martes, 8 de diciembre de 2015

38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)


Como consecuencia de la explosión del denominado "rock sureño" en la década de los 70´s en la historia del rock, en EE.UU., bandas como The Allman Brothers Band, Marshall Tucker Band, The Outlaws, Molly Hatchet, Blackfoot, Black Oak Arkansas o Lynyrd Skynyrd vieron su gran expansión. Sobre toda esta ultima, liderada por el ya difunto y legendario Ronnie Van Zant con sus dos grandes trabajos debut, "(Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd)" (1973) y "Second Helping" (1974) alcanzaron gran popularidad en EEUU y UK. No era extraño entonces que a raiz de aquel exito y siguiendo los pasos de su hermano mayor, Donnie Van Zant, formara en 1974  esta interesante agrupación, 38 Special en Jacksonville, Florida, junto a su amigo de la juventud el guitarrista Don Barnes. Completaban aquella primer formación el guitarrista Jeff Carlisi, el bajista Ken Lyons y los bateristas Jack Grondin y Steve Brookins. Consumado su contrato discográfico con la importante A&M Records en 1977 graban su primer álbum homónimo y al año siguiente "Special Delivery". El bajista Lynons deja la banda tras las grabaciones del siguiente LP "Rockin' Into the Night" (1979), siendo reemplazado por Larry Junstrom. El sonido de este tercer trabajo se inclina mas a lo melódico a diferencia del sus dos predesesores que exponen al máximo la cepa autentica de este denominado "rock sureño". "Rockin Into the Night", marcaría la tendencia de aquel sonido en los años 80´s de la banda que fue un rock mas emparentado al "Arena rock" o el "rock de estadio" o el "rock industrial" si se quiere pero sin apagar, por supuesto, su llama sureña. Discos como "Wild-Eyed Southern Boys" (1981), "Special Forces" (1982) y "Tour de Force" (1984) gozaron de un gran éxito, llegando a disco de platino el primero. En los 90´s Barnes vuelve a 38 Special y tras un sinnúmero de cambios en su formación, la banda registra álbumes como "Bone Against Steel"(1991) y "Resolution"(1997).

Para la grabación de este conceptual navideño, "A Wild-Eyed Christmas Time", los 38 Special canalizaron el espíritu navideño de varios de los tradicionales villancicos junto a otras composiciones propias con esta misma temática, a través de la salvaje impronta del rock sureño.
Uno de los clásicos mas populares de todos los tiempos se abre paso con "Jingle Bell Rock". Versión de aquella canción grabada por vez primera por el cantante de country Bobby Helms en 1957, compuesta por Joseph Carleton Beal y James Ross Boothe, tantas veces versionada por un sinnúmero de artistas. La letra de la canción original fue pensada en un principio para parodiar al archiconocido standar navideño "Jingle Bell" y hace alusión al clásico del rock n roll "Rock Around the Clock" de Bill Haley y sus Cometas. "Here Comes Santa Claus" otra tradicional del "vaquero" Gene Autry, grabado por varios artistas (desde Elvis Presley, Bing Crosby, Bob Dylan, Chicago, pasando por Billy Idol, Mariah Carey, y muchos mas). Este compositor debe su fama por interpretar sus canciones vestido como un cowboy en TV, películas y radio. Autry se inspiró para componer la canción encontrándose en Hollywood cuando montaba su caballo durante el clásico desfile "Santa Claus Lane Parade", (actualmente llamado "Hollywood Christmas Parade"), cuando la multitud enardecida comenzó a gritar: "Aquí llega Santa Claus!!!!".

Aquella hermosa historia de "el pequeño tamborilero", "The Little Drummer Boy", otro villancico infaltable hace su debida presentación. Esta vez bañada en sintetizadores. De entre las composiciones propias de la banda, brillan "Hallelujah, It's Christmas!", la balada en plan romántico "It's Christmas and I Miss You" pero sobre todo la que titula al álbum, la festiva y ardiente "A Wild-Eyed Christmas Night". Otro lindo momento es "That Old Rockin Chair" una especie de mirada omisciente sobre la tranquilidad de los tiempos de navidad desde una vieja silla mecedora. De el mas que famoso binomio compositivo Jerry Leiber/ Mike Stoller, la banda se dá el gusto de reversionar a la cruda y salvaje "Santa Claus is Back in Town".

