jueves, 30 de julio de 2015

IQ - The Wake (1985)


De los tres pilares que conforman el denominado "neo progresivo" (neoprog) nos faltaba homenajear aquí en este blog, a una interesante banda británica de principio de los años 80: IQ. Fueron entonces junto a bandas preferentemente de la impronta de MARILLION y PENDRAGON o Pallas, los que enaltecieron los conceptos de este genero.

IQ se origino en 1982 en Plymouth al sudoeste de Inglaterra. En principio constituida por el actual guitarrista Mike Holmes, el tecladista Martin Orford, el bajo de Tim Esau, el baterista Paul Cook y el vocalista Paul Nicholls. Al poco tiempo grabarían una especie de demo en formato "casette" titulado "Seven Stories into Eight". En 1983 saldría  su opera prima "Tales From Lush Attic" dejando una buena impresión en el publico mayormente del under. Su siguiente trabajo "The Wake" de 1985 saldría una semana antes del gran "Misplaced Childhood" de Marillion, cerrando una año inolvidable para este genero. Para sus dos siguientes álbumes, "Nomzamo" (1987) y "Are You Sitting Comfortably?" (1989) contarían con la voz de Paul Menel. El estilo de estos dos se acerca a un pop mucho mas comercial, latente y demandado en los 80´s. Inclusive llegaron a tener un éxito considerablemente masivo con el corte "Promises (as the years go by)". Sin embargo volverían los años progresivos con la vuelta de Nichols en 1990 para lanzar el aceptable trabajo "Ever" en 1993, álbum que vería la salida del bajista Esau, sustituido por John Jowitt. La vuelta de Nicholls asentuaria la impronta progresiva en los años siguientes. Por ejemplo con un excluyente trabajo; otra obra de concepto, el doble "Subterranea"(1997) o "Dark Matter" (2004) entre otros. En 2005 el baterista Paul Cook abandona IQ para cederle su puesto a Andy Edwards, y en julio de 2007 la importante cuota de Martin Orford abandona la banda. Las letras de IQ se caracterizan por ser oscuras, misteriosas, con un soporte depresivo, fusionadas con ese costado épico y fantasioso propio del genero que juntos logran una conjunción muy interesante.

Grabado en 1985, "The Wake", pretende seguir la linea de su antecesor "Tales From Lush Attic" , pero con un sonido mejor y una producción mas cuidada. Es un disco conceptual que habla de un hombre atravesando los umbrales de la muerte que a su vez niega de su cruel destino.  La obra en general destila un carácter emocional fúnebre. Es claramente percibible desde un fatídico comienzo con "Outer Limits". En esta canción inicial se describe precisamente el momento en que culmina la vida terrenal del protagonista. Una "mini-suite" de 8 minutos con un inicio de bases consistentes y tranquilas a la que se le unen unos tétricos colchones de sintetizadores para dar lugar progresivamente a los demás instrumentos. Continua su pasaje al mas allá con "The Wake" que por sus riffs la hacen una de las canciones mas "heavy metal" del trabajo. Aquí nuestro moribundo ser se mira a si mismo y su alma hace revisión de su vida en la tierra. Sus sentimientos son de remordimiento, soledad , nostalgia y frustración. Se encuentra frente a su destino y, también frente a su incapacidad para aceptarlo. Llegando al final la lánguida cortina de teclados de Orford emula a una misteriosa "luz" que atrae a el personaje, esto a la vez sirve de elemento cohesivo con la siguiente pieza que es quizás sea el punto de inflexión en nuestro personaje: la maravillosa "The Magic Roundabout".  En este raro espectáculo lumínico se desmantela lo que en verdad trama esta misteriosa luz: atraer hacia el limbo al personaje. Aquí sufre un vaciamiento espiritual enceguecido por la luz: "Estoy perdiendo la razón sigo olvidando lo que he dicho... trato de acercarla, pero no hay nada en mi cabeza. No creo en el jamás y no creo en el ahora. Si la vida es todavía, vale la pena vivir... ¿Cómo es que me siento solo ?...". Es este encuentro con la luz de lo que trata "The Magic Roundabout", de varios cambios de ritmos  y una melodía vocal bellisima,de una densidad emocional exquisita de la mano del peculiar histrionismo de Nicholls. El final lo corona un gran solo de Holmes.

Aceptando su cruel destino y ensordecido, el sujeto en cuestión comienza a vagar por los oscuros pasajes del limbo. Este deambular lo evoca la siguiente pieza "Corners". De impronta pop, con aires psicodelicos esconde cierto misticismo, quizás por la inclusión de una acertada citara a cargo de Holmes. Este vagar por los pasajes del limbo no duraría mucho ya que los recuerdos terrenales y la negación hacia su cruel destino, comenzarían a pujar, especialmente los recuerdos de su esposa. Eso lo que evoca otra gran mini suite de casi 10 minutos: "Widows Peak", la obra maestra del álbum. Su intro recuerda mucho a pasajes de "The Snoow Goose" de Camel. Una vez un sinnúmero de cambios de ritmos, desde la psicodelia, hasta melodías de un oscuro romanticismo, todo sostenido por la teatral voz de Nicholls, elemento determinante en toda la obra.

