domingo, 13 de abril de 2014

Metallica - ...And Justicie for All (1988)


Si bien Metallica, ya había logrado un considerable éxito e indiscutible fama masiva dentro del circuito del "trash metal" gracias a sus tres primeros álbumes de estudio,  no seria hasta "...And Justicie for All" que darían su primer gran paso hacia una inminente consagración.

Un álbum mas bien oscuro, lleno de critica social  y goza de un metal mucho más hermético, carente de melodías, no como sus tres antecesores. Mucho tendría que ver la muerte a los jóvenes 24 años del por entonces bajista Cliff Burton en Kronoberg, Suecia, durante la gira de el anterior trabajo "Master Of Puppets". Seria reemplazado, tras un sinnúmero de audiciones, por Jason Newsted quien debutaría en este trabajo. Es así que la banda entre 1986 y 1988 comienza con un periodo de renovación total y consecuente maduración. Parte del periodo de adaptación de Newsted vería sus frutos en el clásico EP grabado en el mismísimo garaje del baterista Lars Ulrich, "The $5.98 E.P.:Garage Days Revisited" de 1987 para luego entrar de lleno en su nuevo trabajo de estudio. "...And Justicie for All". Se grabaría entre los meses de enero y mayo de 1988 en los estudios "One on One Recording" de su Los Ángeles natal. Contaría con el mismo coproductor de sus dos anteriores trabajos ("Ride the Lightning" y "Master of Puppets"), Flemming Rasmussen.

Con un sonido que surge de entre la nada del universo, irrumpe la imponente "Blackened". El disco no puede tener un comienzo más prometedor y concientizador. Contiene una gloria de riff y una perfecta sincronía y coordinación de los tiempos rítmicos (que por cierto son muchos) de cada uno de los integrantes. Esto sin duda alguna confirmaría lo bien que encajó Newsted en un principio con Metallica. También acercaría el típico "trash metal" de la banda  a campos más cercanos al "heavy progresivo".
La letra es de James Hetfield y nos alerta en un tono algo apocalíptico, los destrozos que ha (y sigue) causando el hombre a la "madre tierra" mediante a diferentes tipos de contaminación ambiental entre ellos la industrialización.

Es tan variado el abanico temático del álbum que enseguida nos encontramos con el tema homónimo "...And Justicie for All" uno de los temas mas extensos de Metallica, canción que habla de la corrupción y manipulación en el sistema judicial. Canción muy compleja en su estructura, otra buena muestra del acercamiento a un costado más progresivo. Fue ejecutada en vivo en la gira de presentación del disco en 1989, luego en otras ocasiones, pero solo fragmentos. Hasta que 18 años después en 2007 volvieron a tocarla entera en Portugal y luego en pocas ocasiones mas, siendo la última vez en la gira "By Request"  en los shows de Argentina, recientemente, a fines de marzo de 2014.
"Eye of the beholder" es un tema que trata de la censura, la falta de libertad de expresión. Otro tema de estructura compleja, de ritmo mas extraño aún, pocas veces interpretado en vivo, tema muy despreciado.

Llegamos a uno de los clásicos de los clásicos y una obra maestra de Metallica: "One". Tiene todo lo que tiene que tener una balada de heavy metal. Una dulce introducción con muy buenas piezas de guitarras, por momentos con aires renacentistas. Luego, en la mitad de la canción, se zambullen en una furia de una velocidad  sin precedentes y allí se destacan los dobles pedales de Lars y el solo de Kirk Hammet por supueto.
La letra esta inspirada en la película "Johnny Got His Gun" (Johnny cogió su fusil) dirigida por Dalton Trumbo. Relata la historia de Joe Bonham, un soldado de la Primera Guerra Mundial que tras despertar en un hospital descubre que ha perdido toda movilidad, conservando, solo sus capacidades mentales. Siendo consciente de las implicaciones de este hecho y al resultarle imposible acabar con su vida, intenta comunicarse con el personal médico a través de código Morse moviendo su cabeza. Su deseo es que lo metan en un cubo de cristal y lo lleven por todo el país para mostrar a la gente los horrores de la guerra. No obstante es importante valorar como Metallica plasma los contrastes que experimenta Bonham. En la primera parte la parte "suave" si se quiere de la canciòn, el personaje parece vivir un sueño. En la segunda y al despertarse, expresan su desesperación al estar inmovilizado y por lo tanto su deseo de morir. Partes de esta película se pueden ver en el video clip de "One".

