sábado, 10 de marzo de 2018

Phil Collins - Face Value (1981) (Deluxe Edition 2015)


Aquella vieja, recurrente y sobre todo rentable temática de amores rotos, rupturas o mismo frustraciones, se repite una y otra vez en trabajos de artistas por demás consagrados. El álbum debut en solitario del gran Phil Collins no escapa a la regla y nos regala un buen compendio de canciones de muy buen gusto sin perder esa dosis de melancolía ante lo que suponía ser su inminente divorcio.
Lo peculiar fue que esta situación sentimental de el baterista y cantante de Genesis fue el disparador principal para la iniciación de su carrera solista paralela a la banda, motivado a que su único refugio o consuelo que era la composición de música para un disco por su propia cuenta. Estas situaciones parecen ser una formula satisfactoria para un éxito arrollador para ciertos artistas. Un ejemplo claro fue el "RUMOURS" de Fleetwood Mac, un disco compuesto y grabado en medio de la separación de los integrantes de la banda, logrando ser uno de los álbumes mas vendidos de todos los tiempos, y aquí el glorioso debut de Collins en solitario, que por otro lado generó algo de controversia y envidia por parte de sus compañeros en Genesis al ver que Phil en solitario había conseguido un éxito mayor que el que la banda había logrado hasta la fecha. Sobre "Face Value", Phil dijo: "Tenía una esposa, dos hijos, dos perros, y al día siguiente no tenía nada. Por lo que muchas de estas canciones fueron escritas porque iba a través de estos cambios emocionales".

Collins había entrado como baterista a la fundamental banda británica de rock sinfónico progresivo Genesis, en reemplazo de John Mayhew, coincidiría con la entrada del gran maestro Steve Hackett quien reemplazaría a otro maestro, Ant Phillips en guitarras. En 1970 Phil respondió a un anuncio de la revista Melody Maker donde se buscaba "un baterísta sensible a la música acústica, y un guitarrista de acústica de doce cuerdas". La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel y consistió en tocar algunas pistas del segundo álbum del grupo, "Trespass" (1970). Como Collins llegó temprano, pudo memorizar las piezas escuchando a los demás. Así quedaba el mejor Genesis de los años 70´s. Al año siguiente comenzaba una seguidilla de discos inolvidables como lo son "Nursery Crime"(1971), "Foxtrot" (1972), o "SELLING ENGLAND BY THE POUND"(1973). Para cuando se va Gabriel , tras la gira de "THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY" en 1976 y luego de que más de 400 aspirantes que acudieran a la audición para ser la voz principal de Genesis (donde Phil se ocupó de la segunda voz), no fueran elegidos, Collins se convertiría finalmente en la voz principal de la banda, sin dejar su lugar en las baquetas, obviamente. Comenzaría aquí entonces una nueva etapa (de entre las tantas que vendrían luego) marcada por el gran álbum  "A Trick of the Tail" (1976). Mas adelante en el tiempo, mas exactamente en el año 1979, Genesis estaba acabando la gira del disco "...And Then There Were Three" (1978) y Phil Collins ya estaba teniendo problemas personales. Su primer matrimonio estaba acabándose principalmente por la "adicción al trabajo" que tenía el músico. Aparte de Genesis, trabajaba con su banda de jazz fusión Brand X, y repartía su talento como músico de estudio para gente como Peter Gabriel y Robert Fripp, entre otros. Su esposa no pudo aguantar más la falta de atención y lo dejó mudándose a Canadá para luego pedirle el divorcio. Así es que pronto se crea un hueco en la vida de Phil que le permite abordar la composición de algunos demos que los hizo, según él, de puro aburrimiento y sin pretender en ningún momento grabar un disco netamente comercial con ellos. Phil le muestra estas composiciones al manager de Genesis, Tom Smith, y éste al escucharlas, vio claramente la posibilidad de editar un nuevo álbum. Resulta muy graciosa la expresión de desidia y de desgana que muestra el baterista como respuesta a esa afirmación por parte del manager de su banda, diciendo en una entrevista que pensó algo como: "oh Dios mío, otra vez a hacer lo mismo!!". Fue justo entonces que luego de la salida del álbum "Duke" de Genesis en 1980, en 1981 lanzaría "Face Value". Un disco donde abunda un sentimiento lúgubre de depresión, frustración y también catarsis. Un trabajo que en resumen expresa las experiencias de vida de aquellos años. Un álbum que se la juega, que es directo y claro, acarrea todo el  "punch" que tiene que tener un trabajo de este nivel de carga emocional. Es destacable que "Face Value" escapa a las convencionalidades que arrastraba el genero donde se destacaba Phil hasta entonces: el rock progresivo. Decide elegir otras variantes (ya había escogido experimentar con el jazz fusión con Brand X), incluyendo un viejo amor de la infancia, el reconocido genero "Motown". Aquel inspirado en el sello homónimo que albergo artistas de color como Stevie Wonder, Jackson 5, Diana Ross & The Supremes, entre tantos mas. De ahí no es raro que el músico haya reclutado a la sección de bronces del reconocido grupo americano de funk, Earth, Wind & Fire.

La melancolía encerrada en el alma de Phil se va drenando ya en el inicio del LP con una de sus canciones mas famosas y exitosas, "In The Air Tonight". Una pieza que se luce en lo rítmico, oscura y mística como la noche. Cuentan que surgió mientras el baterista jugueteaba con una caja de ritmos y empezó a improvisar una letra mientras tocaba algunos acordes en un piano, instrumento que comenzaría a ser su nuevo amor. El hecho de utilizar la caja de ritmos fue el causante de muchas criticas alrededor del músico, no entendían como uno de los mejores bateristas que había dado el rock progresivo pudiera utilizarla. Sin embargo marcaría tendencia entre batristas de el genero durante los años siguientes, por ejemplo en Bill Bruford. La canción claramente se puede dividir en dos marcadas mitades. La primer parte comienza en un estado de desnudez y tristeza realmente cautivadores, con estos sonidos electrónicos tanto percusivos como efectos en la voz y unas atmósferas de guitarras muy al estilo Robert Fripp y violines a cargo del gran Shankar. El comienzo de la segunda parte esta marcada por una fortísima aparición de la bateria que es la encargada en sostener la canción hasta el final. La letra es una especie de reclamo de una persona a otra, una catarsis o comúnmente llamado un acto de "sacar los trapitos al sol". Salen a la luz traiciones, mentiras y odios: "si tu me dijeras que te estas ahogando, no te daría una mano, he visto tu cara antes amiga, pero no se si sabes quien soy. Yo estaba allí y vi lo que hiciste... lo vi con mis propios ojos...". Le sigue la balada "This Must Be Love", delicada y directa por lo que se nos presenta un poco mas iluminada que su predecesora. "Behind The Lines" persuade al oyente de lo que traia entre manos Collins, ya que la misma es una reversión con toques de jazz, rythm‘n’blues y por que no soul, de esta canción, que ya había aparecido un año antes en el disco de Genesis "Duke".

Con la misma áurea de depresión que "In The Air Tonight", "The Roof is Leaking", buena muestra de el nuevo apego a los teclados por parte de Phil. A medida que va describiendo un panorama invernal en su hogar que al parecer era también de sus padres. Una guitarra, ejecutada ni mas ni menos que por el gran Eric Clapton y un banjo por Daryl Stuermer, imponen un toque country a la pieza. La poética melancólica lo enfría todo a su paso: "...El techo está goteando y el viento está aullando. Los niños lloran porque las sábanas son tan frías. Me desperté esta mañana descubrí que mis manos estaban congeladas. Intenté arreglar el hogar, pero ya sabes las cosas son muy viejas...". Con "Droned" primero y "Hand in Hand" después, se inicia el binomio instrumental mas que sugestivo del disco. El primero es de una riqueza percusiva única, sumado a los coros, parece transportarnos a la selva en medio de un  ritual tribalista. El hilo rítmico mágicamente se convierte en el segundo instrumental, "Hand in hand", la canción mas alegre del disco. La bateria es primordial y al igual que su antecesora su carácter al principio es experimental, con toques de jazz fusión (por la linea coral) hasta tornarse al estilo soul/pop gracias a la melodía lograda por las trompetas. Un poco de esa "alegría" de  "Hand in Hand" se repite con una base similar de corte soul/pop en sus vientos con "I Missed Again", destacándose un bellisimo solo de saxo antes del fin. 

"You Know What I Mean" tubo el destino de ser una de las baladas tradicionales de "Face Value". Lenta, simple, lacrimógena y emotiva, acompañada por un piano y unos arreglos de cuerdas que se tornan irregulares dándole paso a un final algo inconcluso. De inmediato Phil nos regala sus sobresalientes recursos como cantante con "Thunder and Lightning". Otra buena predisposición del baterista para con su nuevo amor, el genero "Motown". La canción toma especial fuerza por los arreglos de vientos y un buen solo de guitarra lo acerca a costados mas jazzeros. La irónica "I’m Not Moving" alterna entre un disco/pop cantado a lo Bee Gees y un alegre funk que se presta para bailar y todo. Se destaca en la producción por las mezclas de las voces del propio Collins, utilizando vocoders, sirviéndole como coros. Luego de ese climax bailable, el lloriqueo de Phil vuelve con "If Leaving Me Is Easy" una linda balada quizás la mas triste del álbum, donde recae otra vez en su estado tras el divorcio. Cerrando el trabajo una grata sorpresa, el cover los Beatles "Tomorrow Never Knows" con lo novedoso de un enfoque mas "electrónico". Si bien a muchos les resulto chocante el final, y si bien es una canción de naturaleza compleja, su mensaje es uno de los mas esperanzadores de la historia del rock . Al terminar la canción se le escucha cantar "Somewhere Over The Rainbow" por lo bajo, se dice que fue en referencia al reciente asesinato de Lennon en NYC.

