miércoles, 22 de junio de 2016

Federico Moyano - Vida Vidala (2014)


"Vida Vidala" es el primer trabajo en solitario del guitarrista y compositor marplatense Federico Moyano. Se había destacado años antes con otros proyectos con la agrupación BERRO D´AGUA y con el DUO CRIANZA.Otra vez se rodea de un buen sustento de músicos marplatenses para registrar un puñado de excelentes composiciones con el fin de musicalizar el cortometraje "Hilos".

Nos encontraremos con un trabajo 100% instrumental con composiciones incidentales que van desde la milonga, el tango, el jazz y el folclore. Otras de fuerte carácter intimista como por ejemplo la hermosa "La Llave (parte 1)", que por su resplandeciente luminosidad, sin dudas nos transportará de vuelta a los mas diáfanos sentires de la niñez.



Personal:

Daniel Alberola: saxo
Federico Moyano: guitarra
Matias Cuello: bajo
Pablo Gonzalez: bandoneón
Tomás Perez: bateria
Melina Coria: piano




Lista de Temas:

1. A Los Santos (Milonga Candombe)
2. La Llave (Parte 1) (Canción)
3. Vida Vidala (Intro) (Lamento)
4. Vida Vidala (Lamento)
5. La Llave (Parte 2) (Canción)
6. La Llave (Parte 3) (Canción)



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martes, 24 de mayo de 2016

Bob Dylan - Blood On The Tracks (1975)


Al momento de analizar los mejores discos de Dylan de la década de los 70, seguramente tendremos una cita obligada con este de mediados de la década, el gran "Blood on The Tracks". Un álbum que también se podría ubicar como uno de los mejores de la historia del rock y de la música popular contemporánea. Este trabajo es como una vuelta a casa para Dylan ya que vuelve a grabar para el sello Columbia, luego de registrar dos álbumes para Asylum Records, "Planet Waves" y el doble directo con The Band, "Before The Flood" ambos de 1974.

Una constante de Bob Dylan es reflejar en sus trabajos las diversas situaciones en la que atraviesa su vida. A pesar de que Dylan nunca ha admitido que las letras en este álbum reflejan su vida personal, ni que tampoco son "confesiones", sino que están inspiradas en los cuentos cortos del autor ruso Anton Chekhov, "Blood On The Tracks"  hace alusión a su angustiosa y critica separación de por entonces su esposa Sara Lowndes. Inclusive el hijo de ambos, Jakob Dylan, ha mencionado que la letra de la canción “Idiot Wind” y muchas otras del álbum son sus padres discutiendo. Canciones con letras que hablan de desamor, ira, soledad, dudas, reproches y demás, están a la orden del día. Por esas épocas Dylan ya tenia en su haber composiciones que hablaban de estas temáticas, pero abordadas desde su lado, desde el despreocupado o rompecorazones que una estrella de rock como el siempre fue. Ahora tenemos a un Dylan lastimado, con una angustia desgarradora, el esta allí, solo con la guitarra. Es así como "Blood On The Tracks" funciona como un retrato de su situación de por aquel entonces (no es raro decir lo de retrato, ya que aun seguía aprendiendo pintura), abordando todas las decepciones, rupturas y desamores que sufrió por aquel entonces. Desde triángulos amorosos, sentimientos de culpa y hasta las mas viscerales escenas de discusiones. En un principio Dylan deseaba que el sonido sea mayormente eléctrico. Queria continuar con esa linea que tanto habia revolucionado en "Blonde On Blonde". Fue entonces que quizo contar con Mike Bloomfield, guitarrista con quien había trabajado anteriormente en "Highway 61 Revisited". Dylan le muestra las composiciones, pero Bloomfield no logra aprendérselas. El guitarrista comentaría sobre las mismas: "Todas comenzaron a sonar igual para mí, todas estaban en la misma clave, todas eran largas. Fue una de las experiencias más extrañas de mi vida. (Dylan) tuvo una especie de cabreo porque no las recogí". Este fue uno de los motivos principales de por que Dylan decidió que "Blood On The Tracks" sonara acústico y prácticamente sin banda. También tubo la oportunidad de exhibir sus canciones ante algunos de sus amigotes. Visitó a Neil Young y también se da el lujo de ensayar el repertorio con la banda de este mismo, Crazy Horse. Otros privilegiados en escuchar el híbrido del álbum fueron David Crosby, Graham Nash, Tim Drummond, Peter Rowan y Stephen Stills. Este ultimo se mostró disgustado por la actuación de Dylan, y poco después de que el abandonara la habitación, le dijo a Nash: "Es un buen compositor... pero no es un músico".

Dylan quiso un concepto mas fresco y espontaneo de las doce canciones que tenia listas para registrar. Fueron grabadas en cuatro días, del 16 al 20 de septiembre de 1974 en A&R Recording Studios de Columbia en Nueva York, dando lugar a unas de las sesiones más adoradas por sus fans. El ingeniero de sonido fue Phil Ramone, quien recuerda hechos significativos, como que Dylan grababa las canciones una tras otra como en "popurri" y cambiaba la estructuras de las canciones sobre la marcha (versos, estribillos,etc.), cuando uno menos se lo esperaba. Eric Weissberg y su grupo, Deliverance, fueron reclutados como músicos de sesión, pero fueron rechazados a los dos días de comenzar las sesiones porque no podían mantener el ritmo de Dylan. El único que se quedó fue el bajista Tony Brown y al poco tiempo se sumaron el organista Paul Griffin y el guitarrista Buddy Cage. Luego de diez días y cuatro sesiones, Bob Dylan terminó de grabar y mezclar las canciones. En el momento en que Columbia tenia preparado el lanzamiento del long play, en noviembre del 74, Dylan cambia de parecer y le comunica al sello discográfico que tenia en mente importantes cambios para el álbum. Entre el 27 y el 30 de diciembre de ese mismo año, en los Sound 80 Studios de Minneapolis (Minnesota), con músicos locales, contratados por su hermano David Zimmerman, regrabó algunas canciones ("Idiot Wind", "You’re a Big Girl Now", "Tangled Up In Blue", "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" y "If You See Her, Say Hello"). Finalmente, "Blood On The Tracks" vio la luz el 17 de enero de 1975. Algo para destacar es que en los créditos no figuran los músicos contratados por Zimmerman que participaron en Minnesota.