El riff vivaz y marchante de "The shorter straw" recuerda las persecuciones y secuestros durante una época en EE.UU., entre 1950 y 1956, que se denominó "macarthismo". Impulsado por el senador Joseph McCarthy quien desencadeno una especie de dictadura, persecusión, listas negras, etc. contra personas acusadas de ser comunistas. "The shorter straw" (la pajita mas corta) es ese juego donde al quien le toca la paja mas corta es mandado a hacer una tarea donde no hay voluntarios. La banda con ironía refiere en el estribillo "la paja más corta ha sido elegida por ti...": a ti te investigará el "macarthismo".

La oscura "Harvester of Sorrow" un gran tema de la banda, transformado en todo un clásico con el correr de los años. Rítmicamente redonda, si no fuera un tema de una banda de heavy metal, se podría decir que tiene ritmo de funk. La letra parece describir a un asesino poco convencional: a un infanticida.
Otra canción despreciada para ser tocada en vivo: "The Frayed Ends Of Sanity". Partes de batería complejas, solos de guitarras extensos y Hetfield cantando con otro estilo vocal. Un comienzo un tanto excéntrico pero el mismo ha sido utilizado por los fans de todo el mundo en sus conciertos para que la interpreten.

Como no podría ser de otra manera y como venían haciéndolo en los anteriores tres trabajos, con "To Live Is to Die" se incluye la cuota instrumental al disco. Su introducción es muy emotiva con unas partes de guitarras clásica bellísimas para adentrarse en un caudal eléctrico/futurìstico de casi 10 minutos. El tema recuerda mucho a los canadienses Rush mas precisamente de la época de "Caress Of Steel" o del mismo "2112". Es un homenaje a Cliff Burton de hecho algunos de sus riffs son de su composición.
Llegando al final, James Hetfield narra un poema escrito por el propio Burton, el cual decía:  "Cuando un hombre miente mata una parte del mundo. Estas son las muertes pálidas, a las que los hombres llaman equivocadamente "sus vidas". Ya no puedo cargar con todo esto para seguir siendo testigo... ¿No puede El Reino de la Salvación, llevarme a casa?". La coda del tema vuelve la parte de guitarra clásica de la intro que se corta repentinamente simbolizando la muerte.
Catalogada como la canción mas veloz de la banda "Dyers eve" cierra el album. Algunos dicen que es el mejor trabajo de Ulrich en disco.

La llegada de "...And Justicie for All" en general recogió muchos halagos. Jason Newsted tubo que pagar algunos que otros "derechos de piso" por parte de los "críticos especializados" quienes atribuían bajo sonido del bajo en algunas canciones. Pero para el publico metalero se convirtio en un clásico y uno de los álbumes mas pesados de la banda, que por otro lado cierra una era. Las ventas en EE UU fueron solo sobrepasadas por su siguiente trabajo el Black Album de 1991 e igualadas solo por su antecesor "Master of Puppets".
Para la presentación del disco emprenderían una gira de solo un año denominada "Damaged Justice". "...And Justicie for All " seria un gran empujón para que Metallica lograra un éxito mundial que se asentaría por supuesto que con "Metallica" (el Black Album) de 1991.
"One" gran éxito del disco fue el primer Grammy que ganaron en 1990 y también el primer video clip de la banda. Tiene tres versiones.  El primero es el del álbum con partes de la película "Johhny cogió su fusil", el segundo es el mismo con partes cortadas y el tercero sin escenas de la película. 



Lista de Temas: 

1. Blackened
2. ... And Justice For All
3. Eye Of The Beholder
4. One
5. The Shortest Straw
6. Harvester Of Sorrow
7. The Frayed Ends Of Sanity
8. To Live Is To Die (Instrumental)
9. Dyers Eve

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martes, 18 de marzo de 2014

Antonio Carlos Jobim y Elis Regina - Elis & Tom (1974)


Un disco ideal para comenzar a empaparse de este inigualable género: la bossa nova, y como no, para conocer a la camada pionera del llamado MPB (Música Popular Brasilera). Un disco y una dupla trascendental en la historia de la riquísima música brasilera.