"Face Value" salio a la venta el 9 de febrero de 1981. Se convirtió en un éxito inmediato, alcanzando el número uno en el Reino Unido, Canadá y otros países europeos, mientras que en horas pico en el top ten en los Estados Unidos. El primer simple, "In the Air Tonight" se convirtió en el mayor éxito del álbum. Los siguientes simples gozaron de un buen éxito: "I Missed Again" alcanzando el número catorce en el Reino Unido y el número diecinueve en los EE.UU., mientras que el tercer single," If Leaving Me Is Easy ", alcanzó el número diecisiete en el Reino Unido. Asi comenzaría el camino hacia el éxito total de la carrera solista de Phil Collins, sobre todo en la decada de los años 80, su continuidad como cantante y baterista de Genesis, su buena predisposicion  en el mundo de la interpretación, su participación en eventos tan importantes como el "Live Aid" de 1985, tocando tanto en Philadelphia como en Londres utilizando un Concorde para ir de continente a continente en tiempo récord, proezas así, labrarían su leyenda. Su siguiente trabajo "Hello, I Must Be Going" (1982), siguió por los mismos caminos sonoros que había marcado "Face Value", ya que promovían problemas maritales con su primera esposa. "I Don't Care Anymore", "I Cannot Believe It's True", "Do You Know and Do You Care?", dan muestra verídica de esto. En 1983 recuperó a Genesis y se embarcó en el tour de “Three Sides Live”. En 1984 vería su regreso a la “soledad” con el lanzamiento de aquella brutal "Against All Odds" y al año siguiente con su exitoso tercer LP "No Jacket Required", iniciaba su primer gira mundial en solitario con su propia banda. Tras ello, regresó con Genesis para editar su masivo "Invisible Touch" y celebrar un multitudinario tour mundial junto a Rutherford y Banks. El publico de Genesis lo critico bastante por entonces, quizás por "venderse" a un estilo comercial, con sus discos solistas. Lo cierto es que con su cuarto álbum "…But Seriously" llegó a transformase en el máximo representante del estilo conocido en los charts como "Adult Contemporary", esa mezcla entre pop, jazz y soul, dirigida a un publico "romanticón", mas maduro.

El 6 de noviembre de 2015 salen a la venta los remasterizados de "Face Value" (1981) y "Both Sides" (1993), por supuesto con su correspondiente CD extra con demos, rarezas y versiones en directo. Ambos serian parte de una etapa de remasterización de todos sus trabajos solistas en los siguientes años. La curiosidad es que optó por renovar el arte de tapa original con fotos idénticas pero actuales, dándonos a saber que bien le sientan sus arrugas aun. Aquí les ofrecemos la versión "deluxe" de "Face Value" con su correspondiente CD extra el "extra values" donde nos deleitaremos con varias canciones en vivo, las versiones de Collins de "Misunderstanding" (en vivo y demo) y "Please Don't Ask", ambas aparecidas en el disco "Duke" de Genesis. También la rareza de la versión demo de la exitosisima "Against All Odds" que fue una canción descartada de "Face Value" y se iba a llamar "How Can You Just Sit There?", asi y todo "Against All Odds" aparecería en la película del mismo nombre en 1984. En 2016 el músico publica su autobiografía: "Not Dead Yet: The Autobiography". Actualmente Phil se encuentra de gira con el Tour llamado "The Legendary Phil Collins" que lo traerá a la Argentina en este mes de marzo de 2018, primero el 19 a Córdoba y luego el 20 en "Campo de Polo" de la ciudad de Buenos Aires.



Lista de Temas:



Face Value:

1. In the Air Tonight
2. This Must Be Love
3. Behind the Lines
4. The Roof is Leaking
5. Droned
6. Hand in Hand
7. I Missed Again
8. You Know What I Mean
9. Thunder and Lightning
10. I'm Not Moving
11. If Leaving Me Is Easy
12. Tomorrow Never Knows


Extra Values:

1. Misunderstanding (Live)
2. If Leaving Me Is Easy (Live)
3. In the Air Tonight (Live)
4. Behind the Lines (live)
5. The Roof is Leaking (live)
6. Hand in Hand (Live)
7. I Missed Again (Live)
8. ...And So To F (Live)
9. This Must Be Love (Demo)
10. Please Don´t Ask (Demo)
11. Misunderstanding (Demo)
12. Against All Odds (Demo)


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miércoles, 21 de febrero de 2018

Javier Martínez - Corrientes (1993)


Grandísimo entre los grandes exponentes del blues criollo y a la vez pionero del rock argentino. Ya había levantando con su banda Manal, uno de los tres pilares fundacionales del mismo (junto con Los Gatos y Almendra). Javier Martinez, con su inimitable swing, renueva con este álbum sus intenciones de seguir enalteciendo el genero cantado en castellano, con su segundo trabajo en solitario "Corrientes", una interesante vidriera para el mundo entero, de lo que es y de como se formo el blues en hispanoamérica e iluminando también lo que será.

Baterista, percusionista, compositor y cantante, los inicios musicales de Javier se remontan a "La Cueva" donde le dio vida a la banda Manal junto a Claudio Gabis en guitarra  y Alejandro Medina en bajo, entre 1967 y 1973. Juntos fueron los culpables de el gran pero sobre todo influyente álbum debut de la banda el homónimo "Manal" en 1970, o como se lo había denominado habitualmente "La Bomba". Un disco que ayudo potencialmente a solidificar la piedra fundacional del rock y sobretodo
de el blues cantado en español. Gran parte (por no decir todas) de las composiciones de ese magistral LP quedaron catapultadas como verdaderos himnos del rock argentino, por ejemplo: "Jugo de tomate frío", "Informe de un día", "Casa con diez pinos", "Porque hoy nací" y "Avellaneda Blues". Esta primera etapa de Manal se daría entre 1967 y 1973. Tras separase la banda ingresaría a aquel novedoso e importante conglomerado que conformó el músico, compositor y productor italiano Giuliano Canterini mejor conocido como Billy Bond: "La Pesada del Rock and Roll", registrando dos álbumes ("Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll vol I y II"). Después de su exilio en Barcelona volvería a Argentina para reconstruir Manal , era el año 1980 y el proyecto se derrumbo antes de finalizar dicho año. En 1981 se abriría paso con su carrera en solitario, dándole vida en 1983 a su primer disco "Sol del sur". Otra vez volvería a Europa, mas precisamente a Francia, para volver definitivamente a Argentina en 1987. En 1993 formó la "Javier Martínez Blues Band" , acompañado de Antonio García Lopez (bajo), Enrique Weimann (armónica), Pino Callejas (guitarra) y Carlos "Patan" Vidal (teclados). "Estoy rodeado por un seleccionado de los mejores músicos de blues de la Argentina", declararía Martinez. Esta formación seria la que nos traería "Corrientes" que según Javier es " un disco de rocanrol y letras porteñas, de ahí que haya tanto lunfardo".

"Corrientes" abre el trabajo, una particular visión de esta mítica calle de la ciudad de Buenos Aires. Javier sale a caminar para despejarse por esta avenida, describiendo lo que sucede con un conveniente lunfardo que amerita tal situación y lugar. Ahí están sus visiones, con personajes incluidos: "Una mina sin igual", "El choborra matinal", "La bohemia intelectual", "Los chochamus del billar" y hasta el mismísimo Pappo, todos desfilan por esta particular y hasta jocosa descripción urbana que rebalsa de porteñeidad.  La precede "Amor secreto", con una típica base R&B con destacables teclados, sin pasar por alto grandes solos de guitarras.  Algunas partes de la letras recaen en una poesía setentera que remite a los años con Manal: ..."Oro en pensamientos y diamantes en sentimientos, infinito amor secreto, llamas del sol central". El riff pegadizo de "Quiero estar mejor" es otra muestra del compromiso de Javier con el genero,  su época y su país. "Nací en La reina del plata, ahora Reina sin plata, soy del Rio de La Plata pero no me rio de la plata". Un original juego de palabras que se potencia por su voz única.

Volviendo a ponerse en la piel de esta especie de cronista, Javier utiliza todo su poderoso swing en "Los Tipos de La Cueva" . Una interesante descripción en tiempo de jazz de los personajes que frecuentaban aquel legendario bar donde nació el llamado "Rock Nacional". Recuerda las noches de este viejo reducto llamado "La Cueva". Aquella que acogía en un sótano ubicado en Avenida Pueyrredón al 1723, a grandes exponentes de este movimiento que formaban parte de la contracultura de la BS AS de por aquel entonces. Javier "se copa con la noche" y describe el accionar nocturno del lugar. Nombres como "Rocky", "Pajarito", "Moris", "Pipo", Tango", "Bravo", "Billy" o "Roberto" son algunos personajes que se forman como en imágenes de humo en el recuerdo de Martínez. Muchos de ellos serian famosos ya sea como solistas o con sus respectivas bandas. Sobretodo este ultimo "Roberto" que sin ninguna duda se refiere a Roberto Sanchez , "Sandro" el Elvis Presley argentino por excelencia ("Roberto que desciende, saltando la escalera, como el rey del rock and roll de La Cueva"). Allí esta Javier Martinez el baterista y cantante de Manal junto a su "bohemia fiel" charlando sobre marcas de tambores, dejándose invitar una ginebra, y por supuesto "zapando". Sobre el final sus recuerdos se van contagiando de una desdichada añoranza de aquellos tiempos de gloria, pero con una pizca de esperanza al fin : "...los tipos de La cueva, vivimos hoy sin ella. Yo quiero, ahora volver a tenerla". Sin embargo toda su experiencia (en este caso en temas del amor) reconoce "que el tiempo nunca vuelve", y hace gala portando un magistral blues justamente con "El tiempo nunca vuelve". En la misma linea, pero con toques mas"funkies", "Amor intemporal", relata con total caballerosidad un amor fuera de tiempo, valga la redundancia. Así como en el tango, si hablamos de amor no todo es color de rosas en el blues. "Casanova" un ejemplo de su swing innato otra vez y un sentido desgarrador en su aguardentosa voz.

Su constante devoción por seguir en los escenarios y en la ruta del rock and roll se plasma en "Como siempre" una oda a la libertad en tiempos de boogie.  Javier canta: "como siempre yo y mi libertad... mañana me pertenece, mañana de mañana también..." o " como siempre el swing es sensacional, con eso no hace falta más...". "San Telmo Harlem", una descripción de como se origino el rock en Argentina y en América, sobre todo por la importante corriente de la música afro. El músico desgrana todos los estilos que contribuyeron a esta gestación, para terminar ubicando al fin a "América con el mundo entero".

"Juan despierta ya" quizás uno de los momentos mas importantes del disco. Para alertar a los rockeros, oyentes o fanáticos, Javier crea este personaje un pseudo rockero ficticio esbozando todas sus funestas actitudes, para justamente saber como NO tiene que ser un "rocker de verdad". Una buena conjunción de coros femeninos en el estribillo, armónicas y un bajo sobresaliente para la frutilla del postre: el gran solo de batería llegando la mitad. Sobre el final del álbum se destacan dos muy buenos instrumentales la versión sin voz de "Los Tipos de La Cueva" y el blusero y soulero a la vez "Rouge et champagne" con la colaboración del Negro Garcia Lopez en guitarra.

