátil a la vez comparación: ..."hay gran sequía, pero nadie quiere llover..." .

La buena recepción de "¿Quién da más?" llevo a la banda a brindar grandes giras, las cuales aumentaron más aún su popularidad. Su siguiente trabajo seria su segundo material en directo el disco en vivo "Luna Park" de 2006. Un año después llegaría un gran momento de inspiración de la banda, ya  que lanzarían dos discos en simultaneo: "Barrilete" y "Hombre Simple" de gran éxito ambos. Actualmente Los Cafres vienen de festejar sus 25 años en el reggae con la edición del doble CD y DVD "25 años de música".



Lista de temas:

1. Si el amor se cae
2. Despertar
3. A pesar
4. Mar de amor
5. Hijo
6. Mostrame cómo sos
7. Pura vida
8. Lúcido
9. Mi aliento
10. Revelación
11. Este jardín
12. Al sol
13. Dejá de señalar
14. Tu voz
15. Al menos hoy
16. Gran sequía

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lunes, 2 de junio de 2014

Triana - Hijos del Agobio (1977)


La banda de rock andaluz por excelencia no cabe ninguna duda que es Triana. Una gran propuesta que mezcla el rock sinfónico progresivo con reminiscencias flamencas. Luego de la difícil salida de su álbum debut el cual revolucionaria la música popular española, nos referimos claro está que a "El Patio", de 1976, salia a las bateas este gran trabajo de 1977 que reafirmaría el camino de este bien ponderado genero. El conjunto formado en Sevilla estaba compuesto por el gran Jesús De La Rosa Luque en voz y teclados, Juan Jose "Tele" Palacios en batería y Eduardo Rodríguez Rodway  en guitarras y voz. Sus comienzos remiten a una agrupación de comienzos de los 70´s llamada Tabaca que estaba formada por Carlos Attias que era el bajista de Miguel Ríos, Emilio Souto, cantante de Los Solitarios y Rodríguez Rodway, guitarrista quien formaba parte de la agrupación Los Payos. Al desvincularse Attias ingresa en bajo Jesús De La Rosa y poco después ingresa, tras la salida de Souto, Juan José "Tele" Palacios en bateria y percusión, conformando así definitivamente a Triana. Por corto periodo de tiempo Triana tubo también en sus filas a Dolores Montoya y Manuel Molina, aunque ambos abandonaron el grupo rápidamente, para formar un dúo llamado "Lole y Manuel".

Desde el principio Triana tenia una clara intención en sonar a las bandas de rock progresivo en boga por entonces como Yes, Genesis, Pink Floyd, Caravan o el primer King Crimson, pero con una cuota de folclore andaluz y flamenco. El rock progresivo es un denominador común en el  "rock andaluz" de por entonces. Ya desde fines de los 60 se escuchaba el llamado "proto-rock andaluz " con efímeras bandas como  Taranto´s o All & Nothing, pero sobre todo las que le dieron mayor impulso fueron Gong (no confundir con la banda de la escena Canterbury) y Smash. Pero el abanico empieza a abrirse a partir de 1972 con bandas más serias como Guadalquivir o Vega que también incorporaban jazz-fusión. Llegando 1974  Triana arremete con su primer single: "Recuerdos de una noche/Luminosa mañana" para que luego debuten, dos años mas tarde, con su flamante primer LP "El Patio". Disco que tardó en editarse, ya que el panorama discográfico de la España de entonces era incipiente, mas aun para bandas de culto o "distintas" como Triana. Otro factor bien pudo ser el contexto histórico del país por entonces. En 1976 un régimen dictatorial asolaba los diferentes espectros de la sociedad tanto político y cultural de las comarcas españolas. Ese primer LP de Triana , entonces se convierte en material de culto, con doble lectura que pretendía contar las cosas como son en realidad y no cómo se querían contar desde el poder. Si el puro sentimiento musical de "El Patio" contenía letras rebosantes de metáforas sobre la libertad, "Hijos del Agobio" tiene un golpe mas certero y un mensaje mucho mas directo, combativo y envalentonado. Se le oye a De La Rosa: “...todos pretenden saber y decir lo que piensa usted, con elegantes palabras y el gesto duro a la vez...Queremos elegir, sin que nadie diga más, el rumbo que lleva a la orilla de la libertad”.

"Hijos del Agobio" fue producido por Gonzalo García Pelayo y grabado en febrero de 1977 en los estudios Sonoland  de Madrid. El grupo necesitó de las apariciones de varios invitados como los majestuosos fraseos y punteos de la guitarra solista de Antonio Perez y un adecuado complemento de bajos de Manolo Rosa para la bateria y percusiones de Tele Palacios. El grupo lleva al extremo la calidad de su sonido y sus cualidades compositivas de la mano de una minuciosa producción. De La Rosa maneja mucho mejor los sintetizadores y el mellotron mientras que Eduardo Rodríguez aporta las bases armónicas de guitarra flamenca.

Un gigantesco, aplastante e hiriente comienzo del tema homónimo nos alerta que el álbum es cosa seria. Sin embargo contiene una parte alentadora, que encaja con el momento histórico en la España de entonces la cual comenzaba a levantarse pos-franquismo. Pese que aun prohibían en la radio la canción "Rumor", seria un gran éxito. Una canción que contiene las guitarras invitadas de Antonio Pérez. La base rítmica es perfecta y las ráfagas de teclados coronan la canción. De La Rosa con su inspiradísima voz a punto de fandango y su intensa poesía sigue invitando a soñar: "...se oye un rumor por las esquinas que anuncia que va a llegar, el día en que todos los hombres juntos podrán caminar... la guitarra a la mañana le habló de libertad...".