La mas que erizante "O Holy Night" es una cita continua en esta clase de álbumes y por supuesto otra que tiene fieles adeptos a la hora de interpretarse. Es sin dudas uno de los momentos mas estremecedores del álbum. Mas que acertada la voz de  Donnie Van Zant que por momentos sabe bien acompañarse por los coros de Barnes y Capps. Había sido compuesta por Adolphe Adam y su letra originaria en francés escrita por Placide Cappeau. Hace alusión a aquella noche Divina del nacimiento de el niño Jesus. La historia cuenta que a finales de 1843 el organo de la iglesia del pueblo de Roquemaure de donde era nativo Cappeau, era renovado. Con motivo de esto, algunos de los habitantes pidieron al poeta que escribiera un poema Navideño. Lo verdaderamente extraño y mas analizando su letra, era que Cappeau era ateo, no profesaba ninguna religión. Finalmente en 1847 con la música de Adam lista, fue estrenada en la voz de la cantante de opera Emily Laurey.

Barnes demuestra el buen uso de la mandolin guitar en el final del disco con otro conocido villancico folk de origen ingles. Uno de los mas antiguos que data del siglo XVI, en su versión instrumental, tal como también la interpreto la banda Jethro Tull alguna vez. El villancico en cuestión se resume a un pasaje de "Un Cuento de Navidad" de Charles Dickens: ..."Al primer sonido de: `Dios te bendiga´, alegres caballeros, no tendrán ninguna consternación... Scrooge (personaje ficticio del cuento) se ha apoderado de la ley con tal energía que el cantante huyó aterrorizado, dejando el ojo de la cerradura en la niebla e incluso con heladas mas que agradables..."

Siendo este su trabajo numero 14, 38 Special grabó solo un trabajo mas de estudio en 2004 "Drivetrain" y en 2011 el directo "Live From Texas". En el año 2012 sale a la luz la noticia de que Donnie Van Zant abandonaría la banda tras 39 años, debido a un problema en los nervios del oído interno. La voz principal quedaría por parte del guitarrista Don Barnes. De todas formas Van Zant sigue bien de cerca el mundo del "rock sureño" aportando ideas y letras para la banda y se divierte apareciendo en algún que otro concierto de Lynyrd Skynyrd, banda que como dato curioso tiene como cantante actualmente a otro Van Zant, Johnny el menor de los tres hermanos.



Personal:

Don Barnes - guitarras, mandolina, voces
Bobby Capps - teclados, voces
Danny Chauncey - guitarras, teclados
Scott Meeder - bateria
Donnie Van Zant - voz principal




Lista de Temas:

1. Jingle Bell Rock (Beal, Boothe)
2. Here Comes Santa Claus (Gene Autry, Haldeman)
3. The Little Drummer Boy (Davis, Onorati, Simeone)
4. Hallelujah, It's Christmas! (Barnes, Chauncey, Van Zant)
5. It's Christmas and I Miss You (Barnes, Peterik)
6. A Wild-Eyed Christmas Night (Peterik)
7. That Old Rockin Chair (Chauncey, Van Zant)
8. Santa Claus Is Back in Town (Jerry Leiber, Mike Stoller)
9. O´ Holy Night (Tradicional)
10. God Rest Ye Merry Gentlemen (Tradicional)

jueves, 19 de noviembre de 2015

David Gilmour - Rattle That Lock [Deluxe Edition] (2015)


A sus 69 años de edad el legendario guitarrista, cantante y compositor de Pink Floyd, David Gilmour, publica su cuarto álbum solista de estudio "Rattle That Lock". La gira de presentación del mismo, "Rattle That Lock Tour (2015–2016)" lo traerá por primera vez a la Argentina,
el 18 de diciembre de este año.

Casi diez años pasaron de su anterior álbum como solista, el aceptable "On an Island" (2006). En medio, un trabajo con la agrupación de música electrónica enfocada al "ambient house", The Orb : "Metallic Spheres" (2010). Salido en septiembre de 2015 "Rattle That Lock" ha cosechado criticas tanto favorables como no, dentro de los fans. Lo cierto es que es un disco un tanto alejado a lo que es su material como solista, iniciado a finales de los años 70´s con "David Gilmour" (1978), e incluso a los de Floyd. Pese a la relevancia dentro de la escena musical que tiene el guitarrista, el disco puede que tenga algún que otro altibajo. No terminan de cerrar la cohesión entre algunos pasajes entre su inmortal prog rock de clara raíz blusera, y su nuevo enamoramiento con en el jazz clásico. Si no fuera por esto, podríamos decir que en gran parte de las composiciones falta ese "factor sorpresa". En lineas generales es una placa con un concepto de tinte oscuro, por su estado general de melancolía, como así también por la temática de sus letras y el artbook del disco. Bien puede tratarse de un tema más que recurrente dentro de el prog rock, el paso del tiempo, la nostalgia hacia los tiempos de la juventud, reflexionando desde la edad madura.

