lunes, 14 de noviembre de 2016

Robe Iniesta - Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas (2015)


Dejando a un costado el sonido pesado de la banda la cual lidera (Extremoduro) el músico y poeta plasentino Roberto Iniesta (Robe) apela a sus dotes de gran poeta, con su debut en solitario allá por junio de 2015 con "Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas". Robe nos ofrece una linda paleta romántico-musical, cosa que dejo boquiabierto a la mayoría de sus fans. Si bien ya con Extremo, a través de la evolución de disco en disco, había mostrado su costado romántico, esta vez sorprende con 8 canciones en ese tono donde el saxo y sobre todo el violín tienen el papel principal. Sorprende también la escasez de distorsión, reclutando a una banda mas asociada a la música de cámara que a una banda de rock n roll. Carlitos Perez en violín, bajo y voces, David Lerman en bajo, clarinete, saxo y voces, Alber Fuentes en bateria y voces, Lorenzo Gonzalez en voces, Álvaro Rodríguez Barroso en piano y acordeón, acompañan a la guitarra y la voz de Robe en la ardua tarea de explayar sus costados mas sensibles, ya desde el inicio de su construcción por el año 2013.

Una intro ambiciosa, de manera "in crescendo" inaugura el disco con la bellisima y reveladora "Un Suspiro Acompasado". Esta masa de sonido compuesto de guitarras tenues, cuerdas y vientos infiriendo en el clarinete, acompañan a este sinigual suspirar de Robe, que sin dudas eriza la piel ya en la primer escuchada. Y luego están ahí su poesía sosteniendo todo, sobretodo en su estribillo que nos emociona al cantar: “Llega el viento, mecido, porque acaba de estar contigo. Noto en el aire un suspiro y todo cambia de sentido. Comencé por dejar la puerta abierta siempre, para ver si llega hasta aquí tu aire caliente, respirarlo y que me cuente tus noticias más urgentes". También pasajes marca registrada de Robe: "Si ella baila yo encuentro una canción que habla de nosotros dos… Quédate en silencio y oye el ruido de mis tripas soñadoras, que sueñan con comerte a todas horas. Ruge el deseo contenido...". De lo mejor que ha escrito y cantado Iniesta. Una maravilla tanto lírica como musical de estos últimos tiempos.

Luego el corte de difusión que lanzo previo a la aparición del álbum: "...Y Rozar Contigo" (con video clip incluido), en su comienzo con una clara intención pop. Pero su estructura cambia inteligentemente hacia otros lados como el funk y agregan una densa sección de cuerdas y guitarra eléctrica (una de las pocas apariciones de este instrumento en todo el disco) en su estribillo. Unos suaves violines nos arrullan para enredarnos en la hermosa "NaNa Cruel". Canción que se encarga en poner en tela de juicio a el amor: "Yo, yo que creía firmemente en el amor, hoy ya sé que no, que ya no importa y que a la vida hay que buscarle otra razón, y busco en los colores del atardecer y no la encuentro”. Se destacan una hermosa coda instrumental de saxo y piano. Un cóctel de flamenco, destila jondura, aires arabescos y rock, define la talla de la madurez y seriedad compositiva que ha alcanzado Robe, con "De Manera Urgente", tema que bien podría ser hermano menor de "Poema Sobrecogido" del ultimo trabajo de Extremoduro (Para Todos Los Públicos). Uno de los momentos mas exóticos del álbum es la chocante y mas que elocuente "Por Ser Un Pervertido". Una vez mas con una lectura acerca de las relaciones de parejas. Narra un desengaño amoroso con una pizca de ironía: "Pensaba que todo era amor… Pensaba que sólo era amor… Lo tengo merecido por ser un pervertido…". Con una atmósfera "Jazz Pop" un colorido saxo se florea durante toda la canción para coronar con un gran solo sobre el final entre los dos estribillos, que por cierto dejan en claro su intención de "popera", con aires de reggae, por que no.

Lo efímero de la belleza que expresa en el suave interludio "Ruptura Leve", nos alista para quizás la canción mejor lograda de la placa, "Guerrero". Una extensa declaración de desamor e herida poética, que por cierto carece de estribillo en su cambiante estructura. El tenue ritmo y sublime acompañamiento a base de acordeón, violín, clarinete, piano y afilada percusión están mas que a la altura de la superlativa letra, con tintes heroico/mitológicos que crean un climax que nos deja al borde de las lagrimas: "Como Buen guerrero puedo dar la talla, puedo darlo todo,  pues doy todo por perdido en cada batalla. Y nunca me he rendido, porque si la pierdo, ¿para qué quiero estar vivo? .Como buen guerrero, solo tengo miedo a que sus ojos dejen  de mirar a ver si puedo llegar al Olimpo y robar el fuego...". Finalmente, bien cierra a el álbum,  aquel tema ya presentado con Extremoduro en algún que otro concierto, una canción necesaria según Robe: "Contra Todos". Para dejar en claro sus persistentes principios se oirán cosas como: "Incendiario. Todos dicen que soy un incendiario, que enciendo hogueras solo con hablar y que morir no me importa y me da igual hasta el día en que caerá en el calendario. Y es que no me preocupa tropezar siempre con la misma piedra, de cabeza me tengo que pegar,siempre con la misma piedra. Del pasado nada puedo cambiar, el futuro lo estoy cambiando ya". Suena en la misma linea de "De Manera Urgente", de toques flamencos con sobresalientes arreglos de piano y violín.

Al poco tiempo de que el álbum saliera a la venta, el propio Robe comentó: "...de haber preparado estas canciones con Extremoduro no sólo habrían tardado mucho más en ver la luz, sino que serían de una forma totalmente diferente...". Es que en la perpetración de "Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas" deja bien en claro el querer plasmar su arte desde la actitud mas cruda y por sobre la marcha al igual que un hobby, como aseveró alguna vez: "Como no teníamos ni idea de cómo queríamos que fuera el resultado final, buscamos los arreglos con la libertad que da la ignorancia. Y como, además, el resultado final nos importaba un carajo (porque en realidad lo que pretendíamos era divertirnos), dimos con ellos como sin querer, como si no quisiéramos. Como si solo concediéramos".  El precioso arte de tapa, a cargo de Antonio Ojea,  retrata con una acuarela a un pajarito llamado alcaudón común (lanius senato) que se caracteriza por clavar a sus presas (insectos y pequeños vertebrados) y dejarlas colgadas en las espinas de plantas, flores y determinados árboles. "Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas" fue lanzado el 9 de junio de 2015. Fue el mejor disco del año en España y un tiempo después se publicó en formato de vinilo. Poco meses después , mas precisamente en noviembre de 2015 ya era condecorado como disco de oro. Actualmente Robe mantiene a los mismos músicos, la mayoría extremeños como el. Así mismo, ya se encuentran próximos a publicar su segundo trabajo como solista en noviembre de este año 2016.