Además de ser precursor del blues cantado en castellano y si bien no lo registra el famoso "Libro Guiness de los récords", Javier puede jactarse de ser el único baterista en el mundo que tiene el récord mundial de permanencia en la batería: 41 horas y media, parando solamente 5 minutos por hora para comer. El evento tuvo lugar en 1985, fue auspiciado por la Municipalidad de la ciudad de Toulón y apoyado por muchos músicos de todo el mundo que se acercaron para acompañarlo. La formación que lo acompaña en este disco (Javier Martínez Blues Band) se vio levemente interrumpida tras la salida del disco para dar lugar a la tercera reunión de Manal en 1994, pero con la ausencia de Claudio Gabis. Junto al guitarrista de jazz y blues, Jorge Cariglino, registrarían en 1998 "Swing". Los temas de este ultimo se reeditarían en 2003 anexándoles dos canciones más para un nuevo trabajo denominado "Basta de Boludos" con la agrupación  "Manal Javier Martínez". Esta banda, que lo acompaña, son Marcelo Roascio en guitarra y voces y Héctor "Clavito" Actis en bajo y voces. Seguiría hasta la actualidad presentando shows esporádicos y presentando en 2013, "Por la vuelta", su primer DVD, con dirección de Fabio Scaturchio. Ese mismo año lanza también  el libro "Yo Soy Buenos Aires" otra vez por Fabio Scaturchio. Una suerte de autobiografía que relata en un estilo coloquial, el anecdotario y el pensamiento de este referente del rock en español, pionero y vanguardista del movimiento rioplatense surgido a mediados de década de los 60´s. "Manal Javier Martínez" dejaría en el camino un trabajo de estudio mas en 2015: "Pensá Positivo".


Formación:

Javier Martinez: Bateria, voz
Antonio García Lopez: Bajo
Enrique Weimann: Harmonica
Pino Callejas: Guitarra
Carlos "Patán" Vidal: Teclados

Invitados:

Pappo: solos de guitarra en "Corrientes" y "San Telmo Harlem"
Negro Carlos García Lopez: solo de guitarra en "Rouge Et Champagne"
Willy Crook: saxo en "Como siempre"
Blues Roll Band - Rino & Cia - Pappo: coros



Lista de Temas:

01- Corrientes
02- Amor secreto
03- Quiero estar mejor
04- Los tipos de la Cueva
05- El tiempo nunca vuelve
06- Como siempre
07- Amor intemporal
08- Casanova
09- San Telmo Harlem
10- Hoy dejé el escabio
11- Juan despierta ya
12- La felicidad de las almas
13- Mujer del viento
14- Rouge et champagne
15- Los tipos de la Cueva (Instrumental)



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viernes, 8 de diciembre de 2017

Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)



Al igual que cada año LGV no rompe con su habitual costumbre de vestirse de Papá Noel y publicar una entrada con un álbum navideño. Para esta ocasión, el turno de la madre de nuestro folclore Argentino, la gran Mercedes Sosa, con esta, su visión tan diferente de este especial momento del año: la navidad vista y contada desde el cono sur. Fue necesario nutrirse de un buen puñado de compositores, poetas y escritores, a saber: Ariel Ramirez, Félix Luna, el recientemente fallecido Daniel Viglietti, Miguel de Unamuno y muchos más. Su canto hondo, festivo, doloroso, humilde a la vez, pero sobre todo perdurablemente eterno, nos describe una buena cantidad de historias navideñas acompañadas por varios de los ritmos que nos ofrece nuestro folklore, zambas, bagualas , chacareras y su especial predilección por las canciones de cuna.

Luego de su primer gira internacional en el año 1969, Mercedes graba un LP mas que importante en su carrera bajo la dirección de Ariel Ramírez, el fundamental "Mujeres Argentinas", que reúne piezas al día de hoy clásicas del folklore nacional, como "Juana Azurduy", "Rosarito Vera, maestra" y "Alfonsina y el mar", todas con letra del historiador Félix Luna. Al año siguiente vendrían dos discos importantes más para "La Negra", "El grito de la tierra" que contenía las populares "Canción con todos" y "Cuando tenga la tierra" y el presente aqui "Navidad con Mercedes Sosa". A su única y cálida voz se le suman para la grabación del LP,  la guitarra de Kelo Palacios y la orquesta dirigida por Óscar Cardozo Ocampo.

Esa particular visión autóctona, patriótica y sureña de la navidad, no se nos hace esperar y desde el comienzo nos deleitaremos y nos daremos un espacio para meditar, escuchando "Navidad En Verano" de Félix Luna y música de Ariel Ramírez. Una original manera de cantarle y contarle al mundo los aires navideños desde su lugar: "Mi navidad está metida en el verano no tiene pino ni la nieve le da luces, mi navidad con el calor va de la mano...". Es realmente significativo como el canto de Mercedes sobre la navidad se encuentra fuertemente relacionado al "nacimiento" y al "niño". De ahí a tantas canciones de cuna, por supuesto. Pero sobretodo como se asocia a la pobreza y a la humildad del niño que debe cargar "la cruz", como por ejemplo, claro está, en "La Cruz Del Niño" (de Cerretti y el pianista y contrabajista argentino Oscar Alem, recientemente fallecido, el 26 de noviembre de este año) o la humilde historia de noche de reyes en "Negrita Martina" del compositor uruguayo Daniel Viglietti.

De el doctor en Musicología, Sergio Aschero y poesía de Don Miguel De Unamuno, la única y exacta "La Media Luna". Canción de cuna por excelencia, musicalmente de una delicadeza pocas veces escuchadas, el oboe y violín saben entenderse a la perfección. Su garganta no le escapa al grito de protesta , de lamento y desamparo con una mirada en retrospectiva de "1970 Navidades". Su voz se traslada a través de los siglos, haciendo recuento de las penurias que ha pasado la raza, ya sea por la guerra, el hambre o como bien lo dice el desamor. Pero no son solo penurias su canto, "Ay para Navidad" con bombos y flautas acompañan la alegría de este "bailecito-villancico" de Sergio Villar. En realidad, Villar se había dejado influenciar por el "chuntunqui" que es la música navideña tradicional del departamento boliviano de Chuquisaca. Danza Navideña que se ejecuta delante del Pesebre. Otro de los momentos mas elocuentes de esta única navidad junto a Mercedes, lo hallaremos con la bagualesca "Navidad 2000", de suprema orquestación y un canto irrevocable. Con un despliegue parecido a "1970 Navidades", Mercedes juega a ver con una mirada futura para encontrarse a un mundo igual :..."el mundo está viejo...", aun así, nos deja la esperanza intacta: ..."pero el niño no...". Y tambien, claro esta, le canta a los merecimientos de una raza que ha luchado por lo suyo y merece ver con esperanza lo hermoso de la Navidad:..." Larga fue la lucha por volverle a ver. Porque esté en nosotros por estar con él. Por tener un cristo con pan y alquiler. Un dios con trabajo, con niño y con mujer... ".

De Manuel José Castilla y Gustavo "Cuchi" Leguizamón uno de los mas populares y nostálgicos villancicos argentinos: "La Navidad De Juanito Laguna". Inspirada por supuesto en el óleo sobre arpillera del mismo nombre, de 1961 del célebre pintor, grabador y muralista argentino Antonio Berni. Lo podremos apreciar por supuesto en la tapa de este álbum. La misma forma parte de una serie pinturas sobre dos personajes creados por Berni, Juanito y Ramona. Juanito Laguna nace a finales de los años 50. Crece en la pobreza, en uno de los barrios más miserables del arrabal bonaerense. Ramona Montiel es también de barrio porteño, el de Pompeya. Joven y bonita, Ramona sobrevive a base de coser. Ella se deja seducir por lujos gracias a un selecto "circulo de amigos" donde pertenecía. Berni, de alguna manera, con estos dos personajes plasma toda la realidad de una época en la Argentina y sin querer, por que no, Juanito representaría el folclore y Ramona el tango. Berni escribiría sobre el niño: "Juanito es un chico pobre, pero no un pobre chico, uno de los personajes más entrañables del espectro social latinoamericano de su época". Ramona, sin embargo, es su contraparte femenina, una chica de arrabal, como surgida de una letra de tango, a través de la cual el artista sondea las diferentes presiones sociales que recaen sobre la mujer. "La Navidad De Juanito Laguna" entonces, describe la más humilde de las navidades alrededor de la familia de Juanito. Si observamos la rústica pintura de Berni, seguramente reconoceremos parte de la letra.  El padre, la madre, la abuela, el pan dulce, el arbolito (con una vela encima, por que esta navidad "no tiene luz") y los hermanitos jugando.

"Navidad y Después", otra de las mas dolidas y de protesta. Otra vez la voz de La Negra Sosa se mete en el túnel del tiempo :.." Por la herida de tu mano yo viví tu navidad... Qué grande y pequeño era el hombre, tu signo y fin. Hambriento de ideas nuevas y dio de sombra y perfil...". Con un costado parecido a "La Cruz del Niño", "Canción de Cuna Navideña" hace una dulce comparación entre el niño que se arrulla con el niño de la navidad. "Diciembre, diciembre" en último lugar cierra el álbum, otra canción de lamento, con esa mirada en retroceso, ante las mutilaciones y dolores de una raza que ha sufrido las calamidades,de la guerra: "Mi chico dormido no sueña ni canta. La guerra sin ojos con fuego lo abraza. No vengan cantando canciones de guerra. Canciones de cuna precisa mi tierra..."

La eterna voz de la Negra, que siempre ha ejercido este oficio como el respirar, era innato en ella, nos invita a pasar una navidad distinta, auténtica. Siempre con ese afán que la llevo hacer cosas tan puras y simples como lo es su propio canto. Esta vez celebra el nacimiento con la naturalidad del arrullo de la canción de cuna, la copla norteña, entre otros entrañables sonidos de nuestro queridisimo folclore.