Quizás la parte mas audible del álbum sea "The Thousand Days", con una acercamiento indudable a el sonido de The Cure, es una descripción del alma del sujeto, resignada a esperar su fatal destino. La coda de esta historia se la debemos a "Headlong" donde definitivamente la resignación se apodera de el y vé las cosas como deben ser. Finalmente todo se dilucida y acepta su terrible destino: la muerte. En su reflexión final hacia el entendimiento de su condición, el personaje aclama: "...Espíritu, que me llevaste al lugar del nacimiento, has puesto el miedo en el miedo a volar. El aliento de la muerte... quieres una firma ?, una firma es lo que deseas? ... ya esta allí."

"The Wake"una preciada joya y una huella imborrable del "neo prog" de los años 80, que a pesar de ser opacado por "Misplaced Childhood" de Marillion ayudo a levantar y aggiornar este genero que mostraba tener las defensas bajas por esas épocas. En el momento de la edición en compact disc se le adiciono un bonus track, "Dans le Parc du Chateau Noir" que pese a estar fuera del concepto, no desentona con el áurea lúgubre del álbum. Para la edición presente aqui de 1994, podremos gozar de la crudeza de los demos con dos bonus mas: "The Thousand Days" y "The Magic Roundabout". El arte de tapa estuvo a cargo de el propio Peter Nicholls. Los personajes son  de su creación, excepto el rostro del centro que esta inspirado en el personaje que interpreta la actriz canadiense Rae Dawn Chong  para la película "Quest of Fire" (1981), conocida también como "La Guerre du feu"  ( "La Guerra del Fuego" para el publico hispanoamericano).



Lista de Temas:

1. Outer Limits
2. The Wake
3. The Magic Roundabout
4. Corners
5. Widow´s Peak
6. The Thousand Days
7. Headlong

Bonus tracks:

8. Dans le Parc du Chateau Noir
9. The Thousand Days (demo)
10. The Magic Roundabout (demo)


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viernes, 10 de julio de 2015

Black Sabbath - Sabbath, Bloody Sabbath (1973)


Con cuatro  discos en su haber (en solo 3 años), Black Sabbath con su clásica formación (Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward), comienza a encaminar su heavy metal fatalista, gótico, distinto, hacia algunos arreglos de cuerdas, a trabajos de teclados emparentados, como no, a la música progresiva y sinfónica y a la psicodelia. Un trabajo excluyente para su ya de por si sorprendido publico.

Este sonido ya se venia gestando desde su anterior placa "Black Sabbath Vol 4." (1972) y desde aquel año también, atravesaban una crisis compositiva a raíz del abuso de drogas y sustancias del tipo psicotrópicas. Tal era el punto de escasez de ideas que hasta el guitarrista Iommi era incapaz de contribuir con aunque sea alguno de sus inmortales "riffs"y sus dedos se paralizaban al intentar sus punteos. Una de las soluciones que propuso el entorno de Sabbath era excluirse en el castillo Clearwell en Gales, para lograr una pronta desintoxicación y la tan ansiada iluminación. Fue allí entonces, donde se desarrollaron las sesiones de "Sabbath, Bloody Sabbath". Disco con muchos relieves de por si, con la  dureza y la energía de bases y guitarras potentes que los caracterizan, dulces pasajes instrumentales ("Fluff") o momentos esquizoides ayudados por la buena inclusión de sintetizadores y diferentes máquinas y teclados. Para esto ultimo la banda se dio el lujo de incluir al gran (nuevo amigo de Sabbath por entonces) Rick Wakeman de Yes, quien se prestaría como un verdadero guía hacia el camino de una musicalización mas compleja, llegando hasta a participar en una canción.

Así y todo, y a pesar de la "falta de inspiración", en un principio, el álbum marcó ya desde el homónimo inicial, una gran influencia para las bandas heavy metal de los años venideros tanto en los 80´s como en los 90´s. Un "groove metalico" en su enérgico desarrollo predomina en esta canción, una grandeza de la banda. El glorioso riff de Iommi se presenta como un verdadero océano eléctrico para que Ward y Geezer naveguen. Y por supuesto ahí esta Ozzy. Este gran vocalista de natural histrionismo e inigualable interpretación, el se abre paso con fuerza y elegancia. El riff de guitarra sigue por un momento para abocarse a una melodía con un fondo acústico muy hermoso y estilizado. En un momento la canción se vuelca a un ambiente bien heavy con toques progresivos.

Gran parte del álbum se esmera por recobrar el formato "hitero" en las canciones, despojándose de los sonidos lúgubres o extensas composiciones, etc. Buen ejemplo es "A National Acrobat", con otro excluyente riff de Iommi sobre todo en el incandescente final. Luego la singular "Fluff" una tajada instrumental de Iommi de bellos arreglos. El guitarrista aporta su buen gusto en ejecutar piano y hasta un clavicordio. Algunos pensaran que esta demás en el disco, y sobre todo habiendo otros instrumentales muy por encima de este, como por ejemplo "Changes" de su anterior álbum.