Lista de Temas:

1. Un Suspiro Acompasado
2. ...Y Rozar Contigo
3. Nana Cruel
4. De Manera Urgente
5. Por Ser un Pervertido
6. Ruptura Leve
7. Guerrero
8. Contra Todos


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viernes, 7 de octubre de 2016

Aerosmith - Pump (1989)



De la tercera etapa de Aerosmith —la que retoma la formación clásica a mediados de los ochenta, recuperando a Joe Perry y Brad Whitford a las guitarras—, Pump (1989) es, en mi opinión, la mejor de sus grabaciones, la única equiparable a sus obras maestras de los setenta por intensidad, composiciones y variedad de registros. Y eso a pesar de una producción de Bruce Fairbairn que en su hinchazón no me convence aun siendo preferible a la de Permanent Vacation, también del canadiense.

Unidas por un furibundo, reivindicativo redoble de Joey Kramer, Young Lust y F.I.N.E. conforman uno de esos arranques frenéticos de Aerosmith, aunque la efectividad y rotundidad logradas aquí tengan difícil parangón. El espectacular y rompedor single Love In An Elevator mueve al quinteto a ese terreno funk del que saca estructuras particularísimas al cruzarlo con el hard rock. Marcada por la slide de Joe Perry y el sustrato del blues, Monkey On My Back es una maravilla musical en la que Steven Tyler moraliza sobre el tema de las drogas. Janie's Got A Gun —éxito absoluto en su momento— se acerca al pop para tratar el repugnante tema de los abusos sexuales y la comprensible venganza de las víctimas.

Una miniatura folk nos introduce en la cara B y sirve de prólogo a ese fantástico pedazo de rock and roll de aroma soul titulado The Other Side. Sazonado deliciosamente por los Margarita Horns, el tema, escrito por Jim Vallance y Steven Tyler, tiene ciertas concomitancias con el Standing In The Shadows Of Love de los Four Tops, y así tuvo que ser admitido con posterioridad a la publicación del elepé. Veloz e infectada por el rockabilly y el swing, My Girl precede feliz a Don't Get Mad, Get Even, vibrante hard boogie que, a su vez, se funde con la introducción (uno de los, así llamados, "interludios musicales" del álbum) de Voodoo Medice Man, o lo más cerca que la banda de Boston puede llegar a estar de la psicodelia. La temible balada de turno pone fin a Pump, si bien es innegable que What It Takes no cae en la indignante ñoñez de Angel o, viajando al futuro, Crazy, ni merma un conjunto excelente —epílogo acústico e instrumental no acreditado incluido— que, a finales de la década de 1980, recordaba con mano firme a los divos del sleaze quiénes (y por qué) eran sus maestros.


Reseña escrita por Gonzalo Aróstegui Lasarte del blog RAGGED GLORY



Lista de temas:


01. Young Lust
02. F.I.N.E.
03. Going Down
04. Monkey On My Back
05. Water Song / Janie’s Got a Gun
06. Dulcimer Stomp / The Other Side
07. My Girl
08. Don’t Get Mad, Get Even
09. Hoodoo /Voodoo Medicine Man
10. What it Takes


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sábado, 24 de septiembre de 2016

Nexus - Detrás Del Umbral (1999)


Nexus es una banda de rock progresivo sinfónico, originada por un grupo de amigos en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, a mediados de los años 70. Sus miembros fundadores eran y son
Lalo Huber en teclados, Carlos Lucena en guitarra y Luis Nakamura en la batería. Durante los años 80, tuvieron algunas presentaciones en vivo y también cambios de formación, algo que no impidió de ninguna manera, la grabación de su material de hasta entonces en un casette promocional. En estos primeros años de la agrupación era mas que obvia su influencia de los grupos europeos típicos de la época, de la mano de el denominado rock sinfónico. No solo Nexus, sino que un buen puñado de bandas en la Argentina como las reconocidas Aquelarre, Crucis, La Maquina de Hacer Pajaros , Invisible, Ave Rock, Espíritu, Pablo "El Enterrador" o Alas se dejaron seducir por este agradable sonido. La banda brindó varias presentaciones a lo largo y ancho de todo el pais, de la mano de artistas como Trigémino, M.I.A. (Músicos Independientes Argentinos), FEM, Leonor Marchesi, entre otros. Pese a no poder obtener un contrato discográfico durante la afamada década de los años 80, continuaron brindando su sentido de lucha e incorporaron a la cantante Mariela Gonzalez y a el bajista Daniel Ianniruberto, para que llegado el año 1997 se afirmaran para continuar con varias presentaciones en vivo Argentina, inclusive teloneando a reconocidas bandas internacionales como Cast de México, IQ de Inglaterra y The Flower Kings de Suecia. A finales de siglo registraran su demoledor debut discográfico, "Detras Del Umbral". El trabajo en, lineas generales, hace hincapié en la magnificencia del sonido de los teclados, por eso, marca un clara influencia, en primer lugar a los organos y hammonds de ELP y luego a el primer Genesis, Marillion y Yes Se vislumbra también una cuota "neo progresiva" cercana al sonido de IQ de la nueva etapa que marco el álbum "Ever" (1993).
La fuertísima presencia de la voz de Mariela Gonzalez, logra balancear emocionalmente a la banda, con el fin de evitar "una exageración técnica" de los demás instrumentos.

Un típica introducción instrumental propia de los trabajos de este genero irrumpe con el aliento inicial de "El Despertar", para darle un progresivo puntapié a "Condenados". Una canción que con no mucho, logra sintetizar el sentido del álbum en su totalidad. Es una especie de formula mas que elocuente para aquellos años en que se lanzaba el álbum,para descubrir que hay "detrás de ese umbral", como de alguna manera pasar el umbral de fin de siglo y de milenio y así descubrir o ver que es lo que nos depara detrás. "Mas allá del limite " gran muestra del poderío instrumental con excluyentes trabajos de Huber y soberbios solos de Lucena. La enérgica "Tiempo Sin Razón", un momento épico del álbum, ya sea por el directo carácter de su letra ("Los hombres se agitan bajo el sol, Adorando imágenes de hielo...") o por los buenos pasajes de teclados a lo Rick Wakeman (legendario tecladista de Yes) de aquella bien valorada edad dorada.

Uno de los momentos mas preciados es sin dudas "Signos En El Cielo". Exhibe una intensa intro instrumental en donde demuestran un gran sincronismo y variedad de tiempo de manera impecable, para darle lugar a una parte vocal con una especie de estructura pop. Sobre el final vuelven a ese concepto del principio, para demostrar una buena cohesión con la canción siguiente. "Sueño Infinito" comienza con una guitarra triste a la que se le adjunta una voz mas melancólica aun sobre la cual se van superponiendo incidentalmente y alternadamente los demás instrumentos. Sobre el final es determinante las capas y capas de guitarras de Lucena, que brindan un nuevo hálito de vida a esta esencia de la canción.

