viernes, 6 de mayo de 2016

Little Feat - Little Feat (1971)


Otra de las tantas bandas que pasaron desapercibidas durante los primeros años de actividad, es decir, fines de los 60. Y que sin embargo fue una de las mas grandes del rock americano de las décadas venideras, sobretodo la de los 70.

Los comienzos de Little Feat se ven estrechamente relacionados a la ciudad de Los Angeles, a esa oleada de bandas de la costa este y como no podía ser de otra manera a Frank Zappa que por ese entonces comandaba a sus Mothers Of Invention. Fundada por el cantante, compositor, especializado en la guitarra slide, Lowell George y el bajista Roy Estrada ambos provenientes de The Mothers of Invention. Completaban el cuarteto los teclados Bill Payne (quien solo habia audicionado para The Mothers) y el baterista Richard Hayward. Difícil es de describir el rock de Little Feat, su estilo por demás variado a través de sus álbumes, desde el boogie, el country y las canciones de folk sureñas, el jazz y hasta el funk, mezclado, como no, con el eterno R&B. Sus letras son de carácter urbano y otras llenas de ironías con toques de surrealismo. Desde sus comienzos, siendo una banda de escasa experiencia, intentaban caracterizarse por un sonido enérgico y a la vez elegante. De ahí el nombre de la formación, sugerencia de Jimmy Carl Black, baterísta de Mothers of Invention, "Little Feat" que significa “piecitos” o "pequeños pies" pero que, literalmente, significa "pequeñas hazañas". Esta formación prevalecería durante los dos primeros trabajos, "Little Feat" (1971) y "Sailin’ Shoes" (1972). Estos dos primeros respetaban la tradición con un sonido country, bluses y buenas dosis de boogie .Vale destacar que en "Sailin’ Shoes" ya el sonido esta mucho mas afianzado sobre todo en los bluses, y la guitarra de George mas afianzada, gran ejemplo de ello es el excelente "A Apolitical Blues". A partir de su tercer LP "Dixie Chicken" de 1973 la banda comienza a cambiar y a adicionar un sinnúmero de músicos, hasta su actividad que llega a los días de hoy y también comienzan a implementar otros estilos como el funk y el soul. En ese disco Roy Estrada los deja para unirse a la Magic Band de Captain Beefheart. Little Feat se quedaba como sexteto, con la llegada del bajista Kenny Gradney, el percusionista Sam Clayton y el guitarrista Paul Barrère, quien además aportó otro concepto desde la composición. Sin embargo la calidad del sonido de la banda que comenzaba a demostrar una buena evolución, no supuso un éxito a nivel comercial. Este factor incidió bastante en el estado de animo de la banda. Lamentablemente y sobretodo en Lowell George. Estas razones, sumado a las dudas por parte de Warner Bros en renovarles contrato discográfico, lograron que a finales de 1973 la banda estuviera al borde de la separación. En un ultimo esfuerzo y con fortuna lograron apartar diferencias y se reunieron en Maryland para grabar un cuarto álbum con un titulo como de "manotazo de ahogado" o bien una epifanía "Feats Don’t Fail Me Now". ("Pies/hazañas, no me fallen ahora"). El álbum tenia un nuevo sonido y una nueva consistencia diferente a los tres anteriores. Little Feat se caracterizaba por su fuerte prescencia esenica con sus bien logradas zapadas, este album logra capturar ese espiritu (en el medley "Cold Cold Cold/Tripe Face Boogie") y ademas otorga aportes mas funkies por parte de Payne en caciones como "Rock and Roll Doctor", "Oh Atlanta" y "Spanish Moon". Este álbum seria un punto de inflexión en su popularidad ya que pese a no ser superior a su tridente inicial, los superaría paradojicamente en las ventas. A principios de 1975 emprenderían  una gira europea, organizada por su compañía discográfica, junto a bandas Montrose, Tower of Power, Graham Central Station y The Doobie Brothers. A partir de ese periodo Little Feat no volvería a ser el mismo.

El debut de Little Feat es con uno de sus discos mas frescos y enérgicos registrados en su carrera. Una rockera introducción con "Snakes on Everything" de Payne se deja acariciar por unos lindos arreglos de bronces a cargo del músico de sesión Kirby Johson. En "Strawberry Flats" Lowell George hace una descripción de lo que bien seria la típica vida del rocker: "Haven't Slept in a Bed For a Week And My Shoes Feel Like They're Part of My Feet ..." ("No he dormido en una semana y mis zapatos se sienten ya parte de mis pies..."). Canciones como "Truck Stop Girl" la historia de amor de un camionero con la "chica de la parada" o "Willin´" las letras, hablan de temáticas sobre la vida en las carreteras. Por ejemplo "Willin´" todo un clásico de Little Feat, que luego seria un himno de George, trata de un contrabandista que trafica drogas a través de la frontera con México. Lowell George se pone en la piel de este camionero que se presenta a si mismo y enumera algunas localidades por donde se manejaba: "Anduve de Tuscon a Tucumcari, Tehachapi a Tonapah manejé todas las marcas de camiones que se hayan fabricado...y si me das hierba, polvos blancos y vino y me haces una seña yo estaré dispuesto a seguir viaje..." la canción en si es de aires countrys con la base de guitarra ejecutada por George, y decorada con la slide guitar del gran Ry Cooder amigo de George quien contribuyo como invitado en el disco. Pese a la espontaneidad y el muy buen clima que se logró en la grabación, al parecer a George no lo dejo del todo satisfecho, ya que en el siguiente LP "Sailin' shoes" se reversionaria. La canción ya habia sido compuesta por el guitarrista en la época de The Mothers of Invention. La leyenda cuenta que "Willin´" fue la responsable de la salida de George de The Mothers. Una versión cuenta que al mostrársela a Frank Zappa que sintió una amenaza para su talento, decidiendo excluirlo de la banda. Otra que al incurrir en las drogas lo que no gustó a Zappa y le invitó a dejar la banda.