Su pasado (terminado?) Floydeano se hace valer ya desde la introducción del álbum con "5 A.M." Canción instrumental que parece extraída del mismísimo "The Division Bell". Esta esencia intimista del comienzo fluye al mas puro estilo Pink Floyd hasta parir la canción que titula al álbum "Rattle That Lock". Un rock básicamente bailable con coros femeninos, de estilo rítmico que recuerda a el clásico "Money". Nada del otro mundo, pero la candidez  y certeza de sus solos le dan cierta identidad interesante, por supuesto. Cuenta con la participación de The Liberty Choir y las cantantes Mica Paris y Louise Marshall. El áurea melancólica prosigue, en "Faces of Stone", sobre todo en la introducción, para pasar a una base acústica bien lograda. Una canción cambiante con orquestaciones por momentos y otra vez están allí sus sutiles solos.

El momento de su infaltable y clásica steel guitar no podía faltar: "A Boat Lies Waiting". Pasajes de suaves pianos contienen el clímax de un bote navegando, con interesantes voces superpuestas. El clásico blues de David se manifiesta en "Dancing in Front of Me", donde intenta un cambio de estructuras, incluyendo una temática jazzera en un tramo. Algo que se respirará mas adelante en el álbum. Otra composición para no menospreciar es "In Any Tongue", intensa sin perder la tonalidad oscura predominante del álbum. Lo que había comenzado como un coqueteo con el jazz en "Dancing in front of me" en "The Girl in the Yellow Dress" acabaría como romance. Quizás uno de los mejores momentos del disco sea la gigante "Today" (el otro corte de difusión que salió junto al homónimo). Aquí si que nos quitamos el sombrero, a pesar de parecer otro flash back a los tiempos de "The Division Bell".

Fue coproducido con Phil Manzanera (Roxy Music), quien también aporta guitarras y teclados. Polly Samson (esposa de Gilmour), quien se destaca también como letrista, se encarga de la mayoría de las letras y adiciona piano y voces. Ya había contribuido con algunas de sus lineas para el ultimo disco de Pink Floyd "Endless River" de 2014. Otros invitados de renombre son los legendarios David Crosby y Graham Nash quienes aportan coros en "A Boat Lies Waiting"  y el buen amigo de David, Robert Wyatt (Soft Machine) quien ejecuta la corneta en "The Girl In The Yellow Dress". El arte de tapa a manos Dave Stansbie para The Creative Corporation. Aunque tenga un claro tono gris como la atmósfera melancólica de gran parte de las canciones, la portada nos deja un sabor esperanzador. La idea de una bandada de pájaros, en su mayoría negros, que salen en libertad desde su jaula, da la impresión que el guitarrista quiere soltar el pasado, sin mirarlo con resentimientos .

Un dato significativo es que las primeras notas de la canción "Rattle That Lock" fueron compuestas por Michaël Boumendil. Estas son las que preceden los anuncios de las estaciones de tren francesas que Gilmour grabó con su iPhone en la estación de Aix-en-Provence. Esta edición deluxe contiene cuatro tracks adicionales. Tres versiones diferentes de la canción "Rattle That Lock", entre ellas una versión con una mezcla techno para la juventud, y la versión orquestada de "The Girl in the Yellow Dress"


Lista de Temas:

1. 5 A.M.
2. Rattle That Lock
3. Faces of Stone
4. A Boat Lies Waiting
5. Dancing Right in Front of Me
6. In Any Tongue
7. Beauty
8. The Girl in the Yellow Dress
9. Today
10. And Then...

Bonus Deluxe Edition:

11. Rattle That Lock (Extended Mix)
12. The Girl in The Yellow Dress (Orchestral Version)
13. Rattle That Lock (Youth Mix - 12" Extended Radio Dub)
14. Rattle That Lock (Radio Edit)


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miércoles, 21 de octubre de 2015

Alejandro Del Prado - Los Locos De Buenos Aires (1984)


Alejandro Del Prado es otro importante cantante. compositor y guitarrista argentino que le canta a Buenos Aires. Proveniente de una agrupación formada en 1974  llamada Saloma, que se encargaba de fusionar el rock con los múltiples sonidos rioplatenses (murga, candombe , etc.). Saloma se separaría en 1978, lo que determinaría el inicio de su efímera pero contundente carrera como solista . Para la época de pleno auge del panorama post dictatorial del país, el músico ya contaba con dos rebosantes álbumes de estudio, "Dejo Constancia" (1982) y "Los Locos de Buenos Aires" (1984). Aquel primer LP, había sido perpetuado y grabado ya en en el año 1980, pero se editaría dos años después. La buena impresión que había dejado Del Prado en el panorama de la "música de autor" había llamado la atención de artistas ya consagrados, quienes participarían en aquel debut, como por ejemplo Litto Nebbia o ni mas ni menos que el mismísimo Silvio Rodriguez, quien canta la magnifica canción "Que Cazador", escrita por el poeta bonaerense Jorge Boccanera .