Otra muestra de la genialidad de la mano de Jesús De La Rosa es "Sentimiento de Amor" un grito cósmico e intimista. Colchones de teclados y grandes percusiones desembocan en un tramo de guitarra flamenca insuperables. Gran aporte de Tele Palacios en el instrumental en plan psicodélico “Recuerdos de Triana”, un trabajo exquisito de percusión acompañadas por efectos de moog y unas voces misteriosas. En los créditos del disco figura que Miguel A. Iglesias  colabora en esta pieza con "voces de ambientación y desahogo microfónico", casi imposible una precisión más exacta sobre los tiempos que corrían.

Las gigantesca "Ya está bien” y la existencialista “Necesito” son de lo mejor de Triana . Aunque es difícil decidir cual vence, es en estas canciones donde la impronta eléctrica de Antonio Peréz es mas preponderante que la guitarra flamenca, el equilibrio lo establece las cortinas y ráfagas de teclados de De La Rosa, es perfecto. Existe también una clara influencia de Robert Fripp del el primer King Crimson en la guitarra de Perez en ambas canciones. La balada melódica no podía faltar, "Señor Troncoso". Canción que habla de un típico paria sevillano, uno de los populares “cuidacoches" que termino haciéndose amigo de la banda en especial de Jesús. La canción acusa un impreciso fandango y un final de palmas y con guitarras eléctricas. Finalmente de Eduardo Rodríguez Rodway, la erizante "Del crepúsculo lento nacerá el rocío", con un comienzo en plan acústico con pinceladas de sintetizadores. Descubrimos luego la calidez de la voz de Rodway que se destapa como un cantante de gran personalidad. En el final diferentes texturas de teclados imitan una tormenta eléctrica.

Un álbum espeluznante, una joya del rock del sur de España, que marca una época en todo el país. La determinante poesía de Jesús De La Rosa marca a fuego la intención del disco, una propuesta combativa para quien este dispuesto por aquellos tiempos. En el sobre interno del vinilo Máximo Moreno quien diseño el dibujo de la tapa escribió: "El corrosivo espacio en el que nos desenvolvemos, llega a afectarnos a veces en forma de agobio, angustia, y momentos negativos, que se hacen presentes con sus descarnados magnetismos. Es en este justo momento cuando hay que hacer el gran esfuerzo, y si ese esfuerzo, puedes dejarlo plasmado de alguna forma, ¡Tú! Serás más fuerte, para, poder seguir esforzándote a lo largo de toda tu vida. Triana, compañeros de esfuerzos, han creado un disco, en el que me siento humildemente orgulloso de poder haber colaborado nuevamente con uno de mis dibujos. Hijos Del Agobio, es la imagen de una generación sevillana (la de los años 69) con la cual creo sentirme vinculado, al igual que todos los amigos que han intervenido de manera más o menos directa, en la realización de este segundo LP de Triana”
Con respecto al titulo del álbum surge de una canción que en un comienzo había compuesto Tele llamada "Del agobio soy hijo" pero que luego no fue aprobada por De La Rosa. Otro de los títulos que se tentaron fue "Hijos del agobio y sobrinos del gusto”.

Triana siguió con su impronta progresiva y con algunas dosis de jazz, en su siguiente LP "Sombra y luz" de 1979. En los 80´s abandona toda la pomposidad progresiva, con "Un Encuentro" con claros aires a la "new wave" o al pop que no convence a esa primera generación de fans de los 70`s. Sin embargo ese álbum contiene su único numero 1: "Tu Frialdad". "Llego el día" de 1983, el disco final del grupo , toma una especial dimensión tras la muerte de Jesús De La Rosa ese mismo año. El alma mater de la banda muere un 14 de octubre de 1983 en un accidente automovilístico. Tele declararía: "Nos deja totalmente huérfanos de hermano y huérfanos de ideas, huérfanos de música. Un golpe un poco cruel", una gran perdida para la música española. Tras su muerte Eduardo Rodríguez Rodway inicia su carrera en solitario y en la década del 90 Tele Palacios vuelve a brindar shows usando el nombre Triana, convocando a nuevos integrantes como Pepe Bao,  Juan Reina o Julián Planet con quienes graba dos álbumes : "Un jardín eléctrico" (1997) y "En libertad" (1999). Finalmente en 2002 Tele muere en el hospital tras no poder superar una operación de rotura de arteria aorta. El mencionado Juan Reina toma una polémica decisión de utilizar el nombre Triana en 2007 y graba un disco llamado "Un Camino por Andar", lo que produjo cierta indignación entre los fans de Triana. Al respecto, el único miembro vivo del verdadero Triana, Rodriguez Rodway emite un comunicado en 2008 donde acusa de querer lucrar con el nombre de la banda. Una verdadera estafa, traición y un sacrilegio.



Lista de Temas:

1. Hijos del agobio
2. Rumor
3. Sentimiento de amor
4. Recuerdos de Triana
5. ¡Ya está bien!
6. Necesito
7. Sr. Troncoso
8. Del crepúsculo lento nacerá el rocío

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sábado, 24 de mayo de 2014

Bob Dylan - Self Portrait (1970)


Siendo el 73º aniversario de el nacimiento de uno de los mas multi faceticos personajes de la historia, un homenaje con uno de sus discos más controversiales y malditos. El primer trabajo de Dylan en la década del 70 es uno de sus más polémicos álbumes: "Self Portrait". Entrada esta fabulosa y cuestionada década, la indiscutible figura de la música popular del siglo  XX y de comienzos del siglo XXI, decide lanzar su segundo doble LP (el primero fue el eterno "Blonde on Blonde") y décimo en su extensa carrera que continua hasta el día de hoy. La seria intención de el artista en desviar la atención de su publico llevo a que gran parte de las canciones sean composiciones de otros artistas adorados por el propio Bob Dylan. Resulata sumamente extraño que semejante compositor, aporte en un doble LP tan pocas composiciones propias. Otras son interpretadas en vivo en el Festival de la Isla de Wight de 1969, acompañado, ni mas ni menos por "la banda" que Bob solía apadrinar por aquellos años: The Band.