Lista de Temas:

1. Navidad en verano (Félix Luna - Ariel Ramírez)
2. La cruz del niño (Hamlet Lima Quintana - Óscar Além)
3. Negrita Martina (Daniel Viglietti)
4. La media luna (Miguel de Unamuno - Sergio Aschero)
5. 1970 Navidades (Irma Calot - Héctor Pérez)
6. Ay! para navidad (Sergio Villar)
7. Navidad 2000 (Antonio Nella Castro - Hilda Herrera)
8. Canción de cuna de la torcaza (Luis Franco - Víctor Gentilini)
9. La navidad de Juanito Laguna (Manuel José Castilla - Gustavo Leguizamón)
10. Navidad y después (Roberto Margarido - Raúl Mercado)
11. Canción de cuna navideña (Aníbal Sampayo)
12. Diciembre, diciembre (Leonardo Castillo - Ángel Ritro)



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Otros posts navideños de LGV:

Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)






domingo, 19 de noviembre de 2017

Banco Del Mutuo Soccorso - Darwin! (1972)


Otra de las grandes bandas del preciado RPI (Rock Progresivo Italiano) es sin dudas Banco Del Mutuo Soccorso. Junto a bandas como Premiata Forneria Marconi (PFM), Le Orme, Area, New Trolls, Museo Rosenbach, Il Rovescio Della Medaglia, entre muchas otras màs, contribuyeron como respuesta al genero sinfónico progresivo británico (Yes, Genesis, Pink Floyd, ELP, etc.) tan de moda de los años 70´s. Injustamente, Banco no gozo de tanto éxito a nivel popular y fuera de Italia como PFM (con quienes luego compartiría el sello Manticore Records) pero ha dejado una importante huella en el genero, como así también obras maestras (y de concepto) inolvidables como el presente "Darwin!" o "Come in un'ultima cena" de 1976 que luego fue grabado en ingles como "As in a Last Supper", por nombrar tan solo otra. Musicalmente están mas cercanos a ELP con un nivel compositivo impecable y obviamente gracias a el gran virtuosismo de sus músicos, como el genero bien lo demanda. Otro aspecto significativo, cabe señalar es  que la banda en su sonido encierra toda la sensibilidad mediterránea y las diversas tradiciones académicas y melodramáticas italianas, sumadas a el momento histórico al que responden muchas bandas del progresivo sinfónico, creando una mixtura exquisita y única en su estilo.

Banco se origina en Roma, en 1968 cuando el pianista Vittorio Nocenzi llama a su hermano y también tecladista Gianni, al guitarrista Franco Coletta, al bajista Fabrizio Falco y al baterista Mario Achilli para una prueba de audición para la RCA. Así se quedaba formada la primera alineación de BMS. Después, ya entrados los años 70´s durante el segundo Festival Pop de Caracalla celebrado en Roma, los hermanos Nocenzi se hicieron de los servicios del guitarrista del grupo Fiori Di Campo, Marcello Todaro, del vocalista Francesco Di Giacomo, del bajo de Renato D'Angelo y del bata Pierluigi Calderoni que habían tocado para el grupo Le Esperienze. Así poco tiempo después grabaron su primer LP homónimo, "Banco Del Mutuo Soccorso", excelente carta de presentación de la banda que no quería perder el tiempo en dar a conocer sus intenciones. Un tema memorable de aquel disco seria por ejemplo "R.I.P. (Requiescant in pace)" Tal fue su aceptación que pocos meses después graban para el mismo sello Ricordi su segunda placa "Darwin!" uno de los primeros trabajos conceptuales de el rock italiano. Ahora si, con serias intenciones, inspirándose en Charles Robert Darwin y su teoría de la evolución de las especies, aparecida en su obra "El origen de las especies"(1859). La banda hizo evidente su visión marxista de la historia. Pues los miembros de Banco, en 1972, eran miembros del PCI (Partido Comunista Italiano).

"Darwin!" comienza con la ambiciosa "L'Evoluzione" una especie de mini suite de casi 14 minutos. Una genialidad, exhibe cual es la esencia sinfónica progresiva de la banda en formacion: estructuras que se rompen constantemente y mucho cambio de tiempo y compás. Los hermanos se lucen con todo instrumento de teclado que podían tener a mano, desde hammonds y sintetizadores hasta el uso de gran piano y sobretodo el clavicémbalo. El comienzo de "L'evoluzione" tan rítmico y característico, nos eriza la piel con unos acertados punteos de guitarra que recuerdan mucho al "Echoes" de Pink Floyd salido un año antes. Luego la voz de Di Giacomo impregna todo, para ya adentrarnos a una incandescencia sinfónica progresiva única hasta entonces. Y allí esta la postura de Darwin y de BMS sobre la evolución. Ya desde canto inicial y único de Di Giacomo que dice: "Pruébalo, prueba, intenta pensar un poco diferente, ninguno de los grandes fue fabricado. Pero la creación ha sido creada por sí misma: células, fibras, energía y calor!!...". Y luego, mas tarde, por supuesto, la contraposición a "el gran libro": "...Y si en el fósil de un cráneo atávico se redescubren formas que se parecen a mí, entonces Adán ya no puede existir...solo siete días son pocos para crear... Adán ha muerto y mi Génesis no son hombres, sino cuadrumanos.". Esa furia sinfónica progresiva, sin dudas termina de explotar con la mas que excluyente "La conquista della posizione eretta". Sublime pieza en donde el papel de la música es el total protagonista. Solo nos resta escuchar el precipitado, incidental y turbulento comienzo, con sonidos que parecen instantáneamente contener y atesorar imágenes de un primate evolucionando a medida que transcurren los minutos de la canción.  "La conquista della posizione eretta" no es otra cosa mas que la metáfora del esfuerzo de la naturaleza humana por alcanzar su propio estatuto: "...si la curva es mi espalda, podría jalar mi cuello sobre las hojas y mantener el cuerpo opuesto al viento. Intento y me caigo y trato y me mantengo... por un momento...". Después de casi 6 minutos de pasajes instrumentales, destacándose las cortinas de teclados y buenos fraseos de guitarra de Todaro, pero sobre todo el timbal Pierluigi Calderoni que pese a que son fugaces los toques de el mismo, están tan sublimemente colocados y tan ligados al concepto, que merecen todos los aplausos, aparece la voz de Di Giacomo. Mientras va cantando las estrofas va subiendo de tono hasta que un repentino viento la hace desaparecer (el viento se oye realmente).

Momento sumamente jazzero supone ser la "Danza dei grandi rettili" ("Danza de los grandes reptiles"). Instrumental con algún que otro guiño a Jethro Tull. "Cento Mani E Cento Occhi" comienza con furiosos sintetizadores. El tema oscila entre el virtuosismo de los teclados y varios fragmentos de improvisación. Se centra en la creación y el comportamiento de las comunidades primitivas: "La presa es tuya y por lo tanto, tuya es la comida. Cien manos es mi fuerza... Y cien ojos nos hacen guardia..."

Otro momento álgido de "Darwin!" es la bellísima elegía, "750.000 anni fa...l'amore?". La operística voz de Francesco acompañada por el monumental piano de cola de Gianni Nocenzi, es de lo mejor que canta en todo el álbum. Esta intensa balada de costado romántico escapa de las convencionalidades de las mismas, ubicandolas en el plano conceptual que el álbum requiere: "Cuerpo que yace a la sombra de las caderas anchas en las que habito. Estoy aquí para verte que me posees y te poseo... Pero realmente soy un mono sin razón, sin razón, sin razón, en una estampida de monos. Un mono, un mono sin razón que huye, que huye..." Llegando al final... "Miseria de la filosofía" (Marx), "Miseria del historicismo" (Popper). Y aquí "Miserere alla Storia", BMS nos regala una pieza apocalíptica, como lo es  "Miserere Alla Storia". El tema comienza como si viniera continuado de otro y, muy caótico, para amansarse dando lugar a una extraña sección de clarinete,  guitarra acústica y teclados. Hasta que irrumpe la voz de Di Giacomo en plan diabólico dejando mucho que pensar en su cita: "Gloria a Babel!! la Esfinge se ríe por milenios. Se fabrica en el fino cielo Sirio, espuma de los caballos en la Vía Láctea, pero ...¿Cuánta vida tiene todavía tu intelecto? ¿si detrás de ti desaparece tu raza?. Luego la canción se torna en un rock ligero para que en la coda haya otro pasaje de misteriosos clarinetes. El final lo señala "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" ("Y ahora le pregunto el tiempo al tiempo, y el me responde... No lo tengo!") que comienza con un ruido de silla mecedora rechinante, para darle paso a una melodía de tono gracioso con aires a feria o a kermese. Se destaca una vez mas la ejecución del clavicémbalo en manos de Vittorio Nocenzi. Esta pieza deja una impresión mucho mas positiva que su predecesora. Representa la moral y menciona quizás otro paso de la evolución ya que repite varias veces a "la rueda": "La rueda pesada gira fuertemente, lento en su fisgoneo... La rueda va... el golpe nunca lo pierde... Ah rueda gigante!!... Entonces, ¿por qué piensas en mí? Si en tu girar mi mente entonces frenará..."

Excelente album de culto, de los favoritos e imprescindibles de los fans del genero. Para el oyente desconocedor de el rock italiano de los 70´s , seria un puntapié ideal para introducirlo en el genero y atraparlo para siempre. Forma parte de la trilogía obligatoria de Banco que comenzó ese mismo año con su debut discográfico "Banco Del Mutuo Soccorso" y cerró al año siguiente con el gran "Io sono nato libero" (1973). "Darwin!" fue elegido en el año 2000 por el sitio Gnosis entre 60.000 candidatos como el mejor de los discos de rock progresivo/experimental grabados hasta entonces. Luego de cumplir 40 años, en 2013, se realiza el proyecto "Darwin l'evoluzione?" ("¿La evolución de Darwin?") utilizando el álbum original como banda sonora, representada por 145 artistas de todas partes de Italia con una ópera rock inspirada en la prehistoria. Banco continuo en carrera durante las siguientes décadas, dejando en el camino a varios integrantes y grandes trabajos como "Garofano rosso" (1976) o el último de estudio y en vivo el doble "Nudo" (1997). El carismático Francesco Di Giacomo supo también dar a conocer sus dotes como actor de reparto, por ejemplo en la famosísima película "Amarcord" (1973) ("Mis Recuerdos") de su amigo y director Federico Fellini, aparece como guardia de seguridad en la parte del "Grand Hotel de Rimini". Ya había aparecido años antes en tres films mas del monumental Fellini: "Satyricon" (1969), el documental "I Clowns" (1970) y "Roma" (1972). Su voz se extinguió para siempre el 21 de febrero de 2014 en un accidente de transito mientras conducía su automóvil en la localidad de Zagarolo, en Roma. Tenia 66 años. El funeral, con un rito de laicos, tuvo lugar en el Palazzo Rospigliosi. Actualmente Banco continua en actividad siendo el tecladista Vittorio Nocenzi el único miembro original de la banda.