Ya el comienzo nos alerta lo que estaba perpetrando con los versos iniciales de todo un clásico de su carrera, "Tangled Up In Blue": "Una mañana de sol brillante, muy temprano, aún en la cama. Preguntándome si ella cambió. Si aun su cabello es rojizo..." Con esta canción Bob Dylan, de alguna manera, inauguraba su estilo de canciones "multidimensionales" que mezclan la noción del tiempo y del espacio. Declararía sobre esta temática: "Lo que hay de diferente sobre esto es que existe un código en las letras, y no hay sentido del tiempo. No hay ningún respeto por esto. Tienes el pasado, el presente y el futuro en la misma habitación, y hay poco que no puedas imaginar que esté sucediendo." Letra de carácter triste, que sin ninguna duda habla sobre un amor que ha terminado, pero no por su parte. Dylan recuerda con melancolía, como conoció a la chica en cuestión. El acompañamiento musical es emotivo y melancólico mientras recita sus recuerdos: "Ella estaba casada cuando nos conocimos y lo intentamos. Rompimos en una noche triste y oscura, ambos sabiendo que era lo mejor. Se giró mientras me marchaba y la escuché decir sobre mi hombro: nos veremos algún día en la avenida. Envueltos en tristeza. Ella trabajaba en un antro de topless, donde entré para tomar una cerveza. Estudió las arrugas de mi cara y me sentí incómodo cuando se agachó para abrocharme los cordones de los zapatos. `Pensé que nunca me saludarías´, dijo, `pareces un tipo callado´." Lo particular de "Tangled Up In Blue" es que si bien es una canción en que se repite la melodía de cada estrofa, subrayando con sus acordes lo que Dylan recorre con voz emocionada, su final esta impregnado de armónica y guitarras, otorgándole un toque mágico en la melodía que parece ser mas movida, dejándonos un sabor optimista. La desdicha de Dylan sigue su recorrido con la descriptiva "Simple Twist Of Fate", remite a un encuentro y posterior desencuentro de la pareja, en un parque al atardecer. "Se sentaron juntos en el parque, cuando al atardecer se oscurece el cielo, ella le miró y él sintió un chispazo estremeciendo sus huesos, fue entonces cuando él se sintió sólo y deseó enmendarse. Caminaron por el viejo canal y entraron en un hotel extraño, con un neón resplandeciente. Sonaba un saxo en algún lugar lejano... ella arrojó una moneda en la taza de un ciego a la entrada y se olvidó de cualquier simple giro del destino...". Luego un tramo con armónicas para dar augurio del fatal desenlace: "Él se despertó, la habitación estaba vacía, no la veía por ninguna parte, se dijo que no debía preocuparse... Oyó el tic-tac de los relojes y paseó con un loro que hablaba buscándola por los muelles... Yo todavía creo que ella era mi alma gemela pero perdí el anillo...¿Cuánto deberé esperar? Una vez más debido a un simple capricho del destino." Ante ese panorama, llega la consecuente reflexión con "You're A Big Girl Now": "Nuestra conversación fue breve y agradable casi me hizo perder el pie y estoy otra vez bajo la lluvia, oh, oh y tú estás pisando tierra firme, de algún modo lo has hecho, eres una gran chica".

Así y todo la furia contenida debía desatarse en uno de los mejores momentos del álbum "Idiot Wind". Una de las mas extensas canciones de la placa, Dylan descarga su odio a lo largo de casi de ocho minutos de furia incandescente, como el mejor lo sabe hacer. A diferencia de la primera versión grabada en Nueva York, que era solo con guitarra acústica, esta es con la banda completa, y para destacar al propio Dylan en los organos. Pero el verdadero enganche de la canción es la letra. Sin dudas un mezcla de violencia y belleza que alguna vez le dió excelentes resultados con "Like A Rolling Stone". Desde el comienzo apunta a alguien o a algunos que han levantado sospechas sobre su persona. No podemos saber quien puntualmente, quizás la prensa amarillista, o quizás sean las sospechas sobre algún personaje ficticio creado por el mismo Dylan, ¿o quizás su alter ego?. Y luego, como no podía ser de otra manera a la mujer que hirió sus sentimientos. Entre el torbellino poético/protestante de Dylan vemos recriminaciones tales como: "Fue la gravedad lo que nos hizo bajar y el destino lo que nos separó. Tú domaste al león de mi jaula, pero sólo eso no fue suficiente para cambiar mi corazón. Ahora todo está un poco patas para arriba, es evidente que las ruedas se han parado. Lo bueno es malo, lo malo es bueno cuando llegues a la cima te encontrarás abajo del todo.". Su desprecio llega a tal punto que podemos oír cosas como: "Ya no puedo ni sentirte, ni siquiera puedo tocar los libros que has leído...". Y luego el estribillo siempre diferente en sus repeticiones, pero con el final que solo cambia dos veces: "Viento idiota, soplando cada vez que mueves tus dientes. Eres una idiota, nena, es un milagro que aún puedas respirar." Pero luego se reparte la culpa: "Viento idiota, soplando entre los botones de nuestros abrigos, soplando entre las cartas que escribimos. Viento idiota, soplando entre el polvo de nuestros estantes. Somos unos idiotas, nena, es un milagro que incluso sepamos alimentarnos." Ahora los vientos se convierten en leves brisas sobre nuestros oídos y así llega la calma tras la tormenta con "You´re Gonna Make Me Lonesome When You Go". Dylan nos adentra en un paisaje bucólico donde intenta relajarse por un momento, imaginando que aun esta con ella. Pero no se olvida de su cruel abandono y cita el funesto amor de uno de sus poetas favoritos: "...las relaciones han sido todas malas, las mías han sido como las de Verlaine y Rimbaud...". Inaugurando el lado "B" de lo que era la edición en vinilo, nos encontramos con "Meet Me In The Morning", un excelente blues con la inclusión de pedal steel guitar de Buddy Cage, quizás la única canción con guitarras eléctricas del álbum. Esta enmarcada en un típico paisaje norteamericano, sirve para expresar la añoranza de Dylan sobre un encuentro que nunca sucedió.

El compás galopante de "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" remite al típico ambiente del "Far West". La historia o el "western" presenta a un gran numero de personajes alguno de los cuales están representados como cartas de poker, que por otro lado es el juego que una de las protagonistas de la historia estaba disputando. Su complejo argumento parece incurrir en dos temas principales, uno es claramente un asalto y el otro en lo que sería un triangulo amoroso, con crimen pasional incluido. La introducción de armónica prepara el territorio para adentrarnos un escenario de "saloon" pero que en realidad es un cabaret. Jack Of Hearts es el personaje mas importante que ha llegado a una ciudad como líder de una banda de ladrones de bancos. Ademas de el hay un narrador que observa y nos cuenta los sucesos. Lily y Rosemary son las dos mujeres de la historia, el narrador se refiere a Lily en un momento como "princesa" o "pequeña reina" y a Rosemary como "reina sin corona" lo que nos hace pensar que son madre e hija. Luego Big Jim quien es la persona más rica de la ciudad y dueño de la única mina de diamantes y marido de Rosemary. Finalmente el "juez de la horca" quien no puede desempeñar de manera correcta su labor por culpa de una borrachera. El Jack Of Hearts es un personaje enigmático y de temer. Al final de cada estrofa se lo menciona, no hay indicio de sus pensamientos, solo se describen cada uno de sus actos. La historia comienza entonces con los secuaces de Jack Of Heart haciendo un butrón: "La fiesta terminó, los muchachos estaban preparando el golpe, el cabaret estaba tranquilo, excepto por el taladro de la pared...". Luego Jack entra al cabaret para el asombro de todos en la escena: "Atravesó el salón lleno de espejos ,"Bebida para todos", dijo. Entonces todos empezaron a hacer lo que estaban haciendo antes de volver la cabeza". A medida que van entrando en escena cada uno de los personajes, el narrador describe lo que es un triangulo amoroso entre Big Jim, Rosemary y Lily. Lily tenia una relación oculta con Big Jim, pero también sentía cierta atracción por el Jack Of Hearts: "Todo el mundo sabía que Lily tenía el anillo de Jim y que nada se interpondría entre Lily y el rey. No, nada lo haría, excepto quizá la J de corazones.". Big Jim es asesinado, pero hay verdaderamente una nebulosa acerca de quien realmente fue, si Rosemary o el mismo Jack Of Hearts. Las pistas que nos da la canción sobre Rosemary son: "Rosemary empezó a empinar el codo y a ver su imagen reflejada en el cuchillo. Estaba cansada de tanta devoción. Cansada de hacer el papel de mujer del gran Jim. Ella, que había hecho muchas cosas reprobables, que incluso intentó suicidarse una vez. Estaba pensando en hacer algo bueno antes de morir...". Pero luego otra pieza en el rompecabezas del crimen: "Nadie supo todos los detalles, pero dicen que sucedió con gran rapidez. La puerta del camerino se abrió de golpe, un frío revólver chasqueó y el gran Jim estaba allí...". Mientras tanto los camaradas de Jack ya daban por consumado su acto: "Dos puertas más allá los muchachos lograron al fin atravesar la pared y vaciaron la caja de seguridad. Dicen que escaparon con un buen botín...". La historia termina con un cuchillo en la espalda de Big Jim, la soga en el cuello de Rosemary y una Lily reflexiva pensando en sus compañeros, pero sobre todo pensando en el Jack Of Hearts: "Lily se había quitado toda la tintura de su pelo. Estaba pensando en su padre al que veía muy pocas veces. Pensando en Rosemary y pensando en la ley. Pero sobre todo estaba pensando en la J de corazones.". Con semejante historia, dos guionistas John Kaye y James Byron se inspiraron en la canción para una película, pero ninguno de los dos proyectos llegaron a buen puerto. Bob Dylan nunca brindo muchas explicaciones sobre la historia. Según Tim Riley, de la National Public Radio, "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts" es una alegoría intrincadamente evasiva sobre el romanticismo que oculta motivos criminales, así como el camino que la empresa de un personaje desencadena con una serie de recriminaciones a gente que nunca ha conocido.