Comienza el homónimo de el disco con una acertada introducción de dos minutos con lindas cortinas de teclados semejantes a el maestro Keith Emerson. La parte vocal en su comienzo quiere (y puede) imitar la melodía base que venían ejecutando. Luego cabe destacar un buen labor a nivel histrionico de la voz Gonzalez, que ejecutando diferentes voces. A partir de los 6 minutos, vislumbramos determinantes trabajos de teclados cercanos al estilo de Rick Wakeman. Eclosiona con un caótico final, para darle una excelente cohesión a "La Procesión Interior". Otro vivaz instrumental, que realmente expresa una prosecion por la forma en que se emplean los instrumentos,"in crescendo". Recuerda muchísimo al final de la bellisima "Shadows of the Hierophant" del maestro  Steve Hackett. "Eterno Y Fugaz" otra maravilla a lo  E.L.P. Hacia el minuto y medio, la intensidad baja, para que la parte vocal navegue en calma, debidamente hasta el minuto 5 . Allí el teclado marca la pauta para que se vayan sumando los demás instrumentos, donde es destacable la labor de la guitarra en un pasaje reviviendo aquella melodía vocal. En los momentos finales vuelven a tomar la posta los teclados. Aunque la métrica es, de hecho, repetitiva la labor de la banda es mas que sobresaliente. Pese a no estar enganchada su predecesora "La Batalla" parece ser una continuación de aquel "Eterno Y Fugaz" sobre todo a su estructura. Un buen manejo de las herramientas de final de disco es "El Ultimo Ritual" tiene lo que debe tener una conclusión para un álbum de concepto, muy parecido a el rol de la intro de "El Despertar".

El considerable éxito de "Detrás Del Umbral" les permitió presentarse en festivales internacionales, al año siguiente, como el "Nearfest" en EE.UU. que fue registrado en CD "Live at Nearfest 2000" o el "Baja Prog" en Baja California , México. De ese festival mas abajo compartimos "Signos En El Cielo"y "Tiempo Sin Razón". "Metanoia" seria su segundo trabajo de 2001 con un estilo en la linea de "Detras Del Umbral" pero mucho mas maduro. El año 2003 vería el éxodo de Mariela Gonzalez de la banda quien participaría en el primer álbum de la banda argentina de rock Neo-progresivo, Atempo. Seria reemplazada por el vocalista Lito Marcello, para registrar "Perpetuum Karma" en 2006. En 2007 lanzan su cuarto trabajo “Buenos Aires Free Experience vol.2” (el vol. 1 de esta serie, le correspondió a la banda Argentina Amagrama). Esta serie de trabajos, impulsada por el sello “Record Runner” surgió para registrar improvisaciones de las bandas que trabajaban para dicho sello. Este trabajo es prácticamente instrumental, salvo por la canción "Danza Mental" cantada por Marcello. Cabe mencionar la participación como invitado especial, de Ricardo Soulé (Vox Dei) en violines en dos temas. El quinto trabajo en estudio de Nexus llegaría en 2012 , "Aire", con el reemplazo del bajista Daniel Ianniruberto por Machy Madco. Ese mismo año también se da a conocer "Magna Fabulis" con la banda como trió (Lalo Huber, Carlos Lucena y Luis Nakamura) con leves participaciones de Lito Marciello y Daniel Ianniruberto. No debemos olvidar "La Divina Comedia" de 2011, un disco recopilatorio de sus participaciones en distintos proyectos del sello Musea (Francia) y la revista Colossus (Finlandia). Actualmente, en el año 2016, Nexus esta cumpliendo 40 años de carrera festejándolo con la salida de un nuevo álbum de estudio que se editará también en formato vinilo y con la realización de un film a manos de Miguel Bravo (realizador del documental "Leonardo Favio") basado en la historia de la banda y sus vivencias.



Lista de Temas:

1. El Despertar
2. Condenados
3. Mas Allá Del Limite
4. Tiempo Sin Razón
5. Utopía
6. La Espiral
7. Signos En El Cielo
8. Sueño Infinito
9. Detrás Del Umbral
10. La Procesión Interior
11. Eterno Y Fugaz
12. La Batalla
13. El Ultimo Ritual


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sábado, 27 de agosto de 2016

Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota - Oktubre (1986)


Habían pasado solo unos pocos meses después de lanzar aquel gran debut discográfico de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, "Gulp!" (1985), para que la banda aprovechara ese envión anímico y de creciente publico surgido de la escena del under de los 80, y de inmediato se dispusiera en el porta-estudio de Gonzo para componer nuevas canciones, cocinar un nuevo sonido y así grabar su segundo álbum. El mas emblemático y uno de los mas importantes de la historia del rock argentino, "Oktubre", finalmente grabado en los Estudios Panda entre los meses de agosto y septiembre. Disco que por estos días cumple 30 años de su grabación y de su histórica presentación.

La banda se había formado en la ciudad de La Plata en 1976 y estaba liderada por Carlos Alberto "Indio" Solari y Eduardo "Skay" Beilinson. Por aquellos años también fue de suma importancia, para la gestación de la banda, la presencia de  Carmen Castro "La Negra Poly" que hacia las veces de manager y del artista plástico Ricardo Cohen, alias "Rocambole".  Aquel primer Patricio Rey tenia como guitarrista principal a Conejo Jolivet y al tecladista Roddy Castro, con quienes realizaron su primera performance en vivo en 1978. Y así siguieron su escalada a la fama por la frenética escena under hasta 1979 donde hubo un pequeño parate. En 1982 logran grabar su primer demo para la RCA que contenía las canciones "Nene, nena", "Un tal Brigitte Bardot", "Mariposa Pontiac", "Superlógico" y "Pura Suerte", logrando buenas impresiones en las FM aledañas y en emisoras porteñas. Ese mismo año el grupo conoce un considerable crecimiento en sus shows. Para el año 1984 la banda estaba constituida por Solari en voz, Skay en guitarras, Tito Fargo D'aviero en guitarras rítmicas, Semilla Bucciarelli en bajo, Piojo Abalos en bateria, Willy Crook en saxofón y juntos se prepararon para grabar su debut discográfico "Gulp!" en los estudios de la banda MIA con Lito Vitale como operador y músico invitado.

A diferencia de su antecesor, "Oktubre" goza de un sonido mas cercano a la new wave, al post-punk o lo que algunos han denominado como "cyber punk".  También se caracterizó por ser el álbum mas ideológico de la banda. Esta inspirado por revoluciones sociales históricas, nos traslada al octubre de 1917, la revolución rusa, la lucha de las clases sociales mas bajas como los obreros, estudiantes liderados por los Bolcheviques y dirigidos por Vladimir Lenin contra los zares rusos, lo que marcaría el comienzo de lo que fue la Unión Soviética. También al el contexto bélico internacional de la Guerra Fría, y como no a su vez, al escenario político argentino en el período post-dictatorial y de regreso a la democracia. Se sumaban a la formación inicial de la banda la inestimable colaboración de Daniel Melero (por entonces miembro de Los Encargados) en teclados y Claudio Fernández (del grupo revelación del momento Don Cornelio y la Zona) en percusión.