"Self Portrait" tubo su lanzamiento en un contexto extraño en la carera y la vida personal de Dylan. El artista se sentía continuamente acosado por la prensa y sus seguidores quienes lo consideraban su portavoz y padre de la música folk de protesta, pese a que ya había roto con ese mote con trabajos mas eléctricos y surrealistas (véase "Bringing It All Back Home", "Highway 61 Revisited " o "Blonde on Blonde"). Parte del proceso de inspiración de "Self Portrait" se gesto en principio en 1966, luego de un accidente en moto. Dylan se había "aburguesado" se alojo con su familia en Woodstock, se dedicaba en parte a la crianza de sus dos hijos y  a la pintura, y así mermó su tarea como compositor. De todas formas, allí ensayaba material con The Band, parte de este se encontraría en el disco "The Basement Tapes". Algunos de los trabajos de ese periodo de "rehabilitación" de Dylan fueron: "John Wesley Harding" y "Nashville Skyline", álbumes que apuntan definitivamente a volver a su cepa mas folk. En esos tiempos en pleno auge del movimiento "hippie", da a lugar a que se realice un festival que revolucionaria el mundo entero: Woodstock de 1969. Bob Dylan paisano de esa localidad, se encuentra continuamente acosado por algunos de los  hippies que llegaban de todos puntos del país. Buscaban al "superheroe del folk" al paradigma de la "contracultura", para ser mas certeros en su propia residencia. Merodeaban por las cercanía de su hogar día y noche, inclusive se metían en su casa y saqueaban su despensa. Pese a esto no tenia ayuda de nadie y es así que decide trasladarse irremediablemente a Nueva York. Sin embargo allí también seguían acosándolo. En ese marco se gesto el concepto de "Self Portrait", donde predominan grabaciones de descarte y canciones en vivo y una firme intención de desviar la atención de su publico. Como un intento de descartar a la "Nación de Woodstock" Dylan aseveró por entonces:..."Bien, que se jodan. Espero que esa gente se olvide de mí. Quiero hacer algo que no quieran. Lo verán, lo escucharán, y dirán: Fijémonos en otra persona. Ya no dice nada. Ya no nos dará lo que queremos". Pero el tiro salió por la culata. Porque el álbum salió, y la gente dijo: “Esto no es lo que queremos”, y se volvieron aún más resentidos. "E hice este autorretrato para la portada. Quiero decir, que el álbum no tenía título. Hice la portada en cinco minutos. Y dije: "Bien, lo llamaré "Self Portrait".

Este disco sigue la atmósfera country de sus antecesores ("John Wesley Harding" y "Nashville Skyline"). Dylan rinde tributo a grandes compositores de la música popular estadounidense como Charles Badger Clark, Bill Trader, Boudleaux Bryant, Pierre Delanoe, Elvis Presley, Johnny Cash o Paul Simon, y tambien otros tradicionales del cancionero como la hermosa "Belle Island". Teniendo en cuenta lo buen compositor que es Dylan es curioso notar que, en lineas generales, la mayoría de los temas no tienen alto vuelo. Sin embargo podemos encontrar puntos fuertes en  "Let It be me", "Early Mornin' Rain" o "Days Of ’49" esta última de los etnomusicólogos Alan y John Lomax o las tradicionales "Alberta #1 y #2". Es aquí en las sesiones de "Self Portarait" que Dylan comienza a hacer usanza de una nueva forma de cantar con voz mas grave que venia ya empleando en sus dos anteriores trabajos.

De la pluma de Dylan, podemos encontrar "Woogie Boogie", "Wigwam", valorables instrumentales o "Living the blues". También hayamos "Quinn the Eskimo (Mighty Quinn)" en vivo, canción que habían popularizado con considerable éxito la banda británica de los sixties Manfred Mann, una composición de Dylan de la época de "The Basement Tapes" que luego develaría en dicho material. Luego nos encontramos con  cuatro extractos de la presentación en el festival de la Isla de Wight de 1969, acompañado por The Band. Infaltable en sus performances hayamos una particular versión de los clásico "Like A rolling stone"  y "She belongs to me". Fue una buena idea incluir estas grabaciones, ya que por entonces solo circulaban en en el Reino Unido unas grabaciones piratas de aquel festival de paupérrimo sonido.

Con la producción de Bob Johnston para Columbia Records, "Self Portrait" fue grabado en unas extensas seis sesiones entre 1969 y 1970. Las mismas tuvieron varias interrupciones, entre algunos de esos parates, registra las versiones en vivo en el Festival de la Isla de Wight de 1969. Dylan contrato para grabar en Nashville a músicos que ya lo habían acompañado en las sesiones de "Nashville Skyline" como Charles McCoy en bajo, Charlie Daniels en guitarra, Peter Drake en la pedal steel guitar y Kennet Buttrey en batería. Para los requerimientos orquestales adicionó teclados de Bob Wilson, los violines de Doug Kershaw y cellos de Marta McCoy. En las sesiones de Nueva York aporto lo suyo en organos, teclados y guitarras el legendario y fiel Al Kooper, David Bromberg  en dobro y bajo, las voces de Hilda Harris, Albertine Robinson y Maerehte Stewart como así también una amplia sección de vientos. Es necesario también remarcar el gran acierto de incluir a la bella voz de Clydie King.