La "merlinezca" (así suena) "Sabbra Cadabra" es una genialidad y una bestialidad de este cofre lleno de sorpresas. Con su comienzo del todo arrasante, con una especie de  riff "heavy-blusero", (con un Ward espectacular), para darle paso a Wakeman con su mini moog y laportando también algunas cadencias bluseras en el piano. La presencia de Rick aporta una tensión dramática y misteriosa nunca vista en un disco de Sabbath hasta entonces. En "Killing Yourself To Live", Ozzy desata una fuerte critica, justamente hacia los críticos de la banda que se "matan cada día por vivir" pero obviamente a costa de ellos mismos. Una de las canciones mas duras del álbum, de fuerte base rítmica en la que Ozzy se preocupa por intervenir con el manejo de sintetizadores.

 La excéntrica "Who are you?" asoma como la composición exclusiva de Osbourne, arreglada inteligentemente por el resto de la banda. La base rítmica se sostiene por los synths de el propio Ozzy y de Iommi, a lo que le sigue un bello pasaje de un mellotron en manos de Gezeer Butler. La canción mas rara del álbum, que permite entrever el espíritu y la inquietud hacia las "maquinitas" del cantante, por aquel entonces. "La compuse una noche en el Bulrush Cottage mientras estaba cargando y jugueteando con una maquina de cinta Revox y mi ARP 2600" comentaría el vocalista. Como single llegó a ser numero 1 en Reino Unido.

Otra que no pierde la intención de sonar "redonda" es la acertada  "Looking For Today". Positiva por donde la miremos, concepto algo alejado a la impronta de la banda hasta entonces. Otra vez Iommi toma la posta, con un pegadizo riff y la inclusión de flautas en un segmento entre las palmas de todos los integrantes de la banda. Cierra el trabajo la ambiciosa "Spiral Arquitecht", otra genialidad. La sofisticación reaparece, desde la dulce intro de guitarras acústicas hasta los adornos de cuerdas a cargo de "The Phantom Fiddlers".

Quizás estemos ante el primer trabajo de el llamado "metal progresivo". Una joya de Black Sabbath , adelantado a su tiempo, o bien punto de partida de este subgénero.


Lista de Temas:

1. Sabbath Bloody Sabbath
2. A National Acrobat
3. Fluff
4. Sabbra Cadabra
5. Killing Yourself To Live
6. Who Are You?
7. Looking For Today
8. Spiral Architect


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domingo, 24 de mayo de 2015

Bob Dylan - Modern Times (2006)


Un debido homenaje que merece esta figura irrepetible de la cultura y el arte contemporáneo.
En esta ocasión no olvidamos uno de sus grandes álbumes de este siglo. Su trigésimo segundo trabajo de estudio de 2006, el gran "Modern Times".

A pesar de que como en varios de los trabajos de su extensa carrera musical, este trabajo ha tenido sus controversias y aun asi esta ubicado como uno de sus mas ricos álbumes de estos últimos años. Las controversias surgieron sobre todo cuando se lo acusaba de incorporar arreglos musicales, letras de canciones y poemas que pertenecen al dominio público. Los géneros musicales que predominan son el rockabilly, el blues y el americana, al igual que sus dos trabajos anteriores, "Time Out Of Mind" (1997) y "Love And Theft" (2001), lo que para algunos forman parte de una trilogía, excepto para el propio Dylan.

Sobre la carraspiada voz de Dylan suenan las guitarras de Stu Kimball y Danny Freeman. El arranque de "Modern Times" con "Thunder on the Mountain" es una buena muestra de que su talento como compositor sigue intacto. Sobre todo con el swing que nos ofrece en "Spirit on the water". "Rollin' and Tumblin'" es un standar de blues de  Hambone Willie Newbern que ya había sido popularizada por el legendario Muddy Waters, la versión de aquí es la mas cercana a la de Waters, pero salvo por el primer verso Dylan la reescribió en su totalidad. Lo mismo podemos observar en otros clásicos como la bella "When the deal goes down" de Bing Crosby o "Someday Baby" (originalmente inspirado en  "Worried Life Blues", de Sleepy John Estes) popularizado  como "Trouble No More" y acreditado a Muddy Water, y que también lo versionarian los Allman Brothers y por supuesto como muchos recordarán nuestro irrepetible Norberto Pappo Napolitano en "Buscando un amor" su ultimo trabajo en estudio. La maleable"The Levee's Gonna Break" también fue versionada por Led Zeppelin pero con el titulo de "When the Levee Breaks" en "Led Zeppelin IV".