Una sucesión de estruendos monumentales abren el telón para de inmediato adentrarnos a aquel Octubre de 1917 mencionado anteriormente (que en realidad era ese mes para el calendario juliano que regia en Rusia, para el resto de nuestro mundo era noviembre), con una de las introducciones mas famosas del rock argentino: "Fuegos de Octubre". Toda esta emulación de aquel momento histórico no solo se manifiesta en la letra, sino que también se hace escuchar en la indiciosa música. "De regreso a Octubre, (desde octubre) . Sin un estandarte de mi parte... Te prefiero... igual, Internacional". "La Internacional" es el himno mas famoso del movimiento obrero y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas. Los obreros en la lucha contra los zares la cantaban a viva voz, mientras las tropas de los zares respondían con la obra de Romanov , "God save the zar" (Dios salve a el Zar). El riff insistente, redondeado y de relojería rusa de Skay en "Preso en mi ciudad" impregna el oscuro desear del álbum, con quizás la letra mas surreal de entre todas las presentes. "Música para pastillas" rebosante de un pop rock y de una fresca impronta new wave en su ADN. Extraña letra. Guitarras impecables y mas aun los saxos que tienen su fuego propio.

Un irrevocable éxito acusa ser "Semen Up", otro legendario fraseo de Skay Beilinson que coquetea con el blues, mientras que Solari arremete con su poesía de doble sentido y siempre filosa ."Divina TV Führer" asoma como un mazazo al mercadeo publicitario, con un aire burlón y de parodia, a los medios de comunicación de por entonces, dejando bien clara la posición de la banda ante la dictomía entre la cultura y la contracultura. Momento inspirado si los hay es en “Motor Psico”. El Indio Solari nos pone a nuestra disposición toda su maquinaria de imaginería amorosa: "Junto a la hemoglobina me fui y ya no sangro más. De la nada a la gloria me voy (¡así me das más...!) ...".

"En este film velado en blanca noche ..." al escuchar esas 7 palabras, todo "ricotero"(fan de la banda) de alma o cualquiera que se haya acercado a alguna presentación en vivo, sabe que debe estar preparado para lo que se ha denominado "El pogo mas grande del mundo". Y sobre todo estar preparado para el clímax definitivo con el estribillo "no lo soñé, ieeeé...", como si la vida se fuera en ello. Estamos hablando, por supuesto de la canción mas representativa y mas popular de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, "Jijiji". ¿Que mas podemos decir sobre la canción, que no se haya dicho?. Una de las tantas veces que se le pregunto sobre la misma a el propio Indio Solari, ha aseverado para la revista Rolling Stone que: "Para mí es un poco la paranoia de la droga, cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. «Jijiji» es una risa medio perversa, marca una bidimensionalidad, es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación." La fría y hermética "Canción Para Naufragios" acentúa el concepto bélico del disco, sobre todo con su letra mas que sugerente y surreal. "Bombas de aquí para allá. Puede ser, es irreal...Son seis minutos y nuestra "mami" va a contestar."Mami" elimina el error de que vos sos capaz..." Hay quienes que aseguran que esto ultimo hace referencia a lo que tarda un misil (6 minutos) en viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa). La música, es un caudal denso de ochentismo, donde predominan los fraseos de Beilinson y los saxos de Willy Crook.

Finalmente cierra esta gran obra de arte, la carismática "Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera". Una vez mas Willie Crook se luce con un trabajo impecable. Como burlándose a la "institución del hit", el Indio hace alusión a esos éxitos pasajeros y de alguna manera deja entrever sus expectativas sobre Los Redondos mismos, una forma de "atajarse" ante un posible éxito efímero de ellos mismos. Nada mas errado, si tenemos en cuenta, el éxito y la convocatoria en los años venideros de la banda, donde ese "feedback" que invocaba Solari con ese "...Pero te creo uhoo...!"  parece dar sus frutos.

No olvidar el conceptual arte de tapa y del sobre interno, a cargo como siempre de Rocambole. Expresa una suerte de simbiosis entre aquel "Oktubre Rojo" ,que mas arriba comentábamos, y el "Octubre Peronista". El artista comento en una nota a Gloria Guerrero: "Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso. En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico". Por otra parte en el personaje que se aferra a las cadenas en el dibujo interno, se  observan claramente la similitud en detalle de la obra de Salvador Dalí "Autoconstrucción con semillas de maní" donde se ve la prevalecencia del mal sobre el bien, bajo la propia visión de Rocambole.

El 18 y el 25 de octubre de 1986, Los Redondos presentaron "Oktubre" en el boliche Paladium . La mas recordada fue la noche del 18 ante alrededor de 1200 personas  (sin saber estaban por presenciar una noche irrepetible e histórica en el rock argento) que desconcertadas oían como sonaban las primeras notas de la Obertura 1812 de Tchaikovsky. Algo muy acertado ya que esta obra fue creada (a pedir de el Zar Alejandro II) para conmemorar la victoria en la resistencia Rusa ante las tropas Napoleónicas en 1812. Luego de estos dos legendarios shows de presentación del álbum, Tito Fargo y el Piojo Abalos abandonan la banda, seguidos por Willie Crook al año siguiente. Fueron reemplazados por Walter Sidotti (ex Los Argentinos) en batería, y por Sergio Dawi en el saxofón, pasando por alto el reemplazo de guitarra rítmica que dejo vacante Fargo.



Lista de Temas:

1. Fuegos De Octubre
2. Preso En Mi Ciudad
3. Música Para Pastillas
4. Semen-Up
5. Divina TV Führer
6. Motor Psico
7. Jijiji
8. Canción Para Naufragios
9. Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera


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 El pogo mas grande del mundo





sábado, 6 de agosto de 2016

Albert King - Born Under A Bad Sign (1967)


Albert King junto a B.B.King y Freddie King es considerado uno de los tres reyes del blues. Ejerció gran influencia en excluyentes guitarristas de blues como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield, Gary Moore, Stevie Ray Vaughan y por supuesto en Pappo. "Born Under A Bad Sign" del año 1967, es su segundo larga duración que cambiaría el curso del blues (y por consiguiente gran parte de la música americana), aggiornándolo de allí en adelante y asi ubicándose como uno de los mas populares en influyentes de este genero.


Albert King nació en Indianola, Mississippi, con el nombre de Albert Nelson. Era el menor de 13 hermanos y como otras tantas humildes familias de la época se asentaron en una plantación de algodón. A los 8 años su familia se muda a otra plantación cerca de Forrest City, Arkansas donde trabajo sus primeros años. Will Nelson, su padre, tocaba la guitarra y fue el primero que empujó a el pequeño Albert a el mundo de la musica. Fue por esos años que tambien canto en un coro gospel de la iglesia local. Pero para dar sus primeros pasos como profesional tuvo que moverse, primero a Osceola, Arkansas para integrar el grupo In the Groove Boys y luego tras su paso por Indiana, se desempeñaría fugazmente como baterista de la banda de Jimmy Reed en Saint Louis, Missouri. Pero la guitarra seria su amor definitivo, sobretodo su Gibson Flying V a la que no tardo en ponerle el nombre de "Lucy". Al ser zurdo no le quedo mas remedio que invertir su instrumento. Pero he aquí una rareza: a pesar de ello y como muchos guitarristas zurdos como Jimi Hendrix, ni mas ni menos, King nunca invirtió el encordado. Su contextura física era exuberante, su altura era de más de 1.90 y pesaba 118 kilos de ahí el sobrenombre de "The Velvet Bulldozer" (la excavadora de terciopelo). Durante algunos años de la década del 50, mas precisamente en 1953, viaja a la blusera ciudad de Chicago para registrar su primer simple para la Parrot Records, pero sin tener resultados superlativos. En esa ciudad también finalizaría un doctorado en guitarra a cargo de Robert Nighthawk. Su primer éxito tangible lo obtendría en 1959  con el sencillo "I´m A Lonely Man", pero el sencillo que ingresaría en una lista afortunadamente sería:"Don't Throw Your Love on Me So Strong" que se posesionó en el numero 14. Este gran éxito luego conformaría parte de su debut discográfico, aquel que recopilo sus primeras grabaciones, años mas tarde, "The Big Blues" de 1962. El año 1966 seria un punto de quiebre en su carrera. Se traslada a la ciudad de Memphis y firma contrato con la discográfica Stax para registrar su segundo trabajo "Born Under A Bad Sign"