"Tangos, Murgas & Milongas" es un subtitulo mas que apropiado para esta colorida acuarela de composiciones. El epicentro de las canciones es por supuesto la ciudad de Buenos Aires. Sin perder el tiempo se pone en la piel de una especie de cronista/historiador, repasando algún que otro suceso determinante  de el país.  Una de las primeras murgas porteñas grabadas en vinilo, abre este álbum: "Aquella Murguita de Villa Real". Una introducción llena de algarabía, su letra tan poderosa, nos lleva a imaginarnos a esta murga pasando por nuestra calle, entre coros y ademanes jocosos e inventándonos a unirnos a ella. Dedicada a esa localidad de la cuidad autónoma de Bs As, que festejó su centenario en 2009. "Los locos de Buenos Aires", fue la gran composicion que en mayor parte impulso su carrera, cuando en la segunda mitad de los años 80 comenzó a tener cierta trascendencia en las emisoras. Compuesta en México en el 1982, es una melodía inigualable con su letra que pincela adecuadamente una serie de extraños (o no tanto...) personajes de la ciudad Buenos Aires. La canción pese a no formar parte del cancionero popular del llamado "rock nacional", tiene ese gusto a que si podría llegar a haber pertenecido ,y cierto aire de inmortalidad.

Evocando viejas nostalgias, quizás las mas cercanas a su adolescencia, Del Prado se inspira en quizás uno de los momentos mas sobresalientes del disco, el "Tanguito de Almendra". No solo canta sobre aquella agrupación que integraba Spinetta, sino que también rememora toda una época de la Argentina, recordando por ejemplo a aquellos viejos tocadiscos. Basta con escuchar: "Te acordás cuando escuchábamos Almendra en el Winco desinflado de una siesta...". También  rememora los tiempos  del régimen dictatorial en el país. Notese que evoca, sin vacilar, con un pequeño homenaje en el estribillo al gran Litto Nebbia evocando a aquel magnifico, "El Otro Cambio, Los Que Se Fueron":  "Si algo ha cambiado, eso es nosotros por suerte hermano, después de todo sobrevivimos a la gran pálida... mata podernos encontrar..."

La poesía urbana sigue haciendo eco en gran parte del álbum. Acompañadas por un curioso ritmo de reggae, con aires a la naciente "new wave" de por entonces. Un ejemplo es sin dudas la surreal "La vida esta llena de cosas peores" y otras de bellisimos arreglos de cuerdas, y sobre todo de voces, en la erizante "Fotos de una ciudad". Otro gran acierto en compás tanguero es "¿Donde vas, mariposa de lujo?" con su letra provocativa para aquella época, que se atreve a hablar de la marihuana. La clara e inteligente descripción e intención de la imperdible "Interrogatorio y allanamiento del duende", es recrear una detención y posterior tortura, en esa época ,como con una especie de fábula bucólica.

Luego de este excelente álbum, Alejandro Del Prado tubo un largo parate de dos años en México y tres en Madrid. Aquellas vivencias lo impulsaban igualmente a seguir con su interesante labor de compositor, ubicando su foco (sin importar donde residiera) en su amada ciudad de Buenos Aires. Pero la mayoría de sus nuevas canciones, se encontrarían muchos años despuès en lo que seria su flamante regreso a los álbumes de estudio en el año 2008 con "Yo Vengo de Otro Siglo"·


Lista de Temas:

1. Aquella Murguita de Villa Real
2. Los Locos de Buenos Aires
3. Tanguito de Almendra
4. La Vida Esta Llena De Cosas Peores
5. ¿Donde Vas, Mariposa De Lujo?
6. Ecológico
7. Yo Soy Tu Antepasado
8. Interrogatorio y Allanamiento del Duende
9. Fotos de Una Ciudad
10. La Marcha de La Pelota


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viernes, 18 de septiembre de 2015

Sly & The Family Stone - Stand! (1969)


Sylvester Stewart (Sly Stone) es uno de los personajes mas destacados, talentosos, alocados y revolucionarios de la música a fines de los años 60´s y principios de los 70´s. Comandando la agrupación "Sly & The Family Stone" ayudo a desarrollar el concepto legitimo y tan vanagloriado de la música soul y funk de EE UU, llevándola a terrenos novedosos como sus pares de Parliament Funkadelic, siguiendo por supuesto la linea inicial que trazó el rey de este genero, James Brown .