El recibimiento de el álbum, no fue para nada alentador. Entre las criticas mas recordadas se encuentra la de Greil Marcus, periodista de la revista Rolling Stone, tras escuchar su primer corte de difusión: "What is this shit?" (que es esta mierda???). Otras dilapidantes frases hacia "Self Portrait" sostenían: “Si la ruptura de los Beatles supone el final de la década de los sesenta, entonces "Self Portriat" sugiere el final de Bob Dylan”. Pese a todo figuró durante un tiempo en el puesto número uno del ránking de mejores álbumes en el Reino Unido en 1970 y el cuarto en Billboard 200. Coletazos de su afición a la pintura se reflejarán en la portada del que intenta ser un autorretrato. Bob Dylan comenzó su afición a este arte en 1968 durante su residencia en Woodstock a instancias de Bruce Dorfman, su vecino, que le enseñó a utilizar la pintura al óleo.

Las sesiones de "Self Portrait", fueron proliferas y dejaron bastante material descartado dando vueltas. En "New Morning" de 1970, su siguiente disco, se publicaron "Went to see the gypsy" y "Times passes slowly" e inclusive "A fool such as I" en "Dylan" de 1973. Pero el grueso del material de descarte se incluyó en la interesante serie de "The Bootelgs Series" que publica Columbia desde 1991,"The Bootleg Series Vol. 10: Another Self Portrait (1969-1971)" de 2013.



Lista de Temas:

1. All the Tired Horses
2. Alberta #1 (Tradicional)
3. I Forgot More Than You'll Ever Know (Cecil A. Null)
4. Days of 49 (Alan Lomax, John Lomax, Frank Warner)
5. Early Mornin' Rain (Gordon Lightfoot)
6. In Search of Little Sadie (Tradicional)
7. Let It Be Me (Gilbert Bécaud, Mann Curtis, Pierre Delanoë)
8. Little Sadie (Tradicional)
9. Woogie Boogie
10. Belle Isle (Tradicional)
11. Living the Blues
12. Like a Rolling Stone (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
13. Copper Kettle (Alfred Frank Beddoe)
14. Gotta Travel On (Paul Clayton, Larry Ehrlich, David Lazar, Tom Six)
15. Blue Moon (Lorenz Hart, Richard Rodgers)
16. The Boxer (Paul Simon)
17. The Mighty Quinn (Quinn the Eskimo) (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
18. Take Me as I Am (Or Let Me Go) (Boudleaux Bryant)
19. Take a Message to Mary (Felice Bryant, Boudleaux Bryant)
20. It Hurts Me Too (Tradicional)
21. Minstrel Boy (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
22. She Belongs to Me (en vivo en el Festival de La Isla de Wight de 1969)
23. Wigwam
24. Alberta #2 (Tradicional)

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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1981 - Shot of Love

jueves, 1 de mayo de 2014

The Moody Blues - Days Of Future Passed (1967) (2008 single standard CD remaster tracks)


The Moody Blues se formó en Birmingham en el año 1964. En sus comienzos se caracterizaban por hacer un refinado rhythm and blues tan de boga en la Inglaterra de los primeros 60´s como así también algunas dosis de jazz y soul, degustable solo en su primer LP: " The Magnificent Moodies " de 1965 ("Go Now!" en EE.UU). Por aquel entonces la banda estaba conformada por Graeme Edge en batería, Ray Thomas en flautas y voz, Clint Warwick en bajo y voz y Mike Pinder en teclados y tenia como cantante principal a Denny Laine (quien luego se uniría a la agrupación Wings de Paul McCartney).
Con esta formación serian descubiertos por un representante de la época, Tony Secunda quien les conseguiría un arreglo para ofrecer su arte en el legendario Marquee Club de Londres lo que les permitiría , a su vez, firmar contrato con la famosa discográfica inglesa "Decca Records".
Es asi que al cabo de un tiempo consiguen grabar su primer simple "Steal Your Heart Away" que no logra el éxito que consiguió el siguiente sencillo "Go Now" un cover de Larry banks, logrando el primer lugar en las listas británicas y el décimo en América. "From the Bottom of My Heart"su siguiente sencillo, traería mejores resultados. Algunos de estos primeros simples se recopilan en ese primer trabajo "The Magnificent Moodies", donde podemos encontrar también canciones de James Brown ("I'll Go Crazy") como así también de la mítica dupla compositiva George e Ira Gershwin ("It Ain't Necessarily So").

Pero The Moody Blues no se quedaría en ese sonido. Las tensiones internas que acumuló el escaso éxito de ese primer trabajo, desembocan en la salida de Warwick y posteriormente de Denny Laine. Warwick es reemplazado por John Lodge, y posteriormente se suma Justin Hayward, dos piezas fundamentales en el futuro de la banda. La gran influencia de estos dos nuevos miembros y por supuesto lo que significo el irrepetible "Sgt. Pepper`s Lonely Hearts Club Band" de Los Beatles para la historia de la música contemporánea, encausaría a que los Moody Blues concibieran uno de los álbumes mas importantes y magníficos de la historia del rock: "Days of Future Passed" (Días del Futuro Pasado), también uno de los primeros discos conceptuales de la historia. Con este trabajo, a los Moody Blues se los considera uno de los pioneros del rock sinfónico y progresivo. El álbum de carácter conceptual y cinematográfico, incurre a través de sus composiciones, en el transcurrir de un día entero en la vida de un hombre común. Desde el alba, hasta la noche. El nuevo sonido sinfónico, sin duda alguna sería en parte gracias a su nuevo productor Tony Clarke y a DECCA, quienes ofrecieron a los Moodies las últimas técnicas de grabación y profusos arreglos orquestales, bajo la batuta de Pete Knight junto a The London Festival Orchestra. En realidad la compañía DECCA le propuso al grupo, si podían hacer una versión de la Sinfonía número 9 en Mi menor, Opus 95 "Del Nuevo Mundo" de Antonín Dvorák. El deseo de dicha compañía era que un grupo haga una fusión entre la música clásica y la música popular. Si bien The Beatles ya lo habían hecho, Sgt Pepper no se basaba en ningún compositor. También serviría como escusa para probar y dar a conocer el nuevo sistema DDS (Deramic Sound System). En definitiva DECCA utilizó a el grupo como mano de obra barata para lanzar el nuevo DDS  y así poner de moda la música grabada en estéreo en el panorama del pop ingles, como se venia haciendo en  EE.UU. Pero los Moodies se tomaron el trabajo muy libremente y a su manera. Es así por esto que se creo The London Festival Orchestra, una orquesta que solo funcionaría para las sesiones de grabación. Un dato curioso es que esta orquesta jamas se cruzó en estudio con The Moody Blues, es decir grababan las pistas por separado. Los créditos de las composiciones eran mas llamativos aun: "Redwave/Knight". Knight era el director de la orquesta y "Redwave" era un nombre secreto que adoptaron los mismos Moodies.