Una seña particular de este gran LP es lo bien que King sabe rodearse para su perpetración. Es sabido que esos finales años 60´s fueron un gran momento en la historia del rock. En Inglaterra con la revolución del mitico Sgt. Pepper de los Beatles, nuevas bandas psicodelicas nacientes como Pink Floyd, también tomaron partida del buen momento de el denominado "blues blanco ingles", Eric Clapton ya había marcado tendencia juntándose con su compatriota el blues-man John Mayall, para aquel inolvidable "Blues Brakers" de 1966. Y obviamente EE.UU. padre biológico del blues seria testigo de una gran eclosión del genero, de la mano claro está, de artistas como B.B. King, Otis Rush, Freddie King o Buddy Guy, entre muchos mas. Albert King sabia que no podía quedarse demasiado atrás. Su gran acierto fue el firmar con Stax Records, que a su liderazgo tanto vocal como guitarristico le otorgaría los músicos de sesión del sello: Booker T. & the MG's (Booker T. Jones, Steve Cropper, Al Jackson Jr. y Donald Dunn), Esto sumado a la sección de vientos de The Memphis Horns. Esta asociación de nombres vería un resultado, por supuesto, emparentado al soul y al funk que revolucionaria la historia del blues para siempre. King estaba en un momento increíble y aunque sea su segundo álbum, ya tenia la suficiente experiencia para introducir pequeños momentos, con esas dosis de sutilezas que llevan a producir cosas gigantes.

La canción que abre el LP es ni mas ni menos que "Born Under A Bad Sign" buena muestra de esa impronta aportada por Booker T. & the MG's . De hecho la música es de Booker T. Jones con letra de William Bell. Su estructura es poco común dentro de los parámetros del genero. Es llamada "un elemento básico atemporal de blues". Sosteniéndose por una solida base de bajo y una oportuna sección de metales, King desliza sus punteos dialogando con el guitarrista rítmico Steve Cropper dejando mas que claro la química que habían logrado. Un buen gancho seria su letra. Ha consegido un buen numero de adeptos por su referencia astrologica. Varias de las traducciones que se han hecho han nombrado al titulo como "Nacido bajo una mala estrella" y otras "Nacido bajo un signo malo". Narra las desdichas de la triste vida de un hombre que, si bien nadie lo ha confirmado, bien pudiera tratarse el propio Albert King, todo empapado en un solo concepto: la mala suerte, su única suerte. Bastara escuchar: "Nacido bajo un mal signo, he estado deprimido desde que empecé a gatear. Si no fuese por mi mala suerte, no tendría suerte en absoluto... La mala suerte y los problemas son mis únicos amigos, la llevo solo desde los diez años... No sé leer, nunca aprendí a escribir, toda mi vida ha sido una gran lucha... He estado deprimido desde que empecé a gatear".  En su tercer álbum el doble "Wheels of Fire", el famoso trío Cream registra una fiel versión, solo con algunos cambios en la parte cantada por Jack Bruce. Ha sido interpretada por muchos mas, entre ellos: Paul Butterfield Blues Band, Tommy Bolin, Jimmy Hendrix, Pappo y hasta Homero Simpson la canto en un episodio.

King se da el lujo de arreglar un antiguo blues de R.G. Ford: "Crosscut Saw" que había sido grabada en 1941 por el blues-man del delta del Mississippi, Tommy McClennan. La versión goza de una frescura nunca antes lograda y se convertiría en todo un hit.

El famoso tándem compositivo Leiber/Stoller dice presente con todo un clásico: "Kansas City", canción alguna vez grabada por The Beatles, James Brown, Little Richard, entre otros. La enorme "Down Don't Bother Me" asoma como una pieza ultra blusera con una intro de fuerte persistencia de vientos. Es la única composición integra de King ya que su otra aparición en los créditos la encontramos en "Personal Manager" pero co-compuesta con David Porter. Otra canción escrita por la banda de la casa Stax es "The Hunter". La letras contiene claros guiños seductores ("Me llaman el cazador, una chica hermosa como tu, es mi único juego") luego también la popularizarían Ike & Tina Turner en 1969. Una pieza que calza mas que adecuadamente al concepto del álbum, ya sea por su tono cabalístico de su relato o por el grado de sofisticación musical en que se pensó, es la melancólica "I Almost Lost My Mind". La letra describe un abandono: ..." cuando perdí a mi nena, casi pierdo la cabeza...Mis ojos estaban llenos de lágrimas desde que ella me dejó atrás. Fui a ver a la gitana para que leyera mi fortuna, mi cabeza quedo colgada en la tristeza cuando dijo lo que dijo..." . Es un típico "12-bar blues" (blues de 12 compases), donde se destacan las acongojadas teclas de Jones pero sobre todo los elocuentes trazos de flautas de Joe Arnold que sobre el final logran una bella amalgama con los saxos. Sobre el cierre del álbum, uno de los momentos con mas swing nos lo brinda "As The Years Go Passing By" de Deadric Malone. Esta versión de King es una de las dos mas exitosas junto a la que grabaron al año siguiente Eric Burdon & The Animals.