Los inicios de Sly & The Family Stone se remontan a San Francisco en 1966 cuando Sly forma la banda "Sly & the Stoners" y al cabo de un tiempo decide fusionarla a la de su hermano Freddie Stone quien lideraba "Freddie & The Stone Souls". Además de guitarrista, tecladista, bajista y cantante, las habilidades de Sly eran también las de productor y DJ en algunas emisoras de radio. Es curioso que lo bien que le calza el nombre a la banda, ya que la "familia" la constituía, sus hermanos Rose (teclados), Vaetta (voces) y obviamente Freddie (guitarra), junto con Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (pionero del slap, la forma de tocar el bajo emparentada al funk de hoy), Jerry Martini (saxo) y Gregg Errico (batería).  Había cuatro cantantes principales, los tres hermanos Stone y Larry Graham, a los cuales se les unían Cyhntia Robinson y las coristas del grupo de gosspel que integraba Vaetta: "The Little Sister".

Con toda esta troop de gente y voces de hombres y mujeres, blancos y negros intercalándose entre si y también sonando al unísono, era mas que evidente una nueva cuota para la música popular de hasta entonces. Mucho menos extraño, era que de hecho, el primer larga duración de 1967 fuera bautizado con el profético titulo de "A whole new thing" ("Toda una nueva cosa"). Fue así que esta naciente formación de fines de los años 60´s irrumpe en la escena de la música popular de por entonces, dándole un fuerte envión y sobre todo influenciando a músicos del jazz, como Herbie Hancock quien crea su conjunto "Headhunters" y Miles Davis invitó a Sly a tocar "On The Corner"y mas adelante en el tiempo es mas que obvia su influencia en Prince."Stand!", su cuarto álbum de 1969, consagra a Sly & The Family Stone que esboza una inmejorable fusión entre funk, soul, rock, el jazz y la psicodelia. La banda aquí pega el salto de calidad que cala hondo en aquella generación hippie y asi de inmediato son invitados ese mismo año al legendario Woodstock.

El inicio con "Stand!" es una oda al optimismo de ritmo ultra funk de un perfecto final de coros gospel. Su base rítmica influenciaría lo que seria la denominada música "disco" en los venideros 70´s. De inmediato el funk con temática social se hace presente con "Don't call me nigger, whitney" . Una canción anti-racial pero con un ida y vuelta: ..."Don't call me nigger, whitey... don't call me whitey, nigger".

"I want to take you higher" hizo furor en el memorable Woodstock, un groove sostenido por el hammond de Sly y las guitarras rockeras de Freddie. Una canción que se desarrolla entre medio de las voces de todos los miembros y donde desfilan varios estilos entre ellos el R&B, por el solo de armónica y el jazz por el acertado solo de trompeta. Entre todo ese torbellino desenfrenado y a la vez adictivo de "I want to take you higher" llega la calma con la paranoica y graciosa "Somebody's watching you", simple y de varios juegos vocales. "Sing a simple song" expone la mas autentica cepa funk del disco, con gran trabajo de Larry Graham al bajo. "Everyday People" fue el primer hit de la agrupación.

La omnipotente "Sex Machine" fue como una especie de epifanía para James Brown, ya que su álbum de ese mismo titulo saldría en 1970. Un zapada totalmente fuera de lo que era el funk hasta entonces, se presenta como uno de los primeros funks experimentales donde todos se lucen con sus instrumentos sobre todo el destacable solo de batería de  Gregg Errico al final. En esta edición disfrutaremos también de algunos bonus tracks que son las versiones en single de "Stand!" y "I Want To Take You Higher" y otras perlas mas.

El éxito considerable del álbum provoco ciertos desmanes dentro de la banda relacionado con el consumo de drogas, sobre todo por parte de Sly . El claro "soul sociopolitico" introdujo al músico en la lucha anti racial, llegando a formar parte de los "Black Panthers" (Panteras Negras), quienes lo obligaron a la estúpida labor de hechar a sus músicos blancos de la banda. Igualmente no se prohibirían de sacar grandes álbumes como "There's a Riot Goin' On "o "Fresh". Sly & the Family Stone se disolvería en 1975, pero Sly continuaría como solista hasta 1983. En 1992 la banda entraría en el legendario  Rock & Roll Hall of Fame y en 2007 el sello Legacy reeditaría y reemasterizaria todos los álbumes de la banda hasta 1979, lo que impulsaría a Sly al escenario luego de 25 años con una gira mundial no dejando del todo satisfecho al publico. Sin embargo su actividad como productor continuaría y el día de hoy, con sus 72 años, colaboraría con el músico Sal Filipelli en su álbum "This Day in Music History" de 2015.