Después de ese impasse de ficción sobre ficción, Dylan vuelve a la realidad con "If You See Her, Say Hello". Melancólica y con una fuerte presencia de cuerdas. El y Peter Ostroushko tocan la mandolina, mientras que Chris Weber nos deleita con la string guitar. El tono tristón de Dylan intenta hablarle a alguien para que le comunique o le sugiera cosas a un amor anónimo perdido al parecer en Tánger. "Shelter From The Storm", aunque no de indicio, nos da la impresión de escuchar una historia mitológica. Es la historia de un hombre abrumado y desgastado por el tiempo y su entorno, casi sin esperanzas. Dice: "Fue en otro tiempo, un tiempo de fatigas y sangre cuando la negrura era virtud y la carretera estaba llena de barro... Yo estaba quemado de cansancio, enterrado en el granizo, envenenado en los espinos y expulsado del sendero, cazado como un cocodrilo, arruinado en la mies...". Hasta que aparece ella como una visión casi divina para darle ese preciado cobijo: "Ella estaba allí con pulseras de plata en las muñecas y flores en el pelo, se me acercó con gracia y tomó mi corona de espinas. Entra, dijo ella, te daré cobijo frente a la tormenta". Pero no todo es color de rosas, una pared de pronto se cierne sobre ellos. Ahora el esta viviendo en otro país pensando para si mismo: "algún día la haré mía, si consigo dar marcha atrás al reloj hasta cuando Dios y ella nacieron.". En su final y de manera casi apocalíptica "Buckets Of Rain" cierra "Blood On The Tracks". Un conjunto de palabras de tristeza, de cubos de lluvia y de lagrimas, parecen ser la despedida final de Bob Dylan, que sin embargo deja entrever que pese a todo hay una luz de esperanza al final del camino.

Aquellas primeras tomas registradas en Nueva York en 1974 que Bob Dylan descartó y posteriormente reemplazo y que fueron tan alabadas por sus fans, podemos apreciarlas en "The Bootleg Series Volumes 1-3" de 1991 la primer entrega de esos materiales de archivo tan importantes de Columbia. "Blood On The Tracks" es uno de los álbumes mas vendidos de Dylan, certificándose como doble platino. Alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 y el cuatro en la lista de discos más vendidos del Reino Unido.Ya sea por la crisis emocional, la ira, el dolor, el desprecio y todo lo sufrido por su separación o quizás el personaje que logra crear a lo largo del álbum, Dylan con otra obra maestra, el "Blood On The Tracks", nos deja en claro la intención en cada canción, y de alguna manera, lo que bien expresa su titulo. Dejar la sangre en las pistas...



Lista de Temas:

1. Tangled Up In Blue
2. Simple Twist Of Fate
3. You're A Big Girl Now
4. Idiot Wind
5. You're Gonna Make Me Lonesome When You Go
6. Meet Me In The Morning
7. Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts
8. If You See Her, Say Hello
9. Shelter From The Storm
10. Buckets Of Rain


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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love

viernes, 6 de mayo de 2016

Little Feat - Little Feat (1971)


Otra de las tantas bandas que pasaron desapercibidas durante los primeros años de actividad, es decir, fines de los 60. Y que sin embargo fue una de las mas grandes del rock americano de las décadas venideras, sobretodo la de los 70.

Los comienzos de Little Feat se ven estrechamente relacionados a la ciudad de Los Angeles, a esa oleada de bandas de la costa este y como no podía ser de otra manera a Frank Zappa que por ese entonces comandaba a sus Mothers Of Invention. Fundada por el cantante, compositor, especializado en la guitarra slide, Lowell George y el bajista Roy Estrada ambos provenientes de The Mothers of Invention. Completaban el cuarteto los teclados de Bill Payne (quien solo habia audicionado para The Mothers) y el baterista Richard Hayward. Difícil es de describir el rock de Little Feat, su estilo por demás variado a través de sus álbumes, desde el boogie, el country y las canciones de folk sureñas, el jazz y hasta el funk, mezclado, como no, con el eterno R&B. Sus letras son de carácter urbano y otras llenas de ironías con toques de surrealismo. Desde sus comienzos, siendo una banda de escasa experiencia, intentaban caracterizarse por un sonido enérgico y a la vez elegante. De ahí el nombre de la formación, sugerencia de Jimmy Carl Black, baterísta de Mothers of Invention, "Little Feat" que significa “piecitos” o "pequeños pies" pero que, literalmente, significa "pequeñas hazañas". Esta formación prevalecería durante los dos primeros trabajos, "Little Feat" (1971) y "Sailin’ Shoes" (1972). Estos dos primeros respetaban la tradición con un sonido country, bluses y buenas dosis de boogie .Vale destacar que en "Sailin’ Shoes" ya el sonido esta mucho mas afianzado sobre todo en los bluses, y la guitarra de George mas afianzada, gran ejemplo de ello es el excelente "A Apolitical Blues". A partir de su tercer LP "Dixie Chicken" de 1973 la banda comienza a cambiar y a adicionar un sinnúmero de músicos, hasta su actividad que llega a los días de hoy y también comienzan a implementar otros estilos como el funk y el soul. En ese disco Roy Estrada los deja para unirse a la Magic Band de Captain Beefheart. Little Feat se quedaba como sexteto, con la llegada del bajista Kenny Gradney, el percusionista Sam Clayton y el guitarrista Paul Barrère, quien además aportó otro concepto desde la composición. Sin embargo la calidad del sonido de la banda que comenzaba a demostrar una buena evolución, no supuso un éxito a nivel comercial. Este factor incidió bastante en el estado de animo de la banda. Lamentablemente y sobretodo en Lowell George. Estas razones, sumado a las dudas por parte de Warner Bros en renovarles contrato discográfico, lograron que a finales de 1973 la banda estuviera al borde de la separación. En un ultimo esfuerzo y con fortuna lograron apartar diferencias y se reunieron en Maryland para grabar un cuarto álbum con un titulo como de "manotazo de ahogado" o bien una epifanía "Feats Don’t Fail Me Now". ("Pies/hazañas, no me fallen ahora"). El álbum tenia un nuevo sonido y una nueva consistencia diferente a los tres anteriores. Little Feat se caracterizaba por su fuerte presencia escénica con sus bien logradas zapadas, este álbum logra capturar ese espiritu (en el medley "Cold Cold Cold/Tripe Face Boogie" por ejemplo) y ademas otorga aportes mas funkies por parte de Payne en caciones como "Rock and Roll Doctor", "Oh Atlanta" y "Spanish Moon". Este álbum seria un punto de inflexión en su popularidad ya que pese a no ser superior a su tridente inicial, los superaría paradojicamente en las ventas. A principios de 1975 emprenderían  una gira europea, organizada por su compañía discográfica, junto a bandas como Montrose, Tower of Power, Graham Central Station y The Doobie Brothers. A partir de ese periodo Little Feat no volvería a ser el mismo.