De más está decir la grandilocuencia que encierra la obra, que se atreve a conjugar un pop psicodélico con arreglos de música clásica y hermosos pasajes orquestales de diferentes texturas acompañando sutilmente los claroscuros predominantes en la narrativa de la obra.

El día, entonces comienza. "The Day Begins: "The Day Begins" / "Morning Glory" una canción subdividida, conformando una introducción omnipotente. Un comienzo atípico para un disco de rock, al primer oyente le parecerá un álbum de otro género. Esta introducción es como la obertura de la banda sonora de un film. Incurren fragmentos o leitmotiv que luego oiremos en el devenir del álbum. "Morning Glory" es el poema que podemos oír, escrito por el baterista Graeme Edge pero recitado por el tecladista Mike Pinder. En sus ultimas lineas predice la llegada de el amanecer (Dawn: "Dawn is a Feeling". ) : ... "Valientes helios levanten sus corceles, denle el calor que necesitan las campiñas...".

Llega la mañana con The Morning: "Another Morning", composición del flautista Ray Thomas. Una alegre canción sostenida por una irresistible melodía de flautas. Al igual que todos las otras canciones, la voz principal es de quien la compuso (el caso excluyente es "Dawn is a Feeling", donde a pedido de Pinder, canta Justin Hayward), que es acompañado por unos bellisimos coros por el resto de los Moodies.
La letra describe a un grupo de niños jugando en el parque. El tono sugestivo y alegre, brinda un matiz de eco nostálgico hacia la niñez de Thomas. La coda orquestada sigue las lineas de la pegadiza melodía de flautas. Esta íntimamente relacionada con el inicio del siguiente momento del día. Lunch Break: "Peak Hour" compuesta y cantada por John Lodge tiene un interludio orquestado para luego convertirse en un rock beat con coros y falsetes al mas puro estilo de The Who o de The Beach Boys. El agitado aire de la canción no esta demás, ya que es un reflejo de esta parte del día "Peak Hour" ("La hora pico"), donde el interprete con una mirada omnipresente, observa a las masas de personas comparándolas con un millón de abejas.

Uno de los mejores momentos del disco (¿o del día?) es sin dudas "Forever Afternoon",  primera parte de The Afternoon: "Forever Afternoon (Tuesday?)" "(Evening) Time to Get Away" y también primera de las dos grandes composiciones de Justin Hayward. Una impecable presencia vocal y de guitarra acústica, acompañada por un melotron con sello propio. Otro sutil enganche orquestado para unirla con  la preciosa y bipolar "(Evening) Time to get away" de Lodge. La letra acompaña el lamento de todo un día de trabajo y la llegada exhausto al hogar.
Otra vez la psicodélia gana un terreno esta vez es oriental, con la primera parte de Evening, "The Sunset" de Mike Pinder. Unas percusiones típicas del medio oriente acompañan a una citara ejecutada por Hayward y otros excéntricos instrumentos como la tambura a cargo del propio Pinder. Parecen emular una danza del sol que concluye con su desaparición total en el ocaso. Pero para preludiar a la noche  Ray Thomas  aportaría lo suyo. “Twilight Time”, el crepúsculo, la pieza mas rara del álbum. Es otro aporte psicodelico y de otra dimensión, donde se destacan la combinación de voces con alocados coros junto a la base de teclados.

La noche, "Nights in White Satin" la joya del álbum, un tema eterno de Hayward y quizás el mas popular de los Moodies. Predominan buenos arreglos orquestales en parte de los coros y otras partes orquestadas son emuladas por el melotron de Pinder. Hayward la escribió a los 19 años tras recibir como regalo unas sábanas de blanco satén. Mas allá de ser una canción que parece describir un desengaño amoroso, o un amor no correspondido, muchos sostienen que el impacto que tubo en la cultura popular es mas de "baile de salón" (algo parecido a lo ocurrido con "A Whiter Shade of Pale" de Procol Harum, que hasta sustituía a la marcha nupcial) que de típica balada de rock, como muchos otros piensan. Lo cierto es que la banda le debe gran parte de su fama a esta canción. Ha sido grabada en varios idiomas e interpretada por varios artistas. Y hasta había sido elegida como el "ending theme" del film de Francis Ford Coppola  "Apocalypse Now", pero finalmente se escogió "The End" de The Doors. La coda de la canción es "Late Lament" del baterista Graeme Edge donde una vez más Mike Pinder recita un poema suyo donde en el final se repiten la mismas lineas de "Morning Glory": "El rojo es gris y el amarillo blanco, pero nosotros decidimos que es lo correcto y que es una ilusión!?!?."