Formación:

Francesco Di Giacomo - voz
Vittorio Nocenzi - organo Hammond, clavicembalo, sintetizzator moog
Gianni Nocenzi - piano, clarinete
Marcello Todaro - guitarra electrica, guitarra acustica
Renato D'Angelo - bajo, contrabajo
Pierluigi Calderoni - bateria, timbal


Lista de Temas:

1. L'evoluzione
2. La conquista della posizione eretta
3. Danza dei grandi rettili
4. Cento mani e cento occhi
5. 750.000 anni fa...l'amore?
6. Miserere alla storia
7. Ed ora io domando tempo al tempo ed egli mi risponde...non ne ho!


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viernes, 27 de octubre de 2017

Leño - Leño (1979)


El álbum homónimo de Leño es su importantísimo debut de 1979 y el mas rockero de su efímera carrera. Banda madrileña liderada por el carismático cantante y guitarrista Rosendo Mercado. Con un elocuente hard rock, recicla el género de los 70´s y abre paso a un gran número de bandas de alli en adelante. Los orígenes de Leño se remontan a lo que se dio a llamar "rock urbano" en España. Aquel fue un especial periodo en ese país, lo que se dio a llamar "la transición española", momento en el cual comienza a dejar atrás el régimen dictatorial del general Francisco Franco.

El sentido interés de Rosendo Mercado por la musica comenzo ya de chico cuando su abuelo le regala su primera guitarra. En su adolescencia formó varias bandas como La Patata Química, Yesca (grupos con amigos del colegio) o Fresa, siendo la mas importante Ñu con quien llegó a telonear a los famosos Dr. Feelgood en el Pabellón del Real Madrid. Tras disolverse Ñu,  Rosendo reúne a un antiguo compañero de Fresa (Chiqui Mariscal) en bajo y al ex-batería de Coz (grupo del que saldrían los Barón Rojo) Ramiro Penas, y el día 12 de Febrero de 1978 debutan en el Alcalá Palace teloneando a otra leyenda del rock español: Asfalto. En Mayo del mismo año sale a la luz su primer sencillo, “Este Madrid / Aprendiendo a Escuchar” (Chapa, 1978). El nombre de la banda alude a los comentarios que José Carlos Molina hacia Rosendo surgidos en los ensayos de Ñu "las canciones que haces son un leño, tío" decía José Carlos. Aunque José Carlos cuenta otra versión "Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y es que cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de "Este Madrid", que es mía, Rosendo decía "¡vaya leño de canción que has hecho!".

Fue así que en 1979 estos inexpertos muchachos entran en estudio para grabar este LP debut, con un hard rock más fresco,  muchos y extensos pasajes instrumentales, riffs con bajos memorables y remarcados, incontables solos de guitarras y dosis de progresivo. Así y todo la frescura de este rock duro de Leño, cierra una puerta a esa década regida por un millar de bandas de este estilo, para que luego en discos posteriores dejarse seducir a todo trapo con la denominada "new wave". Aquel naciente "rock urbano" y underground comenzaba a constituirse con las letras de denuncia social y sarcasmo marca registrada de Rosendo, que sin ninguna duda nos ayudan a colocarnos inteligentemente y a la perfección en ese interesante contexto histórico. No habiendo terminado la grabación de este primer LP, Chiqui Mariscal abandona el grupo (regresaría a Ñu) dejando vacante el puesto de bajista por motivos que todavía hoy son desconocidos. Este hecho se ve reflejado en la portada de este primer álbum, en la que se ve la figura de Chiqui saliendo de escena y por la izquierda aparece su sustituto entrando: Tony Urbano, quien solo grabaria el bajo en "El Tren".

De entrada ya nos pondremos patas para arriba con "Castigo" uno de los mejores temas de la banda. Una canción que demuestra la grata influencia de bandas como Cream o Ten Years After. En una primera apreciación nos da la idea de que es netamente instrumental con extrañas distorsiones y efectos, pero en mitad de este río eléctrico, Mercado canta dos simples estrofas, para luego seguir el curso frenético de la canción. Inmediatamente como un toque de llamado a la caballería, aparece la brutal "El oportunista" que describe irónicamente lo que era ese comienzo de las tribus urbanas en Madrid ("Me he clavado un alfiler en el pescuezo. Me he juntado con los punks, soy un moderno ..."). Y precisamente critica ferozmente a aquellos oportunistas que dicen no seguir la moda pero en realidad se limitan a seguir una moda menos masiva: "... por dentro me pregunto si duraré mucho no será que estoy quemando mi último cartucho. Porque a decir verdad no soy auténtico y engañar al personal es muy polémico.".

"El Tren" uno de los momentos mas espeluznantes y superlativos de el disco. Esa letra tan existencial impone la filosofía de Rosendo a flor de piel con el plus de un un riff blusero cálido e inolvidable. La guitarra, pero sobre todo el bajo se llevan todos los premios, una muestra de lo bien que encajò Tony Urbano. Pasando la mitad del tema hay una aceleración de ritmo donde Rosendo se florea con excelentes punteos, para luego volver a el tiempo inicial donde se suma una armónica a cargo de  Teddy Bautista quien también se encargó de los teclados. La canción existe desde los primeros tiempos de Ñu coescrita por José Carlos Molina y Rosendo, y fue grabada por ambos grupos. Es inevitable caer en el lugar común de que "El Tren" se refiere a el "tren" o "el viaje"de las drogas sobre todo los llamados "tripis" (LSD), pero queda relegada esa idea a cada escucha en particular. El costado más "heavy metal" la ubicamos en "Este Madrid", en los créditos no figura pero el propio integrante de Ñu, Jose Carlos Molina, se adjudica la composición de esta intro tan pesada, con gran influencia de Black Sabbath. La letra describe el Madrid de por entonces, las drogas, la ausencia de aire puro, los pocos espacios vacíos para el crecimiento urbano... Mercado despotrica contra la capital ruda e irónicamente: "No hagas caso a esta canción pues todo es mentira. Lo que falta es un buen bidón de aire puro y natural... Y de cerveza... de tocino y de salchichón... Es una mierdaaa este Madriiiid!!!!, que ni las ratas pueden vivir!!!". Sobre el final Teddy Bautista nos deja saborear unos buenos arreglos de teclado.

La impronta "sinfónica-progresiva" se da en "La Nana", la canción sin letra, son solo "nananas" cantadas por Chiqui Mariscal, con teclados lánguidos emulando un slide, y hasta se torna dulce, sin empalagar demasiado. Un viaje psicodélico, con tintes al "space rock" británico. Al momento que aparecen unas guitarras acústicas, la canción entra en un relive ultra rockero y muy acelerado, con potentes riffs y un gran juego blusero. Una vez mas las guitarras acústicas marcan la pauta para el final de la canción con los "nanananas" una vez mas. Todo vuelve a agitarse con la desenfrenada "Sodoma y Chabola" con aires a Rush o a Motörhead, por que no. Unos riffs otra vez para la historia , gran trabajo del bajo, excluyentes cambios de ritmos, de lo mejor del álbum. Con letra de Maria Fernanda de Andrés, (quien luego colaboraría en el álbum siguiente con la letra de "Cucarachas") otra vez Rosendo le canta a la sociedad de por entonces, esta vez con con una lirica mas surreal o mas sucia si se quiere. El final goza de un cálido paisaje campestre, el bello instrumental "Se acabó!!!", una inspiradisima pieza acústica íntegramente de Rosendo.

Un disco clásico y legendario, con sabor a imprescindible. Lo produjo Teddy Bautista quien también, como habíamos dicho antes, supo manejar provechosamente los arreglos tanto de armónica como de teclados. Les dio un gran empujón. Gracias a este debut, Leño comenzó a participar en varios festivales y conciertos en importantes ciudades de España. En esos nacientes años 80´s era esperanzador el panorama para las bandas de entonces, sobre todo por los festivales en que la participaban alrededor de todo el país, junto con  Coz y Ñu también de Madrid,  Bloque de Santander, y Smash o Storm de Sevilla, entre muchas más. Todo ese rock estaba en esa misma frecuencia de lucha.

De estudio tendrían dos discos mas: "Más Madera" (1980) y "¡Corre, corre!"(1982) (grabado en Londres) y un interesante bootleg "En directo" (1981). Lamentablemente hacia el año 1983 en el momento mas alto de su carrera, la banda se disuelve. Este final fue recordado por la gira que hicieron junto a Miguel Rios: "El rock de una noche de verano". En octubre de 1983 dan su concierto final en el Parque del Oeste en Madrid. Las razones de la separación no están muy claras al dia de hoy. Algunas de ellas van desde que no querían masividad, problemas personales a tensiones internas y falta de respeto entre los integrantes, y mas. Pero hubo una especie de "comunicado oficial" que vociferaba: "habían llegado a un callejón sin salida a nivel creativo". Por su parte Rosendo iniciaría su mas que interesante carrera como solista. En 2010, con motivo del lanzamiento del álbum tributo "Bajo la corteza: 26 canciones de Leño", la banda se reunió en la Sala Caracol para dar un pequeño concierto de 5 canciones. De esa inolvidable presentación, abajo veremos la performance de "El Tren". En 2013 Leño se juntó por última vez en público en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para el acto de presentación de la biografía "Maneras de vivir". Al año siguiente fallece Tony Urbano, dejando trunca toda posibilidad de una reunión mas de los Leño originales.



Personal:

Rosendo Mercado: guitarras y voz
Ramiro Penas: batería, percusión y coros
Chiqui Mariscal: bajo y coros
Tony Urbano: bajo en "El tren" y coros
Teddy Bautista: armónica y teclados



Lista de Temas:

1. Castigo
2. El oportunista
3. El tren
4. Este Madrid
5. La nana
6. Sodoma y chabola
7. Se acabó!!!


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miércoles, 20 de septiembre de 2017

The Who - Who’s Next (1971)


La maqueta inicial de "Who’s Next" había sido pensada inicialmente como una opera rock, ya que el gran Pete Townshend quiso continuar con estos formatos de álbumes para los Who, debido en  parte a el espectacular éxito a nivel internacional que supuso la opera "Tommy" de 1969. El álbum se iba a llamar "Lifehouse", pero el ambicioso proyecto fue abortado. Sinembargo gran parte canciones escritas por el guitarrista, fueron compiladas en este disco pero sin un hilo conductor entre ellas. "Who's Next" terminaria siendo la quintaesencia de The Who. Muchos lo ubican como el mejor álbum de la banda como así también uno de los mas influyentes, frescos y mejores trabajos de la historia del rock, sobre todo por los creativos e innovadores métodos de grabación y la calidad en la experimentación que por entonces se utilizaron. Townshend tenia un nuevo juguete entre sus manos: los sintetizadores. Había dicho: "me gustan los sintetizadores, por que me ponen en la mano cosas que no tengo: el sonido de la orquesta, las cuerdas. Uno aprieta un botón y lo escucha al doble de velocidad.".