De George y Roy Estrada "Hamburger Midnight", de los momentos mas potentes del álbum. Pero no podemos dejar pasar el medley "Forty Four Blues/How many more years" de presencia blusera impecable, una vez mas con Cooder en la slide guitar. La primera "Forty Four Blues" o "Forty Four" ya había sido popularizada por Howlin' Wolf en 1954. Tampoco puede faltar tiempo para las baladas, buen ejemplo son la épica "Brides of Jesus" o la romántica "I've Been the One" composición integra de George. "Takin' My Time" demuestra el nivel de composición de Payne con buenos trabajos de teclados y mas que acertados arreglos de cuerdas. Cerrando el LP "Crazy Captain Gunboat Willie" con alta influencia de la psicodelia inglesa y magníficos arreglos de vientos, deja una muy buena impresión para el debut discográfico de la banda.

A partir de el año 1975 debido a algunos excesos típicos de aquellas épocas y a raíz de algunos trabajos de producción y como músico de sesión, hicieron que Lowell George tuviera un rol no tan importante como hasta entonces dentro de Little Feat. Así, entonces gran parte de la tarea de composición quedo a cargo de Payne y Barrère, pero igualmente George siguió siendo el emblema de la banda hasta su muerte. El álbum "The Last Record Album" (1975), con buena recepción de la crítica, obtuvo un discreto éxito de ventas y entró en las listas americanas e inglesas. "Time Loves A Hero" de 1977 vería a Lowell George contrayendo una hepatitis, y así con menos participación aun en la cocina del disco. Sin embargo hay quienes coinciden que este trabajo, con la producción de Ted Templeman, alcanza la cumbre de la sofisticación en el sonido de la banda. En 1978 George regresaría a la banda y gracias al buen sostén de material en vivo de las giras de los últimos años, registran el doble "Waiting for Columbus". Luego de producir "Shakedown Street" (1978) de los Grateful Dead, llega 1979 y a la par de su proyecto solista "Thanks I'll eat it here" comienzan a grabar "Down On The Farm" que se vería interrumpido por su muerte a raíz de un paro cardíaco, el 29 de junio de 1979. Tras su muerte los demás integrantes del grupo concluyeron la grabación de "Down On The Farm". Bill Payne declararía con conmovedora emoción: "Sin Lowell George no somos Little Feat", dejando mas que clara la eminente disolución de la banda, y dando un verdadero punto final a una era. En 1981 se publicó "Hoy-Hoy!", doble álbum grabado parcialmente en directo y con varias canciones inéditas. En 1987, tras trabajar en varios proyectos individuales, Little Feat anuncia su retorno al rock n roll. Registran el excelente álbum "Let It Roll" de 1988 con producción del propio Bill Payne y con una nueva incorporación Craig Fuller acordeonista y multinstrumentista, quien formaría parte de la banda en sus siguientes trabajos: "Representing The Mambo" (1990) y "Shake Me Up" (1991). En 1993 Fuller seria reemplazado por el vocalista Shaun Murphy. Little Feat registraría varios trabajos mas en estudio como así también estupendos registros en vivo como el doble "Live From Neon Park" (1996). En 2009 habría un nuevo receso por la muerte de el baterista Richard Hayward. Tras mas cambios de formación la banda presenta, después de nueve años, lo que seria hasta hoy su ultimo disco de estudio, "Rooster Rag" de 2012. Tras idas y venidas Bill Payne anuncia en 2014 que vuelve a Little Feat de manera permanente, también presta sus teclados a The Dobbies Brothers en una gira de 2015. En el presente, la banda sigue en actividad, pese a la lucha de el guitarrista Paul Barrère contra el virus de la hepatitis C. Actualmente Little Feat esta integrada por Bill Payne (voz y teclados), Paul Barrere (voz y guitarra), Sam Clayton (congas, voz y percusión), Kenny Gradney (bajo), Fred Tackett (guitarra, mandolina, trompeta y voz) y Gabe Ford (bateria y coros).


Lista de Temas:

1. Snakes on Everything
2. Strawberry Flats
3. Truck Stop Girl
4. Brides of Jesus
5. Willin'
6. Hamburger Midnight
7. Forty Four Blues / How Many More Years
8. Crack in Your Door
9. I've Been the One
10. Takin' My Time
11. Crazy Captain Gunboat Willie


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viernes, 29 de abril de 2016

Carlos Gardel - Cuídense Porque Andan Sueltos (Su Obra Integral Vol. 13)


Decimotercera entrega de la obra integral del zorzal criollo. Una vez mas ahonda en una temática típicamente relacionada a la poética y a las armonías del mundo del tango y sus vertientes.
"Cuídense por que andan sueltos" es un desfile de personajes funestos facilmente reconocibles. Chantas, vagos, cirujas, fanfarrones, ladrones/as, gigolós y muchos mas se exhiben por las vidrieras de esta entrega.

Enseguida nos cautiva el excelente tango "Chorra" de Enrique Santos Discépolo en letra y música. Tango que luego también cantado por Edmundo Rivero, cuenta la particular historia de lo que podría ser una  "cama": ... "chorra...tus rebusques de mujer...Hoy me entero que tu mama "noble viuda de un guerrero", ¡es la chorra de más fama que ha pisao la treinta y tres!... Y he sabido que el "guerrero" que murió lleno de honor, ni murió ni fue guerrero. Entre todos me pelaron con la cero, tu silueta fue el anzuelo donde yo me fui a ensartar. ¡Chorros! Vos, tu vieja y tu papá...". La historia ideada en la cabeza de Discépolo se sabia que no esta basada en hechos reales. Sin embargo cuenta la leyenda que un carnicero del Mercado del Plata pensó lo contrario, lo que le llevo el susto de su vida. El compositor estaba un día en la esquina del mencionado mercado, cuando se le acercó un hombre alto y fortachón con delantal de carnicero y una gran cuchilla en la cintura, que sin vueltas le pregunta: ¿Usted es Discépolo?. Si señor, le responde Enrique, a lo cual el carnicero increpó: ¿Quién le contó a usted lo que me paso con la sinvergüenza de mi mujer…y además quien le dijo que podía contárselo a toda la ciudad?”. Ante este sobresalto, Discépolo intentaba explicarle de la manera mas cordial posible que su historia era inventada, pero el carnicero de repente lo sorprende y al borde del llanto, le comenta: “Gracias a usted me he vengado amigo, usted dijo la verdad y ahora todos saben lo mala que esa mujer fue conmigo, gracias”.