Consagrado ya como uno de los máximos exponentes e importadores (logro que le valió el éxito de haber grabado con nada mas ni nada menos que Frank Sinatra) de la bossa en todo el mundo, Antonio Carlos Jobim (Tom), se junta con la mayor voz que ha dado Brasil: la gran e irrepetible Elis Regina. El encuentro en cuestión se debió a un regalo que hizo la discografica Philips a la cantante por cumplir 10 años con dicho sello. Al ser consultada por el director, Elis no dudo ni un instante y pidio grabar con uno de los padres de la bossa nova, Tom Jobim. Es asi que viaja a Los Angeles junto a su marido, donde se encontraba Tom por entonces. Esta legendaria dupla exhibiría una perfecta mixtura entre la genialidad compositiva de Tom acompañada de la fuertisima calidad interpretativa de Elis. Es importante la participación del marido de Elis, el pianista  César Camargo Mariano, quien innovaría con la inclusión de instrumentos electrónicos al clasico repertorio de Tom, también seria el arreglador del disco.

Un comienzo muy alegre y muy irrepetible, vigente al dia de hoy por su frescura: "Aguas de Março". Una bossa impecable. Compuesta por Jobim en marzo de 1972 y salida por vez primera en el ábum "Matita Perê". Pero esta versión con sus voces en cada estrofa y entrelazadas en el estribillo, obtiene su mejor resultado. La canción describe ese momento especial del año en que termina el verano y comienza el otoño en el hemisferio sur. Su letra, evidentemente muy premeditada y evidenciable en su rima, es una genialidad. Su atmósfera de carácter de loco espiral nos va llevando hacia el final, haciendo un sinnúmero de comparaciones con elementos, personas entre otras tantas cosas mas. Su estructura es un "motoperpétuo" (Perpetuum mobile). La letra de las estrofas esta conjugada en el verbo "ser" de la tercera persona del singular. No pasa lo mismo con el pegadizo estribillo que se encuentra en plural: ..."São as Águas de Março...". Las palabras que conforman las estrofas juegan utilizadas con varios recursos , como por ejemplo la redundancia y el uso del antagonismo. Más tarde Jobim la grabaría también en ingles manteniendo, (dentro de lo posible) el significado de la canción. Como dato de color , tambien podemos decir que la decada del 80, la canción inspiró a la compañía Coca-Cola a utilizarla en un comercial, pero con una versión mas "rockera", si se quiere, y con cambios en la letra.

En contraposición a lo que es el sentimiento brasilero de la alegría y la felicidad, el resto de las composiciones del disco, son en lineas generales tristes. Basta con escuchar temas como "Pois É", "Modinha", u  "O Que Tinha de Ser". Una de las grandes composiciones de Jobim es "Corcovado" (en ingles  " Quiet Nights of Quiet Stars "). inspirada en el cerro de Corcovado, en la ciudad de Rio de Janeiro. De carácter acongojado, sobre todo en el final donde podemos apreciar la bellísima voz de Elis imitando a las partes de flauta, voz a la que luego se le suma la de Tom.

"Retrato em Branco e Preto" ("Retrato en Blanco y Negro") de Tom, Vinicius De Moraes y letra de Chico Buarque, una de las canciones mas intimistas y tristes que dió la musica brasilera.
Las canciones mas  cercanas al sonido de la  bossa nova son sin dudas "Só Tinha de Ser com Você",  "Triste", "Brigas, Nunca Mais", "Fotografía" ,"Triste" y "Inútil Paisagem" estas tres ultimas con claros aires jazzeros. En ellas podemos descubrir esos innovadores arreglos para la época de César Camargo Mariano y también la buena intención de implementar pianos eléctricos y guitarras eléctricas (pese a algunas reticencias de Tom).

Dos genialidades también son "Soneto de Separação"  y "Chovendo na Roseira". La primera teatral, cantada a dúo, con una fundamental inclusión  de orquesta de cuerdas de lo mas incidental. La segunda una de  la mas puras y dulces canciones que pudo cantar Elis. Forma parte de las llamadas "canciones ecológicas" de Tom, al igual que "Águas de Março", "Correnteza", "Passarim", y los instrumentales "Rancho das nuvens" y "Nuvens douradas", entre otras de su rico repertorio.