Eran fines de los años 60´s más precisamente 1969 y gracias al gran éxito de la opera rock "Tommy" Townshend decide seguir con el formato de "opera rock". Pete había declarado que su segunda opera rock "Lifehouse" seria una especie de opera futurista, un álbum conceptual grabado en directo como música de un proyecto cinematográfico. Lamentablemente en medio de la concepción de la misma, hubo una serie de cortocircuitos entre el y los otros integrantes y en especial con el productor de la banda Kit Lambret. La obra se comenzó a desarrollar en el teatro Young Vic en Londres. No se entendía muy bien, sus pasajes eran trillados y acompañado por la el descontento del público tras algunas performances de los temas en vivo en dicho teatro, lo que desemboca en que Lambert decidiera trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba grandes innovaciones técnicas. Muy influenciado por las vivencias y vibraciones que emitian las personas en las gira de "Tommy" lo que el músico buscaba lograr con "Lifehouse" era crear una música que pudiera adaptarse para describir las personalidades de la audiencia. Para hacerlo, él quería adaptar su nuevo hardware, los sintetizadores VCS3 y ARP y un PA cuadrafónico, para crear una máquina capaz de generar y combinar temas musicales personales de una data biográfica computarizada. Al final, estos componentes temáticos se fusionarían para formar un "acorde universal". Para ayudar este proceso, The Who harían que individuos de la audiencia subieran al escenario y encontraran un rol en la música. Él creía que las vibraciones se podían volver tan puras que la audiencia "se iría bailando hasta el olvido"; sus almas dejarían sus cuerpos y estarían en una clase de paraíso, un estado de nirvana o permanente de éxtasis. Mucho tendría que ver estas ideas con lo que la gran influencia religiosa que inducían a Pete a sumergirse en estos mares. Meher Baba, quien decía ser un avatar de Brahman y el filósofo Inayat Khan, un músico sufista que había escrito acerca de la conexión entre las vibraciones y el sonido con el espíritu humano. Tras quedar trunco este proyecto, como mencionamos antes, parte del gran numero de canciones que había compuesto Pete, quedaron relegadas para conformar "Who´s Next". A través de los años el guitarrista no se olvidaría de "Lifehouse" en absoluto. Por ejemplo entre 1971 y 1972, The Who lanzaron los singles "Let's See Action", "Join Together" y "Relay", que eran canciones que iban a ser parte de "Lifehouse". En 1975, se incluyó la canción "Slip Kid", originalmente escrita para "Lifehouse", en el álbum de The Who "The Who By Numbers".

En medio de este contexto histórico de la banda, se gesta este fundamental disco. Vale destacar que esos primeros años 70´s encontraban a los cuatro integrantes en quizás su mejor momento. Podemos afirmar con todo lo que suponía "Lifehouse" que Townshend estaba en un momento de máxima inspiración espiritual y creativa. El sonido de la banda comenzaba a llevar a su máximo esplendor un naciente hard rock con el plus de la experimentación, gracias a las infinitas preocupaciones de Pete en innovar con todos sus recursos tecnológicos. Un naciente rock progresivo dejaba acariciar a las canciones sin perder su raíz de R&B por supuesto. Roger Daltrey comenzaba a emparentar su carraspeada voz hacia el hard rock y las dos columnas rítmicas combinadas que proporcionaban las explosivas baquetas del irrepetible Keith Moon y los arácnidos dedos de el bajo de John Entwistle se encontraban más sólidas que nunca. Por cierto, este ultimo comenzaba ya a comprometerse mas también con su labor compositiva.

"Baba O'Riley" nos introduce a la obra como una verdadera declaración de principios por parte de Townshend. El nombre de la canción es una fusión de los nombres de los dos gurús del guitarrista la parte filosófica y espiritual de la mano de Meher Baba y las musicales minimalistas de Terry Riley. Ya el comienzo alerta lo que traía entre manos, una intro electrónica , toda una novedad para la época. Esta intro de sintetizador es una especie de mágica fuga a la que al poco tiempo un acorde de piano (tocado por Pete) comienza a guiar a los demás instrumentos a que se sumen, el ultimo es por cierto el acorde eléctrico del clásico "molinete  Townshend" de guitarra eléctrica que genera una especie de fusión entre lo electrónico y el hard rock. Los potentes ritmos de batería respaldados por sólidos y pegadizos riffs de bajo, dan paso a una ruptura repentina en la música, donde Pete canta con gracia "Don’t cry, don’t brace your eye. It’s only teenage wasteland". Lo peculiar de "Baba O'Riley" es lo remarcable de su estructura, lleva la delantera, da catedra de como debe ser un tema de rock. Al momento en que Daltrey grita " They are all Wasted!!!..." comienza un claro quiebre hacia el final sublime y esa inolvidable y acelerada coda de la canción. Keith Moon había propuesto la inclusión de un violín y asi fué, la canción entonces queda con claros aires irlandeses y por supuesto hindúes en homenaje a Meher Baba. El violín fue ejecutado por Dave Arbus y cuando se tocaba en vivo Roger susplantaba el violín por un solo de armónica. El concepto de la intro tan inmortal y característica de la canción encierra una buena historia y encausa, como gran parte de el disco, a reforzar y hacer mas recurrente el protagonismo de sintetizadores en la música rock. Townshend introdujo el año de nacimiento de Meher Baba en un sintetizador, el cual generó sobre la base de esa información, los acordes introductorios de la canción. Aquellos acordes habrían sido la música de fondo para "Baba O'Riley", pero finalmente, la secuencia frenética (que se asemeja al traqueteo de una rueda de ruleta) fue interpretado por Townshend en un órgano Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1, instrumento que le dio la marimba repetitiva a la introducción. Dentro del mundo de la opera de "Lifehouse", "Baba O'Riley" se llama "Teenage Wasteland" iba a durar 30 minutos y seria utilizada como una canción cantada por el personaje Ray, un granjero escocés que en el comienzo del álbum se reúne con su esposa Sally y sus dos hijos para iniciar un éxodo a Londres. Pero es indudable que la letra remite a a la filosofía de Meher Baba , una lucha entre la decadencia espiritual y el no dejarse estar .

La existencial "Bargain" comienza con una pieza de guitarra acústica decorada con un efecto de volumen en la guitarra eléctrica. Instantáneamente se torna rockera con un enérgico Daltrey expresando el sentido del tema. No es mas que otro homenaje de Townshend a las enseñanzas de Baba acerca de la disolución total o parcial del ego y del desapego al mundo materialista: "Con mucho gusto me perdería para encontrarte. Con gusto dejaría todo lo que tengo .Para encontrarte yo sufriría cualquier cosa y estaría alegre" y bien el estribillo: "Yo diría que es una baratija lo mejor que he tenido.". Y luego de una forma parecida a "Baba O'Riley" es interrumpida  por un suave pasaje con el canto de Pete que vuelve a aludir con toda devoción a Baba: "I know I'm worth nothing without you" ("se que no valgo nada sin ti"). La canción vuelve a convertirse en un rock duro mediante un hilo conductor marcado por un pegadizo sintetizador ARP que sobre la coda del tema vuelve aparecer mientras vuelven a encontrarse las dos guitarras del principio. La armoniosa "Love Ain't for Keeping" una de las piezas acusticas mas recordadas de la banda. Gran armonía de las voces y grandes arreglos countrys para destacar. Iba a ser incluida "Lifehouse", habla una vez mas de el granjero escocés Ray y de la vida con su pareja en comunión con la naturaleza. Cantada y compuesta por el gran John Entwistle "My Wife" cuenta en tono de ironía la historia de un hombre que va a beber la noche de un viernes. Al no regresar a casa, su esposa asume que está con otra mujer (a pesar de que este fue arrestado en la realidad) y se enoja. La canción detalla posteriormente, los diversos modos en que el hombre trata de protegerse de su esposa, incluyendo la contratación de un guardaespalda y el escape en un auto. Al ser una composición totalmente del bajista, John ejecuta gran parte de los instrumentos. Ademas del bajo se luce con el piano y el corno francés. Cerrando lo que era la cara "A" de la versión en vinilo, "The Song is Over". Con la voz principal de Townshend pero con estribillo cantado por Roger Daltrey acompañado por la linda ejecución de piano a manos de Nicky Hopkins. Pete había declarado que era una canción con un aura de angustia y melancolía pero también con aire de optimismo (sobre todo en la parte cantada por Roger). Una canción de cambios de ritmos, con excluyentes trabajos de pianos y sintetizadores, y con un bajo para sacarse el sombrero, tan simple que es como un "plus" percusivo para para la versátil batería de Keith. Sobre el final cuenta con un fragmento de "Pure & Easy" canción que al año siguiente aparecería en el tercer álbum solista de Pete "WHO CAME FIRST (1972)", y años mas tarde en el disco "Odds & Sods".

Una de las grandes baladas que no podían pasar desapercibidas, "Getting Tune". El buen gusto de los Who en todo su esplendor. Voces amalgamadas que erizan la piel, la gran interpretación del piano de Hopkins, el bajo melódico de John una vez mas, más que excluyente, la dualidad entre esa suavidad de la balada en contraposición a la parte hard rock excelentemente lograda, un tema que comienza en plan tranquilo y va creciendo singularmente en intensidad. La letra parece advertir los problemas de los músicos a la hora de componer (quizás haya sido a propósito): "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". El "country blues rock acustico" de Pete una vez mas a la orden del día con "Going Mobile". Aquí no solo es un simple blues, el guitarrista deja espacio a la experimentación, claro está. Vislumbramos toques de sintetizadores y efectos de guitarra. Se pueden escuchar los "wah - wah" y filtros entre desenfrenados ritmos de batería unicos. Como también formaria parte de la abandonada opera "Lifehouse", la letra evoca los sentires de la vida en la carretera  de el granjero Ray que junto con su esposa Sally y su familia, viajan al sur en su camioneta herméticamente cerrada.