Como varias de sus composiciones de clara prosa gauchesca, Francisco Brancatti le pone letra a un reconocido tango de 1930 de Rafael Rossi que luego también seria interpretado por Julio Sosa y por Roberto Goyeneche años mas tarde, "Contramarca". Este tango esta literariamente construido sobre una metáfora que asemeja la "contramarca", o segunda marca del ganado, con el hecho de que una mujer abandone a un hombre por otro y pretenda luego retornar junto al primero. Sin embargo, tranquilamente parece también comparar a esa marca con la herida del clásico "facón" (cuchillo): "China cruel!...A que has venido?. Que buscas en este rancho?. Si pa' mí fuiste al olvido y vive ya más ancho mi gaucho corazón y esa flor que mi cuchillo te marcó bien merecida...".
Algo parecido ocurre en el inigualable tango "De puro guapo" de Rafael Iriarte y Juan Carlos Fernández Díaz que nos describe literalmente un asesinato en medio de lo que parece ser un salon de baile. Un tango de casi tres minutos que no deja captar nuestra atención ni un solo minuto por el suspenso de los hechos relatados. Bastará con oir entre sus lineas: "En medio del conventillo se ha parado un compadrito... Nada le importa que allí se baile, él a bailar no ha venido, busca a aquella que lo ha herido en medio del corazón..." Mucho tuvo que ver Gardel con la creación de este tango. Amigo tanto del compositor de la música, el guitarrista Rafael Iriarte como del letrista Juan Carlos Fernández Díaz. Cuenta este ultimo que conoció a Gardel en el Teatro Nacional presentado por Rafael Iriarte a quien conocía de hace años. Hablaban de la grabación de un tango cuando el mismo se hizo presente cumpliendo una cita con el guitarrista para ir a jugar una partida de billar. Fue, pues, una casualidad. Le recitó la letra de “De puro guapo” que no tenía música y Carlitos le pidió a Iriarte que se la pusiera porque quería cantarla, pues le gustó mucho.

Con "Muñeca Brava" Enrique Domingo Cadícamo introduce en el lunfardo (y así enriquece nuestro lenguaje para siempre) los denominados llamados galicismos del francés, como "madame", "frapé", "gigoló o "biscuit". Diferentes conceptos podemos tener sobre la palabra "muñeca" ya que en el diccionario de la lengua española hace alusión como a una mozuela frívola y presumida. Y en Argentina es sabido que refiere a una mujer hermosa. En este tango, ambos conceptos vienen como anillo al dedo. Otro aspecto o innovación a destacar entre la lírica de Cadícamo es que adaptó el Trianón del Paque de Versalles a Villa Crespo del "Negro Cele" donio Esteban Flores. Los Trianónes franceses fueron unas mansiones reales. La primera construida por Luis XIV y la segunda por Luis XV; un Trianón grande y otro pequeño (éste ultimo fue el preferido de María Antonieta). A los argentinos nos parece común escuchar esos galicismos y mas aun en los tangos, inclusive sin conocer su significado. Entonces se encargó de reemplazar por ejemplo:  "mina" por "madame", "frío" por "frapé", "proxeneta" o "caralisa" por "gigoló" y "galleta" por "biscuit", o bien, de utilizar distintas palabras por rima o para evitar repeticiones o enriquecer el idioma. Luego está la palabra "Che" que demuestra  la influencia de otros idiomas en el español que se habló en nuestro país desde antiguo. Por estudios de el poeta del lunfardo José Gobello que descubre citas en el antiguo castellano. También se afirma que el primero en emplear "Che" fue Esteban Echeverria en su obra "El matadero". En la lengua araucana, "che" significa "hombre", "gente", aunque solamente se emplea como sufijo: por ejemplo, en tehuelche, "hombre del sur". Che pertenece al país, pero particularmente al sur de él y al sur de la provincia de Buenos Aires y, asimismo, a algunas regiones de España, como Valencia.

La congoja desmesurada de otro gran tango "Como abrazado a un rencor" describe un dolor y una confesión sin precedentes. La letra de Antonio Podestá parece presentarse como el epitafio de un malviviente. Sigue el desfile de personajes en "Cara Rota" el típico muchacho que vive "de arriba" o la trepadora de "Cachadora" (aquí se utiliza una vez mas otro galicismo como "voiturette" para hacer referencia a un automóvil deportivo descapotable). 
"Mala entraña", tango escrito por el Negro Celedonio Flores en 1927, con música del compositor afroargentino Enrique Maciel tuvo sus gratas grabaciones de por ejemplo Juan Carlos Godoy, Claudio Bergé, Rubén Juárez y dos veces por el gran Edmundo Rivero (una con guitarras y otra orquestada). Fue estrenada por Gardel el 21 de junio 1927 con guitarras de Ricardo y Barbieri. El personaje de este tango es un reo, hombre de la noche, del llamado "universo del barrio de Flores" con cierto prestigio por su pinta o por su facha. Esta dicotomía se vuelve a presentar cuando luego en la segunda estrofa se canta: ... "Mezcla rara de magnate, nacido entre el sabalaje, vos sos la calle Florida que se vino al arrabal. Compadrito de mi barrio que sólo cambió de traje, pienso siempre que te veo tirándote a personaje, que sos un mixto jaulero con berretín de zorzal”. De allí esa relación o ese contraste entre el arrabal y Florida, el arrabal reo y popular y la calle Florida elegante y discreta. Y como no podía faltar otro elemento constante en la letras tangueras: la madre. La madre, está presente, aunque esta vez el personaje no se quiebra ante su "santa viejita", por el contrario, su muerte no altera en lo más mínimo, su expresión es helada, indiferente. Así y todo vale mencionarlo por que su dureza rompe con ese estereotipo.