Otro gran momento es "Nettie More" que utiliza versos de "Gentle Nettie Moore", una canción de 1857 compuesta por Marshall Pike y James Lord Pierpont, que curiosamente compuso el clásico navideño "Jingle Bells". Una canción que gira entorno a una base tranquila y pese a ser repetitiva (indiscutiblemente un sello marca Dylan), no pierde la originalidad, una señal de que esta leyenda sigue en carrera. El tema del final es "Ain't Talkin'", inspirada en una canción de Don Anthony y Ralph Stanley, "Highway of Regret" y de un tradicional irlandés "As I Roved Out". La letra describe lo que ve un viajero que camina por lugares que nunca antes había visitado y SIN HABLAR con ningún habitante de cada sitio. A lo largo de casi 9 minutos el narrador/observador alterna cuestiones personales y mundanas con otras universales, que en definitiva son las que labran la experiencia y la personalidad del hombre. El camino que nos cantan no es fácil. Hay muchas piedras en el camino, las luchas entre el bien y el mal están siempre presentes. Su valiosa experiencia nos alerta. Como en casi todas sus canciones extensas, el viaje se torna hipnótico. Desde los comienzos de su carrera en los albores de los años 60, Bob Dylan se caracterizaba por hablar, y como no, cuestionar a la sociedad en la que vivía. Con "Ain't Talkin'", dentro de este "Tiempos Modrenos",  se preocupa en "aggiornar" estas cuestiones. Todos vivimos vidas distintas, pero siempre hay un trasfondo que nos asemeja los unos con los otros.

El sitio web Allmusic redactaría sobre "Ain't Talkin'": "La gran ironía es que en el último tema, "Ain't Talkin'", donde un violín solo, un piano y una percusión derraman una balada gitana que indican un anhelo, que asciende a un hambre espiritual insatisfecho. El peregrino pasea, anda y aspira a hacer el bien a los demás, a pesar de que se tambalea a menudo a veces incluso quiere cometer un homicidio. Todo esto es parte de la "red de arrastre" de la vida en el mundo actual". Una buena apreciaciòn que no se encuentra para nada lejos de la realidad, emparentada a la dirección que intenta obtener este "Modern Times".

Fue producido por el propio Dylan bajo el seudónimo de "Jack Frost " y obtuvo en general una buena recepción del publico y la critica. Con respecto a lo controversial de las citas y reversiones de las canciones, en septiembre de 2006, el famoso diario "The New York Times" publicó un artículo explicando las similitudes entre las letras de "Modern Times" y el trabajo del poeta del siglo XIX Henry Timrod. En el mismo se describen al menos diez versos y frases asociadas a este poeta. Por otro lado otro articulo de el poeta neozelandés Clif Fell de "The Nelson Mail" encontró versos del poeta romano Ovidio entre varias de las canciones del disco. Pese a que no se acredito ninguno de los versos de estos poetas en el álbum, Bob Dylan reconoció su apropiado uso y esto tampoco supuso ningún problema en términos legales para el sello involucrado Sony.


Lista de Temas:

1. Thunder on the Mountain
2. Spirit on the Water
3. Rollin' and Tumblin'
4. When the Deal Goes Down
5. Someday Baby
6. Workingman's Blues #2
7. Beyond the Horizon
8. Nettie Moore
9. The Levee's Gonna Break
10. Ain't Talkin'


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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1970 - Self Portrait
1981 - Shot of Love

viernes, 8 de mayo de 2015

Carlos Gardel - Aquellas Farras (Su Obra Integral Vol.12)


Inspirado en los versos de uno de los últimos grandes letristas y poetas que dio el tango, Enrique Cadícamo (1900-1999), se titula este volumen 12 de la obra integral de Carlos Gardel. El concepto de este tango en cuestión, empapa gran parte de esta entrega. Las historias en torno a fiestas, cabarets conciertos, corsos y carnavales, estan a la orden del día.

Es interesante la incurrencia en estos tangos a estos temas, sobre todo hacia los carnavales . Es así como suenan al compás del carnaval tangos como el carismático "Siga el corso" de 1926 ,que alguna vez luego popularizaría Julio Sosa, la propia "Carnaval" o la peculiar "Juventud" donde nos expresa que no todo es fiesta y diversión :..."Tu locura, tu cruel ironía, dejan huellas después que tú pasas; y conviertes dichosos en tristes,a esos pobres ya nadie los salva. ¡Carnaval, carnaval, qué inconsciente atropellas con tu bufonada! .Yo soy joven, te espero de frente, dile a Momo que saque su espada..."

Otro tópico repetido son la vida nocturna y los cabarets. Nuevamente el maestro Cadícamo refleja estas cuestiones con"Dos en Uno". Pero sin dudas también en la particular historia de "El Rey de Cabaret" , donde se describe a un dueño de cabaret con  su alma de piedra, hasta que una "paica" lo enamora. Inclusive "Acquaforte" esta inspirado en un cabaret de Milán llamado"Excelsior", lugar donde se encontraban los dos autores de este tango (el bahiense Marambio Catán y Horacio Petorossi). La atmósfera decadente del sitio les sugirió componer esta canción. Anécdota aparte esta letra sugirió a el dictador Benito Mussolini su censura, al suponer que el fascismo había desintegrado toda diferencia social. Es así como debió aclarase que era un "Tango Argentino", igualmente se consiguió que luego sea cantada por el tenor italiano Gino Franci.