Lista de Temas:

1. Stand!
2. Don't call me nigger, whitey
3. I want to take you higher
4. Somebody's watching you
5. Sing a simple song
6. Everyday people
7. Sex machine
8. You can make it if you try

Bonus tracks:

9. Stand! (single version)
10. I Want To Take You Higher (single version)
11. You Can Make It If You Try (unissued single version)
12. Soul Clappin' II
13. My Brain (Zig-Zag)


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jueves, 20 de agosto de 2015

Heurística Bola Musical - Al Latir (2015)


Segundo trabajo de este proyecto musical de la ciudad de Mar del Plata. El embrión de Heurística ya se había gestado allá por el año 2008 con el proyecto en solitario del cantautor Matias Martinez: La Guitarra en La Ventana (2008).

En el año 2012 tras reclutar a algunos músicos marplatenses se forma Heurística que al poco tiempo editarian su debut "Amanecer"(2013). En aquel trabajo descubrimos otro enfoque y otro concepto de sonoridades a algunas de las composiciones ya incluidas en su trabajo solista: La Guitarra en La Ventana (2008). "Al Latir" nos ofrece otro nuevo enfoque mucho mas pulido de las canciones de "Amanecer" que trascienden las limitaciones genéricas para fusionar nuevos estilos y se incluyen nuevas composiciones como "Mujer", "Gira Carrusel" y "Hoy".


Lista de Temas:

1. Marroquí
2. Murmullo
3. Sueño Primero
4. Congelar Un Latido
5. Luna Dime Que Me Ha Hecho
6. Plenilunio
7. Al Latir
8. La Piel
9. La Voz
10. Mujer
11. Gira Carrusel
12. Hoy


Integrantes:

Matias Martinez: guitarra y voz
Victoria Ocampo: voz
Julieta Centurión: percusión
Rosario Gonzáles Sáenz: violín


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Otros Discos de Heurística disponibles:

2013 - Amanecer


jueves, 30 de julio de 2015

IQ - The Wake (1985)


De los tres pilares que conforman el denominado "neo progresivo" (neoprog) nos faltaba homenajear aquí en este blog, a una interesante banda británica de principio de los años 80: IQ. Fueron participes entonces junto a bandas preferentemente de la impronta de MARILLION y PENDRAGON o Pallas inclusive, los que enaltecieron los conceptos de este genero.

IQ se origino en 1982 en Plymouth al sudoeste de Inglaterra. En principio constituida por el actual guitarrista Mike Holmes, el tecladista Martin Orford, el bajo de Tim Esau, el baterista Paul Cook y el vocalista Paul Nicholls. Al poco tiempo grabarían una especie de demo en formato "casette" titulado "Seven Stories into Eight". En 1983 saldría  su opera prima "Tales From Lush Attic" dejando una buena impresión en el publico mayormente del under. Su siguiente trabajo "The Wake" de 1985 saldría una semana antes del gran "Misplaced Childhood" de Marillion, cerrando una año inolvidable para este genero. Para sus dos siguientes álbumes, "Nomzamo" (1987) y "Are You Sitting Comfortably?" (1989) contarían con la voz de Paul Menel. El estilo de estos dos se acerca a un pop mucho mas comercial, latente y demandado en los 80´s. Inclusive llegaron a tener un éxito considerablemente masivo con el corte "Promises (as the years go by)". Sin embargo volverían los años progresivos con la vuelta de Nichols en 1990 para lanzar el aceptable trabajo "Ever" en 1993, álbum que vería la salida del bajista Esau, sustituido por John Jowitt. La vuelta de Nicholls asentuaria la impronta progresiva en los años siguientes. Por ejemplo con un excluyente trabajo; otra obra de concepto, el doble "Subterranea"(1997) o "Dark Matter" (2004) entre otros. En 2005 el baterista Paul Cook abandona IQ para cederle su puesto a Andy Edwards, y en julio de 2007 la importante cuota de Martin Orford abandona la banda. Las letras de IQ se caracterizan por ser oscuras, misteriosas, con un soporte depresivo, fusionadas con ese costado épico y fantasioso propio del genero que juntos logran una conjunción muy interesante.