Personal:

Antonio Carlos Jobim - piano, voz, guitarras y arreglos en "Modinha"
Elis Regina - voz
César Camargo Mariano - piano, piano eléctrico y arreglos
Helio Delmiro - guitarras
Oscar Castro Neves - guitarra
Luizão Maia - bajo
Paulo Braga - batería
Chico Batera - percusión
Bill Hitchcock - dirección
Hubert Laws y Jerome Richardson - flautas
Aloysio de Oliveira - producción


Lista de Temas:

1. Águas de Março (Tom Jobim)
2. Pois É (Tom, Chico Buarque)
3. Só Tinha de Ser com Você (Tom, Aloysio de Oliveira)
4. Modinha (Tom, Vinicius de Moraes)
5. Triste (Tom Jobim)
6. Corcovado (Tom Jobim)
7. O Que Tinha de Ser (Tom, Vinicius De Moraes)
8. Retrato em Branco e Preto (Tom, Vinicius, Chico)
9. Brigas, Nunca Mais (Tom, Vinicius)
10. Por toda a Minha Vida (Tom, Vinicius)
11. Fotografia (Tom Jobim)
12. Soneto de Separação (Tom, Vinicius)
13. Chovendo na Roseira (Tom Jobim)
14. Inútil Paisagem (Tom, Aloysio)

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Otros discos disponibles de Elis Regina:

Elis (1966)

sábado, 8 de febrero de 2014

Luis Alberto Spinetta - Spinettalandia y Sus Amigos (1971)


A dos años de su muerte no podemos dejar de homenajear a uno de los padres del rock argentino y a su legado riquísimo,poético y musical.
Elegimos su primer disco como solista y el tercero en su carrera como músico: "Spinettalandia y sus amigos" de 1971.

Para enmarcar el álbum en el contexto de su carrera artística , Luis Alberto venia de dejar inconclusa la opera con Almendra (que venia de ser el conjunto del año), y debían  grabar un LP para cumplir el contrato con la RCA.  Pero los integrantes habían emprendido carreras diferentes : Edelmiro Molinari viendo trunco su proyecto "Tórax",  formaría la banda "Color Humano" y por su lado Emilio Del Guercio y Rodolfo García intergrarían "Aquelarre". Así fue que Spinetta, antes de emprender en marzo un viaje por Brasil, EE UU y Europa, decide grabar un disco como solista para cumplir con dicho sello.
Mucho se hablo de este disco, experimental por donde se lo mire y destructor de toda estructura posible, pero la mejor definición la brindó el propio Flaco: "una cosa gitana, o hippie, mejor dicho".

Fue grabado en no menos de 30 horas con amigos de la talla de Miguel Abuelo en flauta, pandereta y percusión, Norberto "Pappo" Napolitano en guitarra eléctrica, Héctor "Pomo" Lorenzo en batería y guitarra acústica y  por supuesto Luis Alberto en voz, piano, bajo y guitarras.
También cooperaron conceptualmente Victor Kesseman y Elizabeth Viener (hija de Jean Viener quien había trabajado con Jean Cocteau en música dadaísta).

El álbum comienza con un fuerte tema hard rock cedido gentilmente por Pappo Napolitano: "Castillo de Piedra". De riff característico, marcaria, como no, lo que  después seria la banda que formaría: Pappo´s Blues. Años después, grabado en  “Pappo´s Blues 2” bajo el nombre “Tema I” y, actualmente, es más conocido como “Hay tiempo para elegir”.
Enseguida se destaca la tranquila balada "Ni cuenta te das" . En plan experimental y deforme, podemos advertir varias pistas de la voz de Luis, por supuesto acompañada de una poesía intocable. Otras importantes cosas a destacar son la cruda guitarra eléctrica ejecutada por Spinetta y el carácter psicodélico que le brinda la flauta de Miguel Abuelo, sobre todo en la sección de guitarra acústica del final.

Muy buenos solos de guitarras podemos vislumbrar en el instrumental "Tema de Pedro". La base es bastante reiterativa pero los dulces solos de guitarra tienen el iconfundible sello Spinettiano.
"Dame , dame Pan " un tema acústico pero bien podría ser eléctrico por la naturaleza del comienzo. De pegadiza melodía es uno de los temas mas hippies del disco junto a " Ni cuenta te das", otra ves nos deleitan las flautas de Miguel en plan de improvisación.