"La violetera" y "Noches de Colón", parecen describir noches de conciertos, la primera evoca a una típica "florista" que se paseaba entre las filas del teatro, la segunda recuerda las noches del histórico teatro de Buenos Aires. Con música de Raúl de los Hoyos y letra de Roberto Lino Cayol, había sido estrenada en 1926,  por el actor y barítono Vicente Tito Climent, para la revista del Teatro Maipo "En el Maipo no hace frío". Carlos Gardel lo grabó ese mismo año con el acompañamiento de las guitarras de José Ricardo y Guillermo Barbieri y con el mismísimo De Los Hoyos al piano. Otra leyenda cuenta que el pianista se encontraba paseando por Madrid en 1928 y encontró a Gardel cantando este tango pero con sus versos cambiados para adaptarlos al lugar donde estaba cantando. El mudo lo titulaba como "Noches del Royal". Luego de la función se abrazaron y estuvieron riéndose con el "cambiaso" de Carlitos. Muy popular es también la versión de 1941 que grabarían Ricardo Tanturi con su orquesta típica y la voz del "cabezón" Alberto Castillo, pero a diferencia de Gardel, la cantaba solo hasta la mitad.

Otra situación bien tanguera que vale la pena mencionar se dá en "Gimiendo". Una suerte de confesión de un "matón" ya encerrado en la cárcel a su carcelero de guardia. Se escucha vanagloriarse al criminal:..."Venga y escuche, carcelero, que un taita arrabalero su historia va a contar, cuando el acero bien templado manchó de rojo, bata de percal. Bailaba engrupida por el ñato Abrojos y leí en sus ojos le hablaba de amor. Perdí la cabeza, relució el acero triunfó la destreza ¡y ganó el mejor!..."

Quizás uno de los tangos mas famosos de esta entrega sea "Cascabelito" compuesto en 1923 por el particular personaje alemán-chileno-argentino José Bohr (Yopes Böhr Elzer) como un regalo para un comerciante millonario de Punta Arenas (sur de Chile), por entonces lo había titulado "Feria franca". Bohr fue un personaje multifacético que tanto podía ser director de cine (¡de aquel incipiente cine!),actor, pianista, cantor, compositor, artista múltiple, charlista, inventor de un instrumento musical, el serrucho, que fue asombroso en su momento. Pero por sobre todas las cosas, Bohr fue un aventurero que solicitó y obtuvo la ciudadanía argentina cuando se afincó en el país en 1921 y logró dos éxitos fenomenales: "el camel-trot" "Tut-Ankh-Amón"("Tutankamón" también grabado por Gardel en 1924), que grabaría la orquesta de Francisco Canaro con un resultado espectacular en la venta de discos, y por supuesto "Cascabelito". Ya asentado en Buenos Aires Bohr consigue un empleo en una casa de música llamada Castiglioni. Básicamente se encargaba de ejecutar los instrumentos y las partituras a la venta diariamente para atraer a los clientes, es asi como casi siempre interpretaba sus dos exitazos. El poeta y sainetero Juan Andrés Caruso, que visitaba seguido la "Casa Castiglioni", y que era amigo de los dueños, escuchó este tema y le propuso a Bohr, ponerle versos.  Pensando en los próximos carnavales decidió crearle una letra relacionada con los mismos, que por entonces representaban una fiesta maravillosa y popular, lo tituló "Cascabelito". Aprovechando esta temática decidieron lanzarlo para los carnavales de 1924 , ejecutado con un armónio portátil  y montado en un mateo por el astuto Bohr a través de los desfiles y palcos por toda la ciudad de Buenos Aires. Al día siguiente las ventas de las partituras del tema crecieron considerablemente y Francisco Canaro, siempre visionario,  lo llevaría al disco de inmediato en forma instrumental. Gardel se entera del exito obtenido e inmediatamente lo llama a la Casa Castiglioni. Solo resta que el lector saque sus propias conclusiones:
-Pibe, me dijeron que sacaste un tangazo romántico que tiene que ver con el carnaval.
-Sí, Cascabelito - respondió Bohr.
-¿Porque no te venís con el pianito, nos lo pasás a mí y a los muchachos, lo grabamos,  la semana que viene está en la calle y será un flor de gol...



Lista de Temas:

1. Aquellas farras
2. Siga el corso
3. Acquaforte
4. Juventud
5. Dos en uno
6. La violetera
7. El rey del cabaret
8. Prisionero
9. Carnaval
10. Sacate la caretita
11. Noches de Colon
12. Calavera viejo
13. ...y reias como loca
14. Patotero sentimental
15. Gimiendo
16. Cascabelito
17. La reina del tango
18. Zorro gris


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Su Obra Integral hasta la fecha:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"

jueves, 23 de abril de 2015

Kiss - Destroyer (1976) (Resurrected) (2012)


Cuarto álbum en estudio de esta importante banda de hard y glam rock gestada en NYC. Gracias al éxito considerable que supuso el doble en directo "Alive!" de 1975 (clásico de entre los clásicos entre los directos de la historia del rock). La banda comenzó a sentirse que ya estaba para producciones serias. Producido por el importante Bob Ezrin, productor de varios discos de Alice Cooper y de Pink Floyd ("The Wall", "A Momentary Lapse of Reason", "The Division Bell"), entre otros. Ezrin aportaría sus conocimientos de productor y llegando a aparecer en gran parte de los créditos de las composiciones. También sometería a la banda un arduo e intensivo entrenamiento musical. "Destroyer" es uno de los álbumes mas elaborados de Kiss en la década del 70. Cuentan por primera vez con la participación de músicos invitados y una importante colaboración de la "New York Philharmonic-Symphony Orchestra". Álbum que influenciaría mucho a bandas venideras con su buen hard rock con toques de heavy metal.