El debut de Little Feat es con uno de sus discos mas frescos y enérgicos registrados en su carrera. Una rockera introducción con "Snakes on Everything" de Payne se deja acariciar por unos lindos arreglos de bronces a cargo del músico de sesión Kirby Johson. En "Strawberry Flats" Lowell George hace una descripción de lo que bien seria la típica vida del rocker: "Haven't Slept in a Bed For a Week And My Shoes Feel Like They're Part of My Feet ..." ("No he dormido en una semana y mis zapatos se sienten ya parte de mis pies..."). Canciones como "Truck Stop Girl" la historia de amor de un camionero con la "chica de la parada" o "Willin´" las letras, hablan de temáticas sobre la vida en las carreteras. Por ejemplo "Willin´" todo un clásico de Little Feat, que luego seria un himno de George, trata de un contrabandista que trafica drogas a través de la frontera con México. Lowell George se pone en la piel de este camionero que se presenta a si mismo y enumera algunas localidades por donde se manejaba: "Anduve de Tuscon a Tucumcari, Tehachapi a Tonapah manejé todas las marcas de camiones que se hayan fabricado...y si me das hierba, polvos blancos y vino y me haces una seña yo estaré dispuesto a seguir viaje...". La canción en si es de aires countrys con la base de guitarra ejecutada por George, y decorada con la slide guitar del gran Ry Cooder amigo de George, quien contribuyo como invitado en el disco. Pese a la espontaneidad y el muy buen clima que se logró en la grabación, al parecer a George no lo dejo del todo satisfecho, ya que en el siguiente LP "Sailin' shoes" se reversionaria. La canción ya había sido compuesta por el guitarrista en la época de The Mothers of Invention. La leyenda cuenta que "Willin´" fue la responsable de la salida de George de The Mothers. Una versión cuenta que al mostrársela a Frank Zappa sintió una amenaza para su talento, decidiendo excluirlo de la banda. Otra que al incurrir en las drogas lo que no gustó a Zappa y por eso le invitó a dejar la banda.

De George y Roy Estrada "Hamburger Midnight", de los momentos mas potentes del álbum. Pero no podemos dejar pasar el medley "Forty Four Blues/How many more years" de presencia blusera impecable, una vez mas con Cooder en la slide guitar. La primera "Forty Four Blues" o "Forty Four" ya había sido popularizada por Howlin' Wolf en 1954. Tampoco puede faltar tiempo para las baladas, buen ejemplo son la épica "Brides of Jesus" o la romántica "I've Been the One" composición integra de George. "Takin' My Time" demuestra el nivel de composición de Payne con buenos trabajos de teclados y mas que acertados arreglos de cuerdas. Cerrando el LP "Crazy Captain Gunboat Willie" con alta influencia de la psicodelia inglesa y magníficos arreglos de vientos, deja una muy buena impresión para el debut discográfico de la banda.

A partir de el año 1975 debido a algunos excesos típicos de aquellas épocas y a raíz de algunos trabajos de producción y como músico de sesión, hicieron que Lowell George tuviera un rol no tan importante como hasta entonces dentro de Little Feat. Así, entonces gran parte de la tarea de composición quedo a cargo de Payne y Barrère, pero igualmente George siguió siendo el emblema de la banda hasta su muerte. El álbum "The Last Record Album" (1975), con buena recepción de la crítica, obtuvo un discreto éxito de ventas y entró en las listas americanas e inglesas. "Time Loves A Hero" de 1977 vería a Lowell George contrayendo una hepatitis, y así con menos participación aun en la cocina del disco. Sin embargo hay quienes coinciden que este trabajo, con la producción de Ted Templeman, alcanza la cumbre de la sofisticación en el sonido de la banda. En 1978 George regresaría a la banda y gracias al buen sostén de material en vivo de las giras de los últimos años, registran el doble "Waiting for Columbus". Luego de producir "Shakedown Street" (1978) de los Grateful Dead, llega 1979 y a la par de su proyecto solista "Thanks I'll eat it here", comienzan a grabar "Down On The Farm" que se vería interrumpido por su muerte a raíz de un paro cardíaco, el 29 de junio de 1979. Tras su muerte los demás integrantes del grupo concluyeron la grabación de "Down On The Farm". Bill Payne declararía con conmovedora emoción: "Sin Lowell George no somos Little Feat", dejando mas que clara la eminente disolución de la banda, y dando un verdadero punto final a una era. En 1981 se publicó "Hoy-Hoy!", doble álbum grabado parcialmente en directo y con varias canciones inéditas. En 1987, tras trabajar en varios proyectos individuales, Little Feat anuncia su retorno al rock n roll. Registran el excelente álbum "Let It Roll" de 1988 con producción del propio Bill Payne y con una nueva incorporación Craig Fuller acordeonista y multinstrumentista, quien formaría parte de la banda en sus siguientes trabajos: "Representing The Mambo" (1990) y "Shake Me Up" (1991). En 1993 Fuller seria reemplazado por el vocalista Shaun Murphy. Little Feat registraría varios trabajos mas en estudio como así también estupendos registros en vivo como el doble "Live From Neon Park" (1996). En 2009 habría un nuevo receso por la muerte de el baterista Richard Hayward. Tras mas cambios de formación la banda presenta, después de nueve años, lo que seria hasta hoy su ultimo disco de estudio, "Rooster Rag" de 2012. Tras idas y venidas Bill Payne anuncia en 2014 que vuelve a Little Feat de manera permanente, también presta sus teclados a The Dobbies Brothers en una gira de 2015. En el presente, la banda sigue en actividad, pese a la lucha de el guitarrista Paul Barrère contra el virus de la hepatitis C. Actualmente Little Feat esta integrada por Bill Payne (voz y teclados), Paul Barrere (voz y guitarra), Sam Clayton (congas, voz y percusión), Kenny Gradney (bajo), Fred Tackett (guitarra, mandolina, trompeta y voz) y Gabe Ford (bateria y coros).


Lista de Temas:

1. Snakes on Everything
2. Strawberry Flats
3. Truck Stop Girl
4. Brides of Jesus
5. Willin'
6. Hamburger Midnight
7. Forty Four Blues / How Many More Years
8. Crack in Your Door
9. I've Been the One
10. Takin' My Time
11. Crazy Captain Gunboat Willie


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viernes, 29 de abril de 2016

Carlos Gardel - Cuídense Porque Andan Sueltos (Su Obra Integral Vol. 13)


Decimotercera entrega de la obra integral del zorzal criollo. Una vez mas ahonda en una temática típicamente relacionada a la poética y a las armonías del mundo del tango y sus vertientes.
"Cuídense por que andan sueltos" es un desfile de personajes funestos facilmente reconocibles. Chantas, vagos, cirujas, fanfarrones, ladrones/as, gigolós y muchos mas se exhiben por las vidrieras de esta entrega.