El álbum lanzó a la fama a The Moody Blues, sus mayores éxitos fueron canciones de Justin Hayward: "Forever Afternoon" (o "Tuesday Aferternoon" como se conoció en formato de simple) y "Nights In White Satin". Esa idea de cohesión entre canción y canción con interludios armónicos y orquestales dió la pauta para el siguiente LP de la banda, "In Search of the Lost Chords" de 1968, pero esta vez suplantando la orquestación por el melotron. Al año siguiente salen dos importantes álbumes mas: "On the Threshold of a Dream" y "To Our Children's Children's Children". En 1970 sale a las bateas "A Question of Balance" y en ese mismo mes de agosto hacen una inolvidable presentación en el legendario Festival de la Isla de Wight, quizas el mas recordado. The Moody Blues se presentan en el día de clausura del festival. Ese mismo día comparten escenario junto a Jimi Hendrix, Jethro Tull, Free, Donovan, Joan Baez, Leonard Cohen y muchos mas. Mas abajo compartiremos aquella famosa performance de  "Nights in White Satin" y de "Tuesday Afternoon". 

El álbum se ha remasterizado dos veces. En 2006, como una edición de-luxe de dos CD y la que compartimos aquí de 2008 que incluye 10 bonus tracks, "Don't Let Me Be Misunderstood" grabada en la BBC, algunos singles en mono de 1967 y algunas versiones alternativas y out-takes de las sesiones del propio "Days Of Future Passed".

Quieran o no , junto a otros grandes discos, como por ejemplo "In the Court of the Crimson King" (1969) de King Crimson, marcó la base de lo que luego se denominaría el "sinfónico/progresivo". Junto a otras bandas como Procol Harum se los han llamado "proto-progresivos". Pero lo que mas se les valora es que hayan hecho una obra con un gran mensaje. El transcurrir cotidiano en la vida de un hombre común, un trabajador, que no tiene rencor hacia el pasado y mira con creces el futuro. Un viaje con obstaculos los cuales todos tuvimos que lidiar alguna vez, para estar en contacto con las cosas que nos competen en la vida.


Lista de Temas:

1. The Day Begins: The Day Begins / Morning Glory
2. Dawn: Dawn Is A Feeling
3. The Morning: Another Morning
4. Lunch Break: Peak Hour
5. The Afternoon, Forever Afternoon (Tuesday?), (Evening) Time To Get Away
6. Evening, The Sunset / Twilight Time
7. The Night: Nights In White Satin, Late Lament

Bonus Tracks:

8. Don't Let Me Be Misunderstood
9. Fly Me High
10. I Really Haven't Got The Time
11. Love & Beauty
12. Leave This Man Alone
13. Cities
14. Tuesday Afternoon
15. Dawn Is A Feeling
16. The Sun Set
17. Twilight Time


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domingo, 13 de abril de 2014

Metallica - ...And Justicie for All (1988)


Si bien Metallica, ya había logrado un considerable éxito e indiscutible fama masiva dentro del circuito del "trash metal" gracias a sus tres primeros álbumes de estudio,  no seria hasta "...And Justicie for All" que darían su primer gran paso hacia una inminente consagración.

Un álbum mas bien oscuro, lleno de critica social  y goza de un metal mucho más hermético, carente de melodías, no como sus tres antecesores. Mucho tendría que ver la muerte a los jóvenes 24 años del por entonces bajista Cliff Burton en Kronoberg, Suecia, durante la gira de el anterior trabajo "Master Of Puppets". Seria reemplazado, tras un sinnúmero de audiciones, por Jason Newsted quien debutaría en este trabajo. Es así que la banda entre 1986 y 1988 comienza con un periodo de renovación total y consecuente maduración. Parte del periodo de adaptación de Newsted vería sus frutos en el clásico EP grabado en el mismísimo garaje del baterista Lars Ulrich, "The $5.98 E.P.:Garage Days Revisited" de 1987 para luego entrar de lleno en su nuevo trabajo de estudio. "...And Justicie for All". Se grabaría entre los meses de enero y mayo de 1988 en los estudios "One on One Recording" de su Los Ángeles natal. Contaría con el mismo coproductor de sus dos anteriores trabajos ("Ride the Lightning" y "Master of Puppets"), Flemming Rasmussen.

Con un sonido que surge de entre la nada del universo, irrumpe la imponente "Blackened". El disco no puede tener un comienzo más prometedor y concientizador. Contiene una gloria de riff y una perfecta sincronía y coordinación de los tiempos rítmicos (que por cierto son muchos) de cada uno de los integrantes. Esto sin duda alguna confirmaría lo bien que encajó Newsted en un principio con Metallica. También acercaría el típico "trash metal" de la banda  a campos más cercanos al "heavy progresivo".
La letra es de James Hetfield y nos alerta en un tono algo apocalíptico, los destrozos que ha (y sigue) causando el hombre a la "madre tierra" mediante a diferentes tipos de contaminación ambiental entre ellos la industrialización.

Es tan variado el abanico temático del álbum que enseguida nos encontramos con el tema homónimo "...And Justicie for All" uno de los temas mas extensos de Metallica, canción que habla de la corrupción y manipulación en el sistema judicial. Canción muy compleja en su estructura, otra buena muestra del acercamiento a un costado más progresivo. Fue ejecutada en vivo en la gira de presentación del disco en 1989, luego en otras ocasiones, pero solo fragmentos. Hasta que 18 años después en 2007 volvieron a tocarla entera en Portugal y luego en pocas ocasiones mas, siendo la última vez en la gira "By Request"  en los shows de Argentina, recientemente, a fines de marzo de 2014.
"Eye of the beholder" es un tema que trata de la censura, la falta de libertad de expresión. Otro tema de estructura compleja, de ritmo mas extraño aún, pocas veces interpretado en vivo, tema muy despreciado.