Con "Estrella" nos deleitamos con el bocado mas experimental y hippie del álbum. Un  tema que se destaca por el trabajo de percusiones y gritos tribales. El tema sirve como una especie de preludio para uno de los temas mas hermosos de la placa: "La búsqueda de la estrella". Una canciòn de solo voz y piano ejecutado por el propio Flaco. La letra es sin igual de lo mejor de sus lineas, basta con escuchar :..."por favor tu mano alada, toda la música que cuelga suena por ti..." o magistrales enseñanzas de vida como : "Después de todo tu eres la única muralla, sino te saltas nunca darás un solo paso..."  Otro toque hippie es la picaresca "Vamos al bosque" llena de punteos improvisados, excéntricas percusiones y un estribillo muy pegadizo.

Pappo aporta guitarras en otro gran tema rockero de su autorìa: "Era de tontos". Un tema denso que nos habla del paso del tiempo y la locura. Sin duda seria la antesala de lo que vendría luego en su carrera : Pescado Rabioso. Nos deleitan los duelos de guitarras entre estos dos amigos, Pappo y Spinetta, y sin desmerecer los poderosos bombos de Pomo. Esta era la época en que nació la conocida "pelea" entre Luis y "el Carpo". Palabras del flaco acerca de la discordia, sacadas de una entrevista de Miguel Grinberg en 1977: “Le regale a Pappo mi Gibson Dow. Un modelo que no baja de los 750 dólares, sin estuche con la que compuse las canciones más hermosas que hice para “Almendra”. Desprenderme de esa guitarra era como si me arrancaran un brazo porque estaba enamorado de ella, pero era una forma de mostrarle que no existían solamente las guitarras con el volumen al mango, que así como el me había inculcado algo de esa dureza del rock pesado yo trataba  de demostrarle que existía una fuente de ternura que el no podía ignorar fue como decirle: mirá toma, no te desprendas jamás de esto para no traicionarme en tu vida, para darme tu fe aunque no tocáramos nunca juntos, aunque jamás nos viéramos pero como un acto de fé de esperanza…¿Sabes que me fui a Europa y dos días después se la ofreció a Lito Nebbia por 160 lucas??”.

"Alteración de tiempo" otro gran tema instrumental y experimental de jugetones punteos, nos demuestra como Spinetta comenzaba a ejecutar el instrumento que lo acompañaría toda su vida.
"Descalza camina" de Miguel Abuelo es quizás el tema más bello del álbum.Con una hermosura de estribillo una diáfana canción típica de su cancionero, emociona hasta erizar la piel.
Cierra el disco el loco rock n roll "Lulu toma el taxi" de 37 segundos tema que no aporta demasiado, pero tampoco esta de más.

Un gran comienzo como solista de Luis Alberto Spinetta. Luego vendría lo que ya muchos sabemos otras grandes bandas que dejarían huellas imborrables en la música argentina. Es bueno mencionar que para la compañía discográfica el LP no era lo que deseaban. En una tonta estrategia comercial el disco salió al año siguiente, ni siquiera bajo  el sello "Vik" de RCA sino bajo la etiqueta "Groove" con el provocativo titulo de"Almendra" y una foto del mismo conjunto. Este hecho enfureció a Spinetta y Rodolfo García, quienes levantaron acciones legales a RCA, ganándolas. La portada del vinilo no hacia mención alguna a los participantes del disco (salvo Spinetta , obviamente) y otro error era que todos los temas se lo acreditaban a el  siendo "Castillo de Piedra" y "Era de Tontos" de Pappo y "Descalza Camina" de Miguel Abuelo.


Lista de Temas:

1. Castillo De Piedra
2. Ni Cuenta Te Das
3. Tema De Pedro
4. Dame, Dame Pan
5. Estrella
6. La Búsqueda De La Estrella
7. Vamos Al Bósque
8. Era De Tontos
9. Alteración De Tiempo
10. Descalza Camina
11. Lulú Toma El Taxi


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jueves, 30 de enero de 2014

Carlos Gardel - Gardel Por El Mundo (Su Obra Integral Vol. 10)


Mas  y mas Gardelerias alrededor del mundo. El volumen 10, nos muestra al zorzal criollo cantando una rica variedad de estilos. Quizás como una forma de plasmar el amplio bagaje que acarrearon sus viajes. Nos deleita al cantar e interpretar diversos estilos como el "pasodoble", el "foxtrot" , el "shimmy", el "fado" portugés, la "rumba", el "pasillo" colombiano, entre otros. También interpreta entre otros clásicos, "Parlez-moi d'amour" (que la había popularizado la cantante Lucienne Boyer), por supuesto en francés.