Enseguida nos cautiva el excelente tango "Chorra" de Enrique Santos Discépolo en letra y música. Tango que luego también cantado por Edmundo Rivero, cuenta la particular historia de lo que podría ser una  "cama": ... "chorra...tus rebusques de mujer...Hoy me entero que tu mama "noble viuda de un guerrero", ¡es la chorra de más fama que ha pisao la treinta y tres!... Y he sabido que el "guerrero" que murió lleno de honor, ni murió ni fue guerrero. Entre todos me pelaron con la cero, tu silueta fue el anzuelo donde yo me fui a ensartar. ¡Chorros! Vos, tu vieja y tu papá...". La historia ideada en la cabeza de Discépolo se sabia que no esta basada en hechos reales. Sin embargo cuenta la leyenda que un carnicero del Mercado del Plata pensó lo contrario, lo que le llevo el susto de su vida. El compositor estaba un día en la esquina del mencionado mercado, cuando se le acercó un hombre alto y fortachón con delantal de carnicero y una gran cuchilla en la cintura, que sin vueltas le pregunta: ¿Usted es Discépolo?. Si señor, le responde Enrique, a lo cual el carnicero increpó: ¿Quién le contó a usted lo que me paso con la sinvergüenza de mi mujer…y además quien le dijo que podía contárselo a toda la ciudad?”. Ante este sobresalto, Discépolo intentaba explicarle de la manera mas cordial posible que su historia era inventada, pero el carnicero de repente lo sorprende y al borde del llanto, le comenta: “Gracias a usted me he vengado amigo, usted dijo la verdad y ahora todos saben lo mala que esa mujer fue conmigo, gracias”.

Como varias de sus composiciones de clara prosa gauchesca, Francisco Brancatti le pone letra a un reconocido tango de 1930 de Rafael Rossi que luego también seria interpretado por Julio Sosa y por Roberto Goyeneche años mas tarde, "Contramarca". Este tango esta literariamente construido sobre una metáfora que asemeja la "contramarca", o segunda marca del ganado, con el hecho de que una mujer abandone a un hombre por otro y pretenda luego retornar junto al primero. Sin embargo, tranquilamente parece también comparar a esa marca con la herida del clásico "facón" (cuchillo): "China cruel!...A que has venido?. Que buscas en este rancho?. Si pa' mí fuiste al olvido y vive ya más ancho mi gaucho corazón y esa flor que mi cuchillo te marcó bien merecida...".
Algo parecido ocurre en el inigualable tango "De puro guapo" de Rafael Iriarte y Juan Carlos Fernández Díaz que nos describe literalmente un asesinato en medio de lo que parece ser un salon de baile. Un tango de casi tres minutos que no deja captar nuestra atención ni un solo minuto por el suspenso de los hechos relatados. Bastará con oir entre sus lineas: "En medio del conventillo se ha parado un compadrito... Nada le importa que allí se baile, él a bailar no ha venido, busca a aquella que lo ha herido en medio del corazón..." Mucho tuvo que ver Gardel con la creación de este tango. Amigo tanto del compositor de la música, el guitarrista Rafael Iriarte como del letrista Juan Carlos Fernández Díaz. Cuenta este ultimo que conoció a Gardel en el Teatro Nacional presentado por Rafael Iriarte a quien conocía de hace años. Hablaban de la grabación de un tango cuando el mismo se hizo presente cumpliendo una cita con el guitarrista para ir a jugar una partida de billar. Fue, pues, una casualidad. Le recitó la letra de “De puro guapo” que no tenía música y Carlitos le pidió a Iriarte que se la pusiera porque quería cantarla, pues le gustó mucho.

Con "Muñeca Brava" Enrique Domingo Cadícamo introduce en el lunfardo (y así enriquece nuestro lenguaje para siempre) los denominados llamados galicismos del francés, como "madame", "frapé", "gigoló o "biscuit". Diferentes conceptos podemos tener sobre la palabra "muñeca" ya que en el diccionario de la lengua española hace alusión como a una mozuela frívola y presumida. Y en Argentina es sabido que refiere a una mujer hermosa. En este tango, ambos conceptos vienen como anillo al dedo. Otro aspecto o innovación a destacar entre la lírica de Cadícamo es que adaptó el Trianón del Paque de Versalles a Villa Crespo del "Negro Cele" donio Esteban Flores. Los Trianónes franceses fueron unas mansiones reales. La primera construida por Luis XIV y la segunda por Luis XV; un Trianón grande y otro pequeño (éste ultimo fue el preferido de María Antonieta). A los argentinos nos parece común escuchar esos galicismos y mas aun en los tangos, inclusive sin conocer su significado. Entonces se encargó de reemplazar por ejemplo:  "mina" por "madame", "frío" por "frapé", "proxeneta" o "caralisa" por "gigoló" y "galleta" por "biscuit", o bien, de utilizar distintas palabras por rima o para evitar repeticiones o enriquecer el idioma. Luego está la palabra "Che" que demuestra  la influencia de otros idiomas en el español que se habló en nuestro país desde antiguo. Por estudios de el poeta del lunfardo José Gobello que descubre citas en el antiguo castellano. También se afirma que el primero en emplear "Che" fue Esteban Echeverria en su obra "El matadero". En la lengua araucana, "che" significa "hombre", "gente", aunque solamente se emplea como sufijo: por ejemplo, en tehuelche, "hombre del sur". Che pertenece al país, pero particularmente al sur de él y al sur de la provincia de Buenos Aires y, asimismo, a algunas regiones de España, como Valencia.

La congoja desmesurada de otro gran tango "Como abrazado a un rencor" describe un dolor y una confesión sin precedentes. La letra de Antonio Podestá parece presentarse como el epitafio de un malviviente. Sigue el desfile de personajes en "Cara Rota" el típico muchacho que vive "de arriba" o la trepadora de "Cachadora" (aquí se utiliza una vez mas otro galicismo como "voiturette" para hacer referencia a un automóvil deportivo descapotable). 
"Mala entraña", tango escrito por el Negro Celedonio Flores en 1927, con música del compositor afroargentino Enrique Maciel tuvo sus gratas grabaciones de por ejemplo Juan Carlos Godoy, Claudio Bergé, Rubén Juárez y dos veces por el gran Edmundo Rivero (una con guitarras y otra orquestada). Fue estrenada por Gardel el 21 de junio 1927 con guitarras de Ricardo y Barbieri. El personaje de este tango es un reo, hombre de la noche, del llamado "universo del barrio de Flores" con cierto prestigio por su pinta o por su facha. Esta dicotomía se vuelve a presentar cuando luego en la segunda estrofa se canta: ... "Mezcla rara de magnate, nacido entre el sabalaje, vos sos la calle Florida que se vino al arrabal. Compadrito de mi barrio que sólo cambió de traje, pienso siempre que te veo tirándote a personaje, que sos un mixto jaulero con berretín de zorzal”. De allí esa relación o ese contraste entre el arrabal y Florida, el arrabal reo y popular y la calle Florida elegante y discreta. Y como no podía faltar otro elemento constante en la letras tangueras: la madre. La madre, está presente, aunque esta vez el personaje no se quiebra ante su "santa viejita", por el contrario, su muerte no altera en lo más mínimo, su expresión es helada, indiferente. Así y todo vale mencionarlo por que su dureza rompe con ese estereotipo.