Independientemente a lo que el común de la gente piense sobre Kiss, (que es seguramente un concepto erróneo) la banda no es solo maquillajes y estrafalarias vestimentas. Tampoco es una maquina de hacer  hits ("I Was Made for Lovin' You" o "Rock and Roll all Nite"), con "Destroyer" demuestran un buen compromiso con la música y las composiciones. Buen ejemplo de esto es el duro comienzo del disco "Detrot Rock City" donde las guitarras de Stanley y Ace Frehley suenan como nunca antes, pero aquí la linea del bajo de Simmons sobresale por encima de estos. Una canción que con el correr de los años se transformo en un clásico de la banda y muchas veces la obertura de sus recitales. La letra esta inspirada en un fan de Kiss que murió cuando se aproximaba a un recital de la banda en un accidente, de ahí los sonidos de la radio  del comienzo y  de "Crash"  en el final. El rock potente prosigue con "King of the Night Time World" todo un himno al "rock fiestero" .

Cada miembro de Kiss adopta un rol desde su vestimenta y su maquillaje. Paul Stanley es "The Starchild" el hombre de la estrella evoca el carisma del cantante principal y por que no el de super estrella de rock, Gene es "The Demon", el demonio sus actuaciones, son salvajes (van desde sacar sangre y hechar fuego por la boca y mas), también intenta tener claroscuros en sus composiciones , y en su personalidad debido a la fuerte influencia de uno de sus ídolos el multifácetico actor Lon Chany (apodado el hombre de las mil caras, valga la redundancia), Peter Criss es "The Catman" otro pesonaje dual , muestra toda la ternura de un gatito en sus composiciones  y refleja a la vez un costado salvaje y lleno de excesos, se ha dicho también que tiene "7 vidas" y  Ace Frehley es "The Spaceman", de pequeño se intereso por la astronomía y muchos se referían a el como "de otro planeta" por su forma de ejecutar su instrumento. Resulta raro entonces que la canción "God of Thunder" que es una de las que mas representa a Simmons, sea compuesta por Stanley. Los efectos de sonido y bucles de la cinta al revés forman el apocalíptico telón de fondo de la pieza mientras Gene hace una de las voces más enérgicas de su carrera profesional con una densidad realmente sutil, habla claro está del dios Zeus. Se destaca un riff pesado como un yunque y unos  gritos y risas de niños por detrás (a cargo de los hijos de Ezrin). En vivo Gene comienza con un ritual de bajo demoníaco que culmina siendo elevado con un arnés hacia lo alto del escenario donde ejecuta la canción.

El rock ardiente, visceral, duro y locuaz alavés  de Kiss, se ve interrumpido levemente por una deliciosa tajada de Gene "Great Expectations" . Una verdadera sorpresa para sus fans, ya que es atípico por su orquestación, la forma de cantar de Gene y la inclusión de un coro. hay quienes sostienen que es un plagio a "La Patética" de Ludwing van Beethoven. Dick Wagner (Alice Cooper) es un guitarrista que no aparece en los créditos del álbum, aporta guitarras en "Flamin Youth", "Beth" (acústica) y en "Sweet Pain" esta ultima debido a que en el momento de su grabación Ace se encontraba jugando una partida de poker y se rehusaba a interrumpirla. Otro inmortal clásico del "rock fiestero" de Kiss  es "Shout it out Loud" que transmite claramente buenas vibraciones a los fans adolecsentes de la banda.

Con "Beth" la orquesta adopta un papel definitivo. Composición de Peter Criss y el único tema de Kiss ganador de un premio Grammy. Básicamente es una balada con piano y guitarra acústica y el resto arreglos sinfónicos. La letra describe la falta de desatención que tiene el narrador para con su mujer, ya que esta ocupado con los chicos de la banda ensayando y no puede llegar a su hogar. Todo parece suponer que "Beth" era el nombre de la esposa de Criss. Pero curiosamente la canción existía antes de que Kiss se formara. Estaba co-compuesta  con Stan Penridge quien era miembro de la banda que integraba Criss a comienzo de los 70´s "Chelsea". Por aquel entonces  ellos cantaban:  ..." oh Beck , what can I do..."  en alusión a la pareja de otro miembro de dicha banda: Mike Brand, llamada Becky. La canción se ha hecho todo un clásico de la banda e interpretado a lo largo de las innumerables giras por todo el mundo. Tan importante es esta canción que hasta los siguientes bateristas que reemplazaron a Peter  (Eric Carr y Eric Singer) la interpretaron en vivo. Cierra el álbum otro hit inmortal de la banda, la melosa: Do You Love Me. Gran composición de Paul con claros tintes  pops. La letra desgrana la relación del "rock star" con sus fans.