El final de "Who´s Next" está marcado por dos himnos o clásicos de la banda y de los años 70´s, que han dejado sin duda algunas huellas en la historia del rock y la música, seguramente para siempre. Nos referimos a "Behind Blue Eyes" y a "Won't Get Fooled Again". La primera una inspiradisima balada otra vez con esa dualidad que venían demostrando con "Getting Tune", de suave comienzo y con una parte dura. Comienza con el suave arpegio de Pete con la voz de Roger a la que se le acompaña la voz del mismo y armonías vocales melancólicas pero únicas. Pasasada la mitad del tema se produce el quiebre a una atmósfera ultra rockera, donde si uno presta atención el riff de guitarra al final de esta parte, también es usado en la canción "Won't Get Fooled Again". La coda vuelve a la primer parte tristona. La canción por supuesto fue descartada de la opera estaba entrada en "el malo" de la historia, Jumbo. La letra es un lamento en primera persona de Jumbo, que siempre está enojado y lleno de angustia a causa de toda la presión y la tentación que lo rodea. Pero es obvio que es parte de lo que vivió Townshend por entonces. Era una expresión de tristeza y soledad a raíz de la presión que recibía el músico tras ser el foco creativo de la banda. Se ha versionado muchas veces, siendo quizás una de la mas recordada la de la banda Limp Bizkit en 2003. En la segunda, una vez mas Pete Townshend da rienda suelta a su obsesión por los sintetizadores. La intro es de un característico e hipnotizante pista de sintetizador. La compuso con dos teclados Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1 de 1968, el sintetizador convertía los tonos del órgano de suaves a brillantes y de arriba hacia abajo de manera automática. En su comienzo es interrumpido por potentes acordes de la guitarra marca característica de The Who, que marcan la pauta para que comience el canto de Daltrey. En medio de un ritmo movido y bien rockero la batería con todas las luces, Townshend dibujando electrizantes solos y certeros riffs, mientras que Entwistle se pasea con su Fender Precision Bass que el mismo apodó "Frankenstein" y siempre detrás la envolvente "onda sintetizada".  Llegando casi al final la intensidad de los instrumentos disminuye para dejar a esta "onda" de sintetizador sola, para ser interrumpida por un inmortal solo de Moon, seguido por un largo grito de "Yeaaaaahhhh!!!!"de Daltrey dando un final atronador. Una canción única e inmortal para la historia del rock n roll. Pete critica la revolución y el poder poniéndose en un plano inamovible: "...No nos dejaremos engañar o tomar por tontos de nuevo..." y anteponiendo lo espiritual y musical, de ese momento en su vida , de ahí a un rock  con experimentación en sonidos y su conexión clave con Meher Baba. Bastante tiempo después declaró que no era una canción que condenara estrictamente a la revolución (de hecho la canción dice: "lucharemos en las calles")  pero que la revolución, como toda acción puede tener consecuencias que no podemos predecir. También aseguraría que: "No hay que esperar ver lo que esperas ver. No esperes nada y puedes tenerlo todo. La canción estaba pensada para que los políticos y revolucionarios por igual conocieran que lo que es central en mi vida no estaba en venta, y no podía ser asimilado por ninguna causa obvia.".

El disco tubo una grandiosa aceptación y éxito comercial fue considerado por varios críticos de por entonces como el mejor álbum del grupo. Robert Christgau, escribiendo en The Village Voice, lo denominó como "el mejor álbum de hard rock en años" y dijo que, mientras que sus grabaciones anteriores se veían empañadas por un sonido fino, el grupo "alcanza ahora la misma inmediatez resonante en el estudio que consigue en directo". Es mas que obvia la influencia y lo que ha significado en el rock este álbum. Marca el final de los 60´s para la banda... y claro para el rock tambien, por que da la casualidad que esta banda ha contribuido , por supuesto en la historia de este bendito genero. Sin buscar demasiado vemos cuando Pete dice "The song is over ", "la canción se ha terminado"... pero abrimos toda una nueva era detrás. La portada es otra genialidad, tomada en Easington Colliery, muestra a la banda aparentemente después de orinar en un monolito situado dentro de un supuesto basurero. La fotografía se ve a menudo como referencia al monolito descubierto en la Luna en la película "2001: odisea del espacio", que había sido estrenada sólo tres años antes. Pete Townshend declaró que era una respuesta irónica a Stanley Kubrick por su rechazo a dirigir la película de "Tommy". Un primitivo diseño de la portada había ofrecido fotografías de mujeres obesas desnudas, que nunca aparecieron en el álbum. Contó con una portada alternativa que mostraba a Keith vestido en lencería negra, sosteniendo un látigo de cuero y llevando una peluca marrón. La edición del álbum que obtenemos aquí es la "Deluxe" siendo un disco doble. El disco uno atesora los nueve temas originales con seis canciones mas, incluidas las versiones inéditas de "Gettin' in Tune" y "Won't Get Fooled Again" y el embrión de "Pure and Easy". El segundo es el concierto ofrecido por el grupo en el teatro Young Vic de Londres el 26 de abril de 1971 con alguna que otra perlita.



Lista de Temas:


Disco 1:

1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Baby Don't You Do It (versión extendida) (Holland-Dozier-Holland)
11. Getting in Tune
12. Pure and Easy (versión alternativa)
13. Love Ain't For Keeping (versión eléctrica)
14. Behind Blue Eyes (versión alternativa)
15. Won't Get Fooled Again (grabación en New York)


Disco 2:

1. Love Ain't for Keeping
2. Pure and Easy
3. Young Man Blues
4. Time Is Passing
5. Behind Blue Eyes
6. I Don't Even Know Myself
7. Too Much of Anything
8. Getting in Tune
9. Bargain
10. Water
11. My Generation
12. Road Runner (Bo Diddley)
13. Naked Eye
14. Won't Get Fooled Again


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miércoles, 21 de junio de 2017

Marillion - Brave (1994)


"Un puente no es un lugar alto"...

La primer obra maestra de Marillion de la etapa post Fish, es por supuesto "Brave" que es el tercer disco de la banda desde la entrada de este histriónico y maravilloso cantante Steve Hogarth. Luego de la ida de Fish, Marillion atravesó una leve disolución, hasta que posaron su mirada en este versátil vocalista que estaba más relacionado a la "New Wave" más que al rock progresivo que venían pregonando junto con Fish. Hogarth venía de la agrupación The Europeans, llegando para completar las maquetas que Marillion tenía previstas para el nuevo trabajo de esta nueva etapa "Seasons End" aportando esta impronta "new wave" que mencionamos. En 1991 vendría su segundo trabajo junto a la banda "Holidays In Eden", siendo el primero que escribió completamente junto a sus nuevos compañeros. Contenía un "pseudo hit" titulado "Dry Land", la cual Hogarth había escrito y grabado en un con proyecto anterior con la banda How We Live. Sinembargo esta influencia "pop" no terminaba de calar hondo en el sentimiento de los fans de Marillion. Es por eso que seguido a este álbum, decidieron embarcarse en este ambicioso trabajo de concepto y recuperando la faceta progresiva, en lineas generales lúgubre y oscuro, que terminaría hasta inspirando a una película y todo. Basado en una nota periodística que el cantante Steve Hogarth escuchó en la radio sobre una chica que es arrestada por la policía por estar vagando en el Puente de Severn, al parecer dispuesta a cometer suicidio. Steve escribió una historia ficticia basándose en sus suposiciones sobre la vida de esta infortunada chica quien estaba en estado de amnesia. Analizando el motivo de la cruel decisión de esta, Hogarth con la ayuda del letrista John Helmer (quien con este disco comienza una larga colaboración con la banda), hace un riguroso examen sociològico. En "Brave" vamos a encontrar un abanico de problemáticas tan comunes por estos tiempos: la contaminación ambiental los lamentos familiares, denuncias, criticas a la sociedad conservadora y de consumo, la violencia intrafamiliar, el abuso sexual y a esas personas que desvirtúan la práctica de la religión, entre otras hierbas.

¿Qué es entonces lo que nos plantea "Brave"?. Ya desde el génesis del álbum se deja entrever el tono del disco con la atmósfera densa de "Bridge", con el personaje de una depresiva chica que se planta al borde del puente para saltar al río en un acto suicida. "Bridge" es un planteo extremadamente cinematográfico, ruidos y elementos sonoros hacen lo suyo: el ruido de la brisa, el flujo del agua en el río, unos susurros femeninos casi hundidos en el más puro silencio, gaviotas, radares de policía, y las sirenas de los barcos de transporte acompañados por capas y capas de sintetizadores. Luego irrumpe la voz de Hogarth a solas con el piano de Kelly y hace un breve canto inicial describiendo el panorama: la chica al borde del suicidio, los flashes de las cámaras, la luz del amanecer entre la niebla y el rugido del tráfico que es levemente interrumpido por la radio de la policía, que intenta pedirle sus datos, a lo que ella se niega. De inmediato, como el carácter conceptual y dramático del disco lo reclama, se engancha convenientemente con el siguiente track, "Living With The Big Lie". Aquí se plasma como en un lienzo todo el dolor contenido de la muchacha suicida, como en un torbellino y con diferentes climas, expresa su situación mezclandola con su entorno, llegando hasta a globalizarlo en su contexto histórico. Claros ejemplos de esta dualidad en la lírica de Hogarth: "Los colores permanecen inmóviles. Y luego se mueven entrando y saliendo fuera de foco y al revés. Árboles de invierno vacíos. Cómo se siente el espacio. Amor de lo suave ... las flores y el cielo..." o bien :"El balbuceo de la familia y la TV muda .El rugido del tráfico y el trueno de los jets. Químicos en las aguas. Drogas en la comida. El calor de la cocina y el ritmo del sistema... La guerra fría se fue. Pero esos bastardos nos encontrarán otra. Están aquí para protegerte, ¿no lo sabes?..." Sinembargo hay resignación y por que no cierta aceptación sobre el final: "No creer en los líderes, los medios de comunicación que nos alimentan. Viviendo con la gran mentira, Te acostumbras. ¡Acostumbrarse a él!. Está bien, me acostumbré", lo que parece adentrarnos a un clima mas calmo para la siguiente cancion, "Runaway". Una bien lograda estructura de 3/4 , con un buen estribillo, describe el escape de casa de la chica . Otra problemática bien conocida en los 90´s: los adolescentes fugitivos.