Otro gran aporte de Cadícamo es "Compadrón", la letra juega con unas lindas rimas en su estribillo: "Compadrón, cuando quedes viejo y solo (¡Colo!) y remanyes tu retrato (¡Gato!)...". El "compadrón" era el podio mas bajo de los tres términos "compadre", "compadrito" y "compadrón". Estas son algunas apreciaciones de la interesante reseña de el escritor Marcos Aguinis, en "El atroz encanto de ser argentinos", sobre estos tres personajes y del "malevo".
El compadre era el hombre prestigioso por su coraje y su mirada. Muchas veces aparecido en obras de Jorge Luis Borges, el compadre era una especie de héroe que actuaba al margen de la policía resaltaba la contradicción que parecía existir entre las leyes oficiales y su aplicación deforme. Siempre vestía de negro con pañuelo blanco con la inicial bordada y una chalina de vicuña sobre los hombros. Obviamente que su arma era el facón que mantenía bajo la ropa, pero en actitud de alerta. Despreciaba el trabajo, al igual que el hidalgo, el conquistador y el gaucho.  Se batía a muerte si le miraban a su mujer. Se contorneaba al caminar, evocando el minué (paso que modernizó e incorporó al tango). Aventaba la ceniza del cigarrillo con la uña del dedo meñique, con afectación de gentil hombre. Era normal que alquilara sus servicios a algún partido político y realizaba las tareas encomendadas, con total lealtad. Generalmente vivía sólo y era tan parco para hablar, que generaba miedo, además de incógnita. El "compadrito" era una disminución del anterior. Mientras que el compadre se esforzaba por mantener una imagen leal, pulcra y justiciera, el compadrito utilizaba un lenguaje vil y con aires de fanfarrón o "chanta"; se desvivía por hacerse notar: exageraba sus ademanes y su vestuario. Al momento de la pelea elegía siempre hombres que no sabían pelear, generalmente bien vestidos, a quienes envidiaba, considerando que al humillarlos en la disputa, aumentaría su prestigio. Cuando caía en apuros no dudaba en desenfundar el revólver, actitud de miedoso que jamás hubiera protagonizado el compadre. Para ganar dinero no alquilaba sus servicios al comité político, donde había riesgo y lealtad, sino que prefería el camino más cómodo y seguro de convertirse en "cafiolo" o rufián: conquistaba y sometía a dos o más mujeres, que trabajaban para él; a veces se enamoraba de una e ellas. El "compadrón" ocupaba un peldaño más bajo aún; era ventajero, cobarde y desleal. Ganaba dinero como soplón de comisarías. Traicionaba a su familia, sus amigos y su barrio por una moneda. Empilchaba hasta el grotesco y voceaba virtudes inexistentes; la mentira era su constante. El "malevo" representaba la degeneración absoluta; ni siquiera su nombre deriva de la raíz padre o compadre, como los anteriores. Abusaba de mujeres, niños, viejos y cuanto ser débil se cruzara por su camino. Huía ante la amenaza de una pelea; se burlaba de los que se asustaban cuando llegaba la policía a un conventillo, pero se escondía a la hora de la requisa. Era un indeseable en todos lados, salvo en los sainetes, único sitio donde se lo quería porque hacía reir.

El humor en el tango estuvo siempre presente, como para recordarnos que no todo es tristeza, melancolía, dolor y frustración. Por nombrar algunos nos encontramos al tango “Al mundo le falta un tornillo” de Cadícamo y J. M. Aguilar o “Qué vachaché”, “Qué sapa señor” y por supuesto “Cambalache” todas de Enrique Santos Discépolo. "Haragán" un tango de 1928 de Enrique Delfino y Manuel Romero, es uno de los mas graciosos jamas registrados. En su letra amalgama sátira y humor, cuando describe a una mujer “tirándole la bronca” a su pareja, que no quiere “laburar”. Entre sus lineas mas graciosas: "Haragán, si encontrás al inventor del laburo, lo fajás..." o "El día del casorio dijo el tipo'e la sotana: "El coso debe siempre mantener a su fulana... Y vos interpretás las cosas al revés, ¿que yo te mantenga es lo que querés? Al campo a cachar giles, que el amor no da pa' tanto. A ver si se entrevera, porque yo ya no lo aguanto... Si en tren de cara rota pensás continuar, "Primero de Mayo" te van a llamar.".


Lista de Temas:

1. Chorra
2. Farabute
3. Contramarca
4. Cualquier cosa
5. De puro guapo
6. Fayuto
7. Muñeca brava
8. Como abrazado a un rencor
9. Cara rota
10. Cachadora
11. Mala entraña
12. Compadrón
13. La mentirosa
14. Haragán
15. Aquel tapado de armiño
16. Machete
17. Incurable
18. El ciruja

Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"

martes, 8 de diciembre de 2015

38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)