Uno de los discos mas recomendables e importantes de Kiss en los 70´s. El arrasador éxito de "Destroyer" y de su antecesor "Alive!" obtuvo como resultado la primer gira por Europa de la banda. La portada presenta por primera vez a Kiss como personajes de historietas y fue realizada por Ken Kelly, que había dibujado el cómic "Conan el Bárbaro" y que más tarde trabajaría con bandas como Rainbow y Manowar. En un principio las ventas del LP iban en incremento e inclusive logro el oro, pero luego decayó. Solo con la repercusión radial de "Beth" como la cara B del sencillo "Detroit Rock City", el álbum volvió a entrar en las principales listas y logra el disco de platino a finales de 1976.

La presente aquí es la versión remasterizada que se le ocurrió a Ezrin lanzar por el 35 aniversario del disco en 2012 con el nombre de "DESTROYER RESURRECTED" que incluye el solo original de Ace en "Sweet Pain". Los detallistas o fanáticos pueden descubrir verdaderas revelaciones. Descubrimos tomas extras de guitarras ritmicas en "King Of Night Time World" , efectos de sonido antes no presentes en "God Of Thunder" o mas guitarras acusticas y mas coros adicionales en "Beth" .



Lista de Temas:

1. Detroit Rock City
2. King Of The Night Time World
3. God Of Thunder
4. Great Expectations
5. Flaming Youth
6. Sweet Pain
7. Shout It Out Loud
8. Beth
9. Do You Love Me
10. Rock And Roll Party
11. Sweet Pain (Original Guitar Solo)


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Dos momentos de "God of Thunder"







sábado, 21 de marzo de 2015

Pete Townshend - Who Came First (1972)


Paralelamente a su carrera con The Who, Pete Townshend el carismático líder de esta banda, ya había grabado dos álbumes en solitario con la colaboración de su amigo Ronnie Lane, (Faces y Small Faces). Los mismos formaban parte de su devoción a su líder espiritual de por aquel entonces, Meher Baba. El primero, "Happy Birthday" conmemoraba el nacimiento de este guru y el siguiente fue "I Am" los dos de 1970. Ambos discos fueron distribuidos en pequeñas cantidades entre 1970 y 1972 en el Reino Unido. El sello DECCA pidió a Pete publicarlos en EE.UU. ya que estos trabajos se vendían como discos piratas. Aún así Townshend decidió componer otras canciones, grabar las que tenia guardadas y utilizar algunas de estos dos trabajos para publicar su primer disco solista oficial: "Who came First". Disco también dedicado a este guru, a quien The Who ya le había dedicado la iconica canción "Baba O'Riley".

Producido por el mismo, "Who came first" vería a un Townshend inspiradisimo y espiritualizado, ejecutando todos los instrumentos con la colaboración de su buen amigo Ronnie Lane, un "mod" como el, que ya se encontraba integrando los Faces, aquella  banda junto a Rod Stewart y Ron Wood, que formo tras disolverse The Small Faces. Lane ejecuta la guitarra y canta en un tema de su autoria "Evolution", incluido en el primer trabajo de los Faces "First Step" pero con otro nombre "Stone". También colaboran en la composición Billy Nicholls y Caleb Quaye con "Forever's No Time at All".

Sus grandes dotes de compositor y productor se ven plasmados de inmediato en "Pure & Easy" y en "Let´s see Action" dos excelentes canciones que ya eran demos para aquella opera trunca de los Who "Life House" que desembocaría en el irrepetible "Who´s Next". Townshend demuestra un gran manejo de arreglos de sintetizadores y guitarras, en ambas, lo que marcaría a fondo el concepto de pureza de todo el álbum. "Pure & Easy" seria grabado años mas tarde para el disco de recopilación "Odds & Sodds" en 1974 y quien es fan de The Who facilmente podrá recordar un fragmento de esta canción en "The Song is Over" de "Who s Next", también la incluiría en otros discos solistas como "Lifehouse Chronicles" y "Lifehouse Elements".

La naturaleza de este disco se inclina hacia la omnisciencia en ver las cosas sobre todo en la música, pero también se habla de religión, mensajes directa e indirectamente hacia Meher Baba. Habla también de la evolución del mundo. Es por ello que Pete incluye la canción de Lane "Evolution". Un country excéntrico en el que el narrador se transfigura en diferentes objetos y personajes a través de las eras, de una forma singular y hasta graciosa. En gran parte Townshend pretende abandonar todo lo posible la potencia de los Who. Las composiciones mas rockeras quizás sean la adorable y "falsetteada" "Forever's No Time at All" compuesta por uno de los músicos que lo acompañan en este álbum  Billy Nicholls y por Katie Mclnnerney, "Let's See Action" por supuesto, y "The Seeker" otra ya grabada con los Who como simple en 1970 e incluida en un recopilatorio "Meaty Beaty Big and Bouncy" en 1971. Una gran banda que interpreto esta canción fueron los canadienses Rush como parte de aquel homenaje a las bandas de los 60´s que los influenciaron: "Feedback" (2004).