Grabado en 1985, "The Wake", pretende seguir la linea de su antecesor "Tales From Lush Attic" , pero con un sonido mejor y una producción mas cuidada. Es un disco conceptual que habla de un hombre atravesando los umbrales de la muerte que a su vez niega de su cruel destino.  La obra en general destila un carácter emocional fúnebre. Es claramente percibible desde un fatídico comienzo con "Outer Limits". En esta canción inicial se describe precisamente el momento en que culmina la vida terrenal del protagonista. Una "mini-suite" de 8 minutos con un inicio de bases consistentes y tranquilas a la que se le unen unos tétricos colchones de sintetizadores para dar lugar progresivamente a los demás instrumentos. Continua su pasaje al mas allá con "The Wake" que por sus riffs la hacen una de las canciones mas "heavy metal" del trabajo. Aquí nuestro moribundo ser se mira a si mismo y su alma hace revisión de su vida en la tierra. Sus sentimientos son de remordimiento, soledad , nostalgia y frustración. Se encuentra frente a su destino y, también frente a su incapacidad para aceptarlo. Llegando al final la lánguida cortina de teclados de Orford emula a una misteriosa "luz" que atrae a el personaje, esto a la vez sirve de elemento cohesivo con la siguiente pieza que es quizás el punto de inflexión en nuestro personaje: la maravillosa "The Magic Roundabout".  En este raro espectáculo lumínico se desmantela lo que en verdad trama esta misteriosa luz: atraer hacia el limbo al personaje. Aquí sufre un vaciamiento espiritual enceguecido por la luz: "Estoy perdiendo la razón sigo olvidando lo que he dicho... trato de acercarla, pero no hay nada en mi cabeza. No creo en el jamás y no creo en el ahora. Si la vida es todavía, vale la pena vivir... ¿Cómo es que me siento solo ?...". Es este encuentro con la luz de lo que trata "The Magic Roundabout", de varios cambios de ritmos  y una melodía vocal bellisima,de una densidad emocional exquisita de la mano del peculiar histrionismo de Nicholls. El final lo corona un gran solo de Holmes.

Aceptando su cruel destino y ensordecido, el sujeto en cuestión comienza a vagar por los oscuros pasajes del limbo. Este deambular lo evoca la siguiente pieza "Corners". De impronta pop, con aires psicodelicos esconde cierto misticismo, quizás por la inclusión de una acertada citara a cargo de Holmes. Este vagar por el limbo no duraría mucho ya que los recuerdos terrenales y la negación hacia su cruel destino, comenzarían a pujar, especialmente los recuerdos de su esposa. Eso lo que evoca otra gran mini suite de casi 10 minutos: "Widows Peak", la obra maestra del álbum. Su intro recuerda mucho a pasajes del gran "The Snoow Goose" de Camel. Una vez un sinnúmero de cambios de ritmos, desde la psicodelia, hasta melodías de un oscuro romanticismo, todo sostenido por la teatral voz de Nicholls, elemento determinante en toda la obra.

Quizás la parte mas audible del álbum sea "The Thousand Days", con una acercamiento indudable a el sonido de The Cure, es una descripción del alma del sujeto, resignada a esperar su fatal destino. La coda de esta historia se la debemos a "Headlong" donde definitivamente la resignación se apodera de el y vé las cosas como deben ser. Finalmente todo se dilucida y acepta su terrible destino: la muerte. En su reflexión final hacia el entendimiento de su condición, el personaje aclama: "...Espíritu, que me llevaste al lugar del nacimiento, has puesto el miedo en el miedo a volar. El aliento de la muerte... quieres una firma ?, una firma es lo que deseas? ... ya esta allí."

"The Wake"una preciada joya y una huella imborrable del "neo prog" de los años 80, que a pesar de ser opacado por "Misplaced Childhood" de Marillion ayudo a levantar y aggiornar este genero que mostraba tener las defensas bajas por esas épocas. En el momento de la edición en compact disc se le adiciono un bonus track, "Dans le Parc du Chateau Noir" que pese a estar fuera del concepto, no desentona con el áurea lúgubre del álbum. Para la edición presente aqui de 1994, podremos gozar de la crudeza de los demos con dos bonus mas: "The Thousand Days" y "The Magic Roundabout". El arte de tapa estuvo a cargo de el propio Peter Nicholls. Los personajes son  de su creación, excepto el rostro del centro que esta inspirado en el personaje que interpreta la actriz canadiense Rae Dawn Chong  para la película "Quest For Fire" (1981), conocida también como "La Guerre du feu"  ( "La Guerra del Fuego" para el publico hispanoamericano).



Lista de Temas:

1. Outer Limits
2. The Wake
3. The Magic Roundabout
4. Corners
5. Widow´s Peak
6. The Thousand Days
7. Headlong

Bonus tracks:

8. Dans le Parc du Chateau Noir
9. The Thousand Days (demo)
10. The Magic Roundabout (demo)


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viernes, 10 de julio de 2015

Black Sabbath - Sabbath, Bloody Sabbath (1973)


Con cuatro  discos en su haber (en solo 3 años), Black Sabbath con su clásica formación (Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward), comienza a encaminar su heavy metal fatalista, gótico, distinto, hacia algunos arreglos de cuerdas, a trabajos de teclados emparentados, como no, a la música progresiva y sinfónica y a la psicodelia. Un trabajo excluyente para su ya de por si sorprendido publico.