Como consecuencia de la explosión del denominado "rock sureño" en la década de los 70´s en la historia del rock, en EE.UU., bandas como The Allman Brothers Band, Marshall Tucker Band, The Outlaws, Molly Hatchet, Blackfoot, Black Oak Arkansas o Lynyrd Skynyrd vieron su gran expansión. Sobre toda esta ultima, liderada por el ya difunto y legendario Ronnie Van Zant con sus dos grandes trabajos debut, "(Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd)" (1973) y "Second Helping" (1974) alcanzaron gran popularidad en EEUU y UK. No era extraño entonces que a raiz de aquel exito y siguiendo los pasos de su hermano mayor, Donnie Van Zant, formara en 1974  esta interesante agrupación, 38 Special en Jacksonville, Florida, junto a su amigo de la juventud el guitarrista Don Barnes. Completaban aquella primer formación el guitarrista Jeff Carlisi, el bajista Ken Lyons y los bateristas Jack Grondin y Steve Brookins. Consumado su contrato discográfico con la importante A&M Records en 1977 graban su primer álbum homónimo y al año siguiente "Special Delivery". El bajista Lynons deja la banda tras las grabaciones del siguiente LP "Rockin' Into the Night" (1979), siendo reemplazado por Larry Junstrom. El sonido de este tercer trabajo se inclina mas a lo melódico a diferencia del sus dos predesesores que exponen al máximo la cepa autentica de este denominado "rock sureño". "Rockin Into the Night", marcaría la tendencia de aquel sonido en los años 80´s de la banda que fue un rock mas emparentado al "Arena rock" o el "rock de estadio" o el "rock industrial" si se quiere pero sin apagar, por supuesto, su llama sureña. Discos como "Wild-Eyed Southern Boys" (1981), "Special Forces" (1982) y "Tour de Force" (1984) gozaron de un gran éxito, llegando a disco de platino el primero. En los 90´s Barnes vuelve a 38 Special y tras un sinnúmero de cambios en su formación, la banda registra álbumes como "Bone Against Steel"(1991) y "Resolution"(1997).

Para la grabación de este conceptual navideño, "A Wild-Eyed Christmas Time", los 38 Special canalizaron el espíritu navideño de varios de los tradicionales villancicos junto a otras composiciones propias con esta misma temática, a través de la salvaje impronta del rock sureño.
Uno de los clásicos mas populares de todos los tiempos se abre paso con "Jingle Bell Rock". Versión de aquella canción grabada por vez primera por el cantante de country Bobby Helms en 1957, compuesta por Joseph Carleton Beal y James Ross Boothe, tantas veces versionada por un sinnúmero de artistas. La letra de la canción original fue pensada en un principio para parodiar al archiconocido standar navideño "Jingle Bell" y hace alusión al clásico del rock n roll "Rock Around the Clock" de Bill Haley y sus Cometas. "Here Comes Santa Claus" otra tradicional del "vaquero" Gene Autry, grabado por varios artistas (desde Elvis Presley, Bing Crosby, Bob Dylan, Chicago, pasando por Billy Idol, Mariah Carey, y muchos mas). Este compositor debe su fama por interpretar sus canciones vestido como un cowboy en TV, películas y radio. Autry se inspiró para componer la canción encontrándose en Hollywood cuando montaba su caballo durante el clásico desfile "Santa Claus Lane Parade", (actualmente llamado "Hollywood Christmas Parade"), cuando la multitud enardecida comenzó a gritar: "Aquí llega Santa Claus!!!!".

Aquella hermosa historia de "el pequeño tamborilero", "The Little Drummer Boy", otro villancico infaltable hace su debida presentación. Esta vez bañada en sintetizadores. De entre las composiciones propias de la banda, brillan "Hallelujah, It's Christmas!", la balada en plan romántico "It's Christmas and I Miss You" pero sobre todo la que titula al álbum, la festiva y ardiente "A Wild-Eyed Christmas Night". Otro lindo momento es "That Old Rockin Chair" una especie de mirada omisciente sobre la tranquilidad de los tiempos de navidad desde una vieja silla mecedora. De el mas que famoso binomio compositivo Jerry Leiber/ Mike Stoller, la banda se dá el gusto de reversionar a la cruda y salvaje "Santa Claus is Back in Town".

La mas que erizante "O Holy Night" es una cita continua en esta clase de álbumes y por supuesto otra que tiene fieles adeptos a la hora de interpretarse. Es sin dudas uno de los momentos mas estremecedores del álbum. Mas que acertada la voz de  Donnie Van Zant que por momentos sabe bien acompañarse por los coros de Barnes y Capps. Había sido compuesta por Adolphe Adam y su letra originaria en francés escrita por Placide Cappeau. Hace alusión a aquella noche Divina del nacimiento de el niño Jesus. La historia cuenta que a finales de 1843 el organo de la iglesia del pueblo de Roquemaure de donde era nativo Cappeau, era renovado. Con motivo de esto, algunos de los habitantes pidieron al poeta que escribiera un poema Navideño. Lo verdaderamente extraño y mas analizando su letra, era que Cappeau era ateo, no profesaba ninguna religión. Finalmente en 1847 con la música de Adam lista, fue estrenada en la voz de la cantante de opera Emily Laurey.

Barnes demuestra el buen uso de la mandolin guitar en el final del disco con otro conocido villancico folk de origen ingles. Uno de los mas antiguos que data del siglo XVI, en su versión instrumental, tal como también la interpreto la banda Jethro Tull alguna vez. El villancico en cuestión se resume a un pasaje de "Un Cuento de Navidad" de Charles Dickens: ..."Al primer sonido de: `Dios te bendiga´, alegres caballeros, no tendrán ninguna consternación... Scrooge (personaje ficticio del cuento) se ha apoderado de la ley con tal energía que el cantante huyó aterrorizado, dejando el ojo de la cerradura en la niebla e incluso con heladas mas que agradables..."

Siendo este su trabajo numero 14, 38 Special grabó solo un trabajo mas de estudio en 2004 "Drivetrain" y en 2011 el directo "Live From Texas". En el año 2012 sale a la luz la noticia de que Donnie Van Zant abandonaría la banda tras 39 años, debido a un problema en los nervios del oído interno. La voz principal quedaría por parte del guitarrista Don Barnes. De todas formas Van Zant sigue bien de cerca el mundo del "rock sureño" aportando ideas y letras para la banda y se divierte apareciendo en algún que otro concierto de Lynyrd Skynyrd, banda que como dato curioso tiene como cantante actualmente a otro Van Zant, Johnny el menor de los tres hermanos.