Llegamos a uno de los clásicos de los clásicos y una obra maestra de Metallica: "One". Tiene todo lo que tiene que tener una balada de heavy metal. Una dulce introducción con muy buenas piezas de guitarras, por momentos con aires renacentistas. Luego, en la mitad de la canción, se zambullen en una furia de una velocidad  sin precedentes y allí se destacan los dobles pedales de Lars y el solo de Kirk Hammet por supueto.
La letra esta inspirada en la película "Johnny Got His Gun" (Johnny cogió su fusil) dirigida por Dalton Trumbo. Relata la historia de Joe Bonham, un soldado de la Primera Guerra Mundial que tras despertar en un hospital descubre que ha perdido toda movilidad, conservando, solo sus capacidades mentales. Siendo consciente de las implicaciones de este hecho y al resultarle imposible acabar con su vida, intenta comunicarse con el personal médico a través de código Morse moviendo su cabeza. Su deseo es que lo metan en un cubo de cristal y lo lleven por todo el país para mostrar a la gente los horrores de la guerra. No obstante es importante valorar como Metallica plasma los contrastes que experimenta Bonham. En la primera parte la parte "suave" si se quiere de la canciòn, el personaje parece vivir un sueño. En la segunda y al despertarse, expresan su desesperación al estar inmovilizado y por lo tanto su deseo de morir. Partes de esta película se pueden ver en el video clip de "One".

El riff vivaz y marchante de "The shorter straw" recuerda las persecuciones y secuestros durante una época en EE.UU., entre 1950 y 1956, que se denominó "macarthismo". Impulsado por el senador Joseph McCarthy quien desencadeno una especie de dictadura, persecusión, listas negras, etc. contra personas acusadas de ser comunistas. "The shorter straw" (la pajita mas corta) es ese juego donde al quien le toca la paja mas corta es mandado a hacer una tarea donde no hay voluntarios. La banda con ironía refiere en el estribillo "la paja más corta ha sido elegida por ti...": a ti te investigará el "macarthismo".

La oscura "Harvester of Sorrow" un gran tema de la banda, transformado en todo un clásico con el correr de los años. Rítmicamente redonda, si no fuera un tema de una banda de heavy metal, se podría decir que tiene ritmo de funk. La letra parece describir a un asesino poco convencional: a un infanticida.
Otra canción despreciada para ser tocada en vivo: "The Frayed Ends Of Sanity". Partes de batería complejas, solos de guitarras extensos y Hetfield cantando con otro estilo vocal. Un comienzo un tanto excéntrico pero el mismo ha sido utilizado por los fans de todo el mundo en sus conciertos para que la interpreten.

Como no podría ser de otra manera y como venían haciéndolo en los anteriores tres trabajos, con "To Live Is to Die" se incluye la cuota instrumental al disco. Su introducción es muy emotiva con unas partes de guitarras clásica bellísimas para adentrarse en un caudal eléctrico/futurìstico de casi 10 minutos. El tema recuerda mucho a los canadienses Rush mas precisamente de la época de "Caress Of Steel" o del mismo "2112". Es un homenaje a Cliff Burton de hecho algunos de sus riffs son de su composición.
Llegando al final, James Hetfield narra un poema escrito por el propio Burton, el cual decía:  "Cuando un hombre miente mata una parte del mundo. Estas son las muertes pálidas, a las que los hombres llaman equivocadamente "sus vidas". Ya no puedo cargar con todo esto para seguir siendo testigo... ¿No puede El Reino de la Salvación, llevarme a casa?". La coda del tema vuelve la parte de guitarra clásica de la intro que se corta repentinamente simbolizando la muerte.
Catalogada como la canción mas veloz de la banda "Dyers eve" cierra el album. Algunos dicen que es el mejor trabajo de Ulrich en disco.

La llegada de "...And Justicie for All" en general recogió muchos halagos. Jason Newsted tubo que pagar algún que otro "derecho de piso" por parte de los "críticos especializados" quienes atribuían bajo sonido del bajo en algunas canciones. Pero para el publico metalero se convirtio en un clásico y uno de los álbumes mas pesados de la banda, que por otro lado cierra una era. Las ventas en EE UU fueron solo sobrepasadas por su siguiente trabajo el Black Album de 1991 e igualadas solo por su antecesor "Master of Puppets".
Para la presentación del disco emprenderían una gira de solo un año denominada "Damaged Justice". "...And Justicie for All " seria un gran empujón para que Metallica lograra un éxito mundial que se asentaría por supuesto que con "Metallica" (el Black Album) de 1991.
"One" gran éxito del disco fue el primer Grammy que ganaron en 1990 y también el primer video clip de la banda. Tiene tres versiones.  El primero es el del álbum con partes de la película "Johhny cogió su fusil", el segundo es el mismo con partes cortadas y el tercero sin escenas de la película. 



Lista de Temas: 

1. Blackened
2. ... And Justice For All
3. Eye Of The Beholder
4. One
5. The Shortest Straw
6. Harvester Of Sorrow
7. The Frayed Ends Of Sanity
8. To Live Is To Die (Instrumental)
9. Dyers Eve

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martes, 18 de marzo de 2014

Antonio Carlos Jobim y Elis Regina - Elis & Tom (1974)


Un disco ideal para comenzar a empaparse de este inigualable género: la bossa nova, y como no, para conocer a la camada pionera del llamado MPB (Música Popular Brasilera). Un disco y una dupla trascendental en la historia de la riquísima música brasilera.