Buena parte de las canciones nos relatan aventuras en diferentes partes del mundo a saber : El Cairo, Portugal, Valencia, Triana  entre otros tantos lugares e indefectiblemente amorios en todos estos sitios: declaraciones a gitanas ("Valencia") a una mora ("La Sulamita") y hasta canta sobre una geisha!!

Perfumando la obertura de este volumen 10 "Las flores de tu balcón" introduce a este volumen. Un hermoso "pasodoble"  compuesto por el guitarrista Fernando Catalan, aporta un sencillo pero austero trabajo de trío de guitarras. De una muy original lírica aparece de inmediato "Pero hay una melena". Un "foxtrot" que refleja la realidad femenina de la época, basta con escuchar entre sus estrofas: ..."Hoy más de una niña parece un varón, no le falta a alguna más que usar bastón, y lo que me causa, más indignación, son esas melenas que usa a lo garçón..." o ..." Más de una jamona que anda por ahí, se ha cortado el pelo para despistar y está convencida que peinada así, los hombres al verla la van a adorar..."

"Caprichosa" seguramente dedicada a una indecisa portuguesa. ¿Y que mejor que la misma oiga la replica y que resuene al compás de un "fado" de el uruguayo Froilán Aguilar ?.
Con letra de Le Pera la bellísima rumba "Por tus ojos negros ", parece plasmar el espíritu aventurero de Gardel. Es bueno destacar que la música es del director y compositor cubano Don Aspiazú.
"Mis flores negras" mas popularizada por el ecuatoriano Julio Jaramillo, es un típico ritmo colombiano: el "pasillo" , de letra muy acongojada .

El tema mas popular del volumen es quizás la reconocida "Cuando Tú no estas" de  Gardel / Marcel Lattes en música y  Alfredo Le Pera / Mario Battistella en letras. Es la época en que todos juntos componían en conjunto y en este caso la canción fue incluida en el filme "Melodía de Arrabal" estrenada en 1933.
Otra interesante historia, digna de prestarle especial atención, se devela en foxtrot "La hija de Japonesita" con letra de Ramón Montes. Relata la singular historia de una geisha sacerdotisa de Yoshiwara, hija de príncipes y huérfana, que le pide a su dios, Buda, toda su protección.



Lista de Temas:

1. Las Flores de tu balcón
2. Pero hay una melena
3. Caprichosa
4. Yo beso vuestra mano, señora
5. Por tus ojos negros
6. Mis flores negras
7. Yo nací para ti, tú serás para mi
8. Parlez-moi d'amour
9. Amor Pagano
10. Cuando tú no estás
11. Trianera
12. La Sulamita
13. Como se canta en Nápoles
14. Valencia
15. La hija de Japonesita
16. Ramona
17. Hay una Virgen
18. En un pueblito de España


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Volumen X: "Gardel Por El Mundo"

viernes, 13 de diciembre de 2013

Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)


El único album completamente navideño de un beatle. Los otros miembros ya habían grabado diversas músicas referentes a esta época del año. Tal es el caso de Paul McCartney con "Wonderful Christmastime",
"Ding Dong Ding Dong" de Harrison y  la mundialmente conocida "Happy Xmas (War Is Over)" de Lennon.

Salido en 1999 "I Wanna Be Santa Claus" es un conjunto de canciones , la gran mayoría co-compuestas con su amigo y productor Mark Hudson, entre otros. Ademas cuenta con varios importantes invitados entre ellos: Timothy Schmit (miembro fundador de los Eagles), Joe Perry guitarrista de Aerosmith o Jeff Lynne (de  la Electric Light Orchestra) participa aportando su voz en tres temas. Predomina un estilo rock n roll y country sutilmente orquestadas y claros sonidos hinduès, entre otros tradicionales navideños.

 Desde el comienzo uno de los temas que mas se destaca es la versión rockera del tradicional de 1934 "Winter Wonderland" de Felix Bernard y Richard Smith . En seguida se nos presenta la bella canción que titula al album : "I Wanna Be Santa Claus". Aquí Ringo canta con una expresión de deseo, quiere ser Santa Claus. Pero reconoce que si el lo fuera brindaría regalos todos los días del año.