Personal:

Don Barnes - guitarras, mandolina, voces
Bobby Capps - teclados, voces
Danny Chauncey - guitarras, teclados
Scott Meeder - bateria
Donnie Van Zant - voz principal




Lista de Temas:

1. Jingle Bell Rock (Beal, Boothe)
2. Here Comes Santa Claus (Gene Autry, Haldeman)
3. The Little Drummer Boy (Davis, Onorati, Simeone)
4. Hallelujah, It's Christmas! (Barnes, Chauncey, Van Zant)
5. It's Christmas and I Miss You (Barnes, Peterik)
6. A Wild-Eyed Christmas Night (Peterik)
7. That Old Rockin Chair (Chauncey, Van Zant)
8. Santa Claus Is Back in Town (Jerry Leiber, Mike Stoller)
9. O´ Holy Night (Tradicional)
10. God Rest Ye Merry Gentlemen (Tradicional)

jueves, 19 de noviembre de 2015

David Gilmour - Rattle That Lock [Deluxe Edition] (2015)


A sus 69 años de edad el legendario guitarrista, cantante y compositor de Pink Floyd, David Gilmour, publica su cuarto álbum solista de estudio "Rattle That Lock". La gira de presentación del mismo, "Rattle That Lock Tour (2015–2016)" lo traerá por primera vez a la Argentina,
el 18 de diciembre de este año.

Casi diez años pasaron de su anterior álbum como solista, el aceptable "On an Island" (2006). En medio, un trabajo con la agrupación de música electrónica enfocada al "ambient house", The Orb : "Metallic Spheres" (2010). Salido en septiembre de 2015 "Rattle That Lock" ha cosechado criticas tanto favorables como no, dentro de los fans. Lo cierto es que es un disco un tanto alejado a lo que es su material como solista, iniciado a finales de los años 70´s con "David Gilmour" (1978), e incluso a los de Floyd. Pese a la relevancia dentro de la escena musical que tiene el guitarrista, el disco puede que tenga algún que otro altibajo. No terminan de cerrar la cohesión entre algunos pasajes entre su inmortal prog rock de clara raíz blusera, y su nuevo enamoramiento con en el jazz clásico. Si no fuera por esto, podríamos decir que en gran parte de las composiciones falta ese "factor sorpresa". En lineas generales es una placa con un concepto de tinte oscuro, por su estado general de melancolía, como así también por la temática de sus letras y el artbook del disco. Bien puede tratarse de un tema más que recurrente dentro de el prog rock, el paso del tiempo, la nostalgia hacia los tiempos de la juventud, reflexionando desde la edad madura.

Su pasado (terminado?) Floydeano se hace valer ya desde la introducción del álbum con "5 A.M." Canción instrumental que parece extraída del mismísimo "The Division Bell". Esta esencia intimista del comienzo fluye al mas puro estilo Pink Floyd hasta parir la canción que titula al álbum "Rattle That Lock". Un rock básicamente bailable con coros femeninos, de estilo rítmico que recuerda a el clásico "Money". Nada del otro mundo, pero la candidez  y certeza de sus solos le dan cierta identidad interesante, por supuesto. Cuenta con la participación de The Liberty Choir y las cantantes Mica Paris y Louise Marshall. El áurea melancólica prosigue, en "Faces of Stone", sobre todo en la introducción, para pasar a una base acústica bien lograda. Una canción cambiante con orquestaciones por momentos y otra vez están allí sus sutiles solos.

El momento de su infaltable y clásica steel guitar no podía faltar: "A Boat Lies Waiting". Pasajes de suaves pianos contienen el clímax de un bote navegando, con interesantes voces superpuestas. El clásico blues de David se manifiesta en "Dancing in Front of Me", donde intenta un cambio de estructuras, incluyendo una temática jazzera en un tramo. Algo que se respirará mas adelante en el álbum. Otra composición para no menospreciar es "In Any Tongue", intensa sin perder la tonalidad oscura predominante del álbum. Lo que había comenzado como un coqueteo con el jazz en "Dancing in front of me" en "The Girl in the Yellow Dress" acabaría como romance. Quizás uno de los mejores momentos del disco sea la gigante "Today" (el otro corte de difusión que salió junto al homónimo). Aquí si que nos quitamos el sombrero, a pesar de parecer otro flash back a los tiempos de "The Division Bell".

Fue coproducido con Phil Manzanera (Roxy Music), quien también aporta guitarras y teclados. Polly Samson (esposa de Gilmour), quien se destaca también como letrista, se encarga de la mayoría de las letras y adiciona piano y voces. Ya había contribuido con algunas de sus lineas para el ultimo disco de Pink Floyd "Endless River" de 2014. Otros invitados de renombre son los legendarios David Crosby y Graham Nash quienes aportan coros en "A Boat Lies Waiting"  y el buen amigo de David, Robert Wyatt (Soft Machine) quien ejecuta la corneta en "The Girl In The Yellow Dress". El arte de tapa a manos Dave Stansbie para The Creative Corporation. Aunque tenga un claro tono gris como la atmósfera melancólica de gran parte de las canciones, la portada nos deja un sabor esperanzador. La idea de una bandada de pájaros, en su mayoría negros, que salen en libertad desde su jaula, da la impresión que el guitarrista quiere soltar el pasado, sin mirarlo con resentimientos .

Un dato significativo es que las primeras notas de la canción "Rattle That Lock" fueron compuestas por Michaël Boumendil. Estas son las que preceden los anuncios de las estaciones de tren francesas que Gilmour grabó con su iPhone en la estación de Aix-en-Provence. Esta edición deluxe contiene cuatro tracks adicionales. Tres versiones diferentes de la canción "Rattle That Lock", entre ellas una versión con una mezcla techno para la juventud, y la versión orquestada de "The Girl in the Yellow Dress"


Lista de Temas:

1. 5 A.M.
2. Rattle That Lock
3. Faces of Stone
4. A Boat Lies Waiting
5. Dancing Right in Front of Me
6. In Any Tongue
7. Beauty
8. The Girl in the Yellow Dress
9. Today
10. And Then...