"Born Under A Bad Sign" piedra fundacional del blues, su legado en los guitarristas del genero fue enorme. Por otro lado en 1985 ingresa en el mítico "Salón de la Fama de la Fundación de Blues" en la categoría de "Grabaciones Clásicas de Blues" y en 1999 recibió un Premio Grammy del Salón de la Fama. En abril de 2013 Stax Records editó una edición de lujo. King continuó cultivando excelentes trabajos en los años posteriores a "Born Under A Bad Sign", como así también grandes preformances en vivo. Como la que brindo en el mítico Filmore Auditorium en San Francisco, California. Esas actuaciones fueron en el marco de una serie de conciertos organizados por el famoso promotor Bill Graham donde también hicieron su presentación Jimi Hendrix y Soft Machine. Esas grabaciones en directo se pueden disfrutar en "Live Wire/Blues Power" (1968). El 6 de junio de 1970 en el Pacific Coliseum de Vancouver, Canada, King sube al escenario en un concierto de The Doors para participar en "Little Red Rooster," "Money," "Rock Me" y "Who Do You Love".  En 1983 graba una sesión para la TV de Canada junto a Stevie Ray Vaughan, posteriormente lanzado en audio y en DVD con el nombre de "In Session". En 1988 acude como invitado junto a Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean a un especial "BB King & Friends". También aportaría guitarras para otro grande como Gary Moore para su disco "Still Got The Blues" justamente para una nueva versión de una canción incluida aquí "Oh, Pretty Woman". A raíz de esto, Moore se lo llevaría de gira junto a otra leyenda: Albert Collins. El 21 de diciembre de 1992 Albert King fallece a causa de un ataque cardíaco en Memphis. Su ultimo concierto había sido dos días antes en Los Angeles. En la ceremonia de su funeral, los Memphis Horns interpretaron "When The Saints Go Marching In" ("Cuando los santos vienen marchando"). B.B. King le dedicaría unas palabras: "Albert no era mi hermano de sangre, pero era mi hermano en el blues". El 11 de diciembre de 2012 se anuncia que Albert King ingresará en el Salon de la fama al año siguiente. En ese anuncio Gary Clark Jr., sangre nueva del blues, interpreta  "Oh, Pretty Woman" y luego se une ni mas ni menos que a John Mayer y a Booker T Jones para interpretar  la inmortal "Born Under A Bad Sign".


Personal:

Albert King – guitarra principal y voces
Steve Cropper – guitarra rítmica
Booker T. Jones – organo, piano
Isaac Hayes – piano
Donald "Duck" Dunn – bajo
Al Jackson, Jr. – bateria
Wayne Jackson – trompeta
Andrew Love – saxo tenor
Joe Arnold – saxo barítono, flauta


Lista de Temas:

1. Born Under A Bad Sign
2. Crosscut Saw
3. Kansas City
4. Oh, Pretty Woman
5. Down Don't Bother Me
6. The Hunter
7. I Almost Lost My Mind
8. Personal Manager
9. Laundromat Blues
10. As The Years Go Passing By
11. The Very Thought Of You


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In Session, 1983




miércoles, 22 de junio de 2016

Federico Moyano - Vida Vidala (2014)


"Vida Vidala" es el primer trabajo en solitario del guitarrista y compositor marplatense Federico Moyano. Se había destacado años antes con otros proyectos con la agrupación BERRO D´AGUA y con el DUO CRIANZA.Otra vez se rodea de un buen sustento de músicos marplatenses para registrar un puñado de excelentes composiciones con el fin de musicalizar el cortometraje "Hilos".

Nos encontraremos con un trabajo 100% instrumental con composiciones incidentales que van desde la milonga, el tango, el jazz y el folclore. Otras de fuerte carácter intimista como por ejemplo la hermosa "La Llave (parte 1)", que por su resplandeciente luminosidad, sin dudas nos transportará de vuelta a los mas diáfanos sentires de la niñez.



Personal:

Daniel Alberola: saxo
Federico Moyano: guitarra
Matias Cuello: bajo
Pablo Gonzalez: bandoneón
Tomás Perez: bateria
Melina Coria: piano




Lista de Temas:

1. A Los Santos (Milonga Candombe)
2. La Llave (Parte 1) (Canción)
3. Vida Vidala (Intro) (Lamento)
4. Vida Vidala (Lamento)
5. La Llave (Parte 2) (Canción)
6. La Llave (Parte 3) (Canción)



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martes, 24 de mayo de 2016

Bob Dylan - Blood On The Tracks (1975)


Al momento de analizar los mejores discos de Dylan de la década de los 70, seguramente tendremos una cita obligada con este de mediados de la década, el gran "Blood on The Tracks". Un álbum que también se podría ubicar como uno de los mejores de la historia del rock y de la música popular contemporánea. Este trabajo es como una vuelta a casa para Dylan ya que vuelve a grabar para el sello Columbia, luego de registrar dos álbumes para Asylum Records, "Planet Waves" y el doble directo con The Band, "Before The Flood" ambos de 1974.

Una constante de Bob Dylan es reflejar en sus trabajos las diversas situaciones en la que atraviesa su vida. A pesar de que Dylan nunca ha admitido que las letras en este álbum reflejan su vida personal, ni que tampoco son "confesiones", sino que están inspiradas en los cuentos cortos del autor ruso Anton Chekhov, "Blood On The Tracks"  hace alusión a su angustiosa y critica separación de por entonces su esposa Sara Lowndes. Inclusive el hijo de ambos, Jakob Dylan, ha mencionado que la letra de la canción “Idiot Wind” y muchas otras del álbum son sus padres discutiendo. Canciones con letras que hablan de desamor, ira, soledad, dudas, reproches y demás, están a la orden del día. Por esas épocas Dylan ya tenia en su haber composiciones que hablaban de estas temáticas, pero abordadas desde su lado, desde el despreocupado o rompecorazones que una estrella de rock como el siempre fue. Ahora tenemos a un Dylan lastimado, con una angustia desgarradora, el esta allí, solo con la guitarra. Es así como "Blood On The Tracks" funciona como un retrato de su situación de por aquel entonces (no es raro decir lo de retrato, ya que aun seguía aprendiendo pintura), abordando todas las decepciones, rupturas y desamores que sufrió por aquel entonces. Desde triángulos amorosos, sentimientos de culpa y hasta las mas viscerales escenas de discusiones. En un principio Dylan deseaba que el sonido sea mayormente eléctrico. Queria continuar con esa linea que tanto habia revolucionado en "Blonde On Blonde". Fue entonces que quizo contar con Mike Bloomfield, guitarrista con quien había trabajado anteriormente en "Highway 61 Revisited". Dylan le muestra las composiciones, pero Bloomfield no logra aprendérselas. El guitarrista comentaría sobre las mismas: "Todas comenzaron a sonar igual para mí, todas estaban en la misma clave, todas eran largas. Fue una de las experiencias más extrañas de mi vida. (Dylan) tuvo una especie de cabreo porque no las recogí". Este fue uno de los motivos principales de por que Dylan decidió que "Blood On The Tracks" sonara acústico y prácticamente sin banda. También tubo la oportunidad de exhibir sus canciones ante algunos de sus amigotes. Visitó a Neil Young y también se da el lujo de ensayar el repertorio con la banda de este mismo, Crazy Horse. Otros privilegiados en escuchar el híbrido del álbum fueron David Crosby, Graham Nash, Tim Drummond, Peter Rowan y Stephen Stills. Este ultimo se mostró disgustado por la actuación de Dylan, y poco después de que el abandonara la habitación, le dijo a Nash: "Es un buen compositor... pero no es un músico".