Consagrado ya como uno de los máximos exponentes e importadores (logro que le valió el éxito de haber grabado con nada mas ni nada menos que Frank Sinatra) de la bossa en todo el mundo, Antonio Carlos Jobim (Tom), se junta con la mayor voz que ha dado Brasil: la gran e irrepetible Elis Regina. El encuentro en cuestión se debió a un regalo que hizo la discografica Philips a la cantante por cumplir 10 años con dicho sello. Al ser consultada por el director, Elis no dudo ni un instante y pidio grabar con uno de los padres de la bossa nova, Tom Jobim. Es asi que viaja a Los Angeles junto a su marido, donde se encontraba Tom por entonces. Esta legendaria dupla exhibiría una perfecta mixtura entre la genialidad compositiva de Tom acompañada de la fuertisima calidad interpretativa de Elis. Es importante la participación del marido de Elis, el pianista  César Camargo Mariano, quien innovaría con la inclusión de instrumentos electrónicos al clasico repertorio de Tom, también seria el arreglador del disco.

Un comienzo muy alegre y muy irrepetible, vigente al dia de hoy por su frescura: "Aguas de Março". Una bossa impecable. Compuesta por Jobim en marzo de 1972 y salida por vez primera en el ábum "Matita Perê". Pero esta versión con sus voces en cada estrofa y entrelazadas en el estribillo, obtiene su mejor resultado. La canción describe ese momento especial del año en que termina el verano y comienza el otoño en el hemisferio sur. Su letra, evidentemente muy premeditada y evidenciable en su rima, es una genialidad. Su atmósfera de carácter de loco espiral nos va llevando hacia el final, haciendo un sinnúmero de comparaciones con elementos, personas entre otras tantas cosas mas. Su estructura es un "motoperpétuo" (Perpetuum mobile). La letra de las estrofas esta conjugada en el verbo "ser" de la tercera persona del singular. No pasa lo mismo con el pegadizo estribillo que se encuentra en plural: ..."São as Águas de Março...". Las palabras que conforman las estrofas juegan utilizadas con varios recursos , como por ejemplo la redundancia y el uso del antagonismo. Más tarde Jobim la grabaría también en ingles manteniendo, (dentro de lo posible) el significado de la canción. Como dato de color , tambien podemos decir que la decada del 80, la canción inspiró a la compañía Coca-Cola a utilizarla en un comercial, pero con una versión mas "rockera", si se quiere, y con cambios en la letra.

En contraposición a lo que es el sentimiento brasilero de la alegría y la felicidad, el resto de las composiciones del disco, son en lineas generales tristes. Basta con escuchar temas como "Pois É", "Modinha", u  "O Que Tinha de Ser". Una de las grandes composiciones de Jobim es "Corcovado" (en ingles  " Quiet Nights of Quiet Stars "). inspirada en el cerro de Corcovado, en la ciudad de Rio de Janeiro. De carácter acongojado, sobre todo en el final donde podemos apreciar la bellísima voz de Elis imitando a las partes de flauta, voz a la que luego se le suma la de Tom.

"Retrato em Branco e Preto" ("Retrato en Blanco y Negro") de Tom, Vinicius De Moraes y letra de Chico Buarque, una de las canciones mas intimistas y tristes que dió la musica brasilera.
Las canciones mas  cercanas al sonido de la  bossa nova son sin dudas "Só Tinha de Ser com Você",  "Triste", "Brigas, Nunca Mais", "Fotografía" ,"Triste" y "Inútil Paisagem" estas tres ultimas con claros aires jazzeros. En ellas podemos descubrir esos innovadores arreglos para la época de César Camargo Mariano y también la buena intención de implementar pianos eléctricos y guitarras eléctricas (pese a algunas reticencias de Tom).

Dos genialidades también son "Soneto de Separação"  y "Chovendo na Roseira". La primera teatral, cantada a dúo, con una fundamental inclusión  de orquesta de cuerdas de lo mas incidental. La segunda una de  la mas puras y dulces canciones que pudo cantar Elis. Forma parte de las llamadas "canciones ecológicas" de Tom, al igual que "Águas de Março", "Correnteza", "Passarim", y los instrumentales "Rancho das nuvens" y "Nuvens douradas", entre otras de su rico repertorio.


Personal:

Antonio Carlos Jobim - piano, voz, guitarras y arreglos en "Modinha"
Elis Regina - voz
César Camargo Mariano - piano, piano eléctrico y arreglos
Helio Delmiro - guitarras
Oscar Castro Neves - guitarra
Luizão Maia - bajo
Paulo Braga - batería
Chico Batera - percusión
Bill Hitchcock - dirección
Hubert Laws y Jerome Richardson - flautas
Aloysio de Oliveira - producción


Lista de Temas:

1. Águas de Março (Tom Jobim)
2. Pois É (Tom, Chico Buarque)
3. Só Tinha de Ser com Você (Tom, Aloysio de Oliveira)
4. Modinha (Tom, Vinicius de Moraes)
5. Triste (Tom Jobim)
6. Corcovado (Tom Jobim)
7. O Que Tinha de Ser (Tom, Vinicius De Moraes)
8. Retrato em Branco e Preto (Tom, Vinicius, Chico)
9. Brigas, Nunca Mais (Tom, Vinicius)
10. Por toda a Minha Vida (Tom, Vinicius)
11. Fotografia (Tom Jobim)
12. Soneto de Separação (Tom, Vinicius)
13. Chovendo na Roseira (Tom Jobim)
14. Inútil Paisagem (Tom, Aloysio)

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Otros discos disponibles de Elis Regina:

Elis (1966)