Bonus Deluxe Edition:

11. Rattle That Lock (Extended Mix)
12. The Girl in The Yellow Dress (Orchestral Version)
13. Rattle That Lock (Youth Mix - 12" Extended Radio Dub)
14. Rattle That Lock (Radio Edit)


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miércoles, 21 de octubre de 2015

Alejandro Del Prado - Los Locos De Buenos Aires (1984)


Alejandro Del Prado es otro importante cantante. compositor y guitarrista argentino que le canta a Buenos Aires. Proveniente de una agrupación formada en 1974  llamada Saloma, que se encargaba de fusionar el rock con los múltiples sonidos rioplatenses (murga, candombe , etc.). Saloma se separaría en 1978, lo que determinaría el inicio de su efímera pero contundente carrera como solista . Para la época de pleno auge del panorama post dictatorial del país, el músico ya contaba con dos rebosantes álbumes de estudio, "Dejo Constancia" (1982) y "Los Locos de Buenos Aires" (1984). Aquel primer LP, había sido perpetuado y grabado ya en en el año 1980, pero se editaría dos años después. La buena impresión que había dejado Del Prado en el panorama de la "música de autor" había llamado la atención de artistas ya consagrados, quienes participarían en aquel debut, como por ejemplo Litto Nebbia o ni mas ni menos que el mismísimo Silvio Rodriguez, quien canta la magnifica canción "Que Cazador", escrita por el poeta bonaerense Jorge Boccanera .

"Tangos, Murgas & Milongas" es un subtitulo mas que apropiado para esta colorida acuarela de composiciones. El epicentro de las canciones es por supuesto la ciudad de Buenos Aires. Sin perder el tiempo se pone en la piel de una especie de cronista/historiador, repasando algún que otro suceso determinante  de el país.  Una de las primeras murgas porteñas grabadas en vinilo, abre este álbum: "Aquella Murguita de Villa Real". Una introducción llena de algarabía, su letra tan poderosa, nos lleva a imaginarnos a esta murga pasando por nuestra calle, entre coros y ademanes jocosos e inventándonos a unirnos a ella. Dedicada a esa localidad de la cuidad autónoma de Bs As, que festejó su centenario en 2009. "Los locos de Buenos Aires", fue la gran composicion que en mayor parte impulso su carrera, cuando en la segunda mitad de los años 80 comenzó a tener cierta trascendencia en las emisoras. Compuesta en México en el 1982, es una melodía inigualable con su letra que pincela adecuadamente una serie de extraños (o no tanto...) personajes de la ciudad Buenos Aires. La canción pese a no formar parte del cancionero popular del llamado "rock nacional", tiene ese gusto a que si podría llegar a haber pertenecido ,y cierto aire de inmortalidad.

Evocando viejas nostalgias, quizás las mas cercanas a su adolescencia, Del Prado se inspira en quizás uno de los momentos mas sobresalientes del disco, el "Tanguito de Almendra". No solo canta sobre aquella agrupación que integraba Spinetta, sino que también rememora toda una época de la Argentina, recordando por ejemplo a aquellos viejos tocadiscos. Basta con escuchar: "Te acordás cuando escuchábamos Almendra en el Winco desinflado de una siesta...". También  rememora los tiempos  del régimen dictatorial en el país. Notese que evoca, sin vacilar, con un pequeño homenaje en el estribillo al gran Litto Nebbia evocando a aquel magnifico, "El Otro Cambio, Los Que Se Fueron":  "Si algo ha cambiado, eso es nosotros por suerte hermano, después de todo sobrevivimos a la gran pálida... mata podernos encontrar..."

La poesía urbana sigue haciendo eco en gran parte del álbum. Acompañadas por un curioso ritmo de reggae, con aires a la naciente "new wave" de por entonces. Un ejemplo es sin dudas la surreal "La vida esta llena de cosas peores" y otras de bellisimos arreglos de cuerdas, y sobre todo de voces, en la erizante "Fotos de una ciudad". Otro gran acierto en compás tanguero es "¿Donde vas, mariposa de lujo?" con su letra provocativa para aquella época, que se atreve a hablar de la marihuana. La clara e inteligente descripción e intención de la imperdible "Interrogatorio y allanamiento del duende", es recrear una detención y posterior tortura, en esa época ,como con una especie de fábula bucólica.

Luego de este excelente álbum, Alejandro Del Prado tubo un largo parate de dos años en México y tres en Madrid. Aquellas vivencias lo impulsaban igualmente a seguir con su interesante labor de compositor, ubicando su foco (sin importar donde residiera) en su amada ciudad de Buenos Aires. Pero la mayoría de sus nuevas canciones, se encontrarían muchos años despuès en lo que seria su flamante regreso a los álbumes de estudio en el año 2008 con "Yo Vengo de Otro Siglo"·


Lista de Temas:

1. Aquella Murguita de Villa Real
2. Los Locos de Buenos Aires
3. Tanguito de Almendra
4. La Vida Esta Llena De Cosas Peores
5. ¿Donde Vas, Mariposa De Lujo?
6. Ecológico
7. Yo Soy Tu Antepasado
8. Interrogatorio y Allanamiento del Duende
9. Fotos de Una Ciudad
10. La Marcha de La Pelota


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viernes, 18 de septiembre de 2015

Sly & The Family Stone - Stand! (1969)


Sylvester Stewart (Sly Stone) es uno de los personajes mas destacados, talentosos, alocados y revolucionarios de la música a fines de los años 60´s y principios de los 70´s. Comandando la agrupación "Sly & The Family Stone" ayudo a desarrollar el concepto legitimo y tan vanagloriado de la música soul y funk de EE UU, llevándola a terrenos novedosos como sus pares de Parliament Funkadelic, siguiendo por supuesto la linea inicial que trazó el rey de este genero, James Brown .

Los inicios de Sly & The Family Stone se remontan a San Francisco en 1966 cuando Sly forma la banda "Sly & the Stoners" y al cabo de un tiempo decide fusionarla a la de su hermano Freddie Stone quien lideraba "Freddie & The Stone Souls". Además de guitarrista, tecladista, bajista y cantante, las habilidades de Sly eran también las de productor y DJ en algunas emisoras de radio. Es curioso que lo bien que le calza el nombre a la banda, ya que la "familia" la constituía, sus hermanos Rose (teclados), Vaetta (voces) y obviamente Freddie (guitarra), junto con Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (pionero del slap, la forma de tocar el bajo emparentada al funk de hoy), Jerry Martini (saxo) y Gregg Errico (batería).  Había cuatro cantantes principales, los tres hermanos Stone y Larry Graham, a los cuales se les unían Cyhntia Robinson y las coristas del grupo de gosspel que integraba Vaetta: "The Little Sister".