La épica "The Little Drummer Boy" (El Pequeño Tamborilero) se presenta como uno de los tradicionales navideños mejor logrados (quien mejor que uno de los bateristas y percusionistas mas importantes de la historia, para emularla). La historia relata a un niño que se gana la vida con un tambor y que, no teniendo nada con que obsequiar al nuevo Mesías de la Nochebuena, decide darle una serenata con su instrumento como prueba de amor, hecho ante el cual el Recién Nacido le mira y le sonríe dándole a entender que ha comprendido la intención.

Otro gran momento es la lácrimogena "Christams Eve" de Ringo y Hudson. Una emocional balada, muy bien lograda, que nos dibuja el melancólico panorama de una navidad en soledad, con múltiples  metáforas, a cual mas desoladora.
Otro de los momentos mas importantes es "Christmas Time (Is Here Again)", un sencillo de los Beatles del año 1967  lanzada a los miembros del club de fans de los Beatles, también fue incluida años mas tarde en una recopilación de 1970 "The Beatles' Christmas Album".

El álbum cierra con una excentricidad: "Pax Um Biscum (Peace Be with You)". Un tema de carácter hindú , titulado en latín y luego cantado en varios idiomas entre ellos el español.



Lista de Temas:

1. Come On Christmas, Christmas Come On
2. Winter Wonderland
3. I Wanna Be Santa Claus
4. The Little Drummer Boy
5. Rudolph The Red-Nosed Reindeer
6. Christmas Eve
7. The Christmas Dance
8. Christmas Time Is Here Again
9. Blue Christmas
10. Dear Santa
11. White Christmas
12. Pax Um Biscum (Peace Be With You)

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Otros posts navideños de LGV:

Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)

lunes, 28 de octubre de 2013

Heurística - Amanecer (2013)


Heurística es un conjunto musical formado a fines del año 2012  en la ciudad de Mar del Plata. Con una propuesta sumamente ligada a la música de autor, con gran  influencia de excluyentes leyendas del rock argentino, tales como Luis Alberto Spinetta, Charly Garcìa o Fito Paèz. Como así también de  la música folclórica.

La banda es un proyecto del compositor, guitarrista y cantante Matias Martinez, quien años atras ya nos deleito con su primer trabajo como solista denominado "La Guitarra en La Ventana". Matias convoca a diferentes músicos de la ciudad de Mar del Plata. Así el músico logra darle otro enfoque y otro concepto de sonoridades a algunas de las composiciones ya incluidas en su trabajo solista: La Guitarra en La Ventana (2008), como así también otras nuevas co-composiciones.



Integrantes:

Matias Martinez: guitarra y voz
Victoria Ocampo: voz
Julieta Centurion: percusión
Rosario Gonsalez: violín
Joaquín Ramirez: teclados


Lista de Temas:

1. Todo Amanecer
2. La Piel
3. Avuelo de pájaro (Carnavalito)
4. Sueño 1ro
5. Al Latir
6. Marroquí
7. Congelar Un latido
8. Alma Sadica
9. Luna dime que me ha hecho
10. Plenilunio
11. Murmullo
12. La Voz

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martes, 3 de septiembre de 2013

Blues Breakers - John Mayall with Eric Clapton (1966)


El año 1966 fue significativo ya que, nos traería un álbum que ha dejado una importante huella para el blues blanco inglés y por supuesto para la toda la histora del rock and roll y el blues mundial. El multinstrumentista John Mayall con su agrupación "The Bluesbreakers" seria una de los pioneros en establecer el blues ingles durante la década del 60.

Si bien la carrera de Mayall se había iniciado ya en la segunda mitad de la década del 50 en Manchester, en pleno auge del R & R, con  agrupaciones como "The Powerhouse Four" primero y luego en 1962 "The Blues Syndicate", no tomaría especial énfasis hasta 1963, año en que impulsado por el legendario Alexis Korner formaría su mas importante agrupación: "The Bluesbreakers" en Londres. El éxito de los Bluesbreakers tendría mucho que ver con la movida que comenzaba a gestarse en Inglaterra por entonces. Bandas como The Rolling Stones, entre otras, comenzaban a hacer sus primeras armas mixturado el pop británico con el llamado "Chicago sound".