La búsqueda de un sonido mas puro, se hace notar en gran parte de las composiciones. La mayoría en plan intimista."Sheraton Gibson" es una reflexión de la vida de la estrella de rock en la carretera. Pete aquí incluye una bella mandolina y su espíritu inquieto a la hora de experimentar con  sintetizadores (mas que nunca en aquellos primeros años 70´s). El disco destila espiritualidad por donde se lo mire he allí entonces "Parvardigar" una adaptación musical que Pete hizo de la plegaria universal de Meher Baba. La canción es básicamente acústica con buen acompañamiento de pianos y algún que otro matiz de sintetizador.
La edición presente aquí es de 2006 que incluye 9 temas extras, donde apreciamos "The Seeker" y también las cálidas "Day of Silence" y "Sleeping Dog" u otras en plan super experimental como "The Love Man" o "Lantern Cabin". Otro curioso aporte es el country extra-visceral "Mary Jane" como así también una adaptación de un tema de Cole Porter "Begin the Beguine".



Lista de Temas:

1. Pure and Easy
2. Evolution (Ronnie Lane)
3. Forever's No Time at All (Billy Nicholls, Katie Mclnnerney)
4. (Nothing Is Everything) Let's See Action
5. Time Is Passing
6. There's A Heartache Following Me (Ray Baker)
7. Sheraton Gibson
8. Content (Maud Kennedy, Townshend)
9. Parvardigar (Meher Baba, Townshend)

Bonus Tracks:

10. His Hands
11. The Seeker
12. Day of Silence
13. Sleeping Dog
14. The Love Man
15. Lantern Cabin
16. Mary Jane
17. I Always Say
18. Begin the Beguine (Cole Porter)


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lunes, 16 de febrero de 2015

Tribalistas (2002)


Os Tribalistas es un trío del Brasil formado por los músicos y compositores Marisa Monte, Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown. Por separado ya habían colaborado entre ellos en composiciones para  sus discos solistas mas precisamente luego que Marisa Monte grabara una participación en el disco de Arnaldo Antunes el cual Carlinhos Brown estaba produciendo. A raíz de esas buenas cooperaciones en marzo de 2001 deciden juntarse en Bahía para formar este excelente trío que oscila entre el pop, rock, el MPB (música popular do brasil) y la samba. Incursionando un poco en la música electrónica. Es así que juntos componen unas 20 canciones donde solo 13 son plasmadas en este bello álbum único del trío hasta el día de hoy. Ellos mismos explayarían que Tribalistas no era un proyecto sino un sueño de cada uno.

En lineas generales es un álbum bastante diverso , con variaciones de la música samba y la bossa con tintes de jazz y aires intimistas, a esto se le podría agregar dosis de pop, rock, hip-hop y funk. Contiene grandes canciones que en poco tiempo se han convertido el grandes joyas de la música de Brasil, algunas se han convertido en hits ("Velha infância" y "Já sei namorar"), otras han dejado un buen recuerdo.

"Carnavália" es quizás una de las mas importantes canciones del álbum. Canción de carácter atemporal y que es fiel a la tradición carnavalista de este país. La buena química entre las voces esta a la orden del día y por supuesto como en muchos otros momentos la mágica voz de Monte tiene un papel determinante. Muchos coincidirán que "Velha Infância" asoma como el hit del álbum, otros acusaran que esta sobre valorado por estar usado un una famosa novela de TV. Lo cierto que no deja de ser una gran canción. Otro gran momento es sin dudas "Passe Em Casa" con aires raperos, su letra concebida como un entretenido juego de palabras. A este ritmo rapeado se le adicionan sampleos de percusión como así también la colaboración de la buena voz de Margareth Menezes. En el final un curioso sonido de aspiradora de mano ejecutado por Marisa Monte.

Siendo fieles a este gran genero no podían faltar las armonías acongojadas (en gran parte son  un sello personal de Brown , con sus tarareos lacrimogenos de fondo), podemos descubrirlas en "O Amor É Feio" o "Carnalismo", la primera nos demuestra la buena química de la voz de Monte con la carraspeada voz de Antunes. Otros dos grandes momentos que no hacen mas que confirmar la naturaleza del disco son sin duda "Mary Cristo" y "Lá De Longe". Composiciones que demuestran lo que aportan para la música del Brasil sino también universal.

El álbum fue grabado  2002 en secreto en la casa de Marisa Monte en Rio de Janeiro, grabando una canción por día. El disco salio a la venta en Brasil en 2002 y al año siguiente en el resto del mundo. El álbum vendió más de 1,5 millones de copias solamente en Brasil. En total, fueron vendidas  más de 2,1 millones de copias. Tubo cinco nominaciones Grammys latino ganando solo uno  en 2003 y un premio de la BBC en 2004. Existe también una versión en formato DVD que incluye videos de la grabación de algunas canciones del disco y diálogos y entrevistas con los tres músicos en el estudio. Actualmente los tres integrantes de Tribalistas continúan con sus respectivas carreras solista, pero ven abierta la posibilidad de un segundo trabajo bajo este nombre.



Lista de Temas:

1. Carnavália
2. Um a um
3. Velha infância
4. Passe em casa
5. O amor é feio
6. É você
7. Carnalismo
8. Mary cristo
9. Anjo da guarda
10. Lá de longe
11. Pecado é lhe deixar de molho
12. Já sei namorar
13. Tribalistas

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