"Goodbye To All That" es la suite infaltable, de cinco movimientos. Una gran demostración del talento inherente a nivel compositivo de la banda en conjunto. Lo inverosímil que les resulta conformar una bien lograda armazón de diversas ideas musicales dentro de un esquema coherentemente unitario. Antes de iniciar con los movimientos, hay una "reprise" de menos de un minuto de "Bridge" que evoca al momento en que buscan a la chica tras su aparente fuga.
Un perfecto relax para adentrarnos en un pasaje que conecta en manera "in crescendo" enganchando a el desenfreno de los dos movimientos siguientes, "Wave" y "Mad", en este último se luce un gran arreglo de Rothery para el recuerdo. Estos dos movimientos expresan parte de el frenesí de la chica: "Sé que siempre estoy cayendo del borde del mundo. Tengo espacio en mi cama. Tienes a Egipto en tu cabeza. Tengo una cabeza de Troya, arañas y a Carlomagno. Fuegos artificiales y juguetes... ". Luego "The Opium Den" y "The Slide" movimientos de carácter etéreo y en cierto modo como un opio musical, con la voz de Hogarth y de la chica susurrando, pinceladas de guitarras y buen acompañamiento de teclados. Estos pasajes instrumentales llegan a tornarse experimentales y su sutilidad llega a ser hasta sensual.  Sobre el final otro enganche "in crescendo" para llegar a el ultimo movimiento "Standing In The Swing" de corte pop con un final fuerte que da un excelente pie para la siguiente canción. "Hard As Love" un comienzo ultra rockero y contundente. Este comienzo hace pensar que hubiese sido planificada para convertirse en un hit radial. Pero la presencia de un interludio (que recuerda mucho al Marillion de la época final con Fish) por la mitad de la canción , nos hace pegar la vuelta hacia el concepto dramático del álbum. Se destacan los acertados riffs de Rothery y un excluyente solo de Hammond de Kelly. Pronto todo vuelve al estado crepuscular y tristón, con la lánguida y lacrimógena balada "The Hollow Man".  Hogart conmueve con su nivel de melancolía, con un acorde acompañamiento de piano al que luego se le añaden los demás instrumentos. De carácter netamente confesional, el torturado relato de Hogarth ha sabido perfectamente encajar en corazón desgarrado y oscuro discurso del disco: "Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos. Como un brillo en el exterior más de estos días. Puedo sentir el exterior alimentándose de mi interior dejando una oscuridad creciente en su lugar. Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos... Los hombres huecos pueden detenerte con un abrir y cerrar de ojos. Los hombres huecos pueden llevarte sin siquiera llegar. Los hombres huecos te tienen mucho antes de que te des cuenta. El veneno paraliza...".

"Alone Again In The Lap of Luxury" aporta la cuota "pop rockera" al trabajo, una de las mas recordadas. La letra de Hogarth, una vez más radica en la critica de ciertas problemáticas sociales. Como bien dice el titulo " a solas otra vez en el regazo del lujo", ofrece la cruda y fuerte visión de la vida familiar de la chica con abusos incluidos. Fuertes indicios de esto serían: "...mamá siempre fue una tonta por el dinero y el encanto..." o "...èl ha estado hablandome en sueños otra vez, diciendo que lo lamenta, llamando mi nombre. Diciendo lo avergonzado que está... Desde que ocurrió yo no tenia nada que decir, solía molestarles, pero ahora esta bien, mi madre limpia la espantosa casa de él todos los días, frotando las manchas que no van a desaparecer...". La version del video clip y que mas se comercializó es menos extensa. La incluida en disco es la original que incluye sobre el final el movimiento "Now Wash Your Hands", repasando una vez mas, las atmósferas mas etéreas de "Brave". "Paper Lies" de gran presencia hard rock, con cierto aires al llamado "soft rock" por que no al "rock industrial" y al denominado "AOR" (Adult Oriented Rock). Un momento movido, para alistarnos a el final super dramático que se trae entre manos el álbum.

Parte del el emotivo final comienza con el homónimo "Brave" que junto a "The Great Scape" tienen la ardua tarea del cargar con todo el drama emocional que la historia en si conlleva, y por cierto se la arreglan muy pero muy bien. "Brave", entonces, incurre en su máximo esplendor en toda la coloratura de la voz de Steve Hogarth.  Regida por capas y cortinas de diversos teclados, hallaremos una efusiva impronta bucólica y/o folk/celta gracias a la inclusión de flautas. Sobre el final se destaca un gran interludio bucólico, ayudado por sonidos y efectos de sonidos de la naturaleza, juegos guturales y vocales de Hogarth y extraños susurros de voces femeninas por detrás. Por cierto, cabe destacar que estos sonidos fueron grabados cuando la banda se trasladó al castillo de Marouette en Francia durante la grabación del álbum. La influencia de estos alrededores se puede escuchar a lo largo del álbum en una gran cantidad de atmósferas inquietantes. La letra nos indica que está llegando el esperado desenlace, con el escape de la protagonista de casa: "¡Que valiente, valiente chica!, nunca ha amado antes. Así que lo intentó a su propio modo, para encontrar el corazón de la rosa apretada. Ella se fue ahora. Pero oh!, ella duele, ella duele. Él buscará hasta que encuentre una manera de atrapar los días. Ve su tristeza en su cara. Ella está dentro de ti y ella está llorando.". De inmediato hace su aparición el gran final "The Great Scape" sublime y de desgarradora tristeza y belleza a la vez. Aqui en una rafaga, volvemos a el comienzo del disco, al borde del puente, todo los dramas atravesados y vivencias en álbum, se resumen en este gran final. La letra co compuesta con Helmer, narra el triste desenlace de nuestra protagonista entre una ebullición de sentires, que van desde el rechazo de un amor no correspondido, un rencor contenido y la locura. Es particular como se expresan dos suicidios. Uno a los ojos de los hombres y otro a los ojos de los Dioses, por ejemplo: "No me preguntes por qué estoy haciendo esto. No lo entenderías. Estás haciendo las preguntas equivocadas. No podrías entender. Un puente no es un lugar alto. El piso cincuenta y dos. Ícaro lo sabría... Soy ceniza en el agua ahora, en algún lugar lejano. He caído, caído de la luna.". Musicalmente se destacan el buen manejo de los climas con sólidas bases del bajo de Trewavas y con un gran solo de Rothery. Para darle un final positivo vuelven los sonidos campestres, intentando expresar que pese al doloroso final, el mundo sigue girando y la vida continua. "Made Again" remata a el álbum, con sus buenas vibraciones. Aparentemente no tiene nada que ver con el concepto, es una especie de canción de cuna que pese a ser letra enteramente de Helmer, dicen que fue ideada para la por entonces recién nacida primogénita de Hogarth. Es por eso que deja un sabor de final abierto, con un nacimiento...

Sin ningún lugar a dudas "Brave" ha sido y es "La" gran obra maestra del progresivo moderno de los años 90´s. Marcaría pauta para un buen numero de bandas y/o álbumes de la época, como así también algunos de los siguientes trabajos de Marillion con Hogarth. Sin ir mas lejos, al año siguiente, los Radiohead con su excluyente trabajo "Ok Computer" grabaron sonidos ambient en la misma cueva cercana a el castillo de Marouette en Francia, donde había grabado Marillion para "Brave". Radiohead también utilizó a el mismo ingeniero de sonido que había trabajado en el disco "Fugazi" (1984) con Fish, Dave Meegan. La recepción por parte de sus fans fue buena, pero en general las ventas de "Brave" no fueron lo esperado. Poco después de su salida, la banda había manifestado su deseo de crear una película o un corto con el concepto de el mismo. A pesar de las malas ventas, EMI accedió y la compañía consigue firmar contrato con el director de cine de culto Richard Stanley. Es así como nace el proyecto de un film de 50 minutos. Esta película cuenta la historia en imágenes acompañadas de todo el disco "Brave" menos "Paper Lies" y la canción final "Made Again". En el disco, se deja ambiguo si el personaje principal se suicida al final. En la película, ella lo hace. Por lo tanto, "Made Again", que concluye la historia en el registro como un final feliz, no está incluido. Película altamente recomendable, y como dice en la parte trasera de la cubierta del DVD "Míralo bien fuerte con las luces apagadas.". El disco tiene tres cortes de difusion "The Great Escape", "The Hollow Man" y "Alone Again in the Lap of Luxury", en ese orden de aparición y sus videoclips están extraídos justamente de esta película. Como era de esperarse de este blog, les ofrecemos la versión remasterizada de 1998, que incluye un CD extra. Allí tendremos bastantes versiones diferentes, demos no publicados e instrumentales de algunos temas y tomas extras como "Marouette Jam" o "Winter Trees". Hay un track escondido tras "The Great Escape (Spiral remake)" luego de 26 minutos de silencio, llamado Scott Joplin's "The Entertainer". Pero uno de los tracks que mas se destacan es la bellísima versión orquestada de "The Great Scape", acompañada por la Filarmónica de Liverpool. En 2013 se editó en formatos de CD, DVD y Blu-Ray "Brave Live 2013" grabado en vivo en "Marillion Weekend en Centre Parcs" en Holanda. Un importante show sin precedentes, donde interpretaron "Brave" entero. Se aprecia un gran trabajo de efectos y toda la teatralidad de la mano de Hogarth, de ese concierto más bajo compartimos "Hard As Love".


Personal:

Steve Hogarth: voz, coros, teclados y percusiónes adicionales
Steve Rothery: guitarras electricas, acusticas y midi
Mark Kelly: teclados, coros
Pete Trewavas: bajos, guitarra acústica, pedales bajos, coros
Ian Mosley: bateria, percusión
Tony Halligan: flautas celtas
Filarmónica de Liverpool (cellos y flauta – arreglos de Darryl Way)


Lista de Temas:

1. Bridge
2. Living With The Big Lie
3. Runaway
4. Goodbye To All That
    (i) Wave
    (ii) Mad
   (iii) The Opium Den
   (iv) The Slide
    (v) Standing In The Swing
5. Hard As Love
6. The Hollow Man
7. Alone Again In The Lap of Luxury
    (i) Now Wash Your Hands
8. Paper Lies
9. Brave
10. The Great Escape
    (i) The Last Of You
    (ii) Falling From The Moon
11. Made Again


CD Bonus tracks:

1. The Great Escape (Versión Orquestada)
2. Marouatte Jam
3. The Hollow Man (Acustico)
4. Winter Trees
5. Alone Again in the Lap of Luxury (Acustico)
6. Runaway (Acustico)
7. Hard as Love (Instrumental)
8. Living with the Big Lie (Demo)
9. Alone Again in the Lap of Luxury (Demo)
10. Dream Sequence (Demo)
11. The Great Escape (Spiral Remake)


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Otros discos de Marillion disponibles:

1983 - Script for a Jester's Tear