Dylan quiso un concepto mas fresco y espontaneo de las doce canciones que tenia listas para registrar. Fueron grabadas en cuatro días, del 16 al 20 de septiembre de 1974 en A&R Recording Studios de Columbia en Nueva York, dando lugar a unas de las sesiones más adoradas por sus fans. El ingeniero de sonido fue Phil Ramone, quien recuerda hechos significativos, como que Dylan grababa las canciones una tras otra como en "popurri" y cambiaba la estructuras de las canciones sobre la marcha (versos, estribillos,etc.), cuando uno menos se lo esperaba. Eric Weissberg y su grupo, Deliverance, fueron reclutados como músicos de sesión, pero fueron rechazados a los dos días de comenzar las sesiones porque no podían mantener el ritmo de Dylan. El único que se quedó fue el bajista Tony Brown y al poco tiempo se sumaron el organista Paul Griffin y el guitarrista Buddy Cage. Luego de diez días y cuatro sesiones, Bob Dylan terminó de grabar y mezclar las canciones. En el momento en que Columbia tenia preparado el lanzamiento del long play, en noviembre del 74, Dylan cambia de parecer y le comunica al sello discográfico que tenia en mente importantes cambios para el álbum. Entre el 27 y el 30 de diciembre de ese mismo año, en los Sound 80 Studios de Minneapolis (Minnesota), con músicos locales, contratados por su hermano David Zimmerman, regrabó algunas canciones ("Idiot Wind", "You’re a Big Girl Now", "Tangled Up In Blue", "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" y "If You See Her, Say Hello"). Finalmente, "Blood On The Tracks" vio la luz el 17 de enero de 1975. Algo para destacar es que en los créditos no figuran los músicos contratados por Zimmerman que participaron en Minnesota.

Ya el comienzo nos alerta lo que estaba perpetrando con los versos iniciales de todo un clásico de su carrera, "Tangled Up In Blue": "Una mañana de sol brillante, muy temprano, aún en la cama. Preguntándome si ella cambió. Si aun su cabello es rojizo..." Con esta canción Bob Dylan, de alguna manera, inauguraba su estilo de canciones "multidimensionales" que mezclan la noción del tiempo y del espacio. Declararía sobre esta temática: "Lo que hay de diferente sobre esto es que existe un código en las letras, y no hay sentido del tiempo. No hay ningún respeto por esto. Tienes el pasado, el presente y el futuro en la misma habitación, y hay poco que no puedas imaginar que esté sucediendo." Letra de carácter triste, que sin ninguna duda habla sobre un amor que ha terminado, pero no por su parte. Dylan recuerda con melancolía, como conoció a la chica en cuestión. El acompañamiento musical es emotivo y melancólico mientras recita sus recuerdos: "Ella estaba casada cuando nos conocimos y lo intentamos. Rompimos en una noche triste y oscura, ambos sabiendo que era lo mejor. Se giró mientras me marchaba y la escuché decir sobre mi hombro: nos veremos algún día en la avenida. Envueltos en tristeza. Ella trabajaba en un antro de topless, donde entré para tomar una cerveza. Estudió las arrugas de mi cara y me sentí incómodo cuando se agachó para abrocharme los cordones de los zapatos. `Pensé que nunca me saludarías´, dijo, `pareces un tipo callado´." Lo particular de "Tangled Up In Blue" es que si bien es una canción en que se repite la melodía de cada estrofa, subrayando con sus acordes lo que Dylan recorre con voz emocionada, su final esta impregnado de armónica y guitarras, otorgándole un toque mágico en la melodía que parece ser mas movida, dejándonos un sabor optimista. La desdicha de Dylan sigue su recorrido con la descriptiva "Simple Twist Of Fate", remite a un encuentro y posterior desencuentro de la pareja, en un parque al atardecer. "Se sentaron juntos en el parque, cuando al atardecer se oscurece el cielo, ella le miró y él sintió un chispazo estremeciendo sus huesos, fue entonces cuando él se sintió sólo y deseó enmendarse. Caminaron por el viejo canal y entraron en un hotel extraño, con un neón resplandeciente. Sonaba un saxo en algún lugar lejano... ella arrojó una moneda en la taza de un ciego a la entrada y se olvidó de cualquier simple giro del destino...". Luego un tramo con armónicas para dar augurio del fatal desenlace: "Él se despertó, la habitación estaba vacía, no la veía por ninguna parte, se dijo que no debía preocuparse... Oyó el tic-tac de los relojes y paseó con un loro que hablaba buscándola por los muelles... Yo todavía creo que ella era mi alma gemela pero perdí el anillo...¿Cuánto deberé esperar? Una vez más debido a un simple capricho del destino." Ante ese panorama, llega la consecuente reflexión con "You're A Big Girl Now": "Nuestra conversación fue breve y agradable casi me hizo perder el pie y estoy otra vez bajo la lluvia, oh, oh y tú estás pisando tierra firme, de algún modo lo has hecho, eres una gran chica".

Así y todo la furia contenida debía desatarse en uno de los mejores momentos del álbum "Idiot Wind". Una de las mas extensas canciones de la placa, Dylan descarga su odio a lo largo de casi de ocho minutos de furia incandescente, como el mejor lo sabe hacer. A diferencia de la primera versión grabada en Nueva York, que era solo con guitarra acústica, esta es con la banda completa, y para destacar al propio Dylan en los organos. Pero el verdadero enganche de la canción es la letra. Sin dudas un mezcla de violencia y belleza que alguna vez le dió excelentes resultados con "Like A Rolling Stone". Desde el comienzo apunta a alguien o a algunos que han levantado sospechas sobre su persona. No podemos saber quien puntualmente, quizás la prensa amarillista, o quizás sean las sospechas sobre algún personaje ficticio creado por el mismo Dylan, ¿o quizás su alter ego?. Y luego, como no podía ser de otra manera a la mujer que hirió sus sentimientos. Entre el torbellino poético/protestante de Dylan vemos recriminaciones tales como: "Fue la gravedad lo que nos hizo bajar y el destino lo que nos separó. Tú domaste al león de mi jaula, pero sólo eso no fue suficiente para cambiar mi corazón. Ahora todo está un poco patas para arriba, es evidente que las ruedas se han parado. Lo bueno es malo, lo malo es bueno cuando llegues a la cima te encontrarás abajo del todo.". Su desprecio llega a tal punto que podemos oír cosas como: "Ya no puedo ni sentirte, ni siquiera puedo tocar los libros que has leído...". Y luego el estribillo siempre diferente en sus repeticiones, pero con el final que solo cambia dos veces: "Viento idiota, soplando cada vez que mueves tus dientes. Eres una idiota, nena, es un milagro que aún puedas respirar." Pero luego se reparte la culpa: "Viento idiota, soplando entre los botones de nuestros abrigos, soplando entre las cartas que escribimos. Viento idiota, soplando entre el polvo de nuestros estantes. Somos unos idiotas, nena, es un milagro que incluso sepamos alimentarnos." Ahora los vientos se convierten en leves brisas sobre nuestros oídos y así llega la calma tras la tormenta con "You´re Gonna Make Me Lonesome When You Go". Dylan nos adentra en un paisaje bucólico donde intenta relajarse por un momento, imaginando que aun esta con ella. Pero no se olvida de su cruel abandono y cita el funesto amor de uno de sus poetas favoritos: "...las relaciones han sido todas malas, las mías han sido como las de Verlaine y Rimbaud...". Inaugurando el lado "B" de lo que era la edición en vinilo, nos encontramos con "Meet Me In The Morning", un excelente blues con la inclusión de pedal steel guitar de Buddy Cage, quizás la única canción con guitarras eléctricas del álbum. Esta enmarcada en un típico paisaje norteamericano, sirve para expresar la añoranza de Dylan sobre un encuentro que nunca sucedió.