Otro gran aporte de Cadícamo es "Compadrón", la letra juega con unas lindas rimas en su estribillo: "Compadrón, cuando quedes viejo y solo (¡Colo!) y remanyes tu retrato (¡Gato!)...". El "compadrón" era el podio mas bajo de los tres términos "compadre", "compadrito" y "compadrón". Estas son algunas apreciaciones de la interesante reseña de el escritor Marcos Aguinis, en "El atroz encanto de ser argentinos", sobre estos tres personajes y del "malevo".
El compadre era el hombre prestigioso por su coraje y su mirada. Muchas veces aparecido en obras de Jorge Luis Borges, el compadre era una especie de héroe que actuaba al margen de la policía resaltaba la contradicción que parecía existir entre las leyes oficiales y su aplicación deforme. Siempre vestía de negro con pañuelo blanco con la inicial bordada y una chalina de vicuña sobre los hombros. Obviamente que su arma era el facón que mantenía bajo la ropa, pero en actitud de alerta. Despreciaba el trabajo, al igual que el hidalgo, el conquistador y el gaucho.  Se batía a muerte si le miraban a su mujer. Se contorneaba al caminar, evocando el minué (paso que modernizó e incorporó al tango). Aventaba la ceniza del cigarrillo con la uña del dedo meñique, con afectación de gentil hombre. Era normal que alquilara sus servicios a algún partido político y realizaba las tareas encomendadas, con total lealtad. Generalmente vivía sólo y era tan parco para hablar, que generaba miedo, además de incógnita. El "compadrito" era una disminución del anterior. Mientras que el compadre se esforzaba por mantener una imagen leal, pulcra y justiciera, el compadrito utilizaba un lenguaje vil y con aires de fanfarrón o "chanta"; se desvivía por hacerse notar: exageraba sus ademanes y su vestuario. Al momento de la pelea elegía siempre hombres que no sabían pelear, generalmente bien vestidos, a quienes envidiaba, considerando que al humillarlos en la disputa, aumentaría su prestigio. Cuando caía en apuros no dudaba en desenfundar el revólver, actitud de miedoso que jamás hubiera protagonizado el compadre. Para ganar dinero no alquilaba sus servicios al comité político, donde había riesgo y lealtad, sino que prefería el camino más cómodo y seguro de convertirse en "cafiolo" o rufián: conquistaba y sometía a dos o más mujeres, que trabajaban para él; a veces se enamoraba de una e ellas. El "compadrón" ocupaba un peldaño más bajo aún; era ventajero, cobarde y desleal. Ganaba dinero como soplón de comisarías. Traicionaba a su familia, sus amigos y su barrio por una moneda. Empilchaba hasta el grotesco y voceaba virtudes inexistentes; la mentira era su constante. El "malevo" representaba la degeneración absoluta; ni siquiera su nombre deriva de la raíz padre o compadre, como los anteriores. Abusaba de mujeres, niños, viejos y cuanto ser débil se cruzara por su camino. Huía ante la amenaza de una pelea; se burlaba de los que se asustaban cuando llegaba la policía a un conventillo, pero se escondía a la hora de la requisa. Era un indeseable en todos lados, salvo en los sainetes, único sitio donde se lo quería porque hacía reir.

El humor en el tango estuvo siempre presente, como para recordarnos que no todo es tristeza, melancolía, dolor y frustración. Por nombrar algunos nos encontramos al tango “Al mundo le falta un tornillo” de Cadícamo y J. M. Aguilar o “Qué vachaché”, “Qué sapa señor” y por supuesto “Cambalache” todas de Enrique Santos Discépolo. "Haragán" un tango de 1928 de Enrique Delfino y Manuel Romero, es uno de los mas graciosos jamas registrados. En su letra amalgama sátira y humor, cuando describe a una mujer “tirándole la bronca” a su pareja, que no quiere “laburar”. Entre sus lineas mas graciosas: "Haragán, si encontrás al inventor del laburo, lo fajás..." o "El día del casorio dijo el tipo'e la sotana: "El coso debe siempre mantener a su fulana... Y vos interpretás las cosas al revés, ¿que yo te mantenga es lo que querés? Al campo a cachar giles, que el amor no da pa' tanto. A ver si se entrevera, porque yo ya no lo aguanto... Si en tren de cara rota pensás continuar, "Primero de Mayo" te van a llamar.".


Lista de Temas:

1. Chorra
2. Farabute
3. Contramarca
4. Cualquier cosa
5. De puro guapo
6. Fayuto
7. Muñeca brava
8. Como abrazado a un rencor
9. Cara rota
10. Cachadora
11. Mala entraña
12. Compadrón
13. La mentirosa
14. Haragán
15. Aquel tapado de armiño
16. Machete
17. Incurable
18. El ciruja

Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"

martes, 8 de diciembre de 2015

38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)


Como consecuencia de la explosión del denominado "rock sureño" en la década de los 70´s en la historia del rock, en EE.UU., bandas como The Allman Brothers Band, Marshall Tucker Band, The Outlaws, Molly Hatchet, Blackfoot, Black Oak Arkansas o Lynyrd Skynyrd vieron su gran expansión. Sobre toda esta ultima, liderada por el ya difunto y legendario Ronnie Van Zant con sus dos grandes trabajos debut, "(Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd)" (1973) y "Second Helping" (1974) alcanzaron gran popularidad en EEUU y UK. No era extraño entonces que a raiz de aquel exito y siguiendo los pasos de su hermano mayor, Donnie Van Zant, formara en 1974  esta interesante agrupación, 38 Special en Jacksonville, Florida, junto a su amigo de la juventud el guitarrista Don Barnes. Completaban aquella primer formación el guitarrista Jeff Carlisi, el bajista Ken Lyons y los bateristas Jack Grondin y Steve Brookins. Consumado su contrato discográfico con la importante A&M Records en 1977 graban su primer álbum homónimo y al año siguiente "Special Delivery". El bajista Lynons deja la banda tras las grabaciones del siguiente LP "Rockin' Into the Night" (1979), siendo reemplazado por Larry Junstrom. El sonido de este tercer trabajo se inclina mas a lo melódico a diferencia del sus dos predesesores que exponen al máximo la cepa autentica de este denominado "rock sureño". "Rockin Into the Night", marcaría la tendencia de aquel sonido en los años 80´s de la banda que fue un rock mas emparentado al "Arena rock" o el "rock de estadio" o el "rock industrial" si se quiere pero sin apagar, por supuesto, su llama sureña. Discos como "Wild-Eyed Southern Boys" (1981), "Special Forces" (1982) y "Tour de Force" (1984) gozaron de un gran éxito, llegando a disco de platino el primero. En los 90´s Barnes vuelve a 38 Special y tras un sinnúmero de cambios en su formación, la banda registra álbumes como "Bone Against Steel"(1991) y "Resolution"(1997).

Para la grabación de este conceptual navideño, "A Wild-Eyed Christmas Time", los 38 Special canalizaron el espíritu navideño de varios de los tradicionales villancicos junto a otras composiciones propias con esta misma temática, a través de la salvaje impronta del rock sureño.
Uno de los clásicos mas populares de todos los tiempos se abre paso con "Jingle Bell Rock". Versión de aquella canción grabada por vez primera por el cantante de country Bobby Helms en 1957, compuesta por Joseph Carleton Beal y James Ross Boothe, tantas veces versionada por un sinnúmero de artistas. La letra de la canción original fue pensada en un principio para parodiar al archiconocido standar navideño "Jingle Bell" y hace alusión al clásico del rock n roll "Rock Around the Clock" de Bill Haley y sus Cometas. "Here Comes Santa Claus" otra tradicional del "vaquero" Gene Autry, grabado por varios artistas (desde Elvis Presley, Bing Crosby, Bob Dylan, Chicago, pasando por Billy Idol, Mariah Carey, y muchos mas). Este compositor debe su fama por interpretar sus canciones vestido como un cowboy en TV, películas y radio. Autry se inspiró para componer la canción encontrándose en Hollywood cuando montaba su caballo durante el clásico desfile "Santa Claus Lane Parade", (actualmente llamado "Hollywood Christmas Parade"), cuando la multitud enardecida comenzó a gritar: "Aquí llega Santa Claus!!!!".