"Bluesbreakers with Eric Clapton" es un gran trabajo que tiene la particularidad de contar con la inmejorable participación de Eric "Slowhand " Clapton que aquí impone la moda de utilizar su Gibson Les Paul distorsionada a través de un amplificador Marshall (reemplazando la Telecaster y el ampli Vox que utilizaba en The Yardbirds). Formar parte de los  Bluesbreakers a Clapton le encajaba "como anillo al dedo" ya venia de abandonar a "The Yardbirds" precisamente para ahondar en su verdadero amor: el blues. También por ese entonces la agrupación estaba conformada por el gran bajista John McVie quien luego formaría Fleetwood Mac. Clapton es la guitarra principal  en todos los temas y también la voz principal de "Ramblin'on My Mind".

Gran parte de las canciones son versiones tradicionales de los viejos bluseros ídolos de Mayall. Composiciones arregladas por el mismo, salvo algunas propias y una co-compuesta con Clapton.
El álbum comienza con un gran clásico de Willie Dixon y Otis Rush: "All Your Love" de característico riff, quizás donde mas se luce la guitarra de Clapton. Luego le sigue la gran refregada instrumental "Hideway" para darle paso a la primer composición de Mayall del album: "Little Girl". Enérgica por donde se la mire, con una bonita ejecución del Hammond a cargo del propio John.

Si hay algo inobjetable en John Mayall es su originalidad en aflorar los mejores arreglos de bluses tradicionales, son los casos por ejemplo del tradicional "Another Man" y el "What'd I Say" de Ray Charles. En la primera, toca y canta Mayall con su armónica. Compuesta por tres frases repetidas cinco veces y el único acompañamiento que tiene son las palmadas de los otros músicos. La segunda con un espíritu de "Jam session" con un genial acompañamiento de órgano Hammond en el comienzo, que deriva en un impresionante solo de batería desembocando en un genial riff de Clapton de "Day Tripper" de Los Beatles.

De composición Clapton/Mayall aparece el suculento blues "Double Crossing Time", nuevamente con solos de Clapton que nos demuestran por que en las calles londinenses comenzaban a vislumbrarse pintadas las paredes con la clásica leyenda "Clapton is God". No podemos dejar de mencionar, tampoco los excelentes arreglos de vientos, particularmente los bellos tonos del saxo de Alan Skidmore en "Have you heard ", enorme blues de Mayall. Otro momento importante es la versión del clásico de Robert Johnson "Ramblin' on my mind", primer tema de la carrera de Clapton como voz principal.

También conocido como "The Beano Album" (por que Eric Clapton esta leyendo dicho comic en la portada del vinilo) es un maravilloso disco, esencial para la historia del blues y el rock n roll, encausaría la carrera de Clapton poco después hacia la revolucionaria banda Cream junto a Jack Bruce y Ginger Baker. Por su parte Mayall seguiría experimentando  con un blues más acústico (más hippie) y diversos sonidos junto a los Bluesbreakers. Durante los años 70 , también incursionaría  con la fusión del blues con el jazz, como así también con el funk y el soul. Muchos lo apodarían, luego como "El Camaleón del Blues". El bajista John McVie discos después se marcharía junto al baterista Mick Fleetwood y el gran guitarrista Peter Green (también integrantes de los Bluesbreakers, tras irse Clapton) para formar el primer Fleetwood Mac (el más blusero).



Personal:

John Mayall: voz principal, hammond, guitarra, armónica
Eric Clapton: voz principal, coros, guitarra
John McVie: bajo
Hughie Flint: batería
John Allmond: saxo barítono
Alan Skidmore: saxo tenor
Dennis Healey: trompeta
Gus Dudgeon: ingeniero de sonido
Mike Vernon: productor



Lista de Temas:

1. All Your Love (Willie Dixon/Otis Rush)
2. Hide Away (Freddie King/Sonny Thompson)
3. Little Girl (Mayall)
4. Another Man (arr. Mayall)
5. Double Crossing Time (Clapton/Mayall)
6. What'd I Say  (Ray Charles)
7. Key to Love (Mayall)
8. Parchman Farm (Mose Allison)
9. Have You Heard (Mayall)
10. Ramblin' on My Mind" (Robert Johnson/Tradicional arr. Mayall)
11. Steppin' Out (James Bracken)
12. It Ain't Right (Little Walter)


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