El compás galopante de "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" remite al típico ambiente del "Far West". La historia o el "western" presenta a un gran numero de personajes alguno de los cuales están representados como cartas de poker, que por otro lado es el juego que una de las protagonistas de la historia estaba disputando. Su complejo argumento parece incurrir en dos temas principales, uno es claramente un asalto y el otro en lo que sería un triangulo amoroso, con crimen pasional incluido. La introducción de armónica prepara el territorio para adentrarnos un escenario de "saloon" pero que en realidad es un cabaret. Jack Of Hearts es el personaje mas importante que ha llegado a una ciudad como líder de una banda de ladrones de bancos. Ademas de el hay un narrador que observa y nos cuenta los sucesos. Lily y Rosemary son las dos mujeres de la historia, el narrador se refiere a Lily en un momento como "princesa" o "pequeña reina" y a Rosemary como "reina sin corona" lo que nos hace pensar que son madre e hija. Luego Big Jim quien es la persona más rica de la ciudad y dueño de la única mina de diamantes y marido de Rosemary. Finalmente el "juez de la horca" quien no puede desempeñar de manera correcta su labor por culpa de una borrachera. El Jack Of Hearts es un personaje enigmático y de temer. Al final de cada estrofa se lo menciona, no hay indicio de sus pensamientos, solo se describen cada uno de sus actos. La historia comienza entonces con los secuaces de Jack Of Heart haciendo un butrón: "La fiesta terminó, los muchachos estaban preparando el golpe, el cabaret estaba tranquilo, excepto por el taladro de la pared...". Luego Jack entra al cabaret para el asombro de todos en la escena: "Atravesó el salón lleno de espejos ,"Bebida para todos", dijo. Entonces todos empezaron a hacer lo que estaban haciendo antes de volver la cabeza". A medida que van entrando en escena cada uno de los personajes, el narrador describe lo que es un triangulo amoroso entre Big Jim, Rosemary y Lily. Lily tenia una relación oculta con Big Jim, pero también sentía cierta atracción por el Jack Of Hearts: "Todo el mundo sabía que Lily tenía el anillo de Jim y que nada se interpondría entre Lily y el rey. No, nada lo haría, excepto quizá la J de corazones.". Big Jim es asesinado, pero hay verdaderamente una nebulosa acerca de quien realmente fue, si Rosemary o el mismo Jack Of Hearts. Las pistas que nos da la canción sobre Rosemary son: "Rosemary empezó a empinar el codo y a ver su imagen reflejada en el cuchillo. Estaba cansada de tanta devoción. Cansada de hacer el papel de mujer del gran Jim. Ella, que había hecho muchas cosas reprobables, que incluso intentó suicidarse una vez. Estaba pensando en hacer algo bueno antes de morir...". Pero luego otra pieza en el rompecabezas del crimen: "Nadie supo todos los detalles, pero dicen que sucedió con gran rapidez. La puerta del camerino se abrió de golpe, un frío revólver chasqueó y el gran Jim estaba allí...". Mientras tanto los camaradas de Jack ya daban por consumado su acto: "Dos puertas más allá los muchachos lograron al fin atravesar la pared y vaciaron la caja de seguridad. Dicen que escaparon con un buen botín...". La historia termina con un cuchillo en la espalda de Big Jim, la soga en el cuello de Rosemary y una Lily reflexiva pensando en sus compañeros, pero sobre todo pensando en el Jack Of Hearts: "Lily se había quitado toda la tintura de su pelo. Estaba pensando en su padre al que veía muy pocas veces. Pensando en Rosemary y pensando en la ley. Pero sobre todo estaba pensando en la J de corazones.". Con semejante historia, dos guionistas John Kaye y James Byron se inspiraron en la canción para una película, pero ninguno de los dos proyectos llegaron a buen puerto. Bob Dylan nunca brindo muchas explicaciones sobre la historia. Según Tim Riley, de la National Public Radio, "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" es una alegoría intrincadamente evasiva sobre el romanticismo que oculta motivos criminales, así como el camino que la empresa de un personaje desencadena con una serie de recriminaciones a gente que nunca ha conocido.

Después de ese impasse de ficción sobre ficción, Dylan vuelve a la realidad con "If You See Her, Say Hello". Melancólica y con una fuerte presencia de cuerdas. El y Peter Ostroushko tocan la mandolina, mientras que Chris Weber nos deleita con la string guitar. El tono tristón de Dylan intenta hablarle a alguien para que le comunique o le sugiera cosas a un amor anónimo perdido al parecer en Tánger. "Shelter From The Storm", aunque no de indicio, nos da la impresión de escuchar una historia mitológica. Es la historia de un hombre abrumado y desgastado por el tiempo y su entorno, casi sin esperanzas. Dice: "Fue en otro tiempo, un tiempo de fatigas y sangre cuando la negrura era virtud y la carretera estaba llena de barro... Yo estaba quemado de cansancio, enterrado en el granizo, envenenado en los espinos y expulsado del sendero, cazado como un cocodrilo, arruinado en la mies...". Hasta que aparece ella como una visión casi divina para darle ese preciado cobijo: "Ella estaba allí con pulseras de plata en las muñecas y flores en el pelo, se me acercó con gracia y tomó mi corona de espinas. Entra, dijo ella, te daré cobijo frente a la tormenta". Pero no todo es color de rosas, una pared de pronto se cierne sobre ellos. Ahora el esta viviendo en otro país pensando para si mismo: "algún día la haré mía, si consigo dar marcha atrás al reloj hasta cuando Dios y ella nacieron.". En su final y de manera casi apocalíptica "Buckets Of Rain" cierra "Blood On The Tracks". Un conjunto de palabras de tristeza, de cubos de lluvia y de lagrimas, parecen ser la despedida final de Bob Dylan, que sin embargo deja entrever que pese a todo hay una luz de esperanza al final del camino.

Aquellas primeras tomas registradas en Nueva York en 1974 que Bob Dylan descartó y posteriormente reemplazo y que fueron tan alabadas por sus fans, podemos apreciarlas en "The Bootleg Series Volumes 1-3" de 1991 la primer entrega de esos materiales de archivo tan importantes de Columbia. "Blood On The Tracks" es uno de los álbumes mas vendidos de Dylan, certificándose como doble platino. Alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 y el cuatro en la lista de discos más vendidos del Reino Unido.Ya sea por la crisis emocional, la ira, el dolor, el desprecio y todo lo sufrido por su separación o quizás el personaje que logra crear a lo largo del álbum, Dylan con otra obra maestra, el "Blood On The Tracks", nos deja en claro la intención en cada canción, y de alguna manera, lo que bien expresa su titulo. Dejar la sangre en las pistas...



Lista de Temas:

1. Tangled Up In Blue
2. Simple Twist Of Fate
3. You're A Big Girl Now
4. Idiot Wind
5. You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
6. Meet Me In The Morning
7. Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts
8. If You See Her, Say Hello
9. Shelter From The Storm
10. Buckets Of Rain


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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love