Aquella hermosa historia de "el pequeño tamborilero", "The Little Drummer Boy", otro villancico infaltable hace su debida presentación. Esta vez bañada en sintetizadores. De entre las composiciones propias de la banda, brillan "Hallelujah, It's Christmas!", la balada en plan romántico "It's Christmas and I Miss You" pero sobre todo la que titula al álbum, la festiva y ardiente "A Wild-Eyed Christmas Night". Otro lindo momento es "That Old Rockin Chair" una especie de mirada omisciente sobre la tranquilidad de los tiempos de navidad desde una vieja silla mecedora. De el mas que famoso binomio compositivo Jerry Leiber/ Mike Stoller, la banda se dá el gusto de reversionar a la cruda y salvaje "Santa Claus is Back in Town".

La mas que erizante "O Holy Night" es una cita continua en esta clase de álbumes y por supuesto otra que tiene fieles adeptos a la hora de interpretarse. Es sin dudas uno de los momentos mas estremecedores del álbum. Mas que acertada la voz de  Donnie Van Zant que por momentos sabe bien acompañarse por los coros de Barnes y Capps. Había sido compuesta por Adolphe Adam y su letra originaria en francés escrita por Placide Cappeau. Hace alusión a aquella noche Divina del nacimiento de el niño Jesus. La historia cuenta que a finales de 1843 el organo de la iglesia del pueblo de Roquemaure de donde era nativo Cappeau, era renovado. Con motivo de esto, algunos de los habitantes pidieron al poeta que escribiera un poema Navideño. Lo verdaderamente extraño y mas analizando su letra, era que Cappeau era ateo, no profesaba ninguna religión. Finalmente en 1847 con la música de Adam lista, fue estrenada en la voz de la cantante de opera Emily Laurey.

Barnes demuestra el buen uso de la mandolin guitar en el final del disco con otro conocido villancico folk de origen ingles. Uno de los mas antiguos que data del siglo XVI, en su versión instrumental, tal como también la interpreto la banda Jethro Tull alguna vez. El villancico en cuestión se resume a un pasaje de "Un Cuento de Navidad" de Charles Dickens: ..."Al primer sonido de: `Dios te bendiga´, alegres caballeros, no tendrán ninguna consternación... Scrooge (personaje ficticio del cuento) se ha apoderado de la ley con tal energía que el cantante huyó aterrorizado, dejando el ojo de la cerradura en la niebla e incluso con heladas mas que agradables..."

Siendo este su trabajo numero 14, 38 Special grabó solo un trabajo mas de estudio en 2004 "Drivetrain" y en 2011 el directo "Live From Texas". En el año 2012 sale a la luz la noticia de que Donnie Van Zant abandonaría la banda tras 39 años, debido a un problema en los nervios del oído interno. La voz principal quedaría por parte del guitarrista Don Barnes. De todas formas Van Zant sigue bien de cerca el mundo del "rock sureño" aportando ideas y letras para la banda y se divierte apareciendo en algún que otro concierto de Lynyrd Skynyrd, banda que como dato curioso tiene como cantante actualmente a otro Van Zant, Johnny el menor de los tres hermanos.



Personal:

Don Barnes - guitarras, mandolina, voces
Bobby Capps - teclados, voces
Danny Chauncey - guitarras, teclados
Scott Meeder - bateria
Donnie Van Zant - voz principal




Lista de Temas:

1. Jingle Bell Rock (Beal, Boothe)
2. Here Comes Santa Claus (Gene Autry, Haldeman)
3. The Little Drummer Boy (Davis, Onorati, Simeone)
4. Hallelujah, It's Christmas! (Barnes, Chauncey, Van Zant)
5. It's Christmas and I Miss You (Barnes, Peterik)
6. A Wild-Eyed Christmas Night (Peterik)
7. That Old Rockin Chair (Chauncey, Van Zant)
8. Santa Claus Is Back in Town (Jerry Leiber, Mike Stoller)
9. O´ Holy Night (Tradicional)
10. God Rest Ye Merry Gentlemen (Tradicional)

jueves, 19 de noviembre de 2015

David Gilmour - Rattle That Lock [Deluxe Edition] (2015)


A sus 69 años de edad el legendario guitarrista, cantante y compositor de Pink Floyd, David Gilmour, publica su cuarto álbum solista de estudio "Rattle That Lock". La gira de presentación del mismo, "Rattle That Lock Tour (2015–2016)" lo traerá por primera vez a la Argentina,
el 18 de diciembre de este año.

Casi diez años pasaron de su anterior álbum como solista, el aceptable "On an Island" (2006). En medio, un trabajo con la agrupación de música electrónica enfocada al "ambient house", The Orb : "Metallic Spheres" (2010). Salido en septiembre de 2015 "Rattle That Lock" ha cosechado criticas tanto favorables como no, dentro de los fans. Lo cierto es que es un disco un tanto alejado a lo que es su material como solista, iniciado a finales de los años 70´s con "David Gilmour" (1978), e incluso a los de Floyd. Pese a la relevancia dentro de la escena musical que tiene el guitarrista, el disco puede que tenga algún que otro altibajo. No terminan de cerrar la cohesión entre algunos pasajes entre su inmortal prog rock de clara raíz blusera, y su nuevo enamoramiento con en el jazz clásico. Si no fuera por esto, podríamos decir que en gran parte de las composiciones falta ese "factor sorpresa". En lineas generales es una placa con un concepto de tinte oscuro, por su estado general de melancolía, como así también por la temática de sus letras y el artbook del disco. Bien puede tratarse de un tema más que recurrente dentro de el prog rock, el paso del tiempo, la nostalgia hacia los tiempos de la juventud, reflexionando desde la edad madura.

Su pasado (terminado?) Floydeano se hace valer ya desde la introducción del álbum con "5 A.M." Canción instrumental que parece extraída del mismísimo "The Division Bell". Esta esencia intimista del comienzo fluye al mas puro estilo Pink Floyd hasta parir la canción que titula al álbum "Rattle That Lock". Un rock básicamente bailable con coros femeninos, de estilo rítmico que recuerda a el clásico "Money". Nada del otro mundo, pero la candidez  y certeza de sus solos le dan cierta identidad interesante, por supuesto. Cuenta con la participación de The Liberty Choir y las cantantes Mica Paris y Louise Marshall. El áurea melancólica prosigue, en "Faces of Stone", sobre todo en la introducción, para pasar a una base acústica bien lograda. Una canción cambiante con orquestaciones por momentos y otra vez están allí sus sutiles solos.