Este sonido ya se venia gestando desde su anterior placa "Black Sabbath Vol 4." (1972) y desde aquel año también, atravesaban una crisis compositiva a raíz del abuso de drogas y sustancias del tipo psicotrópicas. Tal era el punto de escasez de ideas que hasta el guitarrista Iommi era incapaz de contribuir con aunque sea alguno de sus inmortales "riffs"y sus dedos se paralizaban al intentar sus punteos. Una de las soluciones que propuso el entorno de Sabbath era excluirse en el castillo Clearwell en Gales, para lograr una pronta desintoxicación y la tan ansiada iluminación. Fue allí entonces, donde se desarrollaron las sesiones de "Sabbath, Bloody Sabbath". Disco con muchos relieves de por si, con la  dureza y la energía de bases y guitarras potentes que los caracterizan, dulces pasajes instrumentales ("Fluff") o momentos esquizoides ayudados por la buena inclusión de sintetizadores y diferentes máquinas y teclados. Para esto ultimo la banda se dio el lujo de incluir al gran (nuevo amigo de Sabbath por entonces) Rick Wakeman de Yes, quien se prestaría como un verdadero guía hacia el camino de una musicalización mas compleja, llegando hasta a participar en una canción.

Así y todo, y a pesar de la "falta de inspiración", en un principio, el álbum marcó ya desde el homónimo inicial, una gran influencia para las bandas heavy metal de los años venideros tanto en los 80´s como en los 90´s. Un "groove metalico" en su enérgico desarrollo predomina en esta canción, una grandeza de la banda. El glorioso riff de Iommi se presenta como un verdadero océano eléctrico para que Ward y Geezer naveguen. Y por supuesto ahí esta Ozzy. Este gran vocalista de natural histrionismo e inigualable interpretación, el se abre paso con fuerza y elegancia. El riff de guitarra sigue por un momento para abocarse a una melodía con un fondo acústico muy hermoso y estilizado. En un momento la canción se vuelca a un ambiente bien heavy con toques progresivos.

Gran parte del álbum se esmera por recobrar el formato "hitero" en las canciones, despojándose de los sonidos lúgubres o extensas composiciones, etc. Buen ejemplo es "A National Acrobat", con otro excluyente riff de Iommi sobre todo en el incandescente final. Luego la singular "Fluff" una tajada instrumental de Iommi de bellos arreglos. El guitarrista aporta su buen gusto en ejecutar piano y hasta un clavicordio. Algunos pensaran que esta demás en el disco, y sobre todo habiendo otros instrumentales muy por encima de este, como por ejemplo "Changes" de su anterior álbum.

La "merlinezca" (así suena) "Sabbra Cadabra" es una genialidad y una bestialidad de este cofre lleno de sorpresas. Con su comienzo del todo arrasante, con una especie de  riff "heavy-blusero", (con un Ward espectacular), para darle paso a Wakeman con su mini moog y laportando también algunas cadencias bluseras en el piano. La presencia de Rick aporta una tensión dramática y misteriosa nunca vista en un disco de Sabbath hasta entonces. En "Killing Yourself To Live", Ozzy desata una fuerte critica, justamente hacia los críticos de la banda que se "matan cada día por vivir" pero obviamente a costa de ellos mismos. Una de las canciones mas duras del álbum, de fuerte base rítmica en la que Ozzy se preocupa por intervenir con el manejo de sintetizadores.

 La excéntrica "Who are you?" asoma como la composición exclusiva de Osbourne, arreglada inteligentemente por el resto de la banda. La base rítmica se sostiene por los synths de el propio Ozzy y de Iommi, a lo que le sigue un bello pasaje de un mellotron en manos de Gezeer Butler. La canción mas rara del álbum, que permite entrever el espíritu y la inquietud hacia las "maquinitas" del cantante, por aquel entonces. "La compuse una noche en el Bulrush Cottage mientras estaba cargando y jugueteando con una maquina de cinta Revox y mi ARP 2600" comentaría el vocalista. Como single llegó a ser numero 1 en Reino Unido.

Otra que no pierde la intención de sonar "redonda" es la acertada  "Looking For Today". Positiva por donde la miremos, concepto algo alejado a la impronta de la banda hasta entonces. Otra vez Iommi toma la posta, con un pegadizo riff y la inclusión de flautas en un segmento entre las palmas de todos los integrantes de la banda. Cierra el trabajo la ambiciosa "Spiral Arquitecht", otra genialidad. La sofisticación reaparece, desde la dulce intro de guitarras acústicas hasta los adornos de cuerdas a cargo de "The Phantom Fiddlers".

Quizás estemos ante el primer trabajo de el llamado "metal progresivo". Una joya de Black Sabbath , adelantado a su tiempo, o bien punto de partida de este subgénero.


Lista de Temas:

1. Sabbath Bloody Sabbath
2. A National Acrobat
3. Fluff
4. Sabbra Cadabra
5. Killing Yourself To Live
6. Who Are You?
7. Looking For Today
8. Spiral Architect


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