Con toda esta troop de gente y voces de hombres y mujeres, blancos y negros intercalándose entre si y también sonando al unísono, era mas que evidente una nueva cuota para la música popular de hasta entonces. Mucho menos extraño, era que de hecho, el primer larga duración de 1967 fuera bautizado con el profético titulo de "A whole new thing" ("Toda una nueva cosa"). Fue así que esta naciente formación de fines de los años 60´s irrumpe en la escena de la música popular de por entonces, dándole un fuerte envión y sobre todo influenciando a músicos del jazz, como Herbie Hancock quien crea su conjunto "Headhunters" y Miles Davis invitó a Sly a tocar "On The Corner"y mas adelante en el tiempo es mas que obvia su influencia en Prince."Stand!", su cuarto álbum de 1969, consagra a Sly & The Family Stone que esboza una inmejorable fusión entre funk, soul, rock, el jazz y la psicodelia. La banda aquí pega el salto de calidad que cala hondo en aquella generación hippie y asi de inmediato son invitados ese mismo año al legendario Woodstock.

El inicio con "Stand!" es una oda al optimismo de ritmo ultra funk de un perfecto final de coros gospel. Su base rítmica influenciaría lo que seria la denominada música "disco" en los venideros 70´s. De inmediato el funk con temática social se hace presente con "Don't call me nigger, whitney" . Una canción anti-racial pero con un ida y vuelta: ..."Don't call me nigger, whitey... don't call me whitey, nigger".

"I want to take you higher" hizo furor en el memorable Woodstock, un groove sostenido por el hammond de Sly y las guitarras rockeras de Freddie. Una canción que se desarrolla entre medio de las voces de todos los miembros y donde desfilan varios estilos entre ellos el R&B, por el solo de armónica y el jazz por el acertado solo de trompeta. Entre todo ese torbellino desenfrenado y a la vez adictivo de "I want to take you higher" llega la calma con la paranoica y graciosa "Somebody's watching you", simple y de varios juegos vocales. "Sing a simple song" expone la mas autentica cepa funk del disco, con gran trabajo de Larry Graham al bajo. "Everyday People" fue el primer hit de la agrupación.

La omnipotente "Sex Machine" fue como una especie de epifanía para James Brown, ya que su álbum de ese mismo titulo saldría en 1970. Un zapada totalmente fuera de lo que era el funk hasta entonces, se presenta como uno de los primeros funks experimentales donde todos se lucen con sus instrumentos sobre todo el destacable solo de batería de  Gregg Errico al final. En esta edición disfrutaremos también de algunos bonus tracks que son las versiones en single de "Stand!" y "I Want To Take You Higher" y otras perlas mas.

El éxito considerable del álbum provoco ciertos desmanes dentro de la banda relacionado con el consumo de drogas, sobre todo por parte de Sly . El claro "soul sociopolitico" introdujo al músico en la lucha anti racial, llegando a formar parte de los "Black Panthers" (Panteras Negras), quienes lo obligaron a la estúpida labor de hechar a sus músicos blancos de la banda. Igualmente no se prohibirían de sacar grandes álbumes como "There's a Riot Goin' On "o "Fresh". Sly & the Family Stone se disolvería en 1975, pero Sly continuaría como solista hasta 1983. En 1992 la banda entraría en el legendario  Rock & Roll Hall of Fame y en 2007 el sello Legacy reeditaría y reemasterizaria todos los álbumes de la banda hasta 1979, lo que impulsaría a Sly al escenario luego de 25 años con una gira mundial no dejando del todo satisfecho al publico. Sin embargo su actividad como productor continuaría y el día de hoy, con sus 72 años, colaboraría con el músico Sal Filipelli en su álbum "This Day in Music History" de 2015.



Lista de Temas:

1. Stand!
2. Don't call me nigger, whitey
3. I want to take you higher
4. Somebody's watching you
5. Sing a simple song
6. Everyday people
7. Sex machine
8. You can make it if you try

Bonus tracks:

9. Stand! (single version)
10. I Want To Take You Higher (single version)
11. You Can Make It If You Try (unissued single version)
12. Soul Clappin' II
13. My Brain (Zig-Zag)


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jueves, 20 de agosto de 2015

Heurística Bola Musical - Al Latir (2015)


Segundo trabajo de este proyecto musical de la ciudad de Mar del Plata. El embrión de Heurística ya se había gestado allá por el año 2008 con el proyecto en solitario del cantautor Matias Martinez: La Guitarra en La Ventana (2008).

En el año 2012 tras reclutar a algunos músicos marplatenses se forma Heurística que al poco tiempo editarian su debut "Amanecer"(2013). En aquel trabajo descubrimos otro enfoque y otro concepto de sonoridades a algunas de las composiciones ya incluidas en su trabajo solista: La Guitarra en La Ventana (2008). "Al Latir" nos ofrece otro nuevo enfoque mucho mas pulido de las canciones de "Amanecer" que trascienden las limitaciones genéricas para fusionar nuevos estilos y se incluyen nuevas composiciones como "Mujer", "Gira Carrusel" y "Hoy".


Lista de Temas:

1. Marroquí
2. Murmullo
3. Sueño Primero
4. Congelar Un Latido
5. Luna Dime Que Me Ha Hecho
6. Plenilunio
7. Al Latir
8. La Piel
9. La Voz
10. Mujer
11. Gira Carrusel
12. Hoy


Integrantes:

Matias Martinez: guitarra y voz
Victoria Ocampo: voz
Julieta Centurión: percusión
Rosario Gonzáles Sáenz: violín


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Otros Discos de Heurística disponibles:

2013 - Amanecer