El momento de su infaltable y clásica steel guitar no podía faltar: "A Boat Lies Waiting". Pasajes de suaves pianos contienen el clímax de un bote navegando, con interesantes voces superpuestas. El clásico blues de David se manifiesta en "Dancing in Front of Me", donde intenta un cambio de estructuras, incluyendo una temática jazzera en un tramo. Algo que se respirará mas adelante en el álbum. Otra composición para no menospreciar es "In Any Tongue", intensa sin perder la tonalidad oscura predominante del álbum. Lo que había comenzado como un coqueteo con el jazz en "Dancing in front of me" en "The Girl in the Yellow Dress" acabaría como romance. Quizás uno de los mejores momentos del disco sea la gigante "Today" (el otro corte de difusión que salió junto al homónimo). Aquí si que nos quitamos el sombrero, a pesar de parecer otro flash back a los tiempos de "The Division Bell".

Fue coproducido con Phil Manzanera (Roxy Music), quien también aporta guitarras y teclados. Polly Samson (esposa de Gilmour), quien se destaca también como letrista, se encarga de la mayoría de las letras y adiciona piano y voces. Ya había contribuido con algunas de sus lineas para el ultimo disco de Pink Floyd "Endless River" de 2014. Otros invitados de renombre son los legendarios David Crosby y Graham Nash quienes aportan coros en "A Boat Lies Waiting"  y el buen amigo de David, Robert Wyatt (Soft Machine) quien ejecuta la corneta en "The Girl In The Yellow Dress". El arte de tapa a manos Dave Stansbie para The Creative Corporation. Aunque tenga un claro tono gris como la atmósfera melancólica de gran parte de las canciones, la portada nos deja un sabor esperanzador. La idea de una bandada de pájaros, en su mayoría negros, que salen en libertad desde su jaula, da la impresión que el guitarrista quiere soltar el pasado, sin mirarlo con resentimientos .

Un dato significativo es que las primeras notas de la canción "Rattle That Lock" fueron compuestas por Michaël Boumendil. Estas son las que preceden los anuncios de las estaciones de tren francesas que Gilmour grabó con su iPhone en la estación de Aix-en-Provence. Esta edición deluxe contiene cuatro tracks adicionales. Tres versiones diferentes de la canción "Rattle That Lock", entre ellas una versión con una mezcla techno para la juventud, y la versión orquestada de "The Girl in the Yellow Dress"


Lista de Temas:

1. 5 A.M.
2. Rattle That Lock
3. Faces of Stone
4. A Boat Lies Waiting
5. Dancing Right in Front of Me
6. In Any Tongue
7. Beauty
8. The Girl in the Yellow Dress
9. Today
10. And Then...

Bonus Deluxe Edition:

11. Rattle That Lock (Extended Mix)
12. The Girl in The Yellow Dress (Orchestral Version)
13. Rattle That Lock (Youth Mix - 12" Extended Radio Dub)
14. Rattle That Lock (Radio Edit)


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miércoles, 21 de octubre de 2015

Alejandro Del Prado - Los Locos De Buenos Aires (1984)


Alejandro Del Prado es otro importante cantante. compositor y guitarrista argentino que le canta a Buenos Aires. Proveniente de una agrupación formada en 1974  llamada Saloma, que se encargaba de fusionar el rock con los múltiples sonidos rioplatenses (murga, candombe , etc.). Saloma se separaría en 1978, lo que determinaría el inicio de su efímera pero contundente carrera como solista . Para la época de pleno auge del panorama post dictatorial del país, el músico ya contaba con dos rebosantes álbumes de estudio, "Dejo Constancia" (1982) y "Los Locos de Buenos Aires" (1984). Aquel primer LP, había sido perpetuado y grabado ya en en el año 1980, pero se editaría dos años después. La buena impresión que había dejado Del Prado en el panorama de la "música de autor" había llamado la atención de artistas ya consagrados, quienes participarían en aquel debut, como por ejemplo Litto Nebbia o ni mas ni menos que el mismísimo Silvio Rodriguez, quien canta la magnifica canción "Que Cazador", escrita por el poeta bonaerense Jorge Boccanera .

"Tangos, Murgas & Milongas" es un subtitulo mas que apropiado para esta colorida acuarela de composiciones. El epicentro de las canciones es por supuesto la ciudad de Buenos Aires. Sin perder el tiempo se pone en la piel de una especie de cronista/historiador, repasando algún que otro suceso determinante  de el país.  Una de las primeras murgas porteñas grabadas en vinilo, abre este álbum: "Aquella Murguita de Villa Real". Una introducción llena de algarabía, su letra tan poderosa, nos lleva a imaginarnos a esta murga pasando por nuestra calle, entre coros y ademanes jocosos e inventándonos a unirnos a ella. Dedicada a esa localidad de la cuidad autónoma de Bs As, que festejó su centenario en 2009. "Los locos de Buenos Aires", fue la gran composicion que en mayor parte impulso su carrera, cuando en la segunda mitad de los años 80 comenzó a tener cierta trascendencia en las emisoras. Compuesta en México en el 1982, es una melodía inigualable con su letra que pincela adecuadamente una serie de extraños (o no tanto...) personajes de la ciudad Buenos Aires. La canción pese a no formar parte del cancionero popular del llamado "rock nacional", tiene ese gusto a que si podría llegar a haber pertenecido ,y cierto aire de inmortalidad.

Evocando viejas nostalgias, quizás las mas cercanas a su adolescencia, Del Prado se inspira en quizás uno de los momentos mas sobresalientes del disco, el "Tanguito de Almendra". No solo canta sobre aquella agrupación que integraba Spinetta, sino que también rememora toda una época de la Argentina, recordando por ejemplo a aquellos viejos tocadiscos. Basta con escuchar: "Te acordás cuando escuchábamos Almendra en el Winco desinflado de una siesta...". También  rememora los tiempos  del régimen dictatorial en el país. Notese que evoca, sin vacilar, con un pequeño homenaje en el estribillo al gran Litto Nebbia evocando a aquel magnifico, "El Otro Cambio, Los Que Se Fueron":  "Si algo ha cambiado, eso es nosotros por suerte hermano, después de todo sobrevivimos a la gran pálida... mata podernos encontrar..."

La poesía urbana sigue haciendo eco en gran parte del álbum. Acompañadas por un curioso ritmo de reggae, con aires a la naciente "new wave" de por entonces. Un ejemplo es sin dudas la surreal "La vida esta llena de cosas peores" y otras de bellisimos arreglos de cuerdas, y sobre todo de voces, en la erizante "Fotos de una ciudad". Otro gran acierto en compás tanguero es "¿Donde vas, mariposa de lujo?" con su letra provocativa para aquella época, que se atreve a hablar de la marihuana. La clara e inteligente descripción e intención de la imperdible "Interrogatorio y allanamiento del duende", es recrear una detención y posterior tortura, en esa época ,como con una especie de fábula bucólica.

Luego de este excelente álbum, Alejandro Del Prado tubo un largo parate de dos años en México y tres en Madrid. Aquellas vivencias lo impulsaban igualmente a seguir con su interesante labor de compositor, ubicando su foco (sin importar donde residiera) en su amada ciudad de Buenos Aires. Pero la mayoría de sus nuevas canciones, se encontrarían muchos años despuès en lo que seria su flamante regreso a los álbumes de estudio en el año 2008 con "Yo Vengo de Otro Siglo"·


Lista de Temas:

1. Aquella Murguita de Villa Real
2. Los Locos de Buenos Aires
3. Tanguito de Almendra
4. La Vida Esta Llena De Cosas Peores
5. ¿Donde Vas, Mariposa De Lujo?
6. Ecológico
7. Yo Soy Tu Antepasado
8. Interrogatorio y Allanamiento del Duende
9. Fotos de Una Ciudad
10. La Marcha de